CA2M Centro de Arte Dos de Mayo

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ESCUELITA
A PARTIR 17 OCTUBRE

Gerard Gaskin, Baby at the Tony, Andrea, and Eric Ball, Brooklyn, NY, 2000


COREOGRAFÍAS SOCIALES

NADIE SABE TODAVÍA DE LO QUE UN CUERPO ES CAPAZ
17 OCTUBRE — 8 MAYO
MARTES
17:00 — 20:30

COMISARIOS JULIA MORANDEIRA Y MANUEL SEGADE

La escuelita del CA2M es una escuela informal, un organismo vivo de investigación transversal a la institución que opera como un laboratorio de formas no-tradicionales de producción y transmisión de conocimiento. Un programa de estudios raros de baja intensidad, un amasijo de experiencias y saberes informes, un dispositivo de aprendizaje promiscuo.

Las cuestiones que plantea y los debates que acoge están marcados por una urgencia y un deseo discursivos que emergen del contexto en el que trabajamos –el CA2M y la región de Madrid–, expandiendo brazos tentaculares hacia otras corrientes, ideas y prácticas. Así, y en relación simbiótica con el programa expositivo actual en el que performatividad, oralidad y cuerpo ocupan un lugar central, la segunda temporada de la escuelita parte de la infraestructura pensada en su primera edición para pensar el cuerpo a partir de un concepto catalizador: las coreografías sociales. El término alude a aquellas experimentaciones en el campo de la estética que generan representaciones sociales y formas de vida inéditas. Las coreografías sociales pueden entenderse entonces como aquellos lugares de negociación cultural en los que se ensayan y comparten normas estéticas según las formaciones sociales que producen. O quizá sea al contrario y son las tipologías de interacción social quienes son capaces de generar nuevas formas artísticas. En todo caso, estos bailes estético políticos nos posicionan frente a una comprensión del cuerpo –individual y colectivo– como un archivo contaminado de regímenes de representación, pero también como el campo de batalla en el que se negocian, se inscriben, se interpretan y se cortocircuitan otras sensibilidades y texturas de la historia.

El programa se conforma como un amasijo interconectado de historias encuerpadas, relatos menores y gestos disidentes. Las diferentes sesiones invocarán tácticas sonoras, performativas y corporales de lectura a contrapelo de la Historia, que avanzan ficciones e imaginarios radicales y recomponen tanto el pasado como el futuro. Atenderá a la interseccionalidad de género, clase y etnicidad, a las políticas del baile y de la fiesta y dirigirá la atención a las potencialidades y prácticas materiales del estilo, del glamour y de la noche. El discurso en torno a las economías afectivas en tiempos de malestar neoliberal también infectará el programa, buscando impulsar la imaginación y creación de coaliciones.

Las sesiones son públicas y abiertas. Si estás interesado en formar parte de la escuelita, escribe un email a Esta dirección de correo electrónico está siendo protegida contra los robots de spam. Necesita tener JavaScript habilitado para poder verlo.

SESIONES

17 OCTUBRE
La Historia es una coreografía que cada pose amenaza, con Julia Morandeira y Manuel Segade
La historia no es lineal; lineal es su relato naturalizado. La historia es, como la experiencia, circular, espiral, elíptica. El cuerpo es el agente de la historia, el instrumento historiográfico por antonomasia. La historia es, por tanto, somática, un repertorio coreográfico de gestos leídos en un orden determinado. El museo es el lugar donde la historia y su relato se negocian socialmente a partir de los restos de sus culturas materiales: cobija objetos y discursos y en él se desvelan sus condiciones de producción, el repertorio gestual que supone utilizarlos, relacionarse con ellos, ser historia.

Los gestos se aprenden, se legitiman, se codifican: pertenecen a un género, a una clase, a una raza, también naturalizados dentro de campos sociales históricamente definidos. Por el contrario las poses desmontan el lenguaje de los gestos oportunos: posar no es no hacer un gesto sino tomar las codificaciones existentes como un repertorio a disposición de los cuerpos, que los encarnan cada vez como acontecimiento, desmontando y reconstruyendo las relaciones construidas por la historia. Posar es ser consciente de cómo un cuerpo hace la historia. La pose es la carne de la historia a contrapelo. Las poses permiten leer las frases coreográficas de la disidencia, las microhistorias que permiten leer los giros, vueltas y repeticiones: los bailes de la historia. Si la anarquista Emma Goldman no podía participar en una revolución en la que no pudiese bailar, los museos de arte contemporáneo hacen bailar la historia: como en un ball room de voguing, como la apropiación de gestos por cuerpos a los que no les corresponden, en sus manos, la historia es un repertorio coreográfico de poses que amenazan sus lecturas hegemónicas.

La segunda edición de la escuelita es una epidemia de significación diferencial, un contagio afectivo realizada por medio de cuerpos afectados, de poses contaminantes.

Julia Morandeira es co-directora de la escuelita junto a Manuel Segade, director del CA2M - Centro de Arte Dos de Mayo.


24 OCTUBRE
behind the red pool in the deep sea lie the soldiers, con Magui Dávila
Conferencia-remezcla performativa de sonidos y resistencias de una geografía musical atlántica, que abarca desde el techno industrial y raver a los soundsystems afroamericanos y sonideros latinoamericanos a lo largo de la historia. Para ello a lo largo de las horas de las sesión, se mezclarán piezas visuales, fanzines, sonidos y relatos personales; muchas pistas bailadas, infinitos caminos trazados.

Abordaremos así tres proyectos editados en Las Lindas Pobres y desde los cuales podemos amarrar y disparar ideas en torno a aquellas formas de conocimiento práctico que se dan en la pista de baile, en las salas de ensayo, en las raves o free partys, en las tapas de discos y en las comunidades de Internet como forma de acción y de producción artística. Trabajaremos con fanzines dedicados a algunas de las magias de la cumbia digital, sonido amazónico, sudakiko, altiplánico, el gravetón, el electrochamanismo… un viaje al roots del sabor suave en su versión wi-fi, un sonidero que se propone como un contagio de la música y los fogonazos sociales que sobreviven en las periferias. Para ello, operaremos desde los lenguajes performativos y la edición en tiempo real como estrategias relacionales de montaje; como prácticas con las que se construye una sesión de imagen y sonido en directo. Esta parte de la sesión será ejecutada a través de una sesión híbrida a la manera de dj selector, en la que la línea de tiempo musical será intervenida por un relato/discurso visual enfocado a estas islas de sonido. Pensaremos y debatiremos sobre cómo estos proyectos sabotean en sus formas de producción y distribución de contenidos los sistemas tradicionales del campo de la música popular. También, audio-visualizaremos sonideros caseros construidos de forma independiente en la calle, en el espacio doméstico o en propuestas de fiestas expandidas, buscando contar otras historias sobre la música y el baile que operan de forma independiente a la discoteca, club o concierto. De esta forma, intentaremos descubrir conjuntamente cómo se resiste a una tradición musical legitimadora regida por el mercado y el poder hegemónico... sabiendo el desafío que implica hablar de música sin escuchar música y hablar de fiestas sin estar de fiesta.

Magui Dávila (Argentina, 1985) vive y trabaja en Madrid, donde coordina y dirige la editorial independiente Las Lindas Pobres y realiza el Doctorado en Estudios Artísticos, Literarios y de la Cultura, UAM, con el proyecto “Sonidos distópicos: del techno Detroit a las primeras raves en Europa. Música electrónica y resistencia 1980 – 1992”. Ha comisariado el programa de Picnic Sessions del CA2M en 2016 y 2017, colabora en la producción de imagen para el festival “she makes noise” de La Casa Encendida y es parte del grupo de performance Net-Out .

31 OCTUBRE
Contra-corrientes del Atlántico Negro con Aída Esther Bueno Sarduy

¿Dónde están sus monumentos, sus batallas, sus mártires?
¿Dónde su memoria tribal?
Señores, en esa bóveda gris. El mar. El mar los ha encerrado.
El mar es la Historia.
Estos son los primeros versos del poema “El mar es historia” del escritor caribeño Derek Walcott. Su gesto es desplazar la concepción terra-céntrica de la Historia, que construye el relato de pueblos, naciones e imperios desde sus geografías terrestres, para señalar la importancia acallada de este territorio transnacional que es el océano Atlántico. Para el teórico Paul Gilroy, el Atlántico es un espacio de construcción cultural diaspórica, fruto de la violencia colonial y la trata esclavista, así como de las formas de vida inéditas y redes de resistencia que en él se dan. Describe la transmisión de formas de cultura (y de supervivencia) afrodescendientes a través del océano como un fenómeno fractal, el Atlántico Negro, que provee una perspectiva que anuda la superestructura histórica y las micro-políticas de la experiencia. En esta sesión de cineforum en compañía de Aida Sarduy Bueno, recorreremos algunas de estas corrientes fractales de la historia afrodescendiente atlántica, como son los sistemas espirituales de origen africano que surgen en las costas del saqueo colonial, y que plantean otras formas de socialidad, familia, sexualidad, ecología, y mucho más.

Aída Esther Bueno Sarduy es antropóloga, profesora e investigadora. Es doctora en Antropología Social y Cultural por la Universidad Complutense de Madrid, y ha completado el programa de estudios Avanzados sobre Relaciones Raciales y Cultura Negra en el Centro de Estudios Afro-Asiáticos, Universidade Cândido Mendes-UCAM, Rio de Janeiro, Brasil.  Su campo de investigación son los estudios de la diáspora africana y las culturas afro-descendientes en América Latina, en especial las religiones de origen africano en Cuba y Brasil desde un enfoque de estudios de género y teoría y crítica feminista; su tesis doctoral investigó el ocaso de liderazgo de las mujeres en los terreiros del norte de Brasil.  Es profesora en el Middlebury College, New York University, Boston University, Hamilton College y Stanford en Madrid.


7 NOVIEMBRE
Una historia del “Ha!", con Sabel Gavaldón
Remezclado, sampleado y reconstruido infinitas veces, un clásico del Chicago house —“The Ha Dance" de Masters at Work— se ha convertido en el paradigma de cualquier ballroom beat. Este sonido frenético y tribal, industrial y anguloso, fue diseñado específicamente para animar desfiles transgénero y batallas de baile entre reinas de la noche negras y latinas. El “Ha!” original —si es que tal cosa existe— se basaba en un sample de Eddie Murphy en su comedia Trading Places, donde este humorista profería un inverosímil canto de guerra africano junto a Dan Aykroyd (un blanco con la cara pintada de negro). Hoy circulan de mano en mano cientos, puede que incluso miles de “Ha’s” en forma de CD-R y Mp3, producidos al calor de la que seguramente sea la más subterránea de las culturas de club. Durante esta sesión de la Escuelita, el curador Sabel Gavaldón nos propone adentrarnos en una historia del “Ha!”. Un viaje en el tiempo a través de una cronología enmarañada de copias y remezclas, guiños y versiones, apropiaciones culturales y actos de re-significación que abarcan buena parte de la modernidad. El “Ha!” no es otra cosa que el sonido de esa carcajada que atraviesa la historia. Una historia de luchas culturales. Batallas por el sentido que se libran en terreno de nadie. Una historia hecha de préstamos y de contagios, de robos y de hurtos, de parodias y de relecturas. En definitiva, una historia de las profanaciones.

Sabel Gavaldon es un curador independiente. En 2016 estuvo nominado al premio Independent Vision Curatorial Award que otorga el ICI de Nueva York. Junto con Manuel Segade, es curador de la exposición “Elements of Vogue” que se podrá visitar en CA2M Centro de Arte Dos de Mayo a partir de noviembre. 


14 NOVIEMBRE
Ensayo Editorial vol. 1
Los Ensayos Editoriales son una línea de trabajo que atraviesa esta segunda temporada, en conexión con la futura editorial que acogerá la escuelita. Parte de un entendimiento de lo editorial como una composición de diferentes formas de inscripción —culturales, corporales, lingüisticas, territoriales, etc.— y formas de (mala) lectura. Las sesiones consisten en diferentes ejercicios que experimentan con procesos de (re)significación, traducción, formas de enunciación y de torcer el lenguaje así como de interpretación y escritura colectiva, entendidos como procesos de performance cultural, en movimiento y negociación continuas. Son también un espacio de autoreflexividad para el grupo, en el que digerir lo trabajado a lo largo de la temporada y deglutirlo a través de producciones colectivas.

21 NOVIEMBRE
Leyendo Paris is Burning, con Manuel Segade
Una de las acepciones de escuelita remite al local neoyorkino donde, desde principios de los 80, las drag queens aprendieron unas de otras y, en los últimos años antes de su cierre en 2016, el voguing volvió a convertirse en una de las subculturas que definen la escena nocturna neoyorkina. Bajo el signo de esta referencia histórica, en esta sesión realizaremos un ensayo de coalición afectiva con fragmentos audiovisuales de la cultura del vogue, en un ejercicio de coreografía interpretativa que pretende ofrecer una traducción situada y emocional de la exposición Elements of Vogue. Un caso de estudio de Performance Radical.

En 1991, el documental Paris Is Burning supuso el punto de visibilidad máxima de la cultura del voguing, el baile afrolatino y queer que venía desarrollándose desde los años 20 en Nueva York. La película provocó una fuerte reacción en grandes críticas culturales de su tiempo, como Judith Butler o bell hooks: en plenas Guerras Culturales, sus discursos de crítica de género y de raza se confrontaban a una práctica subcultural que había efectuado su teoría como una praxis coreográfica, como un proyecto colectivo, que no correspondía con ningún ideal teórico ni con los marcos que ellas proyectaban hacia el futuro.

La lectura atenta y académica se mezclará con un contagio emocional, una forma experiencial en la que intentaremos ensayar otras modalidades de transmisión de los discursos curatoriales, volviendo el museo a su casilla de salida: como el lugar de negociación de la cultura –del cultivo– de lo común. Al fin y al cabo, como Dan Graham escribía: “Creo que un museo es un gran lugar para reavivar el amor”.

Manuel Segade es co-director de la escuelita y director del CA2M - Centro de Arte Dos de Mayo.


28 NOVIEMBRE
Re-inscripciones, con Diásporas Críticas.
Re-inscripción es una sesión de exploración poética y estética que parte de un breve comentario sobre los vínculos históricos entre la visualización de datos, la gestión de la enfermedad y las leyes raciales, génesis de control social y políticas del cuerpo. Instituciones, discursos políticos y científicos, tropos literarios y "mapas de cadenas de contagio" formaron parte de la superposición de movimientos higienistas, desde la medicina tropical a los proyectos de regeneración social, que dieron lugar a la "limpieza" de la ciudad en el siglo XIX y principios del XX. La variación contemporánea de estos movimientos incluye una fusión pulsional entre el flujo de capital y de la imagen, sumada a la autonomía de las palabras y los signos que actúan en la realidad como telón de fondo de la indiferencia ante nuevas formas de exclusión. El racismo redobla su modelo de extracción simbólica, ayudado por la avanzada de las tecnologías reproductivas, las imágenes digitales y los estudios genómicos. Por lo que la tecnología comienza a revelar las lógicas de raza y racismo del futuro (A. Mbembe). De otra parte, virus, plagas, genes son representados en “la república autónoma de las imágenes” a través de mapas virales, árboles filogenéticos, tecnologías visuales para la selección de células, sensores calibrados al tono de la piel y numerosos tipos de pantallas que alienan concepciones profundas e imaginarios vitales a la posibilidad –o no- de convertirse en un dato visible. 

 

Abordaremos la relación intrínseca entre el régimen de visualidad que produce la digitalización y composición de datos, y la materia viva sobre la que se encarna esa producción especulativa: biología, sexualidad, racialización, movilidad y migración siguen siendo los principales anclajes políticos y afectivos de una economía ficcional que reinscribe y actualiza formas de control. Revisaremos ¿Cómo escribir una enfermedad tropical? / ¿Cómo escribir un manifiesto?, de Rebecca Close, para comprender el momento de emergencia de la medicina tropical y sus implicaciones. Nos apoyaremos especialmente en algunos pasajes de Crítica de la razón negra, de Achille Mbembe, sobre el racismo contemporáneo, acelerado por la dictadura actual de la imagen, la economía financiera y las biotecnologías. Cerraremos con una lectura a varias voces, a modo de hackeo poético del régimen visual.

Re-inscripción es un proyecto de publicación en curso, en fase de investigación y escritura. Ganador del Premi Miquel Casablanca, Barcelona, 2017.

Diásporas críticas desarrolla proyectos de investigación artística, acciones poéticas y talleres de lectura bajo metodologías decoloniales y pedagogías críticas. Actualmente es dinamizado por Rebecca Close, investigadora y poeta, y Anyely Marín Cisneros, investigadora y productora cultural. Han organizado intervenciones, lecturas y programas públicos con museos, centros de arte, universidades y espacios autónomos.

12 DICIEMBRE
Políticas materiales del glamour, con R. Marcos Mota.
Imagina que estás ante un playback. Ahora imagínate que estás ante un playback pero la travesti no está ahí, o ahí donde pensabas que estaba la travesti hay otra cosa. Que no hay nada. Imagina que es la audiencia la que rellena este hueco. Imagina que en este hueco, o fantasía travesti, la travesti no está porque, como en el playback, está desplazando su acción en el tiempo. Esto significa que la travesti se está maquillando, o está muerta. Esto significa que durante un playback sin travesti que articule performativamente hablando ése playback, potencialmente hay una travesti maquillándose y otra asesinada. La audiencia es potencialmente travesti en cuanto sepa aprenderse ese playback e interpretarlo o versionarlo. Por eso y porque la audiencia rellena ese hueco, toda la audiencia es potencialmente una o más travestis que puedan maquillarse o morir.

El glamour es una autoficción que conlleva al menos un componente de verdad subjetiva.
El glamour asume la performatividad del ámbito social para explorar sus potencias y cortocircuitar sus códigos morales de conducta.
El glamour es una potente herramienta de transformación a escala micropolítica.
El glamour es un hechizo visual.

En esta sesión, que se estructurará como striptease narrativo, diseccionaremos algunos de los poderes del glamour, analizando sus discursos políticos y sus devaneos prácticos.

R. Marcos Mota es travesti, artista y vive en Barcelona. Su trabajo se centra en la intertextualidad de las identidades trans como método y campo de investigación. Es co-directora junto a Mariokissme de El Palomar, proyecto de dinamización cultural en relación a arte y artistas por la disidencia sexual y de género.


19 DICIEMBRE
Salón de Belleza
Salón de Belleza es espacio recurrente de esta segunda temporada de la escuelita. Un espacio creativo centrado en la investigación en torno las políticas del estilo, maquillaje, pelo y uñas, entendidas como lugares y prácticas de resistencia, cuidados, resignificación y fantasía. En esta primera sesión, trabajaremos sobre el maquillaje y el contouring cruzado con lecturas de face performance del voguing, tutoriales youtube y la queer masquerading.

 

 

 

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