CA2M Centro de Arte Dos de Mayo

 
 

Jornadas Estudio imagen_Imagen Andrea Rodrigo

Envoltura, historia y síncope, de Isabel de Naverán © Andrea Rodrigo


JORNADAS DE ESTUDIO DE LA IMAGEN XXVI
POR QUÉ CUERPOS, PARA QUÉ HISTORIAS
19, 20 Y 21 MARZO 2020


Comisariado de Isabel de Naverán con escuelita
Ponentes: Isabel de Naverán, Pablo Marte, Thiago Granato, Rita Natalio, Eszter Salamon, Liza Baliasnaja, Tiran Willemse, Julia Morandeira, Manuel Segade, Ameen Mettawa y Ana Folguera.


Estas jornadas replantean el preconcepto que sitúa a los cuerpos como una consecuencia de las circunstancias históricas que les ha tocado vivir, ya que, si bien la historia hace los cuerpos, también estos hacen la historia. Esta es contada a través de imágenes que, al contrario que los cuerpos, quedan fijadas y enmudecidas, provocando que más que narrarse, la historia se contabilice. Las imágenes parecen detener los acontecimientos y a menudo son relegadas a una correspondencia unívoca con los hechos. Lo que se propone aquí es escuchar cómo algunas se revelan para desdecir y contravenir sus propios relatos, a la vez que se rebelan, advirtiendo de otras historias que emergen en su relectura y en la disputa contra la ordenación del tiempo. Vistas así, algunas imágenes no se quedan mudas, mutan, actúan a la vez que son actuadas, maniobradas y sostenidas. También los cuerpos son actuados y sujetados por otras corporalidades, aquellas que habitan su gestualidad aprehendida por el conocimiento de una tradición o por una determinada manera de relacionarse y disponerse ante sus variados mundos. La pregunta del título imagina un hacer de los cuerpos y de las imágenes que en estado de mutua escucha establecen correspondencias a destiempo, anacrónicas, sincopadas, desafiando la linealidad que predispone un antes y un después.


Las jornadas se articulan en tres sesiones centradas en procesos artísticos y coreográficos específicos que exploran nociones de historia, tradición y transmisión desde técnicas del cuerpo autogeneradas que nos permiten especular en torno a procesos que podrían ser calificados de reconocimiento de archivo gestual, extrañamiento de la tradición propia o exploración de la escucha entre cuerpos presentes y ausentes, buscando ampliar el estudio al diálogo con agentes cómplices del arte, la antropología y la filosofía, en un cruce de saberes.

 


CONVOCATORIA: SESIONES CRÍTICAS


Las propuestas seleccionadas para las Sesiones Críticas de la edición 2020 de las Jornadas de Estudio de la Imagen son:

_ Ameen Mettawa con Jook Archaeology: stickin, rollin, ridin, vibin in South Florida 2001-2009

_ Ana Folguera con ¿Y qué hay en este cuerpo? Otros materiales para el flamenco

Debido al gran número de propuestas recibidas, el equipo de selección ha decidido destacar también las propuestas de:

Renan Laruan
Silvia Zayas
Mar Medina
Carolina Bonfin
Paula Noya
Javier R. Casado

Lamentamos no poder ampliar el programa para darles cabida y esperamos encontrar maneras para poder dar visibilidad a sus investigaciones en el futuro próximo. Muchísimas gracias a todas las participantes.


PROGRAMA


JUEVES 19 MARZO


_ 17:00  17:15 Presentación: Manuel Segade y Julia Morandeira

_ 17:15  18:00 Conferencia: Envoltura, historia y síncope. Isabel de Naverán

_ 18:00  18:45 Conferencia: Cosas que existen una cerca de la otra. Historia y síntoma. Pablo Marte

_ 18:45  19:30 Debate

_ 19:30  19:45 Pausa

_ 19:45  20:30 Conferencia: Coreoversaciones. Cómo lidiar con la presencia de quienes no están. Thiago Granato. Presentada y moderada: Isabel de Naverán

_ 20:30 – 21:00 Debate


LO QUE LAS IMÁGENES HACEN HACER


¿Qué es lo que las imágenes hacen hacer? Esta sesión plantea la posibilidad de un estudio de las imágenes de la historia desde su materialidad, atendiendo a sus texturas más que a los significados dados. Busca detectar relatos contra-hegemónicos que surgen de la observación de detalles aparentemente insignificantes, y aspira a situar el valor de afectación de las imágenes que se muestran / aparecen cuando la historia es, como nos dice Walter Benjamin, «peinada a contrapelo».


A partir de ahí, se trata de observar la resistencia de momentos cruciales a la fijación en una única representación; de contraponer el pulso vital al pulsador técnico de la cámara que detiene acontecimientos que, con el tiempo, pasan a ser históricos, dejando fuera de su encuadre otros relatos. Su manifestación, fruto de la performatividad de ese gesto fugitivo, da inicio a estas jornadas.


Conferencia: Envoltura, historia y síncope. Isabel de Naverán
Envoltura, historia y síncope responde a la voluntad de recoger, describir y decir las imágenes que, por debajo y por lo bajo, acompañan un proceso de investigación en torno a las relaciones del cuerpo con la historia y al modo en que las ideologías emanan en los gestos y controles sobre los cuerpos y sus representaciones. A partir de detalles específicos de la vida pública de artistas como Antonia Mercé y Luque “La Argentina”, Kazuo Ohno y Tatsumi Hijikata, Rocío Molina o Federico García Lorca.


Conferencia: Cosas que existen una cerca de la otra. Historia y síntoma.. Pablo Marte
«Me he propuesto repensar la Historia desde las plantas de mis pies, desde mis manos, mi sexo y mis ojos, que a veces miran para fuera y a veces para dentro, desde situaciones caminadas o recorridas en bicicleta: narraciones viajeras, las llamo. Y hacerlo en relación a una tercera figura: el Síntoma, sobre la que lo cierto es que no sé gran cosa. Me atrae lo que aventura su etimología, pues síntoma procede del griego sýmptoma, que significa “coincidencia”, “caer juntamente”. Comencé a pensar en esta figura a raíz de la noción de síncope que propone Isabel en Envoltura, historia y síncope. Me parecía que el síntoma se encontraba allí como un aire que ronda, circula y baila entre el símbolo (de la Historia) y el síncope. El síntoma como un marco para reconsiderar otras relaciones, otros cuerpos y otras historias entre los hechos, las palabras y las imágenes.» (Pablo Marte)


Conferencia: Coreoversaciones. Cómo lidiar con la presencia de quienes no están. Thiago Granato. Presentada y moderada: Isabel de Naverán
Desde hace años Thiago Granato desarrolla el proyecto Coreoversaciones, que aspira a generar redes de relaciones entre artistas y públicos, reales o imaginados, para suscitar debate en torno a cuestiones de genealogía, autoría, apropiación, ausencia y presencia en el canon de la danza contemporánea. Parte de conversaciones coreográficas imaginarias en las que pone y dispone su cuerpo y su subjetividad al diálogo con espectros de coreógrafos muertos, vivos, o aún por venir. Explora modos de generar compromiso e implicación a través de intercambios ficticios que permiten una identificación temporal necesaria para abordar y comunicar situaciones ficticias, informaciones históricas, hechos y especulaciones a través de distintos tiempos y espacios. Así, Coreoversaciones se fundamenta en la posibilidad de una coexistencia de la historia con la ficción en lo que sería un entrelazado de experiencias reales, imaginadas y vividas.


VIERNES 20 MARZO


_ 17:00  17:45 Sesión crítica: Jook Archaeology: stickin, rollin, ridin, vibin in South Florida 2001-2009. Ameen Mettawa

_ 17:45  18:30 Sesión crítica: ¿Y qué hay en este cuerpo? otros materiales para el flamenco. Ana Folguera

_ 18:30  18:45 Pausa

_ 18:45  19:30 Conversación: entre Julia Morandeira y Rita Natalio

_ 19:30 – 20:00 Debate

_ 20:00  21:00 Performance: Trança [Trenza]. Thiago Granato

Jornadas sesion 02 Trança Thiago Granato ©Haroldo Saboia

Thiago Granato en Trança © Haroldo Saboia


TEMPORALIDADES MATERIALES, TRENZAR LA ESCUCHA ENTRE LOS CUERPOS


En esta segunda jornada, el debate se abre hacia otras concepciones de la historia. También hacia otras maneras de concebir y de vivir las relaciones sociales desde el hacer coreográfico y las múltiples temporalidades que pone en funcionamiento. Se trata de establecer diálogos entre nuevas formas de antropología y los desafíos presentes en ciertas investigaciones propiciadas desde las técnicas de la danza y el movimiento, la coreografía y la exploración del contacto. Diálogos que convergen en la apuesta por el conocimiento generado en el cruce de historias y tiempos, de vivencias y escuchas de situaciones y corporalidades no reconocidas o que han pasado inadvertidas a los relatos oficiales. Esta sesión se ancla en una edición no escénica de la pieza Trança [Trenza] que el coreógrafo brasileño Thiago Granato propone respondiendo a la invitación para participar en esta edición de las Jornadas.


Sesión crítica: Jook Archaeology: stickin, rollin, ridin, vibin in South Florida 2001-2009. Ameen Mettawa
Valiéndose de una arqueología youtube y usando como materiales vídeos que enseñan bailes, vídeos musicales y canciones, este proyecto indaga en la vida ulterior del tema «Peanut Butter & Jelly» para construir una narrativa de la jook music del sur de Florida. Como el footwork de Chicago, el gqom de Durban o el kuduro lisboeta, la jook music no puede ser tratada como un género musical sin más: sus dinámicas sonoras parten de una comunidad específica de bailarines con una ubicación geográfica y social concreta. Un método arqueológico audiovisual sitúa los singulares elementos sónicos de la música jook dentro de la dialéctica coreográfica esencial para su construcción, que corporeiza el grafismo de Fruity Loops (de FL Studios) y fruitiloopiza los movimientos corporales. No obstante, mientras el footwork, el gqom, FL Studios o kuduro (surgidos todos ellos más o menos a la vez que la jook music) han desembocado en el uniformador campo de la música bass global, la persistencia contemporánea de la música jook es un mero artefacto (exceptuando el single de 2017 de DJ Khaled «To The Max», con Drake). Y aunque eso ha limitado las posibilidades del jook de alcanzar los cuerpos de bailarines fuera del sur de Florida en la última década, sí ha permitido al jook-artefacto mantener su especificidad local como música de la comunidad haitiana de esa zona geográfica, que es precisamente lo que la hace posible. En ese sentido, cualquier exploración de la jook music implicará necesariamente abordar los sonidos de la inmigración, la policía, el racismo y el cambio climático.


Sesión crítica: ¿Y qué hay en este cuerpo? otros materiales para el flamenco. Ana Folguera
Los espacios de transmisión del flamenco son múltiples y dispersos. Sin embargo, curiosamente su circulación es monolítica y lineal. El cuerpo en el flamenco se construye respecto a imágenes que, vistas de manera crítica, son muy cuestionables desde parámetros históricos y políticos. Fundado sobre categorías propias del Romanticismo (el genio, el duende, el exotismo, la idealización de la naturaleza y lo agrario, la oralidad, entre otros), el flamenco discurre paralelo a la cultura contemporánea sin que se deje afectar por algunas revisiones propias de esta. Esto no sólo influye en la imagen que se tiene popularmente del flamenco, sino que también en las aulas y en las salas de ensayos se repiten lugares comunes que generan una teatralidad y un cuerpo determinado. Sería interesante reflexionar sobre qué genealogía estamos aprendiendo (o viendo en un teatro), buscar nuevas metodologías, incorporar la crítica como parte de la investigación coreográfica; preguntarnos qué imágenes se han generado, ya sea desde fuera o desde dentro del flamenco, y expandir por tanto las posibilidades de los cuerpos. En una expresión que, siendo parte de la cultura contemporánea y habiendo vivido muchas reinvenciones en poco tiempo, es curioso cómo todavía perviven paradigmas inmutables y fijos.


Conversación: entre Julia Morandeira y Rita Natalio
Partiendo de una revisión crítica de la antropología, esta conversación busca abordar una serie de cuestiones que se cruzan en diferentes momentos de esta edición de las jornadas: cuestiones como los modos en los que el cuerpo se entrelaza con su entorno, su historia y los tiempos que los atraviesan, alterando la noción clásica de ontología para abrir en su lugar la posibilidad de escuchar un archivo somático, de pensar en formas de ecología y perspectivismo desde el cuerpo; o la cuestión de la tradición de las técnicas corporales y el cómo se naturalizan como ideología corporal, pero también cómo se produce la transmisión e incluso el extrañamiento de la tradición propia, borrando y confundiendo nociones de origen y pertenencia así como otras particiones de la modernidad eurocéntrica. Para abrir este diálogo, la naturaleza encuerpada y situada de las prácticas de performance y la danza se presenta como un lugar privilegiado para negociar este debate, profundamente ambiguo, y ensayar una arqueología que le sea acorde.


Performance: Trança [Trenza]. Thiago Granato
Trança es una invitación a realizar una excursión táctil en la que el sonido, la luz y el movimiento se entrelazan con superficies vertiginosas y temporalidades otras. Desde una coreografía de manos, Granato acelera modos de transformación de diferentes tipos de fuerza que son trasladados a signos, promoviendo una exploración del poder del cuerpo para crear contextos que vislumbran nuevas formas de vida. Trança es la segunda parte de la trilogía Coreoversaciones, cuyo proceso de configuración y planteamiento se comparte en la primera sesión de las Jornadas.


Respondiendo a la invitación, Thiago Granato propone una adaptación de la pieza, que sustrae de la versión original el aparato de diseño de luces así como el escenario de caja negra, para testar un espacio de relación más íntimo entre performer y audiencia.


Concepto, dirección, coreografía y performance: Thiago Granato / Coreógrafos invitados (presencias ficticias): Cristian Duarte y Jõao Sandanha / Asistencia de dirección y cocreación: Sandro Amaral / Diseño original de luces: André Boll / Diseño original de sonido: Márcio Vermelho / Asesora de vestuario: Paula Ströher / Duración: 50 min (sin descanso)



SÁBADO 21 MARZO


12:00 – 14:00 Performance en edición especial de Monument 0.4: Lores & Praxes (rituals of transformation) de Eszter Salamon. Activada por Liza Baliasnaja y Tiran Willemse.

Lugar: Centro Coreográfico Canal, Teatros del Canal
Hora y punto de encuentro: 11:45 horas en la entrada de recepción de los Teatros del Canal
El aforo está limitado a 80 personas. El acceso se realizará por estricto orden de llegada.

Jornadas sesion 03 Lores and Praxes Eszter Salamon

Monument 0.4: Lores & Praxes (rituals of transformation) de Eszter Salamon © Lisa Rave


EL CUERPO COMO ARCHIVO DE SUSTRATOS IDEOLÓGICOS


El cuerpo es un lugar de emergencia de las ideologías, las técnicas y los saberes aprehendidos y archivados en forma de herencia cultural, memoria corporal y hábito de relación. En esta última jornada se aspira a rebatir la idea de que la memoria corporal funciona como una memoria intacta a la que en cualquier momento podemos recurrir asegurando cierta fiabilidad. Por el contrario, esta está en parte configurada de faltas, olvidos, quiebros; de saberes físicos y gestuales adquiridos que conforman una forma de estar en el mundo. Desde este horizonte, se busca repensar el concepto de apropiación cultural, cuestionar la idea de una tradición propia, revisar los conceptos de pertenencia, origen y género a través de las prácticas de la danza, de las manifestaciones de sustratos materiales y en la inscripción de la historia en el cuerpo.


Estas cuestiones son encarnadas y activadas de manera compleja en la edición especial de la performance MONUMENT 0.4: Lores & Praxes (Rituals of transformation) que la coreógrafa Eszter Salamon ha preparado para cerrar esta edición de las jornadas.


Performance de Monument 0.4: Lores & Praxes (rituals of transformation)
Dos performers –Liza Baliasnaja y Tiran Willemse– de distintos continentes activan lo que parecen ser danzas de guerra, gestos de resistencia vinculados a su lugar de origen que, como dice Eszter Salamon «no están destinados a ser aprendidos, dado que quedan fuera de la educación de la danza contemporánea y del radar del mercado económico». La coreógrafa se pregunta qué supone para los bailarines encarnar estos gestos, y si sería posible invertir las lógicas de migración del conocimiento histórico a través de la reinvención de las técnicas cuando se rehacen a partir de las imágenes mediales. Desde 2014 desarrolla una serie de trabajos que buscan repensar la idea de monumento y, en palabras de la artista, «re-alucinar» la historia. En esta serie de piezas, que toman distintos formatos, duraciones y modos de presentación, la memoria es convocada para reunir a los fantasmas de la identidad, la autenticidad y el origen. MONUMENT 0.4: Lores & Praxes (Rituals of transformation) es el cuarto gesto de la serie. (Más información –en inglés–)


Concepto y dirección artística: Eszter Salamon / Desarrollado e interpretado por Liza Baliasnaja y Tiran Willemse




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PROGRAMA COMPLETO (descarga)


Entrada libre hasta completar aforo.


Más información en Esta dirección de correo electrónico está siendo protegida contra los robots de spam. Necesita tener JavaScript habilitado para poder verlo. / 912 760 227.