CA2M Centro de Arte Dos de Mayo

 

UNIVERSIDAD POPULAR

PERO… ¿ESTO ES ARTE?

X CURSO DE INTRODUCCIÓN AL ARTE ACTUAL

MIÉRCOLES 14 FEB—11 ABR 2018

18:30 —20:30 H


INSCRIPCIÓN

 

DIRIGIDO POR SELINA BLASCO

 

Destinado a cualquier persona interesada en el arte actual. No es necesario ningún conocimiento previo

Inscripción a partir del 15 de enero

 

Para la asistencia a alguna conferencia suelta el acceso es libre hasta completar aforo

 

Abordamos un nuevo curso desde esta pregunta, una duda que llegó con la modernidad, hace mucho, muchísimo tiempo. Sorprendentemente, en la sociedad de híper consumo en la que vivimos, sigue ahí, sin agotarse. La usamos como arma y como escudo, como refugio también. La manipulamos y la manoseamos. Algunas veces, la hemos lanzado desde la incredulidad (porque, no nos engañemos, quien pregunta piensa que la respuesta es no), pero nunca desde la suspicacia. Confiamos en el arte, y sobre todo en lo que tiene de enigma. Por eso la respuesta no tiene por qué ser un sí, ni queremos convencer a nadie de nada. La respuesta es que no hay o, más bien, que no lo sabemos, que no tenemos ni idea.

 

Así que, lo dicho, seguimos instaladas en la pregunta, y en esta edición pensamos en otra vuelta de tuerca. ¿Y si en vez de plantear que hay un determinado tipo de arte que damos por supuesto que es difícil de definir como tal, derribamos las certezas con las que nos acercamos al arte que lleva ahí toda la vida? Presuponer un arte que requiere explicación implica establecer una división entre quien duda y quien tiene las respuestas. Vamos a intentar algo menos categórico. Pensar las prácticas que se asocian a disciplinas asentadas (el dibujo, la pintura, la escultura, los sonidos musicales o el diseño), a soportes, lugares de exposición y públicos que parecen naturales pero, ojo, pensándolo todo desde el aquí y el ahora. Sentirlo como una urgencia renovada. Lo que nos intriga es lo presuntamente evidente.

 

Este curso no tiene título, pero podría ser algo relacionado con el deseo de doblar los haceres del arte. El arte de doblar: un curso de origami.

 

El CA2M desarrolla una línea de actividades de formación en arte y pensamiento contemporáneos enmarcadas dentro de la tradición de las universidades populares especialmente dirigidas a público joven y adulto. En estos cursos se abordan algunos de los planteamientos fundamentales para entender e interpretar el arte actual, para pensar en él. Estas actividades constan de dos partes: una primera consistente en la presentación de un tema por un invitado seguida por otra en la que se abre el debate para que los asistentes tomen la palabra. Las sesiones presenciales se complementan con el trabajo personal de cada asistente en relación a textos que serán entregados antes de cada una de las sesiones del curso.

 

14 FEBRERO

La pintura es misteriosa

Selina Blasco

Siguiendo el hilo de la observación de Ángel González García de que es mejor pintar sin tener ni idea, nos preguntamos: ¿cómo habría que tratar con la pintura? En la charla vamos a intentarlo desde ese no saber, pero situándonos en otro lugar, el de la ignorancia de quien no hace, de quien no pinta nada. Vamos a preguntar a las personas que pintan para ver qué es lo que averiguamos. Ya tenemos una respuesta, y nos gusta tanto que es la que hemos elegido como título de la charla. La cosa promete. También vamos a ingeniárnoslas para construir la narración de este ejercicio de investigación sobre el terreno, de trabajo de campo. La pintura quiere ser tratada.

 

Selina Blasco es profesora de Historia del arte en la facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid

 

21 FEBRERO

Dibujo y cultura visual contemporánea. Una aproximación desde la práctica artística

Azucena Vieites

El trabajo de Azucena Vieites se ha desarrollado en torno a las técnicas y los procesos gráficos de la expresión, acercándose a la cultura visual contemporánea a través del dibujo o la serigrafía. La multiplicidad, el fragmento o la repetición como ruptura con respecto a la imagen absoluta y las formas lineales de narración o el carácter efímero de la obra se ponen de manifiesto como aspectos relevantes en su producción. A partir de algunos ejemplos de su propia práctica y de otras piezas de diversos artistas, elaboradas en esta misma línea, reflexionaremos en esta charla sobre el dibujo como una forma de representación y conocimiento del entorno que nos rodea en relación a un momento del presente.

 

Asimismo, se tratará de relacionar los ejemplos propuestos con algunas cuestiones planteadas por la realizadora alemana Ulrike Ottinger; esta artista trabaja en cada una de sus películas con la intención de encontrar una forma adecuada que tiene que ver con los colores, con el tiempo, con la estructura dramática y con la manera de unir las imágenes.

 

Azucena Vieites es artista y profesora en las facultades de Bellas Artes de Madrid y de Salamanca. Entre sus exposiciones individuales destacan Woollen Body, galería Carreras Múgica (Bilbao, 2015) y Tableau Vivant, Museo Reina Sofía (Madrid, 2013).

 

28 FEBRERO

Un carpintero amateur

Carlos Granados

Me gusta pensar ideas y hacer cosas. Pasar de la cabeza a la mano. Y de la mano a la cabeza. De artista conceptual a carpintero ¿Acaso tienen algo que ver el arte y la carpintería? Duchamp dijo que había que viajar sólo con un cepillo de dientes, sin carga. Cuando estudié artes, mis referentes eran este tipo de artistas, tipos que trabajaban con las ideas. Ahora trabajo con el cepillo de desbastar que usaba mi abuelo y al hacerlo pienso en su práctica. De repente me veo acumulando, trabajando la madera, haciendo. Me gustan los proyectos que me llevan mucho tiempo. Hay una frase que dice mi amigo Ángel: mide dos veces, corta una. Esto creo que resume muy bien el trabajo del carpintero. Oficio minucioso, paciente y lento. Y que quede bien.

 

Carlos Granados es uno de los responsables del Departamento de Educación del CA2M

 

7 MARZO

Historias silenciadas, sonidos olvidados

José Luis Espejo y Andrea Zarza

¿Cómo se posicionan las personas en el espacio público con sonido? En torno a esta pregunta es posible plantear relatos centrados en el trabajo de los herreros, las campanas y las sirenas, las cencerradas, la protesta, los carnavales y ritos que si no son distintos, al menos son paralelos a aquellos que vertebran la historia de la música y del arte. El sonido, el ruido, el rumor de una comunidad enfurecida y el repiquiqueteo del trabajo son argumentos disonantes, de calado casi arqueológico, a los de la historiografía oficial. En Charivaria, una exposición comisariada por José Luis Espejo y Andrea Zarza en CentroCentro Cibeles entre octubre de 2017 y enero de 2018, se reunieron trabajos que plantean estos conocimientos transferidos, en muchos casos, oralmente o por alegorías, que han sido minorizados por disciplinas académicas. Artistas como Grupal Crew Collective, que toman los sonidos de las fiestas de colectivos sin identidades consagradas, o Cuidadoras de Sonidos, Rafael SMP o Vivian Caccuri, que dan voz a los habitantes de barrios destruidos por el avance de la modernidad, y Xabier Erkizia, que con su estudio sobre la cultura del carro de bueyes, agudiza el oído hacia un sonido desplazado por la hegemonía de lo urbano, tienen claro que sus trabajos amplían nuestra concepción del arte. Los archivos, sonoros y escritos permiten rescatar historias silenciadas y sonidos olvidados para replantear genealogías del arte sonoro o de la música. Un despliegue de contenidos enigmáticos sorprende al visitante y rarifican el espacio de la galería.

 

Andrea Zarza es archivera y licenciada en filosofía. Trabaja como comisaria en el archivo sonoro de la British Library y su sello discográfico Mana Records, llevado junto con Matthew Kent, se dedica a publicar obras que se encuentran en la intersección del sonido contemporáneo y de archivo.

 

José Luis Espejo es parte del equipo de la Radio Reina Sofía, Mediateletipos y el Máster de Industria Musical y Estudios Sonoros en la Universidad Carlos III de Madrid. Ha desarrollado proyectos de comisariado en Madrid y en Donostia-San Sebastián 2016.

 

14 MARZO

Un reclamo de sensualidad

Elena Alonso

La puesta en valor de la artesanía y la lucha contra su desaparición no es una novedad. Ya en los inicios del s. XX, la práctica artesanal se planteaba como la estrategia revolucionaria contra la industralización y el capitalismo, posicionándose contra una imparable deshumanización de la producción y el trabajo. Asignándole atributos como resistencia, habilidad, autenticidad, benevolencia o autodeterminación, se pretendía, más de un siglo atrás, aplacar la desaparición del “hacer” con las manos por la producción en masa.

 

Hoy, frente a la revolución digital y el capitalismo tardío, asistimos a un revival retorcido de estos deseos y problemáticas. El conflicto desemboca en un reclamo de sensualidad desde el cual se vuelve a aludir a la artesanía como exploración de las relaciones “encuerpadas”, la materialidad, el afecto, la ecología, lo local o la inteligencia sensible. Pero se plantean muchas preguntas... ¿Qué tiene de contemporáneo la práctica artesanal? ¿Qué lugar encuentra en el sistema actual? ¿Qué sentido tiene como resistencia? ¿Cual es el impulso vital que nos aferra a ella?

 

En esta sesión veremos ejemplos de artistas y diseñadores contemporáneos cuyos procesos de trabajo están íntimamente ligados a lo artesanal, centrándonos en la materialidad de sus objetos y el carácter afectivo de su producción. Un acercamiento al Arte y el Diseño para pensar sobre el sentido de lo artesanal en la actualidad, lo anacrónico o ineludible de este tipo de prácticas o el mercado del Arte como terreno para mantenerlas. Cuestiones que en definitiva podrían responder también a la pregunta ¿Por qué se sigue pintando o dibujando?

 

Elena Alonso desarrolla su trabajo principalmente mediante el dibujo, relacionándolo con otras disciplinas como la arquitectura, la artesanía o el diseño, y prestando especial atención a las relaciones de afectividad con el entorno. Recientemente ha expuesto de manera individual en Matadero Madrid, Museo ABC y Espacio Valverde.

 

21 MARZO

Háztelo tú y házselo a otrxs

Javier Pérez Iglesias y Marta van Tartwijk

Las autoediciones han dado voz a quienes han sentido que tenían algo que decir al margen de los canales establecidos. Por eso hay una tradición en el uso de los fanzines entre comunidades queer, anarquismos, feminismos…

 

Los artistas descubrieron hace ya mucho que un libro podía ser una pieza artística y hasta aquí hemos llegado con una producción cada vez más variada de publicaciones.

 

Hay un encuentro entre lo autoeditado (o editado en los márgenes) y la intencionalidad artística que desborda la idea tradicional de libro que ha sido paradigma en bibliotecas y librerías.

 

Nosotras actuamos en las bibliotecas de dos instituciones muy institucionales, el museo y la academia, pero que tratan de potenciar su porosidad, explorar sus grietas y conectarse con lo que pasa en las calles.

 

Los libros ya no son lo que eran… Las bibliotecas tampoco.

 

Javier Pérez Iglesias es biblioactivista, charlaperformadora, curadora de lecturas, mala catalogadora y peor clasificadora

 

Marta van Tartwijk es entre otras cosas artista a tiempo parcial, bibliotecaria vocacional, autoeditora de fotocopiadora, ingeniera de laberintos bibliográficos, desordenadora de fanzines y catalizadora de meriendas literarias.

 

4 ABRIL

Una escultura haciéndose

June Crespo

Planteo una sesión para pensar sobre los aspectos propios de la escultura, compartiendo trabajos que desde diferentes medios abordan lo escultórico. Me interesa una escultura haciéndose, la negociación entre sujeto y objeto que se da en su proceso y como es el primer encuentro con ella. Acercarme a ella, rodearla, alejarme y mantenerme imantada. Desde su superficie a su cuerpo, contorno e imagen.

 

¿Cómo me afecta?¿Qué resonancia física genera en mi?¿Donde me mira?¿Qué movimiento y coreografía provoca? ¿Cómo activa el espacio?

 

June Crespo vive en Bilbao, donde se licenció en Bellas Artes en 2005. Trabaja y expone también en otros contextos internacionales, centrando su práctica en el terreno de la escultura.

 

11 ABRIL

Aquí no hay un sólo lugar que no nos vea

Rafael Sánchez-Mateos Paniagua

Museo del Prado: coto reservado de eruditos, redil de turistas un poco decepcionados por no poder hacerse selfis con Velázquez, niños a los que hay que explicar de qué alta cultura somos súbditos ignorantes. Perdidos, abrumados y un poco desmaravillados ante las obras del arte de ayer, entre cuyos santos, reyes y vírgenes es tan difícil encontrar un pueblo al que desear pertenecer. Pensamos que todo ya estaría dicho, clarificado, catalogado y periclitado, después de haberle dedicado una lujosa y privilegiada atención que hoy no puede resultar más que anacrónica o complacientemente legitimadora del contexto en el que han ido a parar. No obstante las obras, en la medida en que siguen siendo accesibles a la experiencia, son radicalmente contemporáneas de quien se encuentra con ellas. Se nos ofrecen a los sentidos para que cada cual pueda reconocer, reflejar o refractar un sentido nuevo, no prescrito. Esperan acaso adoptar nuevas vidas, impulsadas por la memoria y la imaginación que aún pueden excitar en nosotros. Siempre abiertos a lo imprevisto de la experiencia -individual o colectiva- que todavía es posible hacer, pese a todo contexto sacralizador de la institución museo y sus vigilantes de dentro y afuera. Lo importante sería intentar intensificar, revivificar y reorganizar el espacio de la atención, la aisthesis y la percepción -tan descuidado en su propia forma material y tan asediado por la modernización que hemos hecho- con el fin de renovar la experiencia de un arte hoy tan extraño como suculento, desde la generosidad de los que se acercan a algo desconocido y se (re)descubren al ser observados por la propia obra que contemplan.

 

Rafael Sánchez-Mateos Paniagua es artista, profesor e investigador.

 

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