Pensamiento y debate

Acento es un programa vinculado a Artistas en residencia en el que durante dos jornadas se realizarán presentaciones de algunos de los proyectos llevados a cabo durante las estancias de 2017 y donde se generará un espacio de encuentro con los artistas del 2018. En estos días ambas instituciones quieren poner el acento en la reflexión que parte de la propia investigación artística a través del cuerpo, entendiendo este como cuerpo social, como una construcción política productora de saberes desde lo sensible.

Artistas en residencia es un programa conjunto de La Casa Encendida y del CA2M Centro de Arte Dos de Mayo, cuyo fin es apoyar la creación y la investigación centradas en el trabajo con el cuerpo desde lo performativo.

Los artistas seleccionados en 2017 fueron: Aníbal Conde & Magdalena Leite, Anna Moreno, Bárbara Bañuelos Ojeda, Laia Estruch, Quim Bigas, SEPA & Lara Brown, Vicente Arlandis Recuerda

PROGRAMA

MIÉRCOLES 24 ENE

En CA2M Centro de Arte Dos de Mayo

18:00 h. Laia Estruch: MOAT

Moat es una práctica escénica experimental, un solo que se edita a partir de un archivo de ejercicios corporales y vocales alrededor de una estructura de hierro transitable (creada a partir de la recuperación de diferentes elementos y formas tipológicas de parques infantiles de comienzos del siglo pasado) que funciona como escena, partitura, instrumento y archivo. A través de una relación directa entre cuerpo y estructura, Moat persigue experimentar, fijar sonidos y recorridos generados por cuerpo y voz tomando como referencia los comportamientos corporales y acústicos de dichos espacios de recreo.

Moat se convierte en un espacio transversal mediante la realización de una serie de performances, cuyo registro sonoro da lugar a una investigación audible, dentro de la estructura de hierro transitable.

Laia Estruch, sus proyectos se inscriben en el ámbito de la performance desde donde trabaja con la voz como dispositivo y espacio de experimentación de sus propuestas artísticas. Sus proyectos cuestionan el sistema de signos del lenguaje oral y su interacción humana con una aproximación, performativa y crítica, a los usos de la voz.

19:30 h. Presentación de las publicaciones de los Artistas en residencia (Biblioteca)

20:00 h. Aníbal Conde y Magdalena Leite: FLICKER

Acción escénica de 50 minutos inspirada en la noción de flicker o parpadeo electrónico proveniente del cine experimental.

FLICKER ha sido creada durante su residencia en La Casa Encendida y el CA2M dentro el proyecto LOS40; Juntos han realizado las obras: DANCE DANCE DANCE con más de 50 presentaciones al público; VIDEOCLIP ; Experimento X5 y varios ejercicios creativos tanto escénicos como de acción performática y de imagen.

Aníbal Conde, artista en video y performer.

Trabaja en la escena desde el cruce de disciplinas y realiza videos experimentales enfocados en el aspecto formal de la imagen en movimiento. Sus videos y documentales han sido exhibidos en diversos festivales.

Magdalena Leite, es coreógrafa, bailarina y docente.

Ha recibido la beca danceWEB del Festival ImpulsTanz; el apoyo de IBERESCENA para la creación en 2010 y 2014 y de la Fundación Prince Claus para la presentación de Jack Taste la suerte está echada.

21:30 h. Sepa & Lara Brown: SUGA
SuGA es un estado alterado y confuso.
Un momento de hiperlucidez.
Una dramatización cósmica.
Un videoclip.
SuGa es un fantasma.
Un tono.
Un pacto.
Con lo bonito que se ve el windows 10 y lo pesado que es ponerse a programar...
SuGA intenta enredarse entre los hilillos invisibles.
Entre los calambres.
Las chispitas.
Esas dimensiones que lo complican todo.

Sepa escribe frases en carteles y los pega por ahí en los edificios. Lara Brown lo que hace con las frases es decirlas en alto.

Ambos pasan mucho tiempo preguntándose qué tipo de cosas son las que ocurren entre las personas. SUGA podría ser una conjunción de sus iniciales, pero está claro que no lo es. Son textos escritos en papel que se introducen en escena. Uno detrás de otro. Todo el rato.

JUEVES 25 ENERO

En La Casa Encendida

20:30 h. Quim Bigas: APPRAISERS

APPRAISERS es un proyecto continuo que va divagando en formatos alrededor de activaciones coreográficas que giran alrededor de la idea de valor, atención, orden y/o presente. Durante su residencia, ha conversado con una pared y sus posibles constelacionesconstel•laciones a partir de la excusa de NOMBRAR. Nombrar como eso que apunta, que dispara, que se mueve, que es instantáneo, que señala, que se acumula…

Quim Bigas, su trabajo se sitúa entre la coreografía, la danza, la dramaturgia, el encuentro y la práctica escénica. A través de procesos que mezclan procedimientos informativos e investigación de movimiento, se quiere aproximar a nociones y reflexiones sobre el compromiso, el valor, el formato y lo performativo.

VIERNES 26 ENERO

En centro cultural El Torito de Moratalaz

19:00h: Anna Moreno. THE DROWNED GIANT

En 1970 se organizó un happening en Moratalaz (Madrid) para promocionar el proyecto de vivienda utópica La Ciudad en el Espacio, del arquitecto Ricardo Bofill. Un evento que nunca se llegó a documentar, un proyecto que nunca se llegó a construir. El 7 de junio pasado, la artista Anna Moreno repitió aquel happening en el mismo lugar del original.

Anna Moreno junto al el experto en blues Ramón del Solo (entre otros) nos presentará la publicación The Drowned Giant, un LP con el registro sonoro de este proceso de restitución, la única documentación existente del evento. El disco contiene los testimonios de Gila Dohle, The Downton Alligators, Enrique Doza, Peter Hodgkinson, Anna Moreno, JC Ramone, Toti Soler y Ramón Del Solo, entre otros. La edición también incluye un libreto con relatos de ficción escritos por los arquitectos Paula Currás & Havi Navarro, la comisaria María Montero, el experto en blues Ramón del Solo y ella misma. Esta presentación será a su vez el prólogo del festival Moratalaz Blues Factory.

La presentación irá seguida de un concierto de los Downtown Alligators, una banda de rhythm and blues local con 10 años de trayectoria en salas madrileñas y nacionales.

La publicación ha sido producida con el apoyo de Barcelona Producció'17, La Capella / Institut de Cultura de Barcelona, y tutorizada por Latitudes (Mariana Cánepa y Max Andrews).

Esta presentación cuenta con el apoyo de Acento, del festival de blues de Moratalaz de Experimenta Distrito (Medialab Prado) y de la Junta Municipal de Moratalaz.

Anna Moreno es artista visual y trabaja entre La Haya (Holanda) y Barcelona. Actualmente es profesora de Artistic Research en la Royal Academy of Art de La Haya y es co-fundadora de la iniciativa artística Helicopter, un espacio para la experimentación y el intercambio de conocimiento.

En La Casa Encendida

22:00 h. Vicente Arlandis: SUMARIO 3/94

El 25 de junio de 1995, Vicente Arlandis Ruiz, vecino de Ibi (Alicante), es detenido por la Guardia Civil. Está siendo investigado por el asesinato de María Lidia Bornay Bernabeu, vecina de Ibi y de 84 años de edad. Él mismo había denunciado su desaparición cuatro días antes, extrañado de que María Lidia no contestara a sus llamadas. Cuando la Guardia Civil entra en su domicilio, el cadáver presenta múltiples signos de violencia. Vicente Arlandis Ruiz es acusado y finalmente declarado culpable de dicho asesinato. Es condenado a 29 años, 6 meses y 1 día de cárcel. Cumplió condena en varias prisiones del Estado y estuvo encarcelado durante 13 años, 7 meses y 10 días.

Este proyecto pretende construir una nueva historia y una nueva versión de los hechos. Quiere poner sobre la mesa e interrogar la forma y la multitud de historias que se sucedieron alrededor del suceso. Partir de la frialdad y la supuesta objetividad del relato judicial y hacerlo estallar en mil pedazos. Y rescatar nuestra historia a nuestra manera. Este proyecto pretende construir, quizás, una nueva inocencia. No tanto la que decretaría la institución judicial (que todavía hoy seguimos reivindicando), sino la inocencia que podría materializar (renovar, ampliar) el hecho escénico.

Vicente Arlandis es creador escénico, investigador y docente. Desde el año 2001 hasta el 2015 trabaja junto a Sandra Gómez en el proyecto Losquequedan donde llevan a cabo numerosos proyectos artísticos como la serie Borrones, Thank You Very Much, Tragedia de los Comunes, entre otros. En la actualidad participa en el proyecto colectivo TALLER PLACER junto a Mariví Martín, Miguel Ángel Martínez y Paula Miralles.

Entrada libre hasta completar aforo salvo sesión con Vicente Arlandis.

Entrada para Vicente Arlandis: 5€

Venta entradas en ticketea.com, en el teléfono 902 044 226 y en La Casa Encendida de 10.00 a 21.45h.

Artistas en Residencia es un programa conjunto de La Casa Encendida y del CA2M Centro de Arte Dos de Mayo, cuyo fin es apoyar la creación y la investigación centradas en el trabajo con el cuerpo desde lo performativo.

Se articula en relación a la programación estable de La Casa Encendida y el CA2M, por ello se valoran aquellos proyectos que responden mejor a las líneas de investigación y experimentación de ambos centros. Artistas en Residencia es además un programa orientado a establecer diálogos entre los creadores y los agentes vinculados a ambas instituciones y sus programas.

Proyectos seleccionados:

MARÍA SALGADO Y FRAN MM CABEZA DE VACA.
JINETE ÚLTIMO REINO

Jinete Último Reino nombra una zona de investigación audiotextual alrededor del deseo, la represión, la rebeldía subjetiva y la alegría compartida por las subculturas de la noche. Además de piezas sonoras, instalativas e impresas, la zona comprenderá tres obras escénicas o fragmentos, que puedan, por un lado, sostenerse autónomamente, y, por otro, reagruparse como obra de sentido completo en el momento en el que las 3 estén listas.

Si el Fragmento 3, estrenado en junio de 2017 dentro del programa de “El porvenir de la revuelta” (Matadero de Madrid) se ocupaba de la noche como momento de liberación y narcisismo, lucha política y hedonismo, de los cuerpos que no cumplen la norma (y, en cierta medida, la juventud); el Fragmento 2 hablará de la normalización de la etapa escolar (y, en cierta medida, la adolescencia), mientras que el Fragmento 1 va a intentar traer a escena algo tan delicado y frágil como la infancia, sus gestos prelingüísticos, la formación de un movimiento característico de una, de uno, de unx, la formación de la pluma como diferencia (cualquiera) de (cualquier) cuerpo que aparece en y se relaciona con el mundo.

María Salgado y Fran MM Cabeza de Vaca trabajan juntxs en Madrid desde el año 2012, a partir de una idea de audiotexto como intersección entre la poesía, el lenguaje, el arte sonoro, la música y la performance. De 2012 a 2016 estuvieron inmersxs en un proyecto de vida y creación llamado Hacía un ruido. En enero de 2017 retomaron algunas preguntas sobre mansedumbre, rebeldía y desobediencia que habían empezado a hacerse una calurosa noche del Ladyfest Madrid 2013, para de nuevo iniciar un largo camino de pruebas formales, obras escénicas y experiencias vitales al que han llamado Jinete Último Reino.

http://m-slgd.tumblr.com/ 
http://franmmcabezadevaca.tumblr.com/

ESTHER RODRÍGUEZ-BARBERO
GUIDED TOUR

‘Guided Tour’ no es una visita guiada. ‘Guided Tour’ es más bien una visita habitada o un recorrido espacial o quizás tan sólo un encuentro con lo que no se ve, con lo que está detrás, con lo que aún no podemos nombrar. ‘Guided Tour’ es una herramienta para pensar/nombrar/vivir/habitar el espacio desde el cuerpo, para afectar y ser afectado por los cuerpos/objetos/límites/dimensiones/historias/discursos/normas que lo conforman.

Esther Rodríguez-Barbero. Creadora escénica, performer y arquitecta. Se forma en danza contemporánea paralelamente a los estudios de arquitectura y posteriormente realiza un Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual, UCLM en colaboración con el Museo Reina Sofía. Actualmente realiza una investigación en a.pass (advanced performance and scenography studies). Como creadora escénica ha mostrado trabajos en diferentes contextos. Su trabajo se sitúa entre la coreografía, la práctica escénica y la arquitectura. Últimamente se dedica a diseñar prácticas espaciales.

https://www.estherbarbero.com/ 

DAVID BENITO, IRENE CANTERO, VÍCTOR COLMENERO PROYECTO: EN LA NATURALEZA
Desde tres modos de acercarnos a la idea de Naturaleza: lo salvaje –la mirada puesta en la antropología y la anatomía–, la armonía –una posibilidad al panteísmo, a lo espiritual y/o trascendental– el exilio –la llegada a la naturaleza como posicionamiento político, ético y estético–. EN LA NATURALEZA es: Un proyecto a tres sobre las estrategias de la vida la en la Naturaleza. Tres acercamientos distintos y sus posibles simbiosis; un modo de recorrer los lugares y trazar relaciones con ellos a través de nuestro cuerpo y nuestras acciones; una reflexión sobre la función y consecuencias de dichas acciones para con el entorno; una disección del trabajo de campo en sí mismo, del acto de moverse por un terreno, del hecho de habitarlo.

Nuestro modo de hacer pasa por el cuerpo y la acción en crudo. Tanto desde un lenguaje cercano a la danza –siempre entendiendo danza como la expresión libre de un cuerpo y huyendo de los códigos y reglas que lo coartan– como desde todas las acciones que puede realizar un cuerpo, en este caso domesticado y salvaje a un tiempo. Nuestra búsqueda va hacia ese cuerpo que sabe dónde están sus instintos y sus comportamientos naturales y decide cuando mostrarlos o disimularlos.

David Benito es licenciado en Historia del Arte y en Bellas Artes y Master universitario en Investigación en arte y creación en Madrid, actualmente es estudiante de doctorado, con una investigación sobre los flujos de imagen a tiempo real en el entorno de las artes plásticas y escénicas. Desde 2006 se dedica a las artes escénicas, y trabaja también como iluminador, coordinador técnico y creador audiovisual. A día de hoy, es coordinador técnico de las compañías Angélica Liddell/Atra bilis y Daniel Abreu, y colaborador de las coreógrafas Irene Cantero y Elena Córdoba.

Irene Cantero trabaja en realidades diversas siempre enmarcadas en las artes vivas: los lenguajes del cuerpo –coreografía, interpretación y pedagogía– y la luz –diseño de iluminación–. Desarrolla su propia obra y colabora con compañías y artistas independientes que sostienen una línea entre la danza contemporánea, la performance y los géneros híbridos. Licenciada en Escenografía en la Real Escuela Superior de Arte Dramático y en Coreografía en el Conservatorio Superior de Danza María de Ávila de Madrid. Su práctica artística explora una forma de entender la danza desde la transdisciplinaridad y la resistencia. 

http://enprofundidad.eu 
https://vimeo.com/channels/enprofundidad/ 

Víctor Colmenero Mir es licenciado en Escenografía, Iluminación y Vestuario por la RESAD. Trabaja principalmente como iluminador de distintas compañías pero también como escenógrafo, figurinista, coordinador, director de arte y tallerista. Todas sus piezas comparten entre sí la idea de un entrenamiento corporal distópico y específico: el devenir, la irradiación, la perspectiva y, en esta ocasión, el adentramiento en la Naturaleza. https://victorcolmeneromir.wordpress.com/

JAVIER MARQUERIE THOMAS
EXTRAOCEANIC
“Agotadas al contemplar la extensión del liderazgo conservador, al contemplar la falta de apoyo institucional hacia minorías que no encajan en la narrativa patriarcal blanco-cristiana, junto a la desaparición de la preocupación por el cambio climático, en el 2050 las comunidades queer y aliadas de todo el mundo decidimos unirnos en busca de otro lugar donde habitar. En esta mirada hacia el futuro, el género fue transgredido y el posthumanismo se volvió ubicuo. La admiración hacia las criaturas transgénero y hermafroditas de las zonas abisales del océano, nos llevó a unirnos a ellas y realizar nuestra metamorfosis a la especie Extraoceanic. Durante un tiempo vivimos nuestra utopía queer, pero al llevar años ingiriendo rocas y microfibras de plástico, nuestra vida consciente acabo, dejando nuestros cuerpos de plástico en una existencia eterna.

El plástico se conocía como el punto clave en la historia que marcó un antes y un después en el antropoceno. Se conocía como el gran desastre para el medio-ambiente, fruto de la inconsciencia de la raza humana. El plástico será recordado como la causa de la destrucción de nuestra especie. El plástico fue nuestra esperanza, produjo un sentimiento de comunidad, fue un parentesco. Somos flalato dietilo, somos plomo, somos cadmio y somos mercurio. El plástico somos nosotras. ¡Nos pertenece! Y condiciona nuestra existencia. Somos un eterno cuerpo queer, de camino a un futuro certero. Los diamantes no son forever, este mineraloide es forever.”

Javier Marquerie Thomas trabaja principalmente entre el video, la performance y la instalación. En estos momentos, se encuentra trabajando sobre los cambios genéticos que ocurren en el cuerpo al invertir su gravedad, en búsqueda de una nueva semántica del movimiento, una investigación que empezó en una de las residencias anuales de Aikas Zado Laboratory, en Zeimiai, Lituania. Actualmente es profesor y dirige el departamento de video y fotografía del Brampton College, Londres. http://javiermarquerie.blogspot.com/ 

JAVIER VAQUERO Y OIHANA ALTUBE
ROJO PANDERETA
Las danzas del sí (¡dan zzzzzzz ano!): Eróticas del fraseo, el effacé/écarté/épaulement (juegueteo hombro-hombro: “pechito con pechito, ombligo con ombligo”); la suspensión/elongación (dilataciones de la acción en el tiempo que generan símbolo: arquetipo); el allegro/andante/polca/vals: pandereta, guitarra, castañuela, trikitrixa, txistu, zambomba y gaita; grandes/pequeños/medios saltos, giros, developés; el acento, que cristaliza en gesto: narración (punta-talón-punta: principio-nudo-desenlace), mímica y teatrillo (todo con mucha emoción, muy afectado hasta llorar de alegría: el re-que-té). 

El B/ballet manchego-ibérico (mediterráneo) como horizonte: El Quijote de la Mancha cómo oráculo. ¿Si España es mucho y mucha España, cómo sería España poco y poca España?. Cervantes era maricón y nosotras somos bailarinas: La danza agujerea en su danzar: queremos quedarnos en ella y “ser munición de su guerra”.

Javier Vaquero y Oihana Altube son bailarinas ibéricas con cuerpos que han performeado la danza clásica, el Graham, el Flying Low, el Relehase, la Macarena, el Pilates, el Movimiento Auténtico, el Yoga occidental, el Quiromasaje, las Danzas de Carácter, el Horton, el Body Mind Centering, el Feldenkrais, el Neoclásico, el Forshyte, el Jazz, el Aerobic, el Aurresku, las Sevillanas, el Voguing, el Cunningham, la Composición en Tiempo Real, la Danza Movimiento Terapia y la Sardana, entre otras.

TWINS EXPERIMENT
EVERLASTING SOFTNESS
Everlasting softness es el tercer proyecto de Twins Experiment en el que queremos proponer y propiciar un espacio blando para ejercitar la escucha de la materia y su agencia, un espacio sensorial ficcionado donde todos los cuerpos tengan la misma importancia y la materia sirva como materialización de la tercera cosa que se produce entre dos.

Either of two persons or things closely resembling each other. Being one of a pair, identical: twin towers.

Made of two similar parts connected.

Ainhoa y Laura. Madrileñas. Gemelas. Fueron separadas al nacer y se reencontraron en 2014. Juntas son Twins Experiment. Juntas hacen playlists, listas, esquemas, collages…Hacen piezas juntas, bailan, duermen, idean juegos y, a veces, comparten piso. Twins son dos y son colectivo. Trabajan desde la afectividad, la telepatía y la horizontalidad. Ser Twins les permite tomar riesgos que no tomarían solas, juntas se convierten en superhéroes. https://ainhoahernandez.wordpress.com/twins-experiment/ 

ANIARA RODADO Y ÓSCAR MARTÍN
TRANSCRIPCIONES VEGETALES
"Devenir" implica transformarse en otra cosa a través de nuevas relaciones, alianzas y vínculos, mientras cambiamos nuestra forma de concebir y agenciar la existencia. Para este proyecto, hemos escogido las plantas como la alteridad con la cual «devenir». Intentamos con este gesto, desbancar nuestra postura auto-atribuida de reyes supremos de todo lo existente, una postura que inexorablemente pone en grave peligro casi cualquier tipo de vida en la tierra, tal como la conocemos.

«Transcripciones vegetales» es una investigación-creación-especulación en la que buscamos a través del análisis, la notación, la transmisión y la transducción de los movimientos de un Eucalyptus Globulus y una Rue Graveolens, poner en juego nociones y « valores » antropocéntricos heredados y reproducidos por la danza, fácilmente identificables en los sistemas de notación (principalmente notación Laban y Benesh).

Durante la residencia probaremos y configuraremos una serie de performances/experimentos a partir de los materiales, conceptos y otros saberes que allí emerjan. Dichos conocimientos y formas, generaran eventos transdisciplinares donde involucremos cuerpos humanos (performers y público), cuerpos vegetales y dispositivos maquínicos de luz/sonido/imagen/olor.

A modo de código fuente, elaboraremos un cuaderno de creación que dé cuenta de este proceso, y que será compartible, modificable y reproducible.

Aniara Rodado es coreógrafa, artista e investigadora. Desde un punto de vista transfeminista, Aniara explora la brujería y las relaciones transespecies, tomando como entrada el mundo vegetal. Su trabajo gira en torno a cuestionamientos sobre la presencia, la representación y la estandarización de distintos tipos de cuerpos, alianzas y diversas formas de vida, en el actual contexto de crisis ecológica y de fetichización tecno científica. Como bailarina interroga el cuerpo humano como receptor-emisor inserto en contextos complejos, diversos, fragmentados y descentralizados, en los cuales lo humano es sólo un elemento más.

Sus proyectos incluyen instalaciones, textos, videos, performances y piezas de danza, creados bajo el paradigma de la cultura de código abierto y el bricolaje. https://aniara-rodado.net/ 

Óscar Martín es artista, investigador y programador independiente.En su práctica artística confluyen e hibridan arte, ciencia y tecnología desde una aproximación no ortodoxa, crítica y experimental. Su investigación teórico-práctica se centra en el fenómeno de la “emergencia” y la “autoorganización” en sistemas complejos, descentralizados y caóticos (naturales o simulados artificialmente) y en su implementación en un contexto de creación artística. http://noconventions.mobi/noish/hotglue/?oscar_martin 

Artistas en residencia es un programa conjunto de La Casa Encendida y del CA2M Centro de Arte Dos de Mayo, cuyo fin es apoyar la creación y la investigación centradas en el trabajo con el cuerpo desde lo performativo.

Acento es un programa vinculado a Artistas en residencia en el que durante dos jornadas se realizarán presentaciones de algunos de los proyectos llevados a cabo durante las estancias de 2016 y donde se generará un espacio de encuentro con los artistas del 2017. En estos días ambas instituciones quieren poner el acento en la reflexión que parte de la propia investigación artística a través del cuerpo, entendiendo éste como cuerpo social, como una construcción política productora de saberes desde lo sensible.

Los artistas seleccionados en 2016 fueron: Lilli Hartman y Pablo Durango, Gérald Kurdian, Norberto Llopis y Paz Rojo, Julián Pacomio y Miguel del Amo, Claudia Pagés, Quim Pujol y Silvia Ulloa.

PROGRAMACIÓN

VIERNES 27 ENE. En CA2M Centro de Arte Dos de Mayo

20:00 H: Julián Pacomio y Miguel del Amo: ESPACIO HACEDOR

Si existe un vacío entres dos iguales, es ahí donde se sitúa el Espacio Hacedor.

Espacio Hacedor es un proyecto de investigación que propone identificar, analizar y construir de manera arquitectónica los posibles espacios que se ubican entre un original y su copia. Nuestro interés radica en el potencial estético del espacio que se encuentra entre dos productos casi idénticos. Asumimos que en el proceso de copiar o rehacer un producto, del tipo que sea, tiene dos consecuencias inevitables: la primera, la copia no solo produce un producto nuevo diferenciado del original, sino que produce un tercero resultado de la lectura del original y su copia conjuntamente (1 + 1 = 3). La segunda consecuencia es la que abre la posibilidad de identificar una imagen invisible entre dos imágenes. Esta es la que interesa en Espacio Hacedor.

El proyecto está pensado en relación a la obra de Jorge Luis Borges, Agustín Fernández Mallo e Isidoro Valcárcel Medina. Una aproximación desde el cuerpo y el espacio escénico, al trabajo literario, conceptual y arquitectónico de los autores mencionados.

Julián Pacomio es licenciado en Bellas Artes en Salamanca .Entre algunos trabajos destacados están My Turin Horse, Psicosis Expandida y Espacio Hacedor, proyectos de artes escénicas que indagan la idea de copia, remake, traducción y apropiación de materiales ajenos.

Miguel del Amo es licenciado en Arquitectura por la ETSA de Valladolid y la Budapesti Műszaki és Gazdaságtudományi Egyetem ,mantiene un interés sobre la arquitectura y el diseño basados en enunciados desde los aspectos más funcionales hasta los menos explorado por estas disciplinas.

21:30 H: Quim Pujol. FREGOLI

Leopoldo Fregoli fue uno de los transformistas más importantes de la historia. En sus espectáculos cambiaba de aspecto de manera frenética y daba vida a docenas de personajes en una misma representación. El crítico Sebastià Gasch escribió sobre él: <<Fregoli encarnó a más de un millar de personajes de todos los géneros, tipos y especies (…) Con Fregoli brotaban, llevadas a la la escena, las primeras intuiciones de los temas de nuestro tiempo>>. El actor italiano también se convirtió en una referencia esencial para Joan Brossa y el arte escénico de vanguardia. Este ejercicio apela tanto a Fregoli como a la vanguardia para celebrar la capacidad de transformarnos, el ser en movimiento y sus inagotables posibilidades.

¿Qué nos queda aún por aprender de Fregoli? En esta serie de números de transformismo, el intérprete nunca cambia de apariencia.

Quim Pujol es escritor, comisario y artista. Trabaja en los límites entre la escritura, las artes en vivo y el arte contemporáneo. Sus últimos trabajos son Trance colectivo (2014), ASMR del futuro (2015) y Fregoli (2016).

Entrada libre hasta completar aforo

SÁBADO 28 ENE. En La Casa Encendida. Patio

22:00 H: Hot Bodies (Stand up), de Gerald Kurdian & Trk_X

Hot Bodies (Stand up) es una actuación en directo de Gerald Kurdian, dos instrumentos electrónicos, un sampler y un vocoder, y la participación de un coro femenino creado para la ocasión. Tomando prestado el vocabulario de la ópera, la comedia stand-up, la coreografía y el documental, su libreto cuenta en 7 cantos y 2 interludios bailados, los encuentros de un antihéroe llamado Tarek X en su camino a través de las revoluciones sexuales de los siglos XX y XXI.

Gerald Kurdian es intérprete, compositor y artista de radio. Explora la performatividad y la crítica del arte contemporáneo a través de diferentes dispositivos.

Entrada: 5€
Venta entradas en ticketea.com, en el teléfono 902 044 226 y en La Casa Encendida de 10:00 a 21:45 H

Artistas en residencia es un programa conjunto de La Casa Encendida y del CA2M Centro de Arte Dos de Mayo, cuyo fin es apoyar la creación y la investigación centradas en el trabajo con el cuerpo desde lo performativo. Se articula en relación a la programación estable de LCE y el CA2M, por ello se valoran aquellos proyectos que responden mejor a las líneas de investigación y experimentación de ambos centros. Artistas en residencia no es solo una ayuda a la producción, sino también una oportunidad para establecer diálogos entre los creadores y los agentes vinculados a ambas instituciones y sus programas.

Proyectos seleccionados:

Aníbal Conde & Magdalena Leite - “LOS40”
Anna Moreno - “The Drowned Giant”
Barbara Bañuelos Ojeda - “Mi padre no era un famoso escritor ruso”
Laia Estruch - “Moat”
Quim Bigas - “Nombrar”
SEPA & Lara Brown - “SUGA”
Vicente Arlandis Recuerda - “Sumario 3/94”

ANÍBAL CONDE & MAGDALENA LEITE. “LOS40”

LOS40 es la versión española de una investigación coreográfica que venimos desarrollando desde el año 2014 en distintos contextos, y que se enfoca en la relación imágenes en movimiento - cuerpo. En concreto nos interesa ver de qué manera las imágenes de los videoclips y la cultura MTV han educado a los cuerpos que crecieron bajo su influjo y qué de esa información permanece “archivada” en nuestras corporalidades.  

Con LOS40 queremos profundizar en las particularidades del contexto español, en esta suerte de auto etnología, que parte de una pregunta que nos hacemos los autores, ¿por qué nos movemos como nos movemos?, y que entiende que para ser respondida debe buscar la información en los otros, ya que todos somos cuerpos moldeados por fuerzas más grandes, cada cual, a su particular manera, pero todos, parte de una misma época e influidos por el mismo mercado cultural.

Y, por otro lado, queremos continuar con la investigación sobre los elementos estructurales del videoclip y su posible traducción escénica.

Aníbal Conde es artista visual y performer.

Magdalena Leite es coreógrafa, bailarina y docente.  Los dos son artistas uruguayos basados en México. Juntos han realizado las obras: DANCE DANCE DANCE, con más de 50  presentaciones al público en lugares como la Judson Church en Nueva York, el Museo Universitario de Arte Contemporáneo MUAC y el Teatro Pradillo en Madrid; y VIDEOCLIP, investigación que comenzó en 2014 con el apoyo de IBERESCENA y que continúa al día de hoy en distintos contextos iberoamericanos. Cuentan con el apoyo del Programa Fomento del FONCA 2016-2017 para presentar VIDEOCLIP e impartir talleres de creación.  Su línea de investigación se centra en la relación imagen-cuerpo desde un enfoque interdisciplinar. Los dos artistas son miembros del Colectivo AM.

http://cargocollective.com/arrecifedancedancedance/Bio

ANNA MORENO. THE DROWNED GIANT

The Drowned Giant es un proyecto de investigación sobre la posibilidad de que algo vuelva a suceder. Parte de una investigación sobre el posible reenactment de un happening organizado por el estudio Bofill en Moratalaz en junio de 1970, para promocionar su proyecto de arquitectura utópica “La Ciudad en el Espacio”. El evento fue pronto cancelado por la policía franquista y el proyecto fue enterrado en el olvido.

Se centrará en cómo el acto de reenactment afecta los cuerpos y el entorno socio-político de los presentes, especialmente cuando partimos de un evento del que no tenemos casi testigos. El proyecto The Drowned Giant pretende así recoger una comprensión crítica de los ideales progresistas y utópicos de los años 70 vistos desde otra lente, revelando hasta qué punto una interpretación ideológica de un evento, del objeto arquitectónico o de lo utópico puede neutralizar su naturaleza original, o cómo puede re-apropiarse incesantemente bajo nuevos paradigmas.

El reenactment sólo podrá tener lugar cuando el relato será reinterpretado, gracias a los colaboradores y a los presentes que acepten formar parte de la restitución del momento histórico, -atraídos ya sea por una idea de progreso o de nostalgia, sentimientos afines a los que se vivieron entonces, en el momento del evento original, sobre el futur(ism)o como promesa de un tiempo mejor. Es el cuerpo libre, pero a la vez motivado por una restitución de un sentimiento, quien re-inventa, re-hace, re-establece su propia coreografía y su propio estar presente no sólo en un tiempo-espacio, sino también en un plano corporal-afectivo, cercano quizá al espacio interior del que hablaba J.G. Ballard.

Anna Moreno es artista visual. Trabaja entre Barcelona y La Haya. Ha realizado eventos en SFMOMA (USA), W139 (NL) y SASG (KR); y performances en Stroom (NL), El Graner y NauEstruch. Ha expuesto en Blueproject Foundation, 1646 (NL), Sala d’Arcs (València), bb15 (AU), MUSAC, (León), CAAC (Sevilla), CoCa (PL), Generator Projects (UK) y ADNPlatform, y ha sido residente en Hangar, HIAP (FI), Wander (NL), SASG (KR), Atelierhaus Salzamt (AU) y Cittadellarte (IT). Es profesora de Artistic Research en la Royal Academy of Art de La Haya (NL) y co-fundadora de la iniciativa artística Helicopter (NL). http://www.annamoreno.net/index.php/Home/

BÁRBARA BAÑUELOS OJEDA. MI PADRE NO ERA UN FAMOSO ESCRITOR RUSO

Un proyecto  de Investigación social y creación escénica. A los 14 años descubro un secreto familiar, un secreto que podía cambiar mi historia, la historia de una familia, y de su entorno social. Todo ello me hace reflexionar sobre la memoria individual y como esta conforma la historia colectiva. A partir de ese momento, investigo, documento testimonios, recopilo información institucional e indago sobre acontecimientos y hechos similares dentro de un contexto social y una época determinada.

Este documental escénico pretende ser un recorrido por los conceptos de archivo, recuerdo, documento, historia, memoria, imagen, cuerpo, narración, imaginación, pasado, futuro y presente.

Un documental más allá de la pantalla y de la imagen proyectada, donde lo escénico, la experiencia cinematográfica y lo corporal se expanden para generar una nueva mirada, un nuevo lugar para descubrir el papel del cuerpo (re)actualizando el pasado, el recuerdo y la memoria en relación con la historia y con su contexto escénico.

Bárbara Bañuelos, formada, deformada y transformada entre Burgos, Madrid, Londres y Nueva York, compagina su trabajo escénico con diversos proyectos musicales.  Con “Inventario: memorias de una aspiradora”, su proyecto más reciente, ha estado, junto a cientos de papeles y objetos desechados que ha ido recopilando en los últimos veinte años, en los suelos de espacios escénicos y expositivos como el Musac, Artium, Caixa Forum, Teatro Pradillo, Festival Escena Abierta. Actualmente está en proceso de investigación y creación de “Mi padre no era un famoso escritor ruso”, un documental escénico surgido de los hallazgos aparecidos en su pieza anterior. Forma parte de Ju. grupo musical que surge como laboratorio de creación y composición y que se consolida con un primer álbum en 2015 “Poco Adrede Nunca” y con un segundo “Todo y la cabeza” que saldrá esta primavera. Además, es la voz, la cabeza y la mano escarbadora de Elephant Pit, proyecto musical de versiones y con el que ha recorrido salas nacionales, espacios efímeros y festivales no convencionales. http://cargocollective.com/barbarabanuelos

LAIA ESTRUCH. MOAT

Moat es una práctica escénica experimental, un solo que se edita a partir de un archivo de ejercicios corporales y vocales alrededor de una estructura de hierro transitable (creada a partir de la recuperación de diferentes elementos y formas tipológicas de parques infantiles de comienzos del siglo pasado) que funciona como escena, partitura, instrumento y archivo. A través de una relación directa entre cuerpo y estructura, Moat persigue experimentar, fijar sonidos y recorridos generados por cuerpo y voz tomando como referencia los comportamientos corporales y acústicos de dichos espacios de recreo.

Moat se convierte en un espacio transversal mediante la realización de una serie de performances, cuyo registro sonoro da lugar a una investigación audible, dentro de la estructura de hierro transitable.

Laia Estruch es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona. Cursó su último año de licenciatura estudiando Performance Art y Arte Sonoro en la Universidad “The Cooper Union” (Nueva York).  Los proyectos de Estruch se inscriben en el ámbito de la performance desde donde trabaja con la voz como dispositivo y espacio de experimentación de sus propuestas artísticas. Sus proyectos cuestionan el sistema de signos del lenguaje oral y su interacción humana con una aproximación, performativa y crítica, a los usos de la voz. Ha presentado sus performances en el Macba, en el teatro La Villarroel de Barcelona, en la Fundación Antoni Tàpies de Barcelona, en la Fundación Joan Miró de Barcelona, en el Centro Parraga de Múrcia, en el Antic Teatre de Barcelona y en el Teatro Pradillo de Madrid, entre otros lugares.
www.laiaestruch.com 

QUIM BIGAS. NOMBRAR

NOMBRAR forma parte del universo APPRAISERS, un proyecto que empezó en el 2011 y que está en constante re-formulación y transformación. En este caso, para la investigación de NOMBRAR, tengo interés en habitar un espacio durante un mes e indagar en sus múltiples formas de ser nombrado que es, en cierta forma, una forma de darle cuerpo.

NOMBRAR busca encontrarse dentro de un campo que es ambiguo; donde la práctica es su propia metodología y su única forma de ser coherente; dónde no hay posiciones concretas sino movimientos que evolucionan.  Durante la práctica e investigación, se encontraran posibles formas de compartir el trabajo a través de posibles activaciones. Las activaciones las entendemos no sólo como productos de consumo inmediato sino también como disparadores que van mucho más allá del dominio de la práctica y que informan nuestras propias formas de tomar posición. Esperamos que esas activaciones sigan ampliando el dominio de la coreográfico y lo performativo como un lugar de potencia y activación; un lugar para cuestionar las formas y los lugares que compartimos.

El trabajo de Quim Bigas se sitúa entre la coreografía, la danza, la dramaturgia, el encuentro y la práctica escénica. A través de procesos que mezclan procedimientos informativos e investigación de movimiento, se quiere aproximar a nociones y reflexiones sobre el compromiso, el valor, el formato y lo perfomativo. www.quimbigas.com 

SEPA & LARA BROWN. SUGA

Queremos encontrar una manera de contar por medio de acciones.
La acción nuclear es desplegar un texto escrito en un cartel.
Queremos investigar maneras de mostrar texto escrito en papeles grandes.
Texto como luz que tiñe el espacio con su sola aparición.
Texto que aparece y de repente afecta al tono.
Contemplar cómo una frase genera un cambio en el ambiente.

No sólo es lo que dice el texto.
Sino cómo aparece.

Cómo un texto hablado y otro escrito se resignifican.
Cómo un texto escrito y un sonido se resignifican.
Cómo la manera de aparecer el texto lo resignifica
Cómo el tiempo que dura un texto lo resignifica.
Cómo y quién lo pone lo resignifica.

La tensión que se genera
hasta que emerge una nueva pelotita de sentido
y empieza a rebotar por las neuronas.
Como en un pinball.
Igual.
Como un striptease lingüístico.
Como un trilero semántico.
¡Eso es!
¡Exactamente eso!

Sepa escribe frases en carteles y los pega por ahí en los edificios. Lara Brown lo que hace con las frases es decirlas en alto. Ambos pasan mucho tiempo preguntándose qué tipo de cosas son las que ocurren entre las personas. SUGA podría ser una conjunción de sus iniciales, pero está claro que no lo es. Son textos escritos en papel que se introducen en escena. Uno detrás de otro. Todo el rato.

VICENTE ARLANDIS RECUERDA. SUMARIO 3/94

El 25 de junio de 1995, Vicente Arlandis Ruiz, vecino de Ibi (Alicante), es detenido por la Guardia Civil. Está siendo investigado por el asesinato de María Lidia Bornay Bernabeu, vecina de Ibi y de 84 años de edad. Él mismo había denunciado su desaparición cuatro días antes, extrañado de que María Lidia no contestara a sus llamadas. Cuando la Guardia Civil entra en su domicilio, el cadáver presenta múltiples signos de violencia. Vicente Arlandis Ruiz es acusado y finalmente declarado culpable de dicho asesinato. Es condenado a 29 años, 6 meses y 1 día de cárcel. Cumplió condena en varias prisiones del Estado y estuvo encarcelado durante 13 años, 7 meses y 10 días.

Este proyecto pretende construir una nueva historia y una nueva versión de los hechos. Quiere poner sobre la mesa e interrogar la forma y la multitud de historias que se sucedieron alrededor del suceso. Partir de la frialdad y la supuesta objetividad del relato judicial y hacerlo estallar en mil pedazos. Y rescatar nuestra historia a nuestra manera. Este proyecto pretende construir, quizás, una nueva inocencia. No tanto la que decretaría la institución judicial (que todavía hoy seguimos reivindicando), sino la inocencia que podría materializar (renovar, ampliar) el hecho escénico.

Vicente Arlandis es creador escénico, investigador y docente. Máster en Producción Artística (Pensamiento Contemporáneo) por la Universidad Politécnica de Valencia y Máster en Performance en APASS (Adavanced Performance and Scenography Trainning), Bruselas. Desde el año 2001 hasta el 2015 trabaja junto a Sandra Gómez en el proyecto Losquequedan donde llevan a cabo numerosos proyectos artísticos como la serie Borrones, Thank You Very Much, Tragedia de los Comunes, entre otros. En la actualidad participa en el proyecto colectivo TALLER PLACER junto a Mariví Martín, Miguel Ángel Martínez y Paula Miralles.

Artistas en Residencia es un programa que se articula en relación a la programación estable de La Casa Encendida y el CA2M. Por ello los proyectos seleccionados son aquellos que mejor responden a las líneas de investigación y experimentación de ambos centros. Artistas en Residencia por tanto, no es un programa destinado exclusivamente a la ayuda a la producción, sino más bien una oportunidad para establecer diálogos entre los creadores y los agentes vinculados a ambas instituciones y sus programas.

Los proyectos seleccionados para el programa Artistas en Residencia 2015 han sido:

Alejandra Pombo. It’s Called Listen, es una película basada en un proceso performativo, lo que hace de su autora, realizadora e intérprete de la misma. La película se convierte en una extraña mezcla entre Woody Allen y Chaplin – pero en todo su conjunto diferente- ya que ella está en la imagen en vez de activándola. Usando una cámara doméstica, sin guión, sin equipo de rodaje, para tener la libertad y la independencia de sacar provecho de las circunstancias y posibilidades del momento, la película se configura como una sucesión de imágenes y acciones que exploran una narrativa a través de diferentes capas de referencia que se entrelazan en base a la idea formal del agujero. Un agujero es una canal que permite que surja una subjetividad en relación con lo diferente. Cuando hay un agujero es que algo está por emerger. Cuando un agujero se mueve, una superficie es inventada. "Quiero convertir una película en un colador como forma de apertura que potencie una transformación de la relación  entre espectador y película a la que estamos acostumbrados."

Ignacio de Antonio. Unperformanceaperformance es una investigación en proceso a través de una serie de piezas de performance. Con el ánimo de explorar como la performance, o la performatividad, trabaja en las relaciones cuerpo – espacio – tiempo en la condición de dispositivo social. Propone una serie de preguntas, en forma de serie de piezas, desarrolladas a través de la práctica crítica, donde el trabajo arroje cuestiones sobre la performance, la teatralidad de ‘lo real’ y la práctica como investigación artística. Si bien la cuestión que acompaña todo el proceso tiene que ver con nuestra condición ineludible de espectadores.

Los bárbaros: Miguel Rojo & Javier Hernando. Al nacer, nacemos insertados en un modelo político que parece será inamovible, de manera profunda -una vez superado el S. XX- a lo largo de nuestras vidas. Los que nacimos tarde no hemos vivido ni la ascensión ni la caída de los grandes movimientos socio-económicos: ni fascismo, ni comunismo. Nacemos, crecemos, nos reproducimos y posiblemente moriremos en el mismo sistema político. No son tiempos lo suficientemente convulsos. Caídas las ideologías, sólo podemos poner en cuestión los órganos de gobiernos, que a su vez, están atados de pies y manos para ejercer su cometido: gobernar. La economía marca el ritmo. ¿Cómo se derriban los sólidos pilares de un modelo político?, ¿quién los construye y cómo?

Marisol López Rubio. Las palabras y los cuerpos: My Favorite Things es un proceso de investigación escénica sobre la filosofía del lenguaje aplicada a la escena. Pretende encontrar respuestas prácticas a preguntas sobre los usos, afectos y juegos del lenguaje, analizar la representación, el habla, la clasificación, el cambio y el juego como posibilidades del lenguaje y trasladarlas a la escena, traducirlas a lenguaje escénico. Y quiere entonces preguntarse por el papel y posición del cuerpo en ese proceso. Quiere renombrarlo todo desde el cuerpo, descubrir los afectos del lenguaje en el espacio, sobrepasar lo posible de lo que podemos nombrar con palabras. www.ololoololo.com

Cómo cagarnos musicalmente de forma directa y vehemente en todo aquello que se supone inherente al vivir y que a nosotros nos resulta limitante como seres vivos.  Poderío vital presenta a los mecagüen
Poderío Vital. Oscar Bueno & Itxaso Corral

Escuchar audio

Silvia Zayas. El puente de Farim no existe es una pieza escénica que indaga acerca de las ficciones del antiguo imperio colonial portugués y las relaciones de una de sus antiguas colonias con el capitalismo actual. Mezclando ficción y documental, se va articulando un dispositivo que parte de especie de coreografía entre luz, sonido y montaje, para la apertura de narrativas al futuro e incluso a la ciencia ficción. Parte de una anécdota sobre un puente en la provincia de Farim (Guinea-Bissau) donde la ficción se entremezclaba con la realidad, a través de una locutora de radio a la que llamaban María Turra.

Este trabajo forma parte de una investigación, ya iniciada y concretada en una serie de trabajos previos como Ballets Roses, São Tomé Revisitado o Pêro Escobar vs. Elvis Presley sobre el colonialismo portugués iniciado desde la memoria familiar, pero que pretende no quedarse anclado en ella (jamás). Lo familiar en esta serie de trabajos es solo un detonante para el surgimiento de trabajos tanto escénicos como ligados a la producción audiovisual a medio camino entre ficción y documental. "No sólo me interesa la investigación histórica, y la búsqueda de “conexiones precarias” o absurdas con el presente, sino que busco al mismo tiempo formas de llevar lo documental a diferentes dispositivos escénicos para trabajar en un tiempo y un espacio compartido con los espectadores (algo que aparentemente no permite el cine)".

Terrorismo de autor
Terrorismo de autor plantea una pieza híbrida, un "desbordamiento de la pantalla"que implica trasladar a la escena su práctica audiovisual —documental, publicitaria, ensayística…—, además de su universo propio y referencial, a través de cuerpos performativos y dispositivos escénicos, que pongan en relación y confronten el propio espacio de representación con el público. Tres dimensiones conforman el cuerpo de la pieza y la experiencia que proponen al espectador. Un pasaje desde la anestesia del Espectáculo, donde éste coloniza territorios e imaginarios revolucionarios, pasando por su quiebra a través de la asunción del dolor y la humillación que infligen los medios de producción y las condiciones laborales, hasta llegar a ese vacío donde es posible la determinación: el delirio colectivo y la consiguiente abolición de la representación.

Terrorismo de autor es un colectivo anónimo-delirante nacido en 2012. A través de piezas audiovisuales de carácter político y social, se proponen protagonizar en la actualidad un remake estético e ideológico del mayo del 68 francés. Combinando humor, viralidad, activismo y nouvelle vague, plantean una acción revolucionaria que no sea ni violenta ni pacífica, sino creativa.

ARTISTAS EN RESIDENCIA es un programa conjunto de La Casa Encendida y del CA2M Centro de Arte Dos de Mayo, cuyo fin es apoyar la creación dentro del campo de la danza y el trabajo con el cuerpo desde otras disciplinas ofreciendo a los artistas espacios para la experimentación y para la presentación de sus propuestas.

Artistas en residencia se articula en relación a la programación estable de LCE y el CA2M. Por ello se valorarán aquellos proyectos que mejor respondan a las líneas de investigación y experimentación de ambos centros. No es un programa destinado exclusivamente a la ayuda a la producción, sino más bien una oportunidad para establecer diálogos entre los creadores y los agentes vinculados a ambas instituciones y sus programas.

Artistas en residencia es un programa conjunto de La Casa Encendida y del CA2M cuyo fin es apoyar la creación dentro del campo de la danza y el trabajo con el cuerpo ofreciendo a los artistas espacios para la experimentación, la reflexión y la presentación de sus propuestas.

Acento es un programa vinculado a Artistas en residencia en el que durante tres jornadas se realizaron presentaciones de los proyectos llevados a cabo durante las estancias de 2013 y donde se generó un espacio de encuentro con los artistas del 2014. En estos días ambas instituciones quisieron poner el acento en la reflexión que parte de la propia producción artística a través del cuerpo, entendiendo este como cuerpo social, como una construcción política productora de saberes desde lo sensible.

Los artistas seleccionados en 2013 fueron: Elisa Arteta,  Cristina Blanco, Pablo Esbert, Carmen Fumero, Martín Llavaneras, Cecilia Lisa Eliceche, Elpida Orfanidou y Juan Perno,  Ángela Peris, Jesús Rubio Gamo y Navidad Santiago.

Entrada libre hasta completar aforo.

PROGRAMACIÓN

JUEVES 13 FEB EN LCE

20.30h. Montando Cabos, de Carmen Fumero

Es un viaje a través de sensaciones. Dos individuos se relacionan con la intuición representada por sus manos, capaces de expresar deseo e impulso. A veces existe el acto espontáneo e intuitivo de ir en la misma dirección, otras veces la pretensión de guiar, y otras, de dejarse llevar. Las manos responden al deseo de recuperar esa emoción. Como resultado, una sensación pasada.

Carmen Fumero ha realizado varios proyecto en solitario, el más destacado, en 2011, contando con la colaboración de Laura Kumin y Daniel Abreu. En 2010 recibe una residencia en los Teatros del Canal a través del Certamen Coreográfico de Madrid, donde crea su primera obra de formato grande Ironía estrenada en el Teatro Padrillo en 2011. En 2013, recibe dos residencias coreográficas, una en los Teatros del Canal y otra en La Casa Encendida.

http://carmenfumero.blogspot.com.es/

21.30h. SuperFiciales, de Navidad Santiago

Es una reflexión sobre la capacidad comunicativa de la materia; desde el comportamiento de las partículas elementales hasta el comportamiento humano. Porque detrás de tanta ciencia moderna, de tantas fracturas y uniones, de tanto amor y desasosiego, de tanto cambio social, de tanta poesía o de tanta ficción; en nuestros patrones de conducta se lee el comportamiento de la materia más esencial... de los materiales más superficiales.

Navidad Santiago (Madrid, 1975) es licenciada en Sociología en la UCM. Madrid; Postgrado en Historia Política en Palachejo Universita. Olomouc. Rep. Checa y Danza Clásica: África Guzmán, SCAENA, Madrid Dance Center.

VIE 14 FEB EN EL CA2M

SESIONES DE APERTURA DEL PROCESO DE TRABAJO

19.00 h. Juan Perno habla del proceso de Elpid’arc, de Elpida Orfanidou y Juan Perno

Elpida Orfanidou y Juan Perno deciden sumergirse en una aventura imposible: copiar, reproducir uno de los más importantes trabajos de la historia del cine, la película muda La passion de Jeanne d’Arc (1928) dirigida por C.Th.Dreyer e interpretada por María Falconetti. Elpid’arces un film performance en el que el cine y el teatro se mezclan en una aleación alquímica; lo fascinante de este trabajo reside en el encuentro inesperado de lo místico con lo cotidiano y el humor.

Elpida Orfanidou es coreógrafa y performer griega; estudió danza y performance en Atenas, Arnhem, Montpellier y Londres. Ha desarrollado una serie de piezas en solitario que concluyeron en “One is almost never”. Ha creado trabajos conjuntamente con Herman Heisig (United States) y Juan Perno ( Elpid’arc) y como performer con Gui garrido, Tim Etchells, Mahela Rostek y Meg Stuart entre otras artistas.

Juan Pernoes licenciado en filosofía (UAM Madrid) y doctorado en estética, fotografía y video (UPV Valencia). Ha enseñado en diferentes centros y espacios video en tiempo real y live cinema, ha sido director creativo en publicidad digital durante 4 años en Italia; actualmente desarrolla proyectos centrados principalmente en el apropiacionismo en diferentes disciplinas como el video, la fotografía y las artes escénicas. Elpid'arc es su último trabajo en coproducción con HAU Theatre Berlín y la Fundación Onassis de Atenas además del soporte de La Casa Encendida y CA2M.

http://www.juanperno.com/

http://vimeo.com/elpidaorfanidou

20.30h. Código abierto de el agitador Vórtex, charla sobre el proceso con Cristina Blanco

El agitador Vórtex es el nuevo proyecto con el que Cristina Blanco se ha embarcado ahora. Partiendo del deseo de trabajar con distintos géneros (cine, ópera, teatro, musical, etc.) está investigando las convenciones de cada uno para poder cuestionar sus normas y mezclarlos de la manera más sorprendente. Un collage en vivo de géneros que dialogan entre sí, rompiendo con los códigos que los conforman, cuestionándose la naturaleza de los mismos y jugando a cambiar sus normas. ¿Por qué asociamos una orquesta sinfónica con tonalidades disonantes a una película de miedo? ¿Qué ocurre si en los créditos de una película de James Bond suena música tradicional con gaitas gallegas? ¿Cómo cohabitan E.T. y un obispo en el Far West? ¿O una sevillana con un ninja en una nave espacial?

Cristina Blanco después de diplomarse en Teatro Gestual por la RESAD, trabaja como actriz en varias compañías de teatro, se interesa por la danza y hace algunos talleres, protagoniza algunos cortos de cine y canta en algún que otro grupo de música. En 2004 crea su primer solo: cUADRADO_fLECHA_pERSONA qUE cORRE. En 2006, crea caixa preta_caja negra en colaboración con la coreógrafa brasileña Claudia Müller. En 2008 estrena The Nevestarting Story, un proyecto de Cuqui Jerez, María Jerez, Amaia Urra y Cristina Blanco. En octubre de 2009  estrena en Madrid The Croquis Reloaded, un trabajo de Cuqui Jerez con Cristina Blanco. En septiembre de 2010 presenta TELETRANSPORTATION instalación/pieza creada para el festival Mapa y en octubre estrena ciencia_ficción, un solo-charla-proceso-blog-concierto. http://www.tea-tron.com/cristinablanco/blog/

SAB 15 FEB EN LCE

17.30h. Impermanencia, de Elisa Arteta

Propone al espectador una experiencia corpórea, visual y sonora que hace referencia al cambio constante, al no retorno. Una situación en la que el movimiento de la artista está limitado, y debe entonces adaptar su cuerpo al medio que habita. En el transcurso del tiempo va dejando tras de sí un rastro definido que queda como memoria de lo allí ocurrido. Mientras tanto, el público puede desplazarse libremente por la instalación y elegir la duración de su experiencia.

Elisa Arteta se dedica a la práctica de la danza, entendida de una manera muy amplia. Su trabajo muestra un gran abanico de intereses, desde el uso de la videocámara, al estudio de la propiocepción o la búsqueda de cómo integrar diferentes temáticas en la práctica escénica. En la actualidad se cuestiona la intencionalidad de ese cuerpo que se presenta en escena y el sentido del concepto mismo de coreografía, y busca siempre contextos muy diferentes donde presentar sus trabajos. http://elisaarteta.com/

18.30h. Sonidear un espacio, de Ángela Peris Alcantud

Es inventar una nueva realidad sonora. Esa realidad existe, está aquí mismo, nos envuelve. Para que este mundo salga a la luz hay que vibrarlo, contarlo, anotarlo, susurrarlo, desmenuzarlo, percutirlo y mostrarlo. La idea de sonidear surge a partir de la necesidad de crear movimiento mediante el sonido. Este sonido puede estar generado por nuestra propia imaginación, o bien por un factor externo (todos aquellos sonidos que nos rodean). En ambos casos, tanto mediante el sonido interno como mediante el externo, surgen unas frases con el cuerpo y con la voz que finalmente concluirán en una partitura rítmica, una pieza de sonido y movimiento. Sonidear es vivenciar unas islas sonoras que en conjunto crearán un archipiélago ruidoso inventado.

Ángela Peris Alcantud es licenciada y Master en Comunicación Audiovisual; ha estudiado coreografía y danza en Martha Graham School y Dance Space Center (ahora DNA) de Nueva York; en SNDO, School for New Dance Development, de Holanda, y en el Institut del Teatre de Barcelona. Su trabajo busca el punto de unión entre el movimiento, la voz y el pensamiento. En 2012 crea la pieza para público infantil ALLES, junto con la artista Alma Söderberg. Además desde 2011 trabaja como artista colaboradora en la Fundación Yehudi Menuhin España dentro del programa Mus-e, arte por la convivencia.http://angelaperis.blogspot.com.es/

20.00h. El Rapto de Europa (2013 - ad infinitum), de Jesús Rubio Gamo.

En busca de una memoria subjetivo-colectiva no histórica

Jesús Rubio Gamo pretende crear un espacio de encuentro en la ciudad de Madrid con el objetivo de construir una memoria colectiva de carácter subjetivo y emocional. Se trataría de la construcción de un “monumento memorial emocional escénico” que pueda compartirse con otros a través de muestras del mismo y de actividades complementarias en torno al proceso como mesas redondas o debates.

Jesús Rubio Gamo (Madrid, 1982) ha realizado un máster en Práctica Escénica Y Cultura Visual. Universidad de Alcalá de Henares y Museo Nacional Reina Sofía. 2011-2012. Es dramaturgo. Co-autor de los textos presentados por la Sala Cuarta Pared, Madrid, en la Noche en Blanco 2010; coreógrafo invitado, representante español en el Festival Internacional Das 6 Tagen Rennen. Creación de una pieza con residencia en Pact-Zollverein, Essen. Actuaciones en Madrid, Lucerna y Essen. Coproducción Alemania-España-Suiza, 2010. http://www.jesusrubiogamo.com/

21.30h. Going nowhere together, de Pablo Esbert

Es una performance que parece un concierto, un ritual que parece un solo de danza, una experiencia colectiva que parece un espectáculo. Durante dos meses he invitado a otros artistas, amigos, familiares y desconocidos para pasar un día conmigo. Un día con cada uno para compartir juntos una práctica sonora y física. Para reflexionar y descubrir juntos hacia ningún lugar conocido.
http://goingnowheretogether.wordpress.com/

Pablo Esbert Lilienfeld crea desde el 2005 sus propios trabajos escénicos y audiovisuales. Colabora estrechamente con el italiano Alessandro Sciarroni además de otros coreógrafos europeos. Desarrolla una actividad paralela como músico y vídeo creador. Se formó en Comunicación Audiovisual en la Universidad Complutense, Danza Contemporánea en el RCPD y música en la Escuela de Música Creativa.
www.pabloesbertlilienfeld.com

DIRIGIDO POR CARLOS MARTÍN

Participantes: Carolina Puigdevall, Jesús Burrola, Paulino Martín Blanco, Ángela Lupiáñez Morillas, Emma Sánchez-Quiñones Ballestero, Lucas Rodríguez Marcos, Clara Derrac Soria, Servet Domínguez Herrera, Leva Naujalyte, Blanca Sotos, Carolina Rodovalho, Laura Vila Lorenzo, Mireia Monjo Eroles, Xandra Villar Amigo, Mónica Fernández Ferreras y Natalia Giménez Cid.

Resulta paradójico que los volúmenes que recogen selecciones de una colección de arte, los libros de colección, se conviertan en una suerte de libros coleccionables, objetos que dormitan en estantes y despachos o adornan mesas de reuniones bajo el tranquilizador (y pesado) formato del coffee table book. ¿Tiene sentido insistir en un modelo de libro que funciona como barniz intelectual de la cultura del lujo? ¿Mantener su carácter de fetiche, su aura intocable, impagable, reservada, ilegible?

El DIDDCC se vuelve a abrir como un espacio para el estudio donde se investiga con las colecciones CA2M y ARCO y se desarrollan estrategias críticas para su trabajo y difusión pública. Este año, el DIDDCC, dirigido por Carlos Martín, se ocupa del cuestionamiento de los dispositivos de publicación de colecciones de arte contemporáneo, públicas o privadas, de los cánones y dogmas impuestos en ese campo y plantea un espacio para la investigación del que emergen propuestas abiertas, problemáticas y líneas de trabajo que se pueden aplicar a la nueva publicación de la Colección CA2M y ARCO, prevista para 2018.

¿Cómo negociar con un formato que, al recoger una colección en proceso de crecimiento es necesariamente finito? ¿Qué matices aporta la distinción entre colección pública y colección publicada? ¿Cómo escribir sobre una determinada propuesta artística sin con ello neutralizar sus potenciales? ¿Se puede concebir un libro radicalmente abierto? Una colección debe publicar sus contenidos y claves de lectura pero, ¿también el complejo y con frecuencia polémico relato de su origen y formación? Estas son algunas de las líneas que pueden abrirse en el DDIDDC, donde en esa negociación entre colección y publicación se activarán diversos vectores: la investigación y comisariado de los fondos, la escritura (estilos, códigos, enfoques teóricos, públicos, cuestiones de autoría), la edición, el registro y catalogación de obras de arte, el diseño gráfico o las estrategias de difusión de contenidos.

Los participantes tendrán acceso al estudio de las colecciones, encuentros con personal del CA2M, con artistas y agentes diversos del sistema del arte actual para emprender investigaciones sectoriales y plantear casos de estudio. Están invitados a participar en el DIDDCC estudiantes de posgrado, máster o doctorado en las áreas de Historia del Arte, Bellas Artes, Humanidades y Comunicación.

Invitados confirmados:

David Armengol (Comisario independiente).
Àlex Gifreu (Diseñador gráfico. Premio Best of European Design and Advertising 2016).
Lola Hinojosa (Responsable de la Colección de Artes Performativas e Intermedia. Museo Reina Sofía).
Carolina Martínez y Clemente Bernad (Editorial Alkibla).
Rosario Peiró (Directora de Colecciones. Museo Reina Sofía).
Sergio Rubira (Creador del DIDDCC y Subdirector Colección y Exposiciones del IVAM).
Isabel Salgado y Óscar Pina (Colección ‘La Caixa’).
Manuel Segade (Director del CA2M).

Inscripción desde el 15 de enero hasta el 12 de febrero. El listado con los seleccionados se publicará el 16 de febrero

18 FEBRERO. SÁBADO. 16:00 - 19:30 H

Señalar un contexto antes que un recorte es una acción de configuración, un ejercicio de aparición. Dentro de esta dinámica se validan proposiciones donde las acciones, los gestos y los enunciados son leídos y reconocidos desde la legibilidad que facilita aquello que la doxa argumentativa señala como «contexto». Sin embargo, la condición material de estos mismos elementos permite hallar otros modos de hablar de un contexto. Una novela que comienza, al igual que el único libro de Macedonio Fernández publicado en vida de su autor, es una enunciación de comienzo y determina el movimiento de lectura y recepción de un relato. Esta narración plural y subjetiva visibiliza distintas formas de participar de un contexto. Diego Vecchio, Alejo Ponce de León, Karina Peisajovich, María Moreno y Pablo Schanton se proponen reflexionar sobre algunos de los «materiales vivos» con los que el arte argentino desarrolla obras y posiciones. Desglosar en primera persona tal conjunto de materiales no tiene otra intención que compartir claves de participación. Campos de relación en los que el arte pivota alrededor del barrio, la literatura, la música, la construcción de autor y esa plusvalía productiva que emerge a través de la afectividad.

Comisario: Mariano Mayer.

Entrada libre. Más información en actividades.ca2m@madrid.org o en 912 760 227

PROGRAMA

16:00h. Presentación con Mariano Mayer
Mariano Mayer es poeta y comisario independiente. Entre sus últimas exposiciones figuran Soy un libro que no he escrito ni he leído Capítulo II (The Goma, Madrid, 2015) y Omnidireccional (Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, 2015). Entre sus últimos proyectos como curador figuran En el ejercicio de las cosas  junto a Sonia Becce (Plataforma Argentina ARCOmadrid 2017) y Causal: Ignacio Fanti (The White Lodge, Córdoba, Argentina, 2016).

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16:15h. Algo que termina: el museo del fin del mundo
La literatura que practica Diego Vecchio no tiene ningún papel, esta no función en particular permite incorporar una multiplicidad de géneros. Cada uno de sus libros genera un contexto para albergar el interés por construir una literatura elaborada a partir de ciertos saberes. Una ficción entendida como el resultado de extrapolar arte, museología, animismo o medicina.      

Diego Vecchio es autor de tres ficciones: Historia calamitatum, Microbios, Osos y de un ensayo: Egocidios: Macedonio Fernández y la liquidación del yo. Actualmente reside en París donde es docente de literatura latinoamericana y director del Máster de Creación Literaria en l’Université Paris 8 Saint-Denis.

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16:50 h. Un barrio que es infinito
Alejo Ponce de León tematiza sobre el barrio y lo importa al arte, para plantear cómo este lenguaje es el resultado de la relación que se establece entre las formas de vida que acoge, las posibilidades de interacción que es capaz de trasmitir y el tipo de afectividades que promueve.

Alejo Ponce de León  es crítico de arte, periodista y curador independiente. Publicó en Página/12, Arte al Día y Los Inrockuptibles, entre otros medios. Como curador, ideó la exhibición Octubre de 2015 en la Galería Ruth Benzacar, La industria gráfica produce cultura de Javier Barilaro en la galería Otero y Adaptative Backlash: el costo exponencial de la integración junto a Gaby Cepeda y Javier Villa en el espacio cultural La Fábrica. Actualmente está preparando un proyecto editorial enfocado en teoría crítica y arte argentino con la curadora Lucrecia Palacios.

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17:25h. El viento
La artista Karina Peisajovich ensaya una voz y completa una visión subjetiva e inclusiva del estado de las cosas en el arte contemporáneo argentino. Con la intención de leer esa porción del arte, tanto desde la problemática de quien la produce como de quien la vive y la observa.

Formada en la pintura, la práctica artística de Karina ha sido fuertemente influenciada no sólo por la historia del arte, sino por su experiencia temprana en el teatro alternativo, en el que trabajó como diseñadora de escena y vestuario a finales de los ochenta y principios de los noventa. Su obra está profundamente influida por la historia de los experimentos modernistas con la abstracción y la percepción, al mismo tiempo que se apropia del teatro, los soportes técnicos, un compromiso directo con el espacio físico de exhibición y un posicionamiento activo del espectador-participante en la obra. Sus proyectos más recientes han pasado de complejas instalaciones relacionadas con formas abstractas pintadas desde las paredes al piso de la galería con luces proyectadas en formas geométricas, a un conjunto de elementos más reducidos: pequeñas máquinas de iluminación que proyectan luces de colores, colocadas en espacios completamente oscurecidos.

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18:00h Pausa café

18:15h Yo, Dolly Skeffington: arte y falsificación
Para María Moreno la escritura es antes un material de intervención que un medio expresivo. Por ello es capaz de plantear una autobiografía novelada en clave microensayo o una ficción sobre la identidad y contrabandear procedimientos tanto del collage como del montaje modernista.

María Moreno nace y vive en Buenos Aires. Se inicia como periodista en el diario La opinión. Durante la dictadura, María Moreno hacía periodismo en Siete Días y en Status. Suele contar que, en gran medida por una cuestión de censura, hacían una especie de laboratorio de escritura. Sus estrategias discursivas son admiradas hasta el día de hoy. Periodista, narradora y crítica cultural, es considerada una de las más grandes cronistas y ensayistas de habla hispana. Escribió la novela El affair Skeffington, y los libros de no ficción El petiso orejudo A tontas y a Locas, El fin del sexo y otras mentiras, Vida de vivos, Banco a la sombra, Teoría de la noche y Subrayados.

18:50h La música es mi casa
Para el crítico de rock Pablo Schanton, la música es un imán que permite encontrar al rodar por el jardín del mundo todo tipo de estructuras vinculantes. Cada una de sus intervenciones expande la  respuesta de la siguiente pregunta: ¿Cómo hablar de la música a través de otro medio?

Pablo Schanton es periodista, crítico e investigador de música popular, especializado en rock y música electrónica. A principios de los 90, dirigió la revista de crítica de rock Ruido. Entre 1990 y 2009, organizó anualmente los ciclos Estetoscopio y Post Post. Realizó la antología Después del rock y editó Retromanía de Simon Reynolds ambos en la editorial Caja Negra, además de prologar El basurero de la historia de Greil Marcus. Es letrista y pertenece al colectivo de músicos y DJs Agencia de Viajes. Actualmente es subeditor jefe de revista Viva. Además, colabora en revistas como Otra Parte, Rolling Stone y Ñ.

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