PER/FORM

La performance y la performatividad toman el protagonismo en estos tiempos, y hay más de una razón para ello. El hecho de que vivamos en un mundo cada vez más “inmaterial”, dominado por lo mediático (que algunos tildan de espectáculo), el impacto de la globalización, la tendencia creciente de concebir la política como biopolítica… Todos estos factores impulsan a la performance por encima de lo material y de la creación de objetos. La performatividad explora el espacio intermedio, lo que ocurre cuando dejamos que los cuerpos y los objetos actúen en una performance. Representar una performance es permitir que uno mismo o los objetos trabajen a través de su forma. Y dejar que la forma hable por sí misma. 

La performance y su representación son conceptos que activan la realidad y que entran en juego con el mundo. El resultado no es lineal ni unidimensional. Lo real se convierte en un organismo complejo de múltiples facetas. En este sentido, la performatividad (o lo que activa la representación y la performance) ofrece resistencia a la homogenización del mundo. Lleva a la renovación y el cambio y amplia la potencialidad de los objetos y los seres. En un mundo formado por el capital y el peso de la historia, necesitamos el cambio y la performatividad para desbloquear mentalidades y situaciones.

Esta exposición, concebida como evento, subrayó la performatividad y la forma en que funciona, la forma en que se acciona a sí misma. Incluyó objetos, audiovisuales y cuerpos. Fue una exposición continuamente “en vivo”, ya que las instalaciones, fotografías, películas, performances, debates, etcétera, habitaron el espacio del museo.

El subtítulo de la exposición, que remitía al concepto “per / form”, procedía de John Langshaw Austin, pensador inglés y uno de los fundadores de la filosofía analítica y la pragmática. En 1955 dio una conferencia titulada “Cómo hacer Cosas con Palabras” donde estudia la relación entre los actos y el lenguaje. El libro publicado en 1962 suele citarse en los debates sobre performance y arte. Esta exposición se adentra en la exploración de esta relación a través de distintas situaciones que proponen tanto el formato de la exposición en sí, como las obras que se presentan y activan en su interior. Per/Form remitía a la forma en que la performatividad funcionaba en el arte contemporáneo. En latín, “per” significa atravesar, pasar a través, y también puede referirse a un objetivo o significado. “Forma” es la manera en que una idea se moldea y adquiere presencia en el mundo.

El proyecto, que funcionaba como un laboratorio e incluía instalaciones, talleres y performances, analizaba la cuestión de cómo el arte se relaciona con la realidad de forma performativa. Cómo los artistas utilizan las formas para crear significados múltiples y abiertos. Aquí el significado no era estático, sino que fluctuaba a la vez que las relaciones entre los objetos, las ideas y las personas se activaban. La activación podía producirse de distintos modos. Así, las obras activaban textos o situaciones legales, escaparates históricos o institucionales, la forma en que se construye el conocimiento, cómo se organiza la vida política hoy en día y cómo se organizaba en el pasado, el lenguaje y el cuerpo, la idea de lo común, la idea de museo, de arte, la idea de la creación de arte como institución, el modo en que lo visual establece un juego con las imágenes y el sonido, o el modo en que el cuerpo interactúa con la realidad de nociones como la imagen o el sonido.

El proyecto consistió en varias formas de “exhibir”. La exposición en sí reunió 16 instalaciones. Algunas de ellas incluyeron elementos en directo y otras pudieron activarse en directo de distinta forma. Además hubo obras que se activaron dentro de la propia ciudad, y situaciones performativas que se concentraron en tres días a lo largo del proyecto. Se trató de los “Días de Intensidad”, que se celebraron el 22 de marzo, el 10 de mayo y el 22 de septiembre. Estos días trabajaron el concepto de “intensidad” tal y como lo describió Jean-François Lyotard cuando definía lo que caracteriza una obra de arte que se concibe como una situación. Durante estos días, hubo una mayor activación de algunas de las instalaciones, talleres, charlas, debates y performances. El Intensity Lab, un espacio incluido en la exposición, albergó algunos de estos encuentros, así como material de archivo sobre el proyecto y su desarrollo.

CON: Mathieu Abonnenc / Jennifer Allora & Guillermo Calzadilla / Brad Butler & Karen Mirza / Geneviève Cadieux / Jean-Pierre Cometti / Agnès Dahan / Adrian Dan / Angela Detanico & Rafael Lain / Carole Douillard / Cevdet Erek / Köken Ergun / Esther Ferrer / Chiara Fumai / Ryan Gander / Simon Fujiwara / Dora García / Camille Henrot / Sandra Johnston / Amelia Jones / Latifa Laâbissi / La Ribot / Ines Lechleitner / Franck Leibovici / Cristina Lucas / Haroon Mirza / Antonio Negri / Roman Ondák / Falke Pisano / Chantal Pontbriand / Chloé Quenum / Pedro Reyes / José Antonio Sánchez / Julião Sarmento / Ulla von Brandenburg / Carey Young / Héctor Zamora.

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