SÁBADO 18 DE NOVIEMBRE

Posiciones críticas desde la práctica artística. Conversación con David Crespo y Alicia Utiyama. 11:00 -12:15h

En esta sesión, David Crespo y Alicia Utiyama conversarán sobre varios de sus proyectos artísticos y sus posicionamientos en torno a la importancia de la experiencia y la participación en el ámbito de  la creación.Crespo, con la intervención titulada Vomitar sentimientos anclados, reflexionará en torno a la gestión y la responsabilidad emocional a través principalmente de dos proyectos Por un lado, Calcula tu Flor Emocional (2019) y NECACDAF (2019), que presentan acciones terapéuticas deconstruidas e invitan al espectador a realizar un pequeño ejercicio de terapia, desde un punto de vista absurdo y humorístico. Y, por otro lado, Cúspide (2020), una propuesta de instalación para el desarrollo de una meditación. Por su parte, Utiyama presentará Vagas y maleantes, en el que recorrerá susdos proyectos más largos: Archaea (2021) y Piel de mi piel (2023). En el primero, narra su ingreso en una institución psiquiátrica en pandemia a través de sus diarios. A través de diferentes historias, habla de la tendencia y naturalización con que personas con trastornos mentales son abandonados por familiares o terminan viviendo en la calle. Piel de mi piel habla del fracaso, sobre volver a un psiquiátrico y estar allí durante 6 meses. Sobre la necesidad de cambiar la piel y su estructura, de construir una piel complementaria y una piel cultural para reconstruir y obtener lo que Didier Anzieu llamaría Yo-pielnormal y ya no volver a la institución. A través de ese discurso de la piel manifiesto el estigma, la supervivencia, para terminar señalando la falta de un protocolo nacional de prevención del suicidio.

El taller de los locos. Conferencia de Sasha Warren 12:30 -14:00h

Los locos y los enfermos mentales han tenido una larga relación con las artes a lo largo de la historia, ya sea trabajando con lápices o pinceles en un taller, ya sea creando a partir de materiales como la ceniza o los restos de comida en las paredes de una celda. Aunque durante siglos la locura ha fascinado a los artistas como símbolo de un poder creativo casi místico pero, a la vez, peligroso, el artista loco no empezó a ser investigado como figura en sí misma hasta las revoluciones psiquiátricas de los siglos XVIII y XIX. No obstante, a partir de ese momento, el estudio del arte producido por personas locas se ha visto limitado por la tendencia a intentar encasillar sus trabajos dentro de categorías nosológicas preexistentes o de usarlos como ejemplos de una creatividad “pura” que se asociaba a la de los niños y de los llamados pueblos primitivos. En otras palabras, se descubría en estas obras lo que, de entrada, se pretendía descubrir. A mediados del siglo XX, la identificación entre la locura, la discapacidad y la degeneración y su asociación con los considerados enemigos de la raza o del Estado se convirtió en una parte crucial del proyecto estético de los fascismos, y en particular del nazismo.

Un factor esencial ausente en todos estos intentos de clasificación tiene que ver con la producción: ¿en qué condiciones se crearon esas obras de arte “enajenadas”? ¿De qué tipo de vida social surgieron estas obras y cómo la transformaron? Dado que la mayor parte de ellas fueron hechas sin posibilidad de ser expuestas, ¿qué tipo de comunicación entablaron con los públicos? En esta conferencia, trazaré una contrahistoria de este tipo de trabajos que atienda a la dimensión social de la producción del arte en su encuentro con la locura.

16:00-18:00h Presentaciones públicas de los talleres

Como final de las Jornadas, Fernando Balius y Clara López (Mesa Camilla), junto con las personas participantes, compartirán sus reflexiones o, en su caso, resultados, de lo ocurrido en los tallares durante los días anteriores.

18:00h Palabras de cierre del fin de las jornadas.

18:15h Proyección y debate. Estado del malestar, María Ruido, 2019, Video HD + super 8 mm+16mm, 63 minutos.  

Tras la proyección, María Ruido conversará con Inés Molina y el público.

“El capital enferma al trabajador, y luego las compañías farmacéuticas internacionales le venden drogas para que se sienta mejor. Las causas sociales y políticas del estrés quedan de lado mientras que, inversamente, el descontento se individualiza y se interioriza”.  Mark Fisher, Realismo capitalista: ¿No hay alternativa?, 2009. A partir de algunos textos de Mark Fisher, Franco Berardi “Bifo” y Santiago López Petit, así como de algunas conversaciones con filósofos, psiquiatras y personas afectadas o diagnosticadas, especialmente con el colectivo de activistas InsPiradas de Madrid, Estado de Malestar se propone como un ensayo visual sobre la sintomatología social y el sufrimiento psíquico en tiempos del realismo capitalista, sobre el dolor que nos provoca el sistema de vida en el que estamos inmersos, y sobre qué lugares y acciones de resistencia y/o cambio podemos construir para combatirlo.

BIOGRAFÍAS

Costa Badía

Soy graduada en Bellas Artes y tengo un posgrado en educacion artística en instituciones sociales y culturales ambos por la Universidad Complutense de Madrid. Actualmente trabajo en el departamento de educación del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia en Madrid ocupándome la medicación cultural y programación para personas con discapacidad. He realizado performances en el Museo Reina Sofía, en el Museo Thyssen-Bornemisza, en el CA2M, MUSAC, Almacén en Lanzarote, imparto charlas en diferentes Master y museos sobre la  mediación cultural y la inclusión de las personas con discapacidad en espacios culturales. Tienen piezas mías en su colección Ana de Alvear, Marina Vargas y el CA2M. Mi trabajo como artista se centra en la validación del error, el desafío a los estereotipos de belleza y de comportamiento. Busco un camino alternativo investigando sobre la convivencia entre las personas normativas y las no normativas.

Fernando Balius

Filósofo, superviviente de la psiquiatría, escuchador de voces y autor del cómic Desmesura (Bellaterra, 2018).

Gema B. Palacios

Soy doctora en Estudios Artísticos, Literarios y de la Cultura por la Universidad Autónoma de Madrid, donde recientemente he defendido mi tesis “Cuerpo abolido: la desaparición del cuerpo en las autofiguraciones de Alejandra Pizarnik, Francesca Woodman y Ana Mendieta” bajo la dirección de Patricia Mayayo Bost. He formado parte del departamento de Teoría e Historia del Arte de la misma universidad como investigadora predoctoral y he podido colaborar en tareas docentes así como en la organización de actividades de investigación. He difundido resultados de mis investigaciones en congresos y jornadas como el I Simposio Internacional “¿Cómo ser escritora? Género y autoridad en el campo literario contemporáneo” (Universidad de Alcalá, 2021) o el XVIII Congreso Internacional ALEPH “Formas de pensar el cuerpo en las culturas hispánicas” (Cambridge, 2022) y en publicaciones científicas como el capítulo de libro “Sacarle la forma de un cuerpo a un tronco de un árbol: earth-body works en Ana Mendieta, Fina Miralles y Mary Beth Edelson” en el volumen Territorios que importan: Género, Arte y Ecología (Brumaria, 2022). En la actualidad trabajo como profesora colaboradora en la Universidad Internacional de Valencia (VIU) y compagino mi actividad investigadora independiente con proyectos de creación visual y literaria. Desde 2019 soy presidenta de la asociación feminista de mujeres poetas Genialogías.

David Crespo

Trabaja como artista y formador en arte. Licenciado en Bellas por la Universidad de Vigo, Máster de fotografía en la escuela EFTI y Máster de Creación, Arte e Investigación de la Universidad Complutense de Madrid, donde en la actualidad se encuentra cursando el doctorado en Bellas Artes. Sus proyectos han estado presentes en museos, galerías, ferias y festivales nacionales e internacionales como la Casa Encendida de Madrid, el Palais de Tokyo de París, Matadero Madrid, Seoul Art Space Geumcheon, MUSAC de León, Bèlit Centre d'Art Contemporani de Girona, TEA Tenerife Espacio de las Artes, NGBK de Berlín, Addaya Centre d'art contemporani de Alaró, Goethe Institute de Barcelona, Centro de Arte de la Complutense de Madrid, Fabra i Coats en Barcelona y Storm And Drunk en Madrid entre otros. Ha recibido diferentes premios y becas como la Residencia AC/E – Hangar - SAGS Corea 2017, Generación 2017, Participar.de, Propuestas de la Vegap, Intransit, y seleccionado en convocatorias como el Premi Ciutat de Palma o el Miquel Casablancas.

Locus - Ana CSC

Locus* es un proyecto que explora la confluencia entre cultura y salud mental desde una perspectiva crítica y comunitaria. Subvierte el concepto de "lugar de seguridad", que en la psiquiatría hegemónica se relaciona con espacios de contención policiales y de salud, a través de diversos lenguajes creativos contemporáneos y reivindicando la convivencia con la locura radicada en el apoyo mutuo. Locus* es pionero en el territorio español en lo que a "Cultura Loca" se refiere. Desde 2019 hasta la actualidad, recibe el apoyo y reconocimiento de diversas entidades culturales y medios de comunicación.

Ana CSC (Vallekas, 1993) es una trabajadora cultural precaria y loca orgullosa que trata de organizar su rabia y defender su alegría a través de la coordinación de Nada, una productora de proyectos culturales que busca luchar por los derechos sociales y culturales, abrazar la diversidad y desafiar las normas establecidas. Lo anterior se cristaliza en dos proyectos clave: Locus* ―sobre salud mental comunitaria― y Galaxxia ―sobre juventud y derechos laborales―.

Jesús Etxart

Etxart comenzó su andadura de cine experimental  con su premiada *“Eterna Pasión” en el 1º Festival de Vídeo de Vitoria, concedido por Paloma Chamorro. Posteriormente desarrolla trabajos en 16mm con formatos anaglifos, proyectados en páginas web con visores incrustados en 3D real en los navegadores HTML. Durante los últimos años sus trabajos desarrollan la idea de habitar el cine, fuera del marco textual.  Ha colaborado y/o expuesto con Fanny Edelman, Tata Güinnes, Zush/Evru, Arts Santa Monica, Cesar Portillo de la Luz, Sisa, colección olorVISUAL, Carlos Pazos, Galería H2o, Federico Correa, Tecla Sala, Fundación Kutxa…

Irene Garcia Molina

Actualmente, trabaja como Profesora Permanente Laboral en el Departamento de Psicología Evolutiva, Educativa, Social y Metodología de la Universitat Jaume I. Obtuvo su Doctorado Internacional en Psicología (2019) en la Universitat Jaume I (UJI), programa de doctorado con mención de calidad y excelencia por el Ministerio de Educación, gracias a una beca FPI de la Generalitat Valenciana (GV), realizando para su reconocimiento internacional dos estancias (6 meses) en el Center for Research in Autism and Education de la University College London (2016 y 2017) bajo la supervisión de Liz Pellicano, también con la subvención de dos becas para estancias fuera de la Comunidad Valenciana de la GV. Además, en relación a las estancias, realizó otra estancia en la UQAM - Université du Québec à Montréal (Canadá), bajo la supervisión de Isabelle Soulières (2021), gracias al Programa de ayudas para la movilidad del PDI en América, Ásia y Oceania (2021).

Respecto a su experiencia investigadora, gran parte de su tesis ha sido publicada en revistas JCR de alto impacto, es autora de su libro sobre intervención en teoría de la mente (Editorial Psique, 2016, de la cual actualmente es la directora) y diseñadora de la app que lo acompaña (castellano e inglés), además de otras apps educativas sobre lectura, matemáticas y música. También, es partícipe con un capítulo de libro titulado 'Amistades peligrosas: del acoso al mate crime en las mujeres con autismo' del libro 'Mujeres y autismo. La identidad camuflada' (Editorial Altaria, 2022), coordinado por AETAPI (Profesionales del Autismo). Actualmente, su investigación versa sobre la maternidad en las mujeres autistas, proyecto que ha sido financiado gracias a dos premios por su compromiso social por el Banco Santander.

Noemí de Haro García

Profesora Contratada Doctora en el Departamento de Historia y Teoría del Arte de la UAM desde 2020. Ha desarrollado su docencia en los grados de Historia del Arte, Historia y Estudios Internacionales (grupos en inglés y castellano), así como en el Máster Propio en Guión de Cine Series TV y Dramaturgia y el Máster Universitario de Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual. Sus líneas de investigación se centran en el análisis de las relaciones entre arte, cultura visual, historia del arte, sociedad y política en la España contemporánea. Los focos de interés que vertebran su investigación son las prácticas artísticas y culturales críticas y disidentes, especialmente las relacionadas con los (nuevos y viejos) movimientos sociales; las iniciativas y políticas culturales asociadas con procesos de modernización; las oportunidades, riesgos y límites de las iniciativas que, con objetivos e impulsores diversos, se han orientado a la popularización del arte y la cultura, así como de los discursos sobre las mismas; la reflexión crítica sobre la historia de la historia del arte y sus agentes en la contemporaneidad. Entre 2014 y 2020 fue Investigadora del subprograma “Ramón y Cajal”. Ha sido Investigadora Principal de los proyectos de investigación financiados Larga exposición: las narraciones del arte contemporáneo español para los “grandes públicos” (HAR2015-67059-P, MINECO/FEDER) y Cultura, protesta y movimientos sociales en la España contemporánea. El caso de las asociaciones vecinales (2015/EEUU/04, UAM/Banco Santander).

Clara López Gutiérrez

 Es graduada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Entre 2015 y 2019 ha trabajado como educadora artística en varios proyectos tales como Chiquitectos, en donde ha diseñado, ejecutado y dirigido diversos talleres, formaciones de verano, grupos intergeneracionales y un proyecto participativo con adolescentes en Espacio Abierto Quinta de los Molinos. Como gestora cultural se ha encargado de La Limonera Project, un espacio de arte autogestionado. Actualmente desarrolla sus prácticas en el MuPAI, el Museo Pedagógico de Arte Infantil de la Facultad de Bellas Artes, como parte del Máster en Educación Artística en Contextos Sociales y Culturales con un enfoque hacia la salud, en estrecha relación con Mesa Camilla, un proyecto artístico y divulgativo en torno a la enfermedad del que también nace Tara Jome, el podcast que dirige desde 2022. Mesa Camilla ha sido seleccionado en la convocatoria Nadine 2022 para un programa de incubación de proyectos con impacto artístico y social.

Silvia M. Limiñana

En mi obra como artista trato de crear narrativas que parten de lo comúnmente relegado, estereotipado e incomprendido. Me interesan aquellos conocimientos producidos fuera de los ámbitos del poder y cómo coexisten con este. En mis trabajos he utilizado como detonantes la enfermedad “Ser Enferma” (Emergències 3, Barcelona, 2021), “¿Quién Seguirá Aquí?” (II Congreso Internacional especulativo Arte, Alianzas, Afectos y Algo más*, 2021) (Nit de l’Art, Altea, 2022) (Hamacaonline, 2023); los baños públicos, “Baños públicos, cotidianidad y género” (Museu de la Universitat d'Alacant, 2021), “Binarisme. Evolució” (Ca la Dona, Barcelona, 2023); y la locura, “IDA vol.1” (Festival Ullal, Barcelona, 2022). También he realizado obras con el colectivo “Hogar diska” formado por artistas discas con enfermedades crónicas, “Dorm en l’accident que provoca”, (Museu Santa Mònica, Barcelona, 2022). Respecto a mi labor como investigadore y escritore, he escrito en Pikara Magazine, El Salto, ProyectoKahlo y en la revista Autiblog, he participado en las Jornadas GAM DISKUIR (Banc Expropiat, Barcelona, 2022) y en las I Jornadas Autistas (Setmana del Cervell, Barcelona, 2023), y llevo un blog de activismo anticapacitista desde 2019. En cuanto a mi formación académica, primero me formé como jurista, licenciade en Derecho (Universitat d’Alacant, 2013), luego realicé estudios en el Máster de Derecho Internacional de los Derechos Humanos (Europa-Universität Viadrina, 2017), finalmente me formé como artista en el Máster en Estudios Culturales y Artes Visuales (Universitat Miguel Hernández, 2022), y ahora acabo de iniciar mis estudios de doctorado en la Universitat d'Alacant.

Fátima Masoud Salazar

Vive en Madrid y es investigadora, artista y activista en “salud mental”, además es una de las fundadoras de Orgullo Loco Madrid. Ha participado en la organización del Día del Orgullo Loco en Madrid cada año desde 2018. Es responsable de contenido y de comunicación de las redes de Orgullo Loco Madrid e impulsora del proyecto Locas por los Libros. Ha escrito varios artículos y ha realizado varias charlas sobre la psiquiatrización y el Orgullo Loco. Desde 2020 ha participado en el proyecto “One-year research in the frame of the Fonds de la Recherche en Art (FRArt): “Experimental and collaborative artistic research on queer collective approaches to harm reduction and the act of gathering.”. En 2022 realizó junto a Castillo, una residencia en La Escocesa de Barcelona con el proyecto “Cómo conseguimos que nos dejen en paz”. Investiga, escribe, pinta y sigue sobreviviendo al sistema psiquiátrico.

Patricia Mayayo Bost

Catedrática en en el Departamento de Historia y Teoría y Teoría del Arte de la Universidad Autónoma de Madrid. Master of Arts por la Case Western Reserve University (E.E.U.U.) y Doctora en Historia del Arte por la Universidad Autónoma de Madrid. Su docencia se desarrolla en el Grado de Historia del Arte y en el Máster Universitario de Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual, del que fue coordinadora durante cuatro años. Sus líneas de investigación se centran en la historia de las mujeres artistas, la historiografía y las prácticas artísticas feministas y el arte contemporáneo español. También ha escrito numerosos textos acerca de las prácticas artísticas feministas desde 1960, entre los que puede destacarse el libro Cuerpos sexuados, cuerpos de reproducción o la realización de las exposiciones Genealogías feministas en el arte español, 1960-2010 (comisariada junto a Juan Vicente Aliaga en el MUSAC de León en 2012) y Territorios que importan. Género, arte y ecología (comisariada junto a Juan Guardiola en el CDAN de Huesca en 2018). En los últimos años, su investigación se ha centrado en el estudio del arte español contemporáneo y, más en particular, del trabajo de las mujeres artistas y los discursos feministas. En 2015 publicó el libro Arte en España, 1939-2014. Ideas, prácticas, políticas (junto a Jorge Luis Marzo).

Inés Molina Agudo

Graduada en Historia del Arte (UCM, Université Rennes 2, UNAM), Máster en Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual (UAM, UCM, MNCARS) y Postgrado en Análisis del Capitalismo y Políticas Transformadoras (UB, UAB). Actualmente es investigadora predoctoral en el Departamento de Historia y Teoría del Arte de la Universidad Autónoma de Madrid, donde realiza una tesis sobre prensa marginal, creatividad y expresión popular en la España de los 70. Sus líneas de investigación atienden a las contraculturas de los años 60 y 70 a través de la historia social, la historia del arte y los estudios culturales.  Ha colaborado con distintos museos y centros culturales como el Musée des Beaux-Arts de Rennes, el Museo Nacional Reina Sofía, el Museu d’Art Contemporani de Barcelona o el Espacio de Encuentro Feminista de Madrid.

Inés Plasencia Camps

Escritora, comisaria, investigadora y profe. Sus principales líneas de investigación son la historia de la fotografía, las artes visuales y la cultura visual del colonialismo y sus continuidades aplicados a debates, preguntas y formas de cuestionar críticamente la contemporaneidad, así como la noción de ciudadanía como mandato normativizador por parte de los estados. En la actualidad la exploración del miedo a través de las prácticas artísticas y culturales contemporáneas se sitúa en el centro de su trabajo. Sobre este tema, ha comisariado los programas Los nombres del miedo (2021) y Miedo, amor y revolución (2022) en Intermediae-Matadero. Gracias al programa de residencias Producción 0. Una detonación invisible, en el TEA Espacio de las Artes de Tenerife, comenzó el proyecto Ficciones para después de una vida, en el que explora los límites entre lo real y lo imaginado alrededor de la muerte. Parte de las creaciones artísticas, así como de saberes contrahegemónicos y anticoloniales que, más allá de la dicotomía conformada por la idea del “más allá” y la nada, indagan en la potencialidad de lo vivo para alargar la existencia de nuestras muertas. También tiene un Máster en Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual y es Doctora en Historia y Teoría del Arte por la Universidad Autónoma de Madrid. Actualmente es profesora asociada en esta universidad e imparte clases en Duke University in Madrid.

María Ruido

Artista, realizadora, investigadora y docente. Actualmente vive en Madrid y en Barcelona, donde es profesora en el Departamento de Arte y Cultura Visual de la Universidad de Barcelona.  Desde 1998 viene desarrollando proyectos interdisciplinares sobre la construcción social del cuerpo y la identidad, los imaginarios del trabajo en el capitalismo postfordista, y sobre la construcción de la memoria y sus relaciones con las formas narrativas de la historia, y más recientemente trabaja en torno a las nuevas formas de los imaginarios decoloniales y a sus posibilidades emancipatorias.

Rafael Sánchez-Mateos Paniagua

Doctor en Estética, artista, investigador y docente, actualmente en el Dept. de Escultura y Formación Artística de la Facultad de BBAA de la UCM (Grado de Bellas Artes, Máster Investigación en Arte y Creación, Máster de Escultura Contemporánea) y en la Escuela SUR (Máster en Artes y Profesiones artísticas). Ha sido profesor de Análisis de Formas en la Facultad de Arquitectura de la UPSAM (2007-2015); de Historia del Arte en los programas internacionales de la Fundación Ortega y Gasset-GregorionMarañón de Toledo (2016-2019); y de Modern Peninsular Studies en la Universidad de Princeton (2018-2020). También enseña en la Universidad de los Mayores de la UCM. Desarrolla procesos de investigación artística y colaborativa, siempre desde una perspectiva multidisciplinar. Con Susana Velasco y Jordi Carmona, formó parte del colectivo Luddotek (Liquidación Total, Documenta XII, COAM, La Casa Encendida, Matadero-Intermediae, Espai D’Art Contemporani de Castelló, Steirischer Herbst...). Con Miriam Martín, trabajó en distintos proyectos como En nuestros jardines se preparan bosques (MUSAC) y Con h minúscula (Museo Reina Sofía); con Antonio Ballester Moreno ideó la investigación Atenta (33 Bienal de São Paulo, Tabakalera, La Casa Encendida); junto a Fernando Baena ha creado, entre otras obras, Esto es lo verdadero o La Isla (Cruce, ABM Confecciones, Centre del Carmen); colabora con Julio Jara en Dentro Fuera o Impropios (Monasterio de la Inmaculada Concepción de Loeches). Ha acompañado los últimos proyectos de la Cía. Luz Arcas/La Phármaco Toná y Mariana (Festival de Otoño de Madrid, Bienal de Flamenco de Sevilla...)

Su investigación y creación actual se enmarca en una reflexión en torno a las artes, imaginarios y culturas populares tradicionales de carácter peninsular, la experiencia estética y la dimensión social del arte. En el marco del colectivo Operaciones Cunctatio, que fundó con Susana Velasco, ha conducido el proyecto lo vivo · lo pueblo · lo jondo : Geopsiquias del Albaicín, curado por Antonio Collados para La Madraza Centro de Cultura Contemporánea de Granada. Sus escritos pueden leerse en revistas como Art in Translation, Espacio Tiempo y Forma o Re-visiones y en medios como Ctxt.es, El Estado Mental o Eldiario.es

Rebecca Tolosa Gilroy

Estudia Antropología Política gracias a una beca en la universidad de Roma Tre, especializándose en las representaciones estéticas del dolor y de la miseria así como las economías morales asociadas a éstas. Más tarde estudia fotografía y cine.  En 2019 escribe la obra de teatro “Tragantona” estrenada en el Umbral de la Primavera y en 2021 la pieza “Particulares y Patios” la cual ha sido programada en teatros en Madrid, Bilbao y Málaga. En 2022 gana el premio Santander Emplea Cultura para realizar proyectos de gestión y Programación cultural en la ciudad de Barcelona. Ese mismo año se le otorga la mención del Premi Joves Creadoras de La Bonne y el Premi Dones Visuals con en el proyecto documental “Una Imagen (Im)posible”.

Toxic Lesbian

Toxic Lesbian surge en 2005 en el contexto entre el arte actual y el arte de acción político en torno al género y la disidencia sexual. El modelo artístico de Toxic Lesbian se define a través de las Prácticas Sociales en el Arte, el Ciberfeminismo, el Arte Comunitario y Procesual. Sus obras se concretan en piezas de videocreación, intervención urbana o performance, mediadas por la tecnología y la participación de sus públicos. Toxic Lesbian ha llevado a cabo algunos de sus proyectos junto con algunas de las principales instituciones artísticas y culturales como el MNCARS, Centro de Creación Contemporánea Matadero, Círculo Bellas Artes, Casa Encendida, Medialab-Prado de Madrid, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla-León, Arteleku Donosti, Centro Andaluz Arte Contemporáneo de Sevilla, medialabs europeos como iMal en Bélgica o Public Art Lab en Berlín o la Red de Centros Culturales de la Agencia Española de Cooperación al Desarrollo; ha igualmente participado en alguna de las más importantes manifestaciones de arte público digital europeo como la Transmediale, Festival de Fachadas Digitales; con centros sociales y comunitarios en España, Francia o Bélgica; y con colaboradores sociales y de defensa de los derechos humanos. Igualmente mantiene abierta desde 2012 una línea de investigación en torno a las Prácticas Sociales en el Arte y el Ciberfeminismo desde una perspectiva de género y queer, publicando periódicamente en revistas, congresos y participando en másteres y foros diversos del entorno académico.

Alicia Utiyama

Alicia Carmo Utiyama nació en Brasil en 1999. Formada en Escultura aplicada al espectáculo en la Escuela de arte La Palma de Madrid, actualmente estudia el Grado en Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid (UCM). En 2021 participó en el seminario impartido en Matadero Estudios Críticos (MEC) Los nombres del miedo, comisariado por Inés Plasencia y Victor Mora, en colaboración con el proyecto I+D “Los públicos del arte y la cultura visual contemporáneas)” Universidad Autónoma de Madrid y el apoyo de la Fundación Daniel y Nina Carasso. Ha partcipado en la exposición colectiva para Lasociación en el festival Alqvimia en 2023.

Sasha Durakov Warren

Es un escritor residente en Minneapolis. Sus experiencias dentro del sistema psiquiátrico y su compromiso con la política radical lo llevaron a cofundar el grupo Hearing Voices Twin Cities, que proporciona un espacio social alternativo para que las personas discutan en torno experiencias a menudo estigmatizadas y establezcan contactos entre sí. Tras las manifestaciones por el asesinato de George Floyd en 2020, fundó el proyecto Of Unsound Mind para rastrear las historias de la psiquiatría, el trabajo social y las conexiones de la salud pública con la policía, las prisiones y diversas tecnologías disciplinarias y de gestión.  Ha estudiado las obras escritas y visuales de pacientes psiquiátricos en la Europa del siglo XIX. Su artículo "La loca sueña con convertirse en árbol; el psiquiatra sueña con convertirse en botánico" se publicó en la revista radical de salud mental Asylum en el verano de 2020. Su libro Storming Bedlam: Madness, Utopia, and Revolt verá la luz en 2024. En él, reimagina la atención a la salud mental y sus posibilidades radicales en el contexto de su desarrollo global bajo el capitalismo.