ARTISTAS EN RESIDENCIA 2016
Artistas en Residencia es un programa que se articula en relación a la programación estable de La Casa Encendida y el CA2M. Por ello los proyectos seleccionados son aquellos que mejor responden a las líneas de investigación y experimentación de ambos centros. Artistas en Residencia por tanto, no es un programa destinado exclusivamente a la ayuda a la producción, sino más bien una oportunidad para establecer diálogos entre los creadores y los agentes vinculados a ambas instituciones y sus programas.
Los artistas seleccionados para el programa Artistas en Residencia 2016 son:
- Lilli Hartman y Pablo Durango con el proyecto: Welcome Home
- Gérald Kurdian con el proyecto: TRKTV
- Norberto Llopis con el proyecto: The Capitalist (El Capitalista)
- Julián Pacomio con el proyecto: Espacio Hacedor
- Claudia Pagés con el proyecto: Columna/Garganta
- Quim Pujol con el proyecto: El Dr. Mabuse contra Gloria Gaynor
- Silvia Ulloa con el proyecto: Atlas
LILLI HARTMAN Y PABLO DURANGO. Welcome Home
Welcome Home consiste en una investigación sobre el estado de "sentirse en casa", tanto en su presencia como en su ausencia. El punto de partida serán entrevistas personales con individuos pertenecientes a grupos que se consideran marginados. Las historias y experiencias reunidas en torno al hogar, la pertenencia / exclusión y la normalidad en las afueras de nuestra sociedad formarán la base de una actuación, que consta de varias actuaciones cortas, cada una, una especie de retrato. Estos "retratos" serán presentados por un solo intérprete, que encarnará a todas las personalidades diferentes, transitando de una a otraen el escenario.
Lilli Hartmann (Alemania, 1976) realizó sus estudios de Bellas Artes en Chelsea College y en el Royal College of Art en Londres. Es una artista que parte del extrañamiento de nuestro entorno a través de mecanismos propios de la infancia como son el juego, el disfraz o el cuento para provocar una mirada creativa a lo que nos rodea. Así, utiliza normalmente su cuerpo en acciones llenas de humor pero que logran trastocar los espacios en los que incide y a las personas que participan de la experiencia.
Pablo Durango (Madrid, 1988) es coordinador en “El Tipi”, espacio autogestionado en Madrid. Ha participado en Acción!Mad 2013/2014/2015. Su obra coma, beba, vea fue seleccionada para Entreacto 2014, exponiéndose en la galería L21. En 2015 quedó finalista en Intransit con su obra “Lugar de trabajo”. En la actualidad coordina el grupo de teatro The Last Assembly, becado por Injuve en 2016.
Su trabajo se centra en las artes en vivo y en el video, aunque en muchas obras hace uso del dibujo, la instalación y el diseño. En su obra reflexiona acerca de los ejercicios y estructuras de poder que atraviesan las nuevas formas de comunicarse y percibir la realidad y como afecta esto a la configuración de identidades propias.
GGÉRALD KURDIAN. TRKTV
Desarrollado junto a antropólogos, activistas queer y especialistas en anticipación, psíquicos, meteorólogos, estadísticos, escritores de ciencia ficción, el proyecto TRKTV se apoya en una lectura colectiva del Manifiesto Cyborg de Donna Haraway, hacia una traducción musical y performativa de sus proyectos socio - políticos. Se deriva de un deseo de inventar y experimentar, gracias a los medios conjuntos de la música electrónica, el documental y el rendimiento, las prácticas artísticas, culturales, políticas o sexuales de un cuerpo imaginario del cyborg. Se desarrolla en el marco de THEORY CONCERTS, conciertos de música electrónica en directo a medio camino entre la conferencia, el concierto y la instalación sonora realizada en directo por Gérald Kurdian.
Gérald Kurdian, músico, intérprete y radio-artista, estudió artes visuales en la ENSAPC antes de entrar en el programa de danza contemporánea “Ex.e.r.ce 07 – CCNMLR”, bajo la dirección de Mathilde Monnier y Xavier Le Roy.
Sus conciertos oblicuos inspirados en los géneros de la comedia de pie, musical o recital, - Royal Gala (2005), 1999 (2009), 18 Chansons (2010), Mi primera canción del club (2011), The Magic of Spectacular Theatre (2012), La Solidité des choses (2014), TRKTV y Theory Concerts (2015-16) - son oportunidades alegres para inventar sinergias entre las prácticas de la música electrónica, el arte de performance y el documental. http://www.geraldkurdian.com/concerts/
NORBERTO LLOPIS. THE CAPITALIST(EL CAPITALISTA)
- ¿Soy “Don Quijote”? ¿soy “Don Quijote” un poco “El idiota”?, ¿soy “Don Quijote”, “El idiota”,“El Capitalista”?
Guilles Deleuze en su libro Qué es la filosofía? escribe sobre los personajes conceptuales. Un personaje conceptual no es un tipo psico-social sino más bien una manera de acercarse a la perspectiva en el pensamiento (por simplificar). Deleuze escribe sobre el personaje conceptual de “El Idiota” de Dostoiesky casi como un paradigma de la filosofía moderna, como un sujeto indiferente, esto me hizo pensar en ese otro personaje, “Don quijote”, el personaje de la representación compulsiva que también me parece relevante y efectiva en nuestros días. Me preguntaba si se podría definir como personaje conceptual el tipo psico-social de “El capitalista”. ¿Cuál sería la epilepsia de “El capitalista? ¿cuál sería la ilusión, la locura del capitalista?;
-El capitalista piensa-, -El capitalista dice-, -El capitalista hace-, -El capitalista baila-, -El capitalista desea-…
En este proyecto me gustaría explorar el personaje de “el capitalista” desde los conceptos de la repetición y la diferencia. La cuestión sería, ¿cómo repite “el capitalista”? ¿Cómo se relaciona el capitalista con la diferencia y la repetición?
El capitalista es esa persona que escucha las intensiones, que escucha los contenidos, pero piensa y actúa en algoritmos.
La forma
- Dos performers
- Una restricción; puedes parar de hacer lo mismo que tu compañero está haciendo, siempre y cuando lo hagas haciendo exactamente lo mismo que tu compañero está haciendo al mismo tiempo que tu compañero lo hace-, o dicho de otra manera,- podéis parar de repetir simultáneamente exactamente lo que el otro compañero está haciendo, siempre y cuando lo hagáis haciendo exactamente lo mismo simultáneamente-.
Norberto Llopis Segarra nació en Valencia, y actualmente vive y trabaja en Madrid. Graduado en Danza y Coreografía por el Institut del Teatre de Barcelona, Máster en Artes Performativas en DasArts, Ámsterdam, y estudia Filosofía en la UNED. Ha desarrollado su trabajo en Barcelona, Bruselas y los Países Bajos. Ha participado en diversos procesos creativos con artistas como Carolien Hermans, Paz Rojo, Diego Gil, Jefta Van Dinther y Nada Gambier, entre otros.
JULIAN PACOMIO. ESPACIO HACEDOR
Si existe un vacío entre dos iguales, es ahí donde se sitúa el Espacio Hacedor ¿Cuál es el potencial oculto bajo el ejercicio de copiar? No es sólo detectar lo invisible que se oculta tras la copia, sino también construirlo.
Espacio Hacedor es un proyecto de investigación que propone identificar, analizar y construir de manera arquitectónica los posibles espacios que se ubican entre un original y su copia. Nuestro interés radica en el potencial estético del espacio que se encuentra entre dos productos casi idénticos. Asumimos que en el proceso de copiar o rehacer un producto, del tipo que sea, tiene dos consecuencias inevitables: la primera, la copia no solo produce un producto nuevo diferenciado del original, sino que produce un tercero resultado de la lectura del original y su copia conjuntamente (1 + 1 = 3). La segunda consecuencia es la que abre la posibilidad de identificar una imagen invisible entre dos imágenes. Esta es la que interesa en Espacio Hacedor.
El proyecto está pensado en relación a la obra de Jorge Luis Borges, Agustín Fernández Mallo e Isidoro Valcárcel Medina. Una aproximación desde el cuerpo y el espacio escénico, al trabajo literario, conceptual y arquitectónico de los autores mencionados.
Julián Pacomio (Mérida 1986) Licenciado en Bellas Artes y Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual con Artea y el Museo Reina Sofía. Entre algunos trabajos destacados están My Turin Horse, Psicosis Expandida y Espacio Hacedor (ganador de la convocatoria Utopías de Frinje 2016), proyectos de artes escénicas que indagan la idea de copia, remake, traducción y apropiación de materiales ajenos. También ha sido participante de Teatralidades Expandidas. Cuerpo y democracia, y del itinerario Cuerpo, Archivo y Memoria organizados por Artea en los dos últimos años.
Miguel del Amo (Santibáñez de la Peña, Palencia 1990) Licenciado en Arquitectura por la ETSA de Valladolid y la Budapesti Műszaki és Gazdaságtudományi Egyetem, mantiene un interés sobre la arquitectura y el diseño basados en enunciados desde los aspectos más funcionales hasta los menos explorado por estas disciplinas. Actualmente trabaja en un estudio en Madrid y desarrolla trabajos por cuenta propia.
CLAUDIA PAGÉS. COLUMNA/GARGANTA
COLUMNA GARGANTA empieza con la creación de una publicación separada en dos: un vinilo en el que escuchar el recital de un monólogo que parte de experiencias personales para hablar de procesos de individualización de los sistemas sanitarios, de la injerta de pastillas, del uso de la voz y de las nuevas tecnologías del amor. Y de un librito donde se trabaja la escritura de una forma transubjetiva y multitudinaria, apareciendo el diálogo y la narración, con cuerpo de coro griego y de columna Trajana, y con crisis a los líderes y a lo común. A partir de ésta publicación y de diferentes elementos que he ido generando (objetos y vestuario) bajo el mismo nombre, quiero distanciarme de ellos y construir el cuerpo escénico de COLUMNA GARGANTA para llevármela a la performance y a la escena a partir de las mismas premisas que el resto del conjunto.
Claudia Pagés. Barcelona (1990). Vivo entre Barcelona y Ámsterdam
En mi trabajo, circulo conversaciones entre textos, publicaciones, performances y objetos. Juego con las tecnologías del cuerpo, organizo textos y palabras para investigar cómo la economía, el lenguaje y el placer están interconectados con la palabra, las canciones y la palabra hablada en el seno de las comunidades y del trabajo.
Así como mis objetos dialogan con la distribución y la circulación, el resultado de mis textos se remodela, cada vez, convirtiéndose en oral o escrito, impreso o audio, efímero o eterno. http://www.claudiapagesrabal.com/
QUIM PUJOL. EL DR MABUSE CONTRA GLORIA GAYNOR
Este proyecto propone investigar posibles derivas del transformismo (entendido como práctica donde un individuo encarna una multitud de entidades durante un breve espacio de tiempo, a no confundir con el travestismo) que resulten relevantes desde una óptica contemporánea.
Para llevar a cabo esta tarea sugerimos tres líneas de investigación diferentes. En primer lugar, el transformismo como práctica de transición con analogías con la performance entendida como exploración de la liminalidad. En segundo lugar, el transformismo entendido como práctica de devenir donde la vida consiste en un flujo en movimiento. En tercer lugar, una exploración del embodiment (encarnación) y los afectos como elementos clave para ser “poseído”, ya sea a nivel individual o colectivo.
Quim Pujol (1978) es escritor, comisario y artista. Trabaja en los límites entre la escritura, las artes en vivo y el arte contemporáneo. Entre el 2010 y el 2011 participa en el proyecto de investigación de Artea Autonomía y complejidad sobre la relación entre performance e historia. Ha participado en las exposiciones Allan Kaprow. Otras maneras e Intervalo. Acciones sonoras (Fundació Antoni Tàpies).
Ha colaborado con publicaciones como Artributos, Efímera, Maska, Repensar la dramaturgia, A veces me pregunto por qué sigo bailando e In-presentable 2008-2012, entre otras. Ha co-editado junto con Ixiar Rozas el volumen sobre teoría afectiva Ejercicios de ocupación (Ediciones Polígrafa, 2015). Fue co-comisario de la Secció Irregular del Mercat de les Flors entre el 2011 y el 2015. http://www.tea-tron.com/quimpujol/blog/
SILVIA ULLOA. ATLAS
"Atlas es un proyecto cinematográfico que se desarrolla a partir de una selección de imágenes de mi propia colección de trabajo, recopilada a lo largo de los últimos 6 años. Usando esas imágenes como punto de referencia formal, Altas genera diversas transformaciones de esos materiales a través del uso de la cámara como un cuerpo que escribe, que piensa, que busca.
En Atlas es importante tanto lo que ocurre delante de la cámara como lo que ocurre detrás. ¿Cómo se genera lo que se enseña? La cámara se concibe como un cuerpo mediático capaz de generar significados diferentes a partir de materiales iguales, en función de las distintas situaciones espacio-temporales donde los materiales de Altas se despliegan.
Atlas es un trabajo sobre la naturaleza de la imagen. Por un lado el dónde se generan las imágenes y por otro el cómo, a través del tiempo y del movimiento de la cámara."
Mi proceso de trabajo se basa en la observación y la especulación. Al acumular ideas, imágenes, bocetos y anotaciones, construyo mapas mentales. Miro las nociones de la imagen y los procesos de cómo las imágenes aparecen o se revelan y cómo interpretamos y trazamos el significado en ellas. Con mi trabajo intento comprender los mecanismos detrás de nuestros procesos de percepción, darnos cuenta de que las construcciones pueden ser desafiadas y por lo tanto, alteradas y transformadas. Para hacer eso, miro los intersticios, los espacios entre las construcciones, los agujeros, las grietas. Son espacios ocupados por lo invisible, lo monstruoso, la imaginación, por "aquello" que aún no es evidente, revelado o categorizado, y aún sin forma y sin significado. Son espacios para el surgimiento. Por lo tanto, miro el intervalo como el lugar de la activación, como el lugar de la poética.
http://cargocollective.com/silviaulloa
