ARTISTAS EN RESIDENCIA 2017
Artistas en residencia es un programa conjunto de La Casa Encendida y del CA2M Centro de Arte Dos de Mayo, cuyo fin es apoyar la creación y la investigación centradas en el trabajo con el cuerpo desde lo performativo. Se articula en relación a la programación estable de LCE y el CA2M, por ello se valoran aquellos proyectos que responden mejor a las líneas de investigación y experimentación de ambos centros. Artistas en residencia no es solo una ayuda a la producción, sino también una oportunidad para establecer diálogos entre los creadores y los agentes vinculados a ambas instituciones y sus programas.
Proyectos seleccionados:
Aníbal Conde & Magdalena Leite - “LOS40”
Anna Moreno - “The Drowned Giant”
Barbara Bañuelos Ojeda - “Mi padre no era un famoso escritor ruso”
Laia Estruch - “Moat”
Quim Bigas - “Nombrar”
SEPA & Lara Brown - “SUGA”
Vicente Arlandis Recuerda - “Sumario 3/94”
ANÍBAL CONDE & MAGDALENA LEITE. “LOS40”
LOS40 es la versión española de una investigación coreográfica que venimos desarrollando desde el año 2014 en distintos contextos, y que se enfoca en la relación imágenes en movimiento - cuerpo. En concreto nos interesa ver de qué manera las imágenes de los videoclips y la cultura MTV han educado a los cuerpos que crecieron bajo su influjo y qué de esa información permanece “archivada” en nuestras corporalidades.
Con LOS40 queremos profundizar en las particularidades del contexto español, en esta suerte de auto etnología, que parte de una pregunta que nos hacemos los autores, ¿por qué nos movemos como nos movemos?, y que entiende que para ser respondida debe buscar la información en los otros, ya que todos somos cuerpos moldeados por fuerzas más grandes, cada cual, a su particular manera, pero todos, parte de una misma época e influidos por el mismo mercado cultural.
Y, por otro lado, queremos continuar con la investigación sobre los elementos estructurales del videoclip y su posible traducción escénica.
Aníbal Conde es artista visual y performer.
Magdalena Leite es coreógrafa, bailarina y docente. Los dos son artistas uruguayos basados en México. Juntos han realizado las obras: DANCE DANCE DANCE, con más de 50 presentaciones al público en lugares como la Judson Church en Nueva York, el Museo Universitario de Arte Contemporáneo MUAC y el Teatro Pradillo en Madrid; y VIDEOCLIP, investigación que comenzó en 2014 con el apoyo de IBERESCENA y que continúa al día de hoy en distintos contextos iberoamericanos. Cuentan con el apoyo del Programa Fomento del FONCA 2016-2017 para presentar VIDEOCLIP e impartir talleres de creación. Su línea de investigación se centra en la relación imagen-cuerpo desde un enfoque interdisciplinar. Los dos artistas son miembros del Colectivo AM.
http://cargocollective.com/arrecifedancedancedance/Bio
ANNA MORENO. THE DROWNED GIANT
The Drowned Giant es un proyecto de investigación sobre la posibilidad de que algo vuelva a suceder. Parte de una investigación sobre el posible reenactment de un happening organizado por el estudio Bofill en Moratalaz en junio de 1970, para promocionar su proyecto de arquitectura utópica “La Ciudad en el Espacio”. El evento fue pronto cancelado por la policía franquista y el proyecto fue enterrado en el olvido.
Se centrará en cómo el acto de reenactment afecta los cuerpos y el entorno socio-político de los presentes, especialmente cuando partimos de un evento del que no tenemos casi testigos. El proyecto The Drowned Giant pretende así recoger una comprensión crítica de los ideales progresistas y utópicos de los años 70 vistos desde otra lente, revelando hasta qué punto una interpretación ideológica de un evento, del objeto arquitectónico o de lo utópico puede neutralizar su naturaleza original, o cómo puede re-apropiarse incesantemente bajo nuevos paradigmas.
El reenactment sólo podrá tener lugar cuando el relato será reinterpretado, gracias a los colaboradores y a los presentes que acepten formar parte de la restitución del momento histórico, -atraídos ya sea por una idea de progreso o de nostalgia, sentimientos afines a los que se vivieron entonces, en el momento del evento original, sobre el futur(ism)o como promesa de un tiempo mejor. Es el cuerpo libre, pero a la vez motivado por una restitución de un sentimiento, quien re-inventa, re-hace, re-establece su propia coreografía y su propio estar presente no sólo en un tiempo-espacio, sino también en un plano corporal-afectivo, cercano quizá al espacio interior del que hablaba J.G. Ballard.
Anna Moreno es artista visual. Trabaja entre Barcelona y La Haya. Ha realizado eventos en SFMOMA (USA), W139 (NL) y SASG (KR); y performances en Stroom (NL), El Graner y NauEstruch. Ha expuesto en Blueproject Foundation, 1646 (NL), Sala d’Arcs (València), bb15 (AU), MUSAC, (León), CAAC (Sevilla), CoCa (PL), Generator Projects (UK) y ADNPlatform, y ha sido residente en Hangar, HIAP (FI), Wander (NL), SASG (KR), Atelierhaus Salzamt (AU) y Cittadellarte (IT). Es profesora de Artistic Research en la Royal Academy of Art de La Haya (NL) y co-fundadora de la iniciativa artística Helicopter (NL). http://www.annamoreno.net/index.php/Home/
BÁRBARA BAÑUELOS OJEDA. MI PADRE NO ERA UN FAMOSO ESCRITOR RUSO
Un proyecto de Investigación social y creación escénica. A los 14 años descubro un secreto familiar, un secreto que podía cambiar mi historia, la historia de una familia, y de su entorno social. Todo ello me hace reflexionar sobre la memoria individual y como esta conforma la historia colectiva. A partir de ese momento, investigo, documento testimonios, recopilo información institucional e indago sobre acontecimientos y hechos similares dentro de un contexto social y una época determinada.
Este documental escénico pretende ser un recorrido por los conceptos de archivo, recuerdo, documento, historia, memoria, imagen, cuerpo, narración, imaginación, pasado, futuro y presente.
Un documental más allá de la pantalla y de la imagen proyectada, donde lo escénico, la experiencia cinematográfica y lo corporal se expanden para generar una nueva mirada, un nuevo lugar para descubrir el papel del cuerpo (re)actualizando el pasado, el recuerdo y la memoria en relación con la historia y con su contexto escénico.
Bárbara Bañuelos, formada, deformada y transformada entre Burgos, Madrid, Londres y Nueva York, compagina su trabajo escénico con diversos proyectos musicales. Con “Inventario: memorias de una aspiradora”, su proyecto más reciente, ha estado, junto a cientos de papeles y objetos desechados que ha ido recopilando en los últimos veinte años, en los suelos de espacios escénicos y expositivos como el Musac, Artium, Caixa Forum, Teatro Pradillo, Festival Escena Abierta. Actualmente está en proceso de investigación y creación de “Mi padre no era un famoso escritor ruso”, un documental escénico surgido de los hallazgos aparecidos en su pieza anterior. Forma parte de Ju. grupo musical que surge como laboratorio de creación y composición y que se consolida con un primer álbum en 2015 “Poco Adrede Nunca” y con un segundo “Todo y la cabeza” que saldrá esta primavera. Además, es la voz, la cabeza y la mano escarbadora de Elephant Pit, proyecto musical de versiones y con el que ha recorrido salas nacionales, espacios efímeros y festivales no convencionales. http://cargocollective.com/barbarabanuelos
LAIA ESTRUCH. MOAT
Moat es una práctica escénica experimental, un solo que se edita a partir de un archivo de ejercicios corporales y vocales alrededor de una estructura de hierro transitable (creada a partir de la recuperación de diferentes elementos y formas tipológicas de parques infantiles de comienzos del siglo pasado) que funciona como escena, partitura, instrumento y archivo. A través de una relación directa entre cuerpo y estructura, Moat persigue experimentar, fijar sonidos y recorridos generados por cuerpo y voz tomando como referencia los comportamientos corporales y acústicos de dichos espacios de recreo.
Moat se convierte en un espacio transversal mediante la realización de una serie de performances, cuyo registro sonoro da lugar a una investigación audible, dentro de la estructura de hierro transitable.
Laia Estruch es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona. Cursó su último año de licenciatura estudiando Performance Art y Arte Sonoro en la Universidad “The Cooper Union” (Nueva York). Los proyectos de Estruch se inscriben en el ámbito de la performance desde donde trabaja con la voz como dispositivo y espacio de experimentación de sus propuestas artísticas. Sus proyectos cuestionan el sistema de signos del lenguaje oral y su interacción humana con una aproximación, performativa y crítica, a los usos de la voz. Ha presentado sus performances en el Macba, en el teatro La Villarroel de Barcelona, en la Fundación Antoni Tàpies de Barcelona, en la Fundación Joan Miró de Barcelona, en el Centro Parraga de Múrcia, en el Antic Teatre de Barcelona y en el Teatro Pradillo de Madrid, entre otros lugares.
www.laiaestruch.com
QUIM BIGAS. NOMBRAR
NOMBRAR forma parte del universo APPRAISERS, un proyecto que empezó en el 2011 y que está en constante re-formulación y transformación. En este caso, para la investigación de NOMBRAR, tengo interés en habitar un espacio durante un mes e indagar en sus múltiples formas de ser nombrado que es, en cierta forma, una forma de darle cuerpo.
NOMBRAR busca encontrarse dentro de un campo que es ambiguo; donde la práctica es su propia metodología y su única forma de ser coherente; dónde no hay posiciones concretas sino movimientos que evolucionan. Durante la práctica e investigación, se encontraran posibles formas de compartir el trabajo a través de posibles activaciones. Las activaciones las entendemos no sólo como productos de consumo inmediato sino también como disparadores que van mucho más allá del dominio de la práctica y que informan nuestras propias formas de tomar posición. Esperamos que esas activaciones sigan ampliando el dominio de la coreográfico y lo performativo como un lugar de potencia y activación; un lugar para cuestionar las formas y los lugares que compartimos.
El trabajo de Quim Bigas se sitúa entre la coreografía, la danza, la dramaturgia, el encuentro y la práctica escénica. A través de procesos que mezclan procedimientos informativos e investigación de movimiento, se quiere aproximar a nociones y reflexiones sobre el compromiso, el valor, el formato y lo perfomativo. www.quimbigas.com
SEPA & LARA BROWN. SUGA
Queremos encontrar una manera de contar por medio de acciones.
La acción nuclear es desplegar un texto escrito en un cartel.
Queremos investigar maneras de mostrar texto escrito en papeles grandes.
Texto como luz que tiñe el espacio con su sola aparición.
Texto que aparece y de repente afecta al tono.
Contemplar cómo una frase genera un cambio en el ambiente.
No sólo es lo que dice el texto.
Sino cómo aparece.
Cómo un texto hablado y otro escrito se resignifican.
Cómo un texto escrito y un sonido se resignifican.
Cómo la manera de aparecer el texto lo resignifica
Cómo el tiempo que dura un texto lo resignifica.
Cómo y quién lo pone lo resignifica.
La tensión que se genera
hasta que emerge una nueva pelotita de sentido
y empieza a rebotar por las neuronas.
Como en un pinball.
Igual.
Como un striptease lingüístico.
Como un trilero semántico.
¡Eso es!
¡Exactamente eso!
Sepa escribe frases en carteles y los pega por ahí en los edificios. Lara Brown lo que hace con las frases es decirlas en alto. Ambos pasan mucho tiempo preguntándose qué tipo de cosas son las que ocurren entre las personas. SUGA podría ser una conjunción de sus iniciales, pero está claro que no lo es. Son textos escritos en papel que se introducen en escena. Uno detrás de otro. Todo el rato.
VICENTE ARLANDIS RECUERDA. SUMARIO 3/94
El 25 de junio de 1995, Vicente Arlandis Ruiz, vecino de Ibi (Alicante), es detenido por la Guardia Civil. Está siendo investigado por el asesinato de María Lidia Bornay Bernabeu, vecina de Ibi y de 84 años de edad. Él mismo había denunciado su desaparición cuatro días antes, extrañado de que María Lidia no contestara a sus llamadas. Cuando la Guardia Civil entra en su domicilio, el cadáver presenta múltiples signos de violencia. Vicente Arlandis Ruiz es acusado y finalmente declarado culpable de dicho asesinato. Es condenado a 29 años, 6 meses y 1 día de cárcel. Cumplió condena en varias prisiones del Estado y estuvo encarcelado durante 13 años, 7 meses y 10 días.
Este proyecto pretende construir una nueva historia y una nueva versión de los hechos. Quiere poner sobre la mesa e interrogar la forma y la multitud de historias que se sucedieron alrededor del suceso. Partir de la frialdad y la supuesta objetividad del relato judicial y hacerlo estallar en mil pedazos. Y rescatar nuestra historia a nuestra manera. Este proyecto pretende construir, quizás, una nueva inocencia. No tanto la que decretaría la institución judicial (que todavía hoy seguimos reivindicando), sino la inocencia que podría materializar (renovar, ampliar) el hecho escénico.
Vicente Arlandis es creador escénico, investigador y docente. Máster en Producción Artística (Pensamiento Contemporáneo) por la Universidad Politécnica de Valencia y Máster en Performance en APASS (Adavanced Performance and Scenography Trainning), Bruselas. Desde el año 2001 hasta el 2015 trabaja junto a Sandra Gómez en el proyecto Losquequedan donde llevan a cabo numerosos proyectos artísticos como la serie Borrones, Thank You Very Much, Tragedia de los Comunes, entre otros. En la actualidad participa en el proyecto colectivo TALLER PLACER junto a Mariví Martín, Miguel Ángel Martínez y Paula Miralles.
