Actividad

Todo el mundo sueña con volar, dice la artista Olga Diego, o si no sueña con volar, aún está a tiempo.

En el pasado curso de Universidad Popular se planteó el deseo de volver a encantarnos con el arte, de encontrar de nuevo el asombro ante lo extraordinario. Partiendo de esta idea, desde el departamento de educación proponemos que este curso sea un lugar en el que pueda pasar lo increíble porque nos permitamos creer. Las sesiones se centrarán en pensar o experimentar prácticas ocultistas relacionadas con el arte, que subvierten las lógicas de la ciencia y el saber establecidos: prácticas artísticas que engañan a la vista, que trabajan lo inexplicable y convierten el plomo en oro.

Acompañaremos este curso con una serie de publicaciones que estarán disponibles para su consulta en la Biblioteca del CA2M. Además, justo antes de cada sesión, os invitamos a compartir en grupo la lectura de una publicación seleccionada para la ocasión.

El CA2M desarrolla una línea de actividades de formación en arte y pensamiento contemporáneos enmarcadas dentro de la tradición de las universidades populares. En estos cursos se abordan algunos de los planteamientos fundamentales para entender e interpretar el arte actual. Se estructuran en dos partes: una primera que consiste en la exposición de un tema por un ponente invitado y una segunda en la que se abre el debate para que los asistentes tomen la palabra. Esta estructura puede cambiar hacia formatos más experimentales según el invitado de cada sesión.

SESIONES

24 OCTUBRE
Hacer que a alguien le importes
Raisa Maudit plantea una conferencia performativa en la que explorar las leyes del deseo que rigen tanto la práctica de la magia y del ocultismo como la práctica artística. A través de un recorrido desde diferentes corrientes ocultistas desde el siglo XIX hasta ahora y los propios ejes de su trabajo artístico y curatorial, abordaremos cuestiones sobre las identidades disidentes, sobrevivir al sistema, habitar la oscuridad, y conseguir lo que deseas solo pereciendo un poco en el intento.

Magia es el arte definitivo. Por Magia y Ocultismo entendemos todos esos procesos que parten desde lo simbólico y de lo imaginable que en base a acciones y palabras pretende afectar en el entorno generando cambios y transformaciones en las leyes naturales, en el espacio, en el tiempo, en los cuerpos, en las psiques y en las identidades. No hay forma mágica posible sin la práctica de la misma. La práctica en Magia parte de una generosidad casi suicida de lanzarte a lo desconocido y que lo desconocido te golpee. De cuestionar todas y cada una de las cosas que damos por sentado. Magia pretende afectar el tejido la realidad misma. Magia y Arte tienen puntos en común que parten de lo especulativo, de lo alegórico pero al mismo tiempo es un beef en el que el Arte siempre pierde. Pasearemos con Dion Fortune y la autodefensa psíquica, Jóvenes y Brujas, las identidades otherkin, los vampiros como la evolución definitiva, la demonología, las Batallas Mágicas, la rebelión neuro-divergente, y cómo conseguir una casa gratis.

Raisa Maudit es artista y comisaria
http://raisamaudit.com/

31 OCTUBRE
Queer Spirituality As Resistance. Una vía más en la Conspiración.
Diego Rambova nos conducirá por un mapeo fragmentario a través de ciertas prácticas performáticas contemporáneas que se presentan como un espacio de encuentro entre políticas queer y new age, exponiendo cómo su confluencia es tanto para lxs artistas que las plantean como para sí misma un lugar privilegiado de agenciamiento, resistencia y trascendencia. Éstas, que se presentan en creadorxs de diferentes edades y de diversas procedencias a lo largo y ancho de todo el globo a partir de la década de los setenta, parecen manifestarse bajo diferentes rostros. Pero lo cierto es que todas responden –como veremos–, a la misma “conspiración”. 

Diego Rambova es artista e investigador.
www.diegorambova.com 

7 NOVIEMBRE
Conferencia performance para vuelo
¿Es posible volar?  Ya sabemos que sí, pero… ¿Qué ocurre cuando te das cuenta de que puedes volar por tus propios medios? Esta conferencia nos adentrará en el deseo loco de volar y su materialización desde la creación artística. Los múltiples estudios y cálculos, los bocetos previos en las libretas de vuelo, los intentos fallidos y los desánimos. También la implicación del público. Artefactos de vuelo construidos desde la mirada escultórica, e intentos de vuelo como performance art.

Veremos, entre otros, los proyectos creados desde 2003 por Olga Diego, cuando consiguió alzar el vuelo en la playa del Carabassí en Alicante, pasando por otros vuelos con cámaras en el Sahara Occidental y Salamanca, o proyectos más interactivos como el desarrollado en la Universidad de California en 2017.

Olga Diego es artista
http://olgadiego.blogspot.com/ 

14 NOVIEMBRE
Como arriba es abajo; como abajo es arriba
Marian Garrido plantea en esta charla un recorrido por las dimensiones simbólicas de formas de conocimiento ya perdidas y el relato que se construye a través de las vinculaciones del arte y la magia o la alquimia: entre el pasaje donde Carlos Castaneda en “Las Enseñanzas de Don Juan (Una forma Yaqui de conocimiento)” aprende a volar guiado por la mano experta del chamán, a las experiencias relatadas por Terence Mackenna o Douglas Rushkoff en “Cyberia” en un marco de comparación con la cultura online; las realidades virtuales, los simuladores de vuelo, los videojuegos o la plasmación visual de onmiscencia casi vaporosa en “Enter the Void” de Gaspar Noé y los paseos neoturísticos del google earth ¿acaso existe una diferencia?

Marian Garrido es artista e investigadora
www.mariangarrido.com  

21 NOVIEMBRE
Ángeles de la anarquía
Chamanes modernos, artistas de lo invisible
Servando Rocha nos descubre una tradición secreta que une el arte con la magia a través de la figura del enmascarado tanto en la cultura popular como en movimientos que, como Dadá o el surrealismo, se sintieron fascinados por lo primitivo, la máscara, el mundo de los espíritus o lo desconocido. Su intervención estará acompañada de un Gabinete de Curiosidades sobre el mundo de las sociedades secretas y el enmascaramiento como táctica, pero también como potencia transformadora.

Servando Rocha es escritor y editor.
www.servandorocha.com 

28 NOVIEMBRE
Del conjuro a la conjura, de la gesta al gesto (mágico)
Ana Contreras nos invita a una conferencia performativa para descubrir las maneras en las que se han tejido los vínculos entre feminismo y brujería a través del tiempo, desde el medievo a la posmodernidad. Un viaje secreto por sus emergencias y persecuciones, del que extraer enseñanzas acerca de los peligros y las potencias. Un aquelarre en el que poner de manifiesto la importancia de las prácticas ocultas y las tácticas performativas, así como su empleo consciente e inconsciente en el arte contemporáneo.

Ana Contreras es directora de escena, investigadora y docente.

Cualquier persona interesada en el arte actual. No es necesario ningún conocimiento previo.

Más información en actividades.ca2m@madrid.org / 912 760 227

DIRIGIDO POR SELINA BLASCO

Destinado a cualquier persona interesada en el arte actual. No es necesario ningún conocimiento previo

Inscripción a partir del 15 de enero

Para la asistencia a alguna conferencia suelta el acceso es libre hasta completar aforo

Abordamos un nuevo curso desde esta pregunta, una duda que llegó con la modernidad, hace mucho, muchísimo tiempo. Sorprendentemente, en la sociedad de híper consumo en la que vivimos, sigue ahí, sin agotarse. La usamos como arma y como escudo, como refugio también. La manipulamos y la manoseamos. Algunas veces, la hemos lanzado desde la incredulidad (porque, no nos engañemos, quien pregunta piensa que la respuesta es no), pero nunca desde la suspicacia. Confiamos en el arte, y sobre todo en lo que tiene de enigma. Por eso la respuesta no tiene por qué ser un sí, ni queremos convencer a nadie de nada. La respuesta es que no hay o, más bien, que no lo sabemos, que no tenemos ni idea.

Así que, lo dicho, seguimos instaladas en la pregunta, y en esta edición pensamos en otra vuelta de tuerca. ¿Y si en vez de plantear que hay un determinado tipo de arte que damos por supuesto que es difícil de definir como tal, derribamos las certezas con las que nos acercamos al arte que lleva ahí toda la vida? Presuponer un arte que requiere explicación implica establecer una división entre quien duda y quien tiene las respuestas. Vamos a intentar algo menos categórico. Pensar las prácticas que se asocian a disciplinas asentadas (el dibujo, la pintura, la escultura, los sonidos musicales o el diseño), a soportes, lugares de exposición y públicos que parecen naturales pero, ojo, pensándolo todo desde el aquí y el ahora. Sentirlo como una urgencia renovada. Lo que nos intriga es lo presuntamente evidente.

Este curso no tiene título, pero podría ser algo relacionado con el deseo de doblar los haceres del arte. El arte de doblar: un curso de origami.

El CA2M desarrolla una línea de actividades de formación en arte y pensamiento contemporáneos enmarcadas dentro de la tradición de las universidades populares especialmente dirigidas a público joven y adulto. En estos cursos se abordan algunos de los planteamientos fundamentales para entender e interpretar el arte actual, para pensar en él. Estas actividades constan de dos partes: una primera consistente en la presentación de un tema por un invitado seguida por otra en la que se abre el debate para que los asistentes tomen la palabra. Las sesiones presenciales se complementan con el trabajo personal de cada asistente en relación a textos que serán entregados antes de cada una de las sesiones del curso.

14 FEBRERO

La pintura es misteriosa

Selina Blasco

Siguiendo el hilo de la observación de Ángel González García de que es mejor pintar sin tener ni idea, nos preguntamos: ¿cómo habría que tratar con la pintura? En la charla vamos a intentarlo desde ese no saber, pero situándonos en otro lugar, el de la ignorancia de quien no hace, de quien no pinta nada. Vamos a preguntar a las personas que pintan para ver qué es lo que averiguamos. Ya tenemos una respuesta, y nos gusta tanto que es la que hemos elegido como título de la charla. La cosa promete. También vamos a ingeniárnoslas para construir la narración de este ejercicio de investigación sobre el terreno, de trabajo de campo. La pintura quiere ser tratada.

Selina Blasco es profesora de Historia del arte en la facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid

21 FEBRERO

Dibujo y cultura visual contemporánea. Una aproximación desde la práctica artística

Azucena Vieites

El trabajo de Azucena Vieites se ha desarrollado en torno a las técnicas y los procesos gráficos de la expresión, acercándose a la cultura visual contemporánea a través del dibujo o la serigrafía. La multiplicidad, el fragmento o la repetición como ruptura con respecto a la imagen absoluta y las formas lineales de narración o el carácter efímero de la obra se ponen de manifiesto como aspectos relevantes en su producción. A partir de algunos ejemplos de su propia práctica y de otras piezas de diversos artistas, elaboradas en esta misma línea, reflexionaremos en esta charla sobre el dibujo como una forma de representación y conocimiento del entorno que nos rodea en relación a un momento del presente.

Asimismo, se tratará de relacionar los ejemplos propuestos con algunas cuestiones planteadas por la realizadora alemana Ulrike Ottinger; esta artista trabaja en cada una de sus películas con la intención de encontrar una forma adecuada que tiene que ver con los colores, con el tiempo, con la estructura dramática y con la manera de unir las imágenes.

Azucena Vieites es artista y profesora en las facultades de Bellas Artes de Madrid y de Salamanca. Entre sus exposiciones individuales destacan Woollen Body, galería Carreras Múgica (Bilbao, 2015) y Tableau Vivant, Museo Reina Sofía (Madrid, 2013).

28 FEBRERO

Un carpintero amateur

Carlos Granados

Me gusta pensar ideas y hacer cosas. Pasar de la cabeza a la mano. Y de la mano a la cabeza. De artista conceptual a carpintero ¿Acaso tienen algo que ver el arte y la carpintería? Duchamp dijo que había que viajar sólo con un cepillo de dientes, sin carga. Cuando estudié artes, mis referentes eran este tipo de artistas, tipos que trabajaban con las ideas. Ahora trabajo con el cepillo de desbastar que usaba mi abuelo y al hacerlo pienso en su práctica. De repente me veo acumulando, trabajando la madera, haciendo. Me gustan los proyectos que me llevan mucho tiempo. Hay una frase que dice mi amigo Ángel: mide dos veces, corta una. Esto creo que resume muy bien el trabajo del carpintero. Oficio minucioso, paciente y lento. Y que quede bien.

Carlos Granados es uno de los responsables del Departamento de Educación del CA2M

7 MARZO

Historias silenciadas, sonidos olvidados

José Luis Espejo y Andrea Zarza

¿Cómo se posicionan las personas en el espacio público con sonido? En torno a esta pregunta es posible plantear relatos centrados en el trabajo de los herreros, las campanas y las sirenas, las cencerradas, la protesta, los carnavales y ritos que si no son distintos, al menos son paralelos a aquellos que vertebran la historia de la música y del arte. El sonido, el ruido, el rumor de una comunidad enfurecida y el repiquiqueteo del trabajo son argumentos disonantes, de calado casi arqueológico, a los de la historiografía oficial. En Charivaria, una exposición comisariada por José Luis Espejo y Andrea Zarza en CentroCentro Cibeles entre octubre de 2017 y enero de 2018, se reunieron trabajos que plantean estos conocimientos transferidos, en muchos casos, oralmente o por alegorías, que han sido minorizados por disciplinas académicas. Artistas como Grupal Crew Collective, que toman los sonidos de las fiestas de colectivos sin identidades consagradas, o Cuidadoras de Sonidos, Rafael SMP o Vivian Caccuri, que dan voz a los habitantes de barrios destruidos por el avance de la modernidad, y Xabier Erkizia, que con su estudio sobre la cultura del carro de bueyes, agudiza el oído hacia un sonido desplazado por la hegemonía de lo urbano, tienen claro que sus trabajos amplían nuestra concepción del arte. Los archivos, sonoros y escritos permiten rescatar historias silenciadas y sonidos olvidados para replantear genealogías del arte sonoro o de la música. Un despliegue de contenidos enigmáticos sorprende al visitante y rarifican el espacio de la galería.

Andrea Zarza es archivera y licenciada en filosofía. Trabaja como comisaria en el archivo sonoro de la British Library y su sello discográfico Mana Records, llevado junto con Matthew Kent, se dedica a publicar obras que se encuentran en la intersección del sonido contemporáneo y de archivo.

José Luis Espejo es parte del equipo de la Radio Reina Sofía, Mediateletipos y el Máster de Industria Musical y Estudios Sonoros en la Universidad Carlos III de Madrid. Ha desarrollado proyectos de comisariado en Madrid y en Donostia-San Sebastián 2016.

14 MARZO

Un reclamo de sensualidad

Elena Alonso

La puesta en valor de la artesanía y la lucha contra su desaparición no es una novedad. Ya en los inicios del s. XX, la práctica artesanal se planteaba como la estrategia revolucionaria contra la industralización y el capitalismo, posicionándose contra una imparable deshumanización de la producción y el trabajo. Asignándole atributos como resistencia, habilidad, autenticidad, benevolencia o autodeterminación, se pretendía, más de un siglo atrás, aplacar la desaparición del “hacer” con las manos por la producción en masa.

Hoy, frente a la revolución digital y el capitalismo tardío, asistimos a un revival retorcido de estos deseos y problemáticas. El conflicto desemboca en un reclamo de sensualidad desde el cual se vuelve a aludir a la artesanía como exploración de las relaciones “encuerpadas”, la materialidad, el afecto, la ecología, lo local o la inteligencia sensible. Pero se plantean muchas preguntas... ¿Qué tiene de contemporáneo la práctica artesanal? ¿Qué lugar encuentra en el sistema actual? ¿Qué sentido tiene como resistencia? ¿Cual es el impulso vital que nos aferra a ella?

En esta sesión veremos ejemplos de artistas y diseñadores contemporáneos cuyos procesos de trabajo están íntimamente ligados a lo artesanal, centrándonos en la materialidad de sus objetos y el carácter afectivo de su producción. Un acercamiento al Arte y el Diseño para pensar sobre el sentido de lo artesanal en la actualidad, lo anacrónico o ineludible de este tipo de prácticas o el mercado del Arte como terreno para mantenerlas. Cuestiones que en definitiva podrían responder también a la pregunta ¿Por qué se sigue pintando o dibujando?

Elena Alonso desarrolla su trabajo principalmente mediante el dibujo, relacionándolo con otras disciplinas como la arquitectura, la artesanía o el diseño, y prestando especial atención a las relaciones de afectividad con el entorno. Recientemente ha expuesto de manera individual en Matadero Madrid, Museo ABC y Espacio Valverde.

21 MARZO

Háztelo tú y házselo a otrxs

Javier Pérez Iglesias y Marta van Tartwijk

Las autoediciones han dado voz a quienes han sentido que tenían algo que decir al margen de los canales establecidos. Por eso hay una tradición en el uso de los fanzines entre comunidades queer, anarquismos, feminismos…

Los artistas descubrieron hace ya mucho que un libro podía ser una pieza artística y hasta aquí hemos llegado con una producción cada vez más variada de publicaciones.

Hay un encuentro entre lo autoeditado (o editado en los márgenes) y la intencionalidad artística que desborda la idea tradicional de libro que ha sido paradigma en bibliotecas y librerías.

Nosotras actuamos en las bibliotecas de dos instituciones muy institucionales, el museo y la academia, pero que tratan de potenciar su porosidad, explorar sus grietas y conectarse con lo que pasa en las calles.

Los libros ya no son lo que eran… Las bibliotecas tampoco.

Javier Pérez Iglesias es biblioactivista, charlaperformadora, curadora de lecturas, mala catalogadora y peor clasificadora

Marta van Tartwijk es entre otras cosas artista a tiempo parcial, bibliotecaria vocacional, autoeditora de fotocopiadora, ingeniera de laberintos bibliográficos, desordenadora de fanzines y catalizadora de meriendas literarias.

4 ABRIL

Una escultura haciéndose

June Crespo

Planteo una sesión para pensar sobre los aspectos propios de la escultura, compartiendo trabajos que desde diferentes medios abordan lo escultórico. Me interesa una escultura haciéndose, la negociación entre sujeto y objeto que se da en su proceso y como es el primer encuentro con ella. Acercarme a ella, rodearla, alejarme y mantenerme imantada. Desde su superficie a su cuerpo, contorno e imagen.

¿Cómo me afecta?¿Qué resonancia física genera en mi?¿Donde me mira?¿Qué movimiento y coreografía provoca? ¿Cómo activa el espacio?

June Crespo vive en Bilbao, donde se licenció en Bellas Artes en 2005. Trabaja y expone también en otros contextos internacionales, centrando su práctica en el terreno de la escultura.

11 ABRIL

Aquí no hay un sólo lugar que no nos vea

Rafael Sánchez-Mateos Paniagua

Museo del Prado: coto reservado de eruditos, redil de turistas un poco decepcionados por no poder hacerse selfis con Velázquez, niños a los que hay que explicar de qué alta cultura somos súbditos ignorantes. Perdidos, abrumados y un poco desmaravillados ante las obras del arte de ayer, entre cuyos santos, reyes y vírgenes es tan difícil encontrar un pueblo al que desear pertenecer. Pensamos que todo ya estaría dicho, clarificado, catalogado y periclitado, después de haberle dedicado una lujosa y privilegiada atención que hoy no puede resultar más que anacrónica o complacientemente legitimadora del contexto en el que han ido a parar. No obstante las obras, en la medida en que siguen siendo accesibles a la experiencia, son radicalmente contemporáneas de quien se encuentra con ellas. Se nos ofrecen a los sentidos para que cada cual pueda reconocer, reflejar o refractar un sentido nuevo, no prescrito. Esperan acaso adoptar nuevas vidas, impulsadas por la memoria y la imaginación que aún pueden excitar en nosotros. Siempre abiertos a lo imprevisto de la experiencia -individual o colectiva- que todavía es posible hacer, pese a todo contexto sacralizador de la institución museo y sus vigilantes de dentro y afuera. Lo importante sería intentar intensificar, revivificar y reorganizar el espacio de la atención, la aisthesis y la percepción -tan descuidado en su propia forma material y tan asediado por la modernización que hemos hecho- con el fin de renovar la experiencia de un arte hoy tan extraño como suculento, desde la generosidad de los que se acercan a algo desconocido y se (re)descubren al ser observados por la propia obra que contemplan.

Rafael Sánchez-Mateos Paniagua es artista, profesor e investigador.

En los últimos cursos de Universidad Popular hemos explorado lo extraordinario desde el arte amateur y la magia. Con esta idea en mente, nos proponemos insistir en esta búsqueda llevándola al límite, a lo fabuloso. Este curso trabajaremos con la idea de quimera, entendida como ilusión improbable y también como ser imposible que genera llamaradas y está formado por diferentes cuerpos. Hemos convocado cuerpos que se multiplican, que cuestionan la idea de lo humano y del artista mezclando ciencia, arte y ciencia ficción. Invitamos a cualquier persona interesada en cuidar el fuego pensando en estas propuestas insólitas y alimentar al monstruo.

Acompañaremos este curso con una serie de publicaciones que estarán disponibles para su consulta en la Biblioteca del CA2M. Además, justo antes de cada sesión, os invitamos a compartir en grupo la lectura una publicación seleccionada para la ocasión.

El CA2M desarrolla una línea de actividades de formación en arte y pensamiento contemporáneos enmarcadas dentro de la tradición de las universidades populares. En estos cursos se abordan algunos de los planteamientos fundamentales para entender e interpretar el arte actual. Se estructuran en dos partes: una primera que consiste en la exposición de un tema por un ponente invitado y una segunda en la que se abre el debate para que los asistentes tomen la palabra. Esta estructura puede cambiar hacia formatos más experimentales según el invitado de cada sesión.

SESIONES

30 OCTUBRE
Quimera Rosa | Trans*Plant: viaje a través del espejo quimérico

"Todxs somos quimeras, híbridos teorizados y fabricados de máquina y organismo;
en unas palabras, somos cyborgs." Donna Haraway, Manifiesto Cyborg

En un ambiente de bio-hacklab se preparan el material y los productos para el cultivo de nuevos seres simbióticos. Mientras hacen esta preparación, las quimeras llevan al público por lo que llaman el viaje del OncomouseTM, mediante una presentación A/V comentada en directo. The OncoMouseTM es el primer animal creado en laboratorio y luego patentado. El primer cyborg, la primera quimera de laboratorio.

Os invitamos a una charla performativa y participativa de bioarte. Este viaje comentado se basa en tres años de investigación biomédica en el entorno artístico-científico, en los problemas éticos con los cuales nos hemos encontrado así como nuestra apuesta por la auto-experimentación, la trans-disciplinariedad y la mirada trans-feminista dentro de las prácticas artísticas.

_ Quimera Rosa es un colectivo artístico sobre cuerpo, tecnología e identidad.
 

6 NOVIEMBRE
Fermín Jiménez Landa | Salvar el fuego

- ¿Qué obra de arte salvarías si hubiera un incendio en el Museo del Prado?
- El fuego
(Respuesta atribuida a Jean Cocteau)

En esta charla alrededor del fuego hablaremos sobre un año de euforia vecinal, carpintería, seguratas, falleras mayores, hogares, hogueras e incendios, Airbnb y afters, rituales de purificación y cenizas. Un encargo al artista para realizar una falla del programa oficial se dispersa en infinitos flecos relacionando el folclore, la nocturnidad, el arte conceptual y los apaños. El hombre encendió hogueras para cocinar los alimentos y calentarse pero descubrió que alargaba la luz del día, ignorando el ritmo que marca la rotación del planeta, alterando los ciclos circadianos y creando un tiempo perfecto para las fábulas, las patrañas y las historias.

_ Fermín Jiménez Landa es artista.

13 NOVIEMBRE
Moon Ribas | El sentido sísmico

En esta charla se hablará de las posibilidades de la hibridación de los cuerpos con la tecnología y cómo estos cuerpos actúan dentro del arte. Para ello Moon Ribas nos hablará de la creación del sensor sísmico y de cómo este le permite percibir terremotos en cualquier parte del planeta a través de vibraciones y en tiempo real. Con el fin de compartir su experiencia, Ribas traslada su nuevo sentido al escenario, transpone los terremotos en sonidos en su pieza Percusión Sísmica o a danza en su pieza Waiting For Earthquakes (Esperando terremotos).

_ Moon Ribas es artista contemporánea.

20 NOVIEMBRE
Pablo Esbert y Federico Vladimir | Cómo engendrar a tu dragón

Pablo y Federico presentan una conferencia-concierto sobre dragones y otras criaturas creadas colectivamente. Tomando como herramienta la ficción especulativa y su propio trabajo como artistas se abordarán cuestiones sobre la transindividualidad, lo post-humano, la automatización y las formas no tradicionales de narrarnos a nosotras mismas.

El dragón es una criatura de ficción y repetición que aparece en distintas sociedades a lo largo de toda la historia. Es un ser híbrido que entrelaza naturaleza y cultura, un cocktail de animales terrestres y ensoñaciones. El dragón vive en una narración fantástica en la que subjetividades diversas pueden coexistir y relacionarse sin los prejuicios instalados en las narraciones realistas. Es un monstruo que nos ayuda a ser críticos y creativos, a imaginar representaciones desafiantes del “nosotras”. También es una ficción en la que, como práctica contemporánea, conviven diferentes disciplinas artísticas: una hidra trans-disciplinar de muchas cabezas.

El dragón es una bicha formada por varios individuos cuya monstruosidad impide que sea demasiado equilibrada, demasiado orgánica o que esté demasiado terminada. Un ser de seres en continua transformación que aspira a lo imposible: devorar a su espectador para incluirlo.

_ Federico Vladimir Strate Pezdirc y Pablo Esbert Lilienfeld son artistas.
 

27 NOVIEMBRE
Marc Sempere | Del Arte al Ritual

El artista Marc Sempere Moya lleva años investigando los límites entre el individuo y el colectivo. Nos propone una conferencia performativa en círculo donde exploraremos en teoría y práctica qué posibilidades tenemos hoy en día de vivir un ritual.

Conoceremos algunas de sus obras, sus últimas investigaciones teóricas y sus propuestas performativas.

Vivimos en un mundo en el que ya casi no quedan rituales, todo es representación. ¿Queda alguna posibilidad de recuperar un mundo que habite en el común? ¿de recuperar una "identidad relacional"? ¿de vivir en la quimera?

_ Marc Sempere es un artista polifacético que trabaja, investiga y difunde las relaciones entre la tradición oral y la cultura libre a través de la música, la performance, el teatro, el cine ... y las paellas!
 

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Dirigido a cualquier persona interesada en el arte actual.

No es necesario ningún conocimiento previo.

Más información en actividades.ca2m@madrid.org / 912 760 227

CO-PRODUCCIÓN DE LABORAL CENTRO DE ARTE Y CREACIÓN INDUSTRIAL Y CA2M CENTRO DE ARTE DOS DE MAYO

La exposición AUTO. Sueño y materia se completó con este ciclo de road movies en el que se propuso una aproximación a algunos aspectos de la relación entre el cine y el automóvil. Las películas que compusieron el ciclo, más que pretender realizar un repaso general del género, conformaron una propuesta autónoma de análisis que encontró su complemento y su contexto global en la exposición. Si la muestra reflexionaba sobre la cultura del automóvil desde la perspectiva del arte de los últimos años, y lo hacía desde la consideración del coche como el exponente máximo de un periodo productivo y tecnológico que ya vislumbra otras realidades sociales e industriales; este ciclo permitió lanzar una mirada retrospectiva que ilustraba aspectos complementarios respecto a la propia muestra.

El ciclo estuvo compuesto de diversas producciones europeas y norteamericanas reflejo del modo diferenciado en que ambas regiones representan el automóvil. En Estados Unidos la absoluta y rápida adaptabilidad de la producción cinematográfica integra rápidamente el automóvil y despliega el rápido desarrollo de un subgénero como el de la road movie. La carretera, la búsqueda de libertad, la huida, la velocidad o las persecuciones se convierten en elementos y códigos habituales de muchas películas. Por el contrario, en Europa la mirada cinematográfica es considerablemente más crítica y escéptica con respecto al automóvil y su cultura. Si no es habitual en Estados Unidos una película que aborde de un modo crítico los problemas derivados del automóvil, en Europa, en cambio, este es preferentemente el síntoma y el signo de la inadecuada evolución de nuestra sociedad:  alienación, violencia, problemas urbanos o deshumanización. La crítica a la cultura del automóvil es aquí la manifestación de un desacuerdo que abarca al conjunto de la sociedad. Junto a las producciones cinematográficas propiamente dichas, presentamos también otras road movies de carácter más experimental o ensayístico, que muestran a su vez, entre otros aspectos, tanto la extensión y adaptabilidad del propio concepto de road movie como sus mecanismos de construcción. Se trata de obras como las de Sophie Calle o Chip Lord en las que los aspectos autobiográficos, identitarios o culturales cobran mayor relevancia.

Alberto Martín
Comisario de la exposición Auto. Sueño y materia

VIE 23 OCT 20:30 H.
Weekend. Jean-Luc Godard. 1967, V.O.S., francés. 105 min.
En esta película Godard contempla el conjunto social como un enfermo necesitado de soluciones radicales. Un matrimonio burgués planea un viaje desde París hasta la finca del enfermo padre de la esposa con la única intención de asegurarse la herencia. El viaje en coche por carretera estará repleto de imprevistos, atascos, accidentes y personajes excéntricos. Los acontecimientos hacen que el film acabe convirtiéndose en una serie de viñetas en las que surgen figuras extraídas de la literatura, la historia y la lucha social; no falto de sentido del humor, para Godard un accidente entre un Triumph y un tractor es una buena excusa para tratar la lucha de clases.

VIE 30 OCT 20:30 H.
Night on Earth. Jim Jarmusch. 1991, V.O.S., inglés. 129 min.
Cinco historias se desarrollan simultáneamente y de forma independiente durante una noche en diferentes ciudades del mundo: Los Ángeles, Nueva York, Paris, Roma y Helsinki. Cada historia trata sobre la relación que entabla un taxista local y sus pasajeros. Trayectos en los que suceden diversos acontecimientos que van de lo cómico en unas ocasiones a lo dramático otras veces.

VIE 6 NOV 20:30 H.
Trafic. Jacques Tati. 1971, V.O.S. francés. 96 min.
El señor Hulot es diseñador en Altra, una pequeña sociedad parisina dedicada a la fabricación de automóviles. Con motivo del Salón Internacional de Automóviles celebrado en Ámsterdam, el señor Hulot emprende su viaje en el nuevo Renault 4 dotado con numerosos artilugios de su invención. El viaje se encuentra jalonado de obstáculos, contratiempos y catástrofes: atascos, averías y accidentes no son más que ejemplos de todo lo que puede suceder en un viaje. Una película en la que Tati denuncia con claridad pero sin perder el sentido del humor, el obstáculo que la tecnología representa para el hombre, anulando su humanidad y convirtiéndolo en una máquina más.

VIE 13 NOV 20:30 H.
Paris, Texas. Wim Wenders. 1984, V.O.S. inglés. 147 min.
Cerca de la frontera mexicana en Texas un hombre que padece de amnesia aparece en el desierto. Después de varios días caminando bajo el sol se desploma y es llevado a un centro de salud donde se descubre su identidad y que lleva desaparecido cuatro años. Al conocer su aparición, su hermano lo recoge y lo lleva hacia su hogar en Los Ángeles. Ambos inician un viaje que les conducirá a descubrir sus raíces familiares y un entramado de relaciones personales.

VIE 27 NOV 20:30 H.
No Sex last night (Double-Blind). Sophie Calle. 1992, V.O.S. inglés. 75 min.
En esta road movie la artista Sophie Calle narra el viaje en que junto a su compañero Grez Shepard cruzó de costa a costa los EEUU. En este viaje cada uno lleva consigo una cámara con la que graba aquello que le llama la atención y deja constancia de sus pensamientos y frustraciones durante el viaje, reflexionando sobre la condición humana. Una road movie plagada de no lugares en la que poco a poco vemos cómo los protagonistas se distancian. Un tercer personaje, el coche, participa activamente durante toda la película importunando el viaje pese a ser el hábitat común de Sophie y Greg. Imágenes caseras con planos aparentemente descuidados, reflexiones sobre la condición humana y de pareja y un montaje exquisito hacen que esta película sea tan extraña como atractiva.

VIE 4 DIC 20:30 H.
Motorist. Chip Lord. 1989, V.O.S. inglés. 70 min.
El automóvil como icono norteamericano es un tema que siempre ha fascinado a Chip Lord. En este film rinde homenaje a la cultura del consumo de las décadas de los cincuenta y sesenta en Norteamérica, una road movie que sigue el viaje de un Ford Thunderbird de 1962 a Los Ángeles. El conductor nos narra en un monólogo intercalado de forma satírica con imágenes de anuncios y películas de la década de los 50 lo que para él significa el coche: una promesa de libertad y evasión. En realidad, el motorista viaja por una carretera a lo largo de poblaciones lamentables y parque temáticos imposibles que contrastan con la memoria nostálgica de su infancia.

VIE 11 DIC 20:30 H.
El diablo sobre ruedas. Duel. Steven Spielberg. 1971, V.O.S. inglés. 90 min.
El diablo sobre ruedas es una de las películas más representativas de aquellas en las que un vehículo se transforma en amenaza. Pero la amenaza efectivamente alcanza un carácter metafórico, una atmósfera de pesadilla que alude y afecta a la naturaleza y al instinto de supervivencia del propio protagonista, un agente comercial que conduce su vehículo y es acosado por un camión. Un camión que es tratado fílmicamente para acentuar su carácter agresivo y casi monstruoso, hasta el punto de que quien parece amenazar no es el conductor sino el propio vehículo. Esta “humanización” del camión provoca que lo lleguemos a ver dotado de instintos y voluntad.

VIE 18 DIC 20:30 H.
Pequeña Miss Sunshine. Little Miss Sunshine. Jonathan Dayton y Valerie Faris, 2006, V.O.S., inglés. 101 min.
Los Hoover son una familia conflictiva: el abuelo esnifa cocaína, el padre da cursos sobre el éxito con estrepitoso fracaso, la madre no da abasto, el tío se recupera de un suicidio frustrado, el hijo adolescente se niega a hablar, y la hija pequeña, Olive, gafotas y ligeramente gordinflona, quiere ser una belleza. Cuando un golpe de suerte lleva a Olive a participar en el concurso de ‘Pequeña Miss Sunshine’ en California, toda la familia se une para ir con ella. Se apilan en su oxidada furgoneta Volkswagen y se dirigen hacia el Oeste en un trágicómico periplo de tres días lleno de sorpresas que les lleva al gran debut de Olive, el cual cambiará a esta familia de inadaptados de una forma que nunca hubieran imaginado.

VIE 20 FEB "Om Shanti Om" Farah Khan
SAB 21 FEB "Parineeta" Pradeep Sarkar

El CA2M ofreció una visión de la India popular desde el cine. Dos producciones al más puro estilo Bollywood que nos habló de la industria cinematográfica india en sus tramas argumentales

Coincidiendo con la celebración de ARCO, con India como pais invitado, y la exposición Cultura popular India y Mas Allá. Los cismas (emergentes) jamas contados en la sala Alcalá 31 de la Comunidad de Madrid, el CA2M ofreció una visión de la India popular desde el cine. Dos producciones al mas puro estilo Bollywood que nos hablaron de la industria cinematográfica india en sus tramas argumentales.

PROGRAMA

VIE 20 FEB
Om Shanti Om, de Farah Khan
India - 2007 - 35 mm, 168 min.Director: Farah Khan

Guión: Farah Khan.

Música: Vishal Dadlani, Shekhar Ravjiani, Pyarelal Ramprasad, Sharma.

Producción: Red Chillies Entertainment.

Intérpretes: Shahrukh Khan, Deepika Padukone, Arjun Rampal, Shreyas

Talpade, Satish Shah, Kirron Kher.

Llega la magia y el colorido del Bollywood más auténtico de la mano de Farah Khan. La realizadora, bien conocida por su talento como coreógrafa, presentó su segunda película, protagonizada por la estrella indiscutible del firmamento Bollywood, Shah Rukh Khan, y por una nueva cara, Deepika Padukone, en los papeles protagonistas. Om Shanti Om es un homenaje a la exultante época dorada del cine de Bollywood, con una historia que comienza en los años 70.

Om Prakash, un actor de tres al cuarto, conoce a una estrella de cine de Bollywood de la que está enamorado. Por desgracia, no estarán destinados a vivir su amor en esa vida, pues Om fallece en el curso de una reyerta. La historia se transporta entonces al presente, donde Om Prakash se reencarna en la figura de Om Kappor, ¡la superestrella de Bollywood de 2007! La película hace un repaso a la historia del cine popular indio con un impagable torrente de recursos visuales, donde las mayores estrellas de Bollywood del momento hacen cameos en el cumpleaños del protagonista, lo que sin duda ha revertido en el éxito de la película, que ha conseguido la mayor recaudación en el primer fin de semana de la historia del cine de la India.

SAB 21 FEB
Parineeta, de Pradeep Sarkar.
Director Pradeep Sarkar. India, color, 35mm. 130 min.

Guión: Vidhu Vinod Chopra.

Producción: Vidhu Vinod Chopra.

Música: Shantanu Moitra. Letra: Swanand Kirkire.

Intérpretes: Raima Sen, Saif Ali Khan, Sanjay Dutt, Vidya Bala.

Cuando una película está basada en un clásico literario, al menos se parte de una buena base. El cineasta sabe que tiene entre manos un tema con legiones de espectadores. Pero al mismo tiempo tiene ante sí el reto de destilar en la pantalla emociones escritas con virtuosismo. Pradeep Sarkar lo consigue. ¡Y de qué manera! Se ha tomado la libertad de traspasar el escenario de su ópera prima Parineeta, del escritor Saratchandra Chatterjee (autor de Devdas), de la Calcuta de 1913 a la vibrante y sofocante Calcuta de 1962. Pero supera el reto de desplegar las páginas del clásico en vívidas imágenes en la pantalla, sin restar un ápice de sutileza emocional a la historia y sus personajes. Shekhar (el ídolo Saif Ali Khan), hijo de un adinerado empresario, y Lolita (radiante Vidya Balan), huérfana que vive con la familia de su tío, son vecinos y amigos desde la infancia que no reconocen el intenso amor que les une hasta que un empresario de Londres llega y crea un triángulo amoroso. Un retorno refrescante al romanticismo del pasado, Parineeta es un viaje desenfrenado e irresistible en el más puro estilo Bollywood.

Cine, vídeo, música y otros deleites... Durante todo el fin de semana, desde el viernes 20 al domingo 22 de noviembre el Museo CA2M Centro de Arte Dos de Mayo se convirtió en el espacio en que se dieron cita, en un ambiente distendido diferentes manifestaciones contemporáneas en torno a la imagen en movimiento y el sonido: cuatro programas de vídeo, tres conciertos y un largometraje acompañados de espacios para el encuentro.

PROGRAMA

VIE 20. Vestíbulo del Museo CA2M

• 20:00 h: un vino para despertar los sentidos al fin de semana 
• 20:30 h: presentación del OFFMÓSTOLES09

PROGRAMA 1. Salón de Actos

• 21:30 h: y para cerrar el primer día OFF, el estreno de La Zona, concierto de Tadeo

SAB 21

• 13:00 h: un buen momento para tomarse un aperitivo en nuestra terraza y comenzar el día.
• 13:30 h: concierto: Pierre Bastien. Terraza del CA2M
• 14:30 h: picoteo y charla al sol de noviembre en la terraza
• 16:00 h: PROGRAMA 2. Salón de Actos

Durante toda la tarde, tés, cafés y pastas en torno a los que poder hablar… para que no se enfríe el ambiente

• 17:30 h: PROGRAMA 3. Salón de Actos
• 19:00 h: Les plages d’Agnès, Agnès Varda. Salón de Actos

DOM 22

• 13:00 h: despiértate el domingo al sol de nuestra terraza.
• 13:30 h: concierto de Kammerflimmer Kollektief. Terraza del CA2M.
• 14:30 h: picoteo y charla al sol de noviembre
• 16:00 h: PROGRAMA 4. Salón de Actos

INFORMACIÓN COMPLEMENTARIA

Los cuatro programas de cortos presentaron un variado conjunto de la creación reciente en vídeo. Los programas 1 y 3 fueron comisariados por el CA2M y recogieron algunas creaciones exhibidas durante los últimos años en festivales y exposiciones internacionales. A pesar de que estos programas no respondían a un planteamiento temático, las piezas que se presentaron compartieron muchos puntos de conexión, tanto en los asuntos tratados como en los aspectos formales, quizás porque eran un reflejo de las preocupaciones que ocupan a la mayoría de artistas representados, todos ellos nacidos después de la década de los 70.

El fin de semana contó también con un programa comisariado por el colectivo madrileño Playtime audiovisuales (programa 2) que recogió algu nas de las últimas producciones nacionales en la periferia del cine comercial; producciones de autor con marcado carácter independiente que estaban a camino entre el documental, la ficción y la videocreación. Este programa recogió una selección de artistas españoles emergentes que con sus obras intentaban romper fronteras entre formatos, soportes y también espacios de exhibición. Se cerró el fin de semana con un programa temático de corte más experimental comisariado por Xavier García Baldón: El paisaje del hombre en el que se suceden paisajes reales y soñados, utópicos y apocalípticos, desiertos o habitados, primitivos, mediáticos, naturales o humanos. El arte del paisaje en nueve filmes y vídeos recientes, entre postales mandados des de la prehistoria, cuadros de otros mundos, escenas humanas y visiones de videojuegos.

Asimismo se presentó por primera vez en Madrid la última película de la gran dama del cine de autor francés Agnès Varda "Les Plages d'Agnès".

La parte musical del fin de semana la completaron tres conciertos que nos acercaron a la magia del directo desde posiciones muy diversas: la electrónica como acompañamiento sonoro del cine, la mecánica aplicada a la creación musical y una aproximación al jazz desde una óptica nada ortodoxa… de la mano de Tadeo, Pierre Bastien y Kammerflimmer Kollektief respectivamente. Todo ello acompañado de picoteo, bebida y espacios para la charla y el encuentro.

ARTISTAS: Peggy Ahwesh, Pierre Bastien, Alex Brendemühl, Carlos Casas, Luis Cerveró, Chris Chong Chan Fui, Anouk de Clercq, Aitor Equeverría, Félix Fernández, Fernando Franco, Beatrice Gibson, Stephen Gray, John Hey, Kammerflimmerkollektief, Pablo Lamar, Adam Leech, Vicent Meessen, Michael Morley, Jacco Olivier, Pedro Ortuño, Manuel Padding, Enrique Piñuel, Elodie Pong, Michael Robinson, Rogelio Sastre, Tadeo, Mike Tamney, Agnés Varda, César Velasco Broca.

La primera temporada INFRAESTRUCTURAS ESPECULATIVAS investiga las propiedades de la especulación y de las ficciones infraestructurales, en tiempos de democrisis y guerra climática. Navegamos a la deriva entre la incredulidad y la paranoia, impulsados por economías del miedo perpetradas por la austeridad y el extractivismo global, las estructuras mediáticas y las arquitecturas institucionales en las que se reproducen. La imaginación del futuro se ha secado, y ahora que el relato de la crisis del 2008 toma un nuevo giro, parece más urgente que nunca analizar colectivamente cuál es el significado e importancia de la infraestructura hoy en día: qué imaginarios, valores, estructuras, historias y cuerpos ha vehiculado tradicionalmente, y cuáles necesitamos construir o re-inventar.

Para pensar e imaginar formas de transformación infraestructural, lanzamos esta primera temporada de la escuelita. A través del cruce de textos, La Unidad de Imaginación Forense investigará el asesinato del futuro y el futuro como asesinato; las tecnologías de la desposesión, y el exterminio como ordenación del territorio; las economías de los vivos y los muertos y los no-muertos. Y cómo recuperar el botín robado: vidas, tiempos, máquinas, afectos. Y el futuro, también el futuro.

Por otra parte,  a través de los encuentros nos proponemos analizar los debates en torno al conservacionismo ecológico y los planes de defensa nuclear; las geografías acuáticas y ontologías fluidas contra la desertización de los desiertos; la cultura visual de Fukushima, y como ha redefinido el chtuluceno; las estructuras depredatorias en la Amazonia y un nuevo pensamiento antropofágico; y los regímenes de visualización de la escala planetaria y el cambio climático.

Esta constelación temática se articulará a través de tres vectores interdependientes:

Encuentros, un programa de presentaciones a cargo de invitadxs, como Joana Rafael, Ahmad Makia, Pedro Neves Marques y Pablo de Soto.

Resonancias, un espacio para experimentar y poner en práctica varias metodologías, ejercicios, gestos, discusiones o acciones espontáneas que resuenen con el resto del programa, desde otros lugares. Contaremos con Jon Mikel Euba en esta primera temporada.

Lecturas compartidas, un grupo de lectura semanal en el que se realizará una lectura cruzada de varios textos. Para “Infraestructuras Especulativas” el programa de lecturas es una propuesta de José Manuel Bueso quien co-dirigirá las sesiones, y toma el nombre de “La Unidad de Imaginación Forense”.

(Descargar lecturas temporada 1)

MARZO 2017

28 de marzo
Presentación escuelita & Temporada 1

A cargo de José Manuel Bueso, Margarida Mendes, Julia Morandeira y Manuel Segade

29 de marzo
Lecturas Compartidas

La unidad de imaginación forense: división de arqueología y de infraestructura futural

La primera sesión se centrará en las metodologías y el tiempo no lineal

Material de lectura. Fragmentos de: 

• Fredric Jameson, "The Future as Disruption", de Archaeologies of the Future 
• Eyal Weizmann, "Forensic Architecture: Only the Criminal Can Solve the Crime", de The Least of All Possible Evils 
• Dan Simmons, “Hyperion's Cantos" 
• Diverso material online sobre ficciones infraestructurales

ABRIL 2017

4 de abril
Encuentros

Joana Rafael. Construyendo reservas: hacia una teoría de los regímenes de conservación (conservacionistas) de facto y ficcionales.
Pensados en principio para funcionar como soluciones arquitectónicas, como agentes de garantía para el futuro y la seguridad de la vida (humana) sobre el planeta, los acuerdos de reserva han generado, contradiciendo los objetivos para los que estaban programados, una geografía singular de espacios problemáticos y, más que cerrados, abiertos. En los últimos años el interés por esos espacios ha puesto al descubierto la vulnerabilidad de nuestras leyes generales de acción sobre el planeta y el futuro. Ese interés tiene que ver, cada vez más, con la aparición de situaciones indeseadas derivadas de los acuerdos de reserva. Sin embargo, por irónico que parezca, responde también a la idea creciente de que, a pesar de todo, los acuerdos continúan viéndose como soluciones para ofrecer confianza y seguridad ecológica y medioambiental.

En mi conferencia me propongo explorar la forma en que esos acuerdos de reserva se encuentran condicionados por: 1. peligros presentes/reales; 2. (inspirados por) campañas dirigidas a lidiar con nuestros miedos y esperanzas y a asegurar un futuro libre de riesgos; y 3. como medios para imponer límites que a su vez tienen los suyos propios. Con ese objetivo describiré formas de organización doméstica que llevan nuestros espacios más privados hasta el límite exterior del planeta y su ‘núcleo’ y que ayudan a comprender la lucha por la seguridad que tiene lugar a través de los acuerdos de reserva. Quizás no haya imagen tan elocuente como la de los esfuerzos domésticos por contrarrestar las amenazas reales o percibidas de destrucción y peligro, de agotamiento de recursos, de desechos y contaminación. En otras palabras: amenazas que se ciernen sobre —y que surgen de— el entorno planetario. Es ahí donde debemos centrar nuestros esfuerzos para vencer la cuenta atrás: en la lucha contra el envejecimiento irreversible y los imperativos biológicos de las cosas, nosotros incluidos. Todo ello pone de manifiesto la seguridad que la arquitectura y la reserva “nos” ofrecen.

La conferencia forma parte de un proyecto de investigación de mayor alcance en el que, 1. se problematiza la construcción del planeta a través de la lógica de la reserva; 2. se intenta construir un marco teórico esencial para abordar la forma de gestionar y organizar (cosas en) el espacio expositor de arquitectura y los frágiles límites de la reserva y, en última instancia, consolidarlos como ficciones; y 3. se apela a enfoques metodológicos nuevos.

Joana Rafael pronunciará una conferencia titulada: Building Reserves: Toward a Theory of de Facto and Fictional Conservation(ist) Regimes, en la que explicará conceptos relacionados con la ecología, la guerra y la infraestructura.

Joana Rafael es arquitecta, conferenciante e investigadora. Su trabajo traspasa las fronteras de la práctica y la teoría arquitectónicas, abarcando también las artes, los estudios científicos y tecnológicos, el pensamiento ecológico y la filosofía política. En estos momentos prepara una revista sobre la apropiación indebida de los espacios “públicos”, y la publicación de su proyecto de tesis doctoral en un libro que examinará cómo las crisis ecológicas y medioambientales se manifiestan a través de un repertorio híbrido de acciones que estimulan y asimilan patrones de crisis para sostener, más que para negar, la amenaza de El Fin.

5 de abril
Lecturas Compartidas

Futuros robados: cuando despertó, los setenta todavía estaban ahí

La década de los setenta no solo marcó el inicio de un periodo cultural, económico y político del que aún no hemos despertado (posmodernidad / neoliberalismo); también fue un punto de inflexión fruto de dos disrupciones temporales:

A) Otros futuros posibles, que podrían haberse convertido en el presente que hoy vivimos, fueron drásticamente abortados
B) El 'Fin del mundo' sustituyó al "Progreso social" como proyecto narratológico dominante de la imaginación occidental, aboliendo de hecho con ello el futuro.

Material de lectura. Fragmentos de:

• Stafford Beer, "Fanfare for Effective Freedom"
• Mark Fisher, "The Slow Cancellation of the Future", de Ghosts of My Life
• David Graeber, "Of Flying Cars and the Declining Rate of Profit"
• Benjamin Peters, How Not to Network a Nation
• Diverso material online sobre el origen de FEMA (Federal Emergency Management Agency)

Material de visionado:

• Televisión de los años setenta: UFO: Timelash; Logan's Run; Alternative 3

18 de abril
Resonancias

Jon Mikel Euba. Writing Out Loud - Performative Book Presentacion

Writing Out Loud reúne las transcripciones de ocho conferencias del artista Jon Mikel Euba que fueron traducidas en vivo del español al inglés durante el curso Action unites, words divide (On Praxis, An Unstated Theory) en el Dutch Art Institute (DAI) en Arnhem. Las conferencias se presentaron a invitación de If I Can’t Dance a lo largo del año académico 2014-2015. Los textos resultantes se sitúan dentro de un proyecto más amplio de escritura del artista, que lleva practicando desde hace casi una década, donde desarrolla un proyecto centrado en la escritura cuyo objetivo es definir una praxis que devenga teoría técnica.

Jon Mikel Euba (Amorebieta,1967) es artista y vive en Bilbao. Su trabajo está fundamentado en el dibujo como procedimiento y la escultura como programa resueltos en diferentes medios. Desde finales de los 90 va desarrollando una práctica guiada por la necesidad de generar sistemas de producción propios a través del desarrollo de una “técnica económica”. Una búsqueda, que también es una forma de resistencia, que implica la inmersión en procesos que involucran a otras personas y en los que el artista funciona como mediador o filtro. A partir de 2006 realiza una serie de trabajos de carácter performativo cuyo resultado se condensa en la serie de performances Re:horse  en las que incluye un planteamiento didáctico para los diferentes participantes con los que colabora. En 2010, generó junto a los artistas Txomin Badiola y Sergio Prego el proyecto pedagógico experimental Primer Proforma 2010. En 2015, junto con Itziar Okariz, Asier Mendizabal y Sergio Prego lleva a cabo el proyecto de escuela Kalostra en San Sebastian. En los últimos seis años desarrolla un proyecto centrado en la escritura cuyo objetivo es definir una praxis que devenga teoría técnica.

19 de abril
Lecturas Compartidas

Apocapitalism now: Desigual y distribuido

El Apocalipsis no es un acontecimiento: es una estructura espacial, una tecnología de planificación del suelo. No trata de la historia (futura), sino de la geografía (actual). Si es más fácil imaginar el Fin del Mundo que el fin del capitalismo es porque el capitalismo neoliberal ES el Fin del Mundo

Material de lectura. Fragmentos de:

• Evan Calder Williams, Combined and Uneven Apocalypse
• Antony Loewenstein, Disaster Capitalism

25 de abril
Ahmad Makia. Huyendo del desierto: hidropolítica en el Wet Gulf

La sesión analiza el Golfo Pérsico, más en concreto los Emiratos Árabes Unidos: formas vividas de medioambientalismo e hidrología a través de sus realidades infraestructurales y de sus simulaciones dirigidas por el Estado. La conferencia se centra en The Wet Gulf (el Golfo Húmedo), un paisaje inventado a partir de especulaciones y observaciones tecno-políticas, interpretaciones literarias, reflexiones geo-ingenieriles y afectaciones espirituales y personales, que juntas crean un vocabulario político con el que operar en el mundo contemporáneo. La sesión aspira a desbloquear y desaprender las secas geografías masculinizadas de pertenencia —patria, propiedad, nación, región, continente— y propone una instrumentalización de las infraestructuras húmedas y acuáticas.

Ahmad Makia es un geógrafo dubaití que estudia lo húmedo, los paisajes del Golfo y el sexo. Escribe además libros con amigos y empleadores. En 2011 cofundó THE STATE, una plataforma editorial con base en Dubái, EAU, centrada en las relaciones sur-sur, en el 'printernet', en la cultura visual del Golfo y en las humanidades digitales. Algunos de sus trabajos han sido publicados en Future Anterior, The Hypocrite Reader, Cartha Magazine, Ibraaz, The Avery Review y The Outpost.

26 de abril
Lecturas Compartidas

Entrando en la zona: 1/ Los seguros

La Zona es el sistema operativo del mundo neoliberal; gobierna sobre cuerpos y espacios, separando aquellas vidas que cuentan, de las que no.

Material de lectura. Fragmentos de:

• Brian McHale, "In The Zone", de Postmodernist Fiction
• Keller Easterling, "Zone", de Extrastatecraft: The Power of Infrastructure Space
• Mike Davis, Evil Paradises

MAYO 2017

3 de mayo
Lecturas compartidas

Entrando En La Zona: 2/ Los Desposeídos

Temas: Para quienes se encuentran en el exterior de los Enclaves Seguros, el Fin del Mundo ya ha llegado, está llegando todo el tiempo: es la economía política.

Material de lectura y fragmentos de: 

• Buxton & Hayes, The Secured and the Dispossessed
• Stephen Graham, Cities Under Siege

Material de visionado:

• District 9
• Organ Market

6 de mayo
Resonancias

Sesión de trabajo de estructura abierta, en la que se conjugará el visionado de materiales, diferentes ejercicios corporales y debates que expandan las cuestiones tratadas en otras sesiones.

9 de mayo
Encuentros

Margarida Mendes

Margarida Mendes es investigadora, comisaria, activista y codirectora de la escuelita del CA2M. En 2016 se integró en el equipo comisarial de la Bienal de Gwangju, Corea del Sur, y entre 2009 y 2015 dirigió en Lisboa el espacio de proyectos The Barber Shop, donde se encargó de un programa de seminarios y residencias dedicado a la investigación artística y filosófica. Estudiosa de los cruces existentes entre la cibernética, la historia de la ciencia, el extractivismo, la cosmología y el cine experimental, su investigación personal indaga en las transformaciones dinámicas del entorno y en su impacto en las estructuras sociales y la producción cultural. Algunas de esas preocupaciones han sido exploradas en profundidad en un proyecto de investigación telefónica titulado "The World In Which We Occur", codirigido con Jennifer Teets. Margarida cursó un Máster en Cultura Auditiva y Visual en Goldsmiths College, Londres. En 2013 participó en el Synapse Curatorial Research Group, que forma parte del 'Anthropocene Project' de Haus der Kulturen der Welt Berlin, y en la publicación del libro Textures of the Anthropocene: Grain Vapor Ray, editado por MIT Press (Cambridge, Massachusetts).

10 de mayo
Lecturas compartidas

El bumerán de Foucault: Tecnologías de la desposesión y futuro pancolonial

Temas: de la militarización de la policía a la deuda, la contrainsurgencia, la vigilancia y control y la alta eficiencia en la gestión, las tecnologías neoliberales de la desposesión se forjaron en una matriz colonial para aplicarse después globalmente. La explotación colonial y el exterminio colonial es lo que el neoliberalismo reserva para todos

Material de lectura y fragmentos de: 

• Christian Parenti, Tropic of Chaos
• Achille Mbembe, "Le Devenir Negre du Monde"
• Diverso material online 

16 de mayo
Resonancias

Sesión de trabajo de estructura abierta, en la que se conjugará el visionado de materiales, diferentes ejercicios corporales y debates que expandan las cuestiones tratadas en otras sesiones.

17 de mayo
Lecturas compartidas

El muerto laborante: economía necropolítica

Temas: una mirada a las versiones alternativas del zombi como tropo arroja luz sobre la economía de las necro y biotecnologías. 

Material de lectura y fragmentos de: 

• Achille Mbembe, "Necropolitics"
• John Powers, "The Political Economy of Zombies"
• Ian McDonald, Necroville
• Cory Doctorow, "After the Siege"
• Material de visionado:
• Z-Nation
• Fear The Walking Dead

23 de mayo
Encuentros

Pedro Neves: Aprender a vivir con otros cuerpos: arte y antropología
Para esta sesión, el artista y escritor Pedro Neves Marques mostrará una selección de sus películas más recientes: YWY, The Android; Learning to Live with the Enemy; y Linnaeus and the Terminator Seed. A través de imágenes y texto, el encuentro provocará discusiones desde la extracción de recursos hasta el desafío antropológico de pensar la materia, desde grandes cultivos a genes microscópicos, pensado a través de cosmologías y ontologías radicalmente diferentes, presentes y futuras. Pensando desde los intersticios, desde las conexiones parciales, desde el intervalo.

Pedro Neves Marques es escritor y artista visual. Editor del libro The Forest and the School: Where to Sit at the Dinner Table? (Archive Books, 2015), una antología sobre la antropofagia y antropología en Brasil, es además autor de los libros de ficción The Integration Process (Atlas Projectos, 2012) y Morrer na América (Abysmo Editora y Kunsthalle Lissabon, 2017). Ha colaborado en diversas revistas y publicaciones y en 2015 fue editor invitado para e-flux del número de la revista Supercommunity dedicado a la Bienal de Venecia. Ha expuesto, entre otros lugares, en Contour Biennale 8 (como inhabitants), Parco Arte Vivente, Fundación Botín, Sursock Art Museum, e-flux, Kadist Art Foundation, Sculpture Center, la XII Bienal de Cuenca, EDP Foundation y el Museo de Arte Contemporáneo Fundación Serralves. Gestiona con la artista Mariana Silva inhabitants, un canal online dedicado a la investigación de vídeo y reporterismo documental (http://inhabitants-tv.org/). En estos momentos prepara una muestra individual en el Museo Colección Berardo, y el estreno en Indie Lisboa (Festival de Cine Independiente de Lisboa) de un corto de ficción titulado Exterminator Seed.

24 de mayo
Lecturas Compartidas

El sueño de newton – Desenlaces neoliberales


Temas:
 de los ataques de Gaza a la desinversión en educación y sanidad que afecta a poblaciones enteras, algunas políticas neoliberales solo tienen sentido en el marco de estrategias de exterminio de largo plazo

Material de lectura y fragmentos de:

• 
Peter Frase
• Four Futures
David J. Blacker
• The Falling Rate of Learning
U.K. LeGuin
• Newton's Sleep
Susan George
• The Lugano Report

30 de mayo
Resonancias

Sesión de trabajo de estructura abierta, en la que se conjugará el visionado de materiales, diferentes ejercicios corporales y debates que expandan las cuestiones tratadas en otras sesiones.

31 de mayo
Lecturas Compartidas

Electric Ants and Burned Down Lives: The Neoliberal Soul

Material de lectura y fragmentos de: 

• Philip K. Dick,
• Philip Mirowski,
• Miya Tokumitsu,
• Andrew Dilts,
• & Branko Milanovic 

JUNIO 2017

6 de junio
Encuentros

17:30h - 20.30h (Esta sesión en un taller, y por lo tanto la hora de inicio de la sesión se adelanta)

Pablo DeSoto. Respuestas artísticas a Fukushima. Archivo visual y onto-ético-epistemología como aproximación a la investigación
A partir del caso de estudio de las respuestas artísticas a la catástrofe nuclear de Fukushima, esta sesión de la escuelita explorará formas de orientarnos tanto como investigadores como actuantes en el espacio-tiempo de la devastación ambiental en curso. Tomando como marco teórico la discusión interdisciplinar del Antropoceno y formulaciones críticas como el Capitaloceno de Jason Moore y el Chthuluceno de Donna Haraway, indagaremos maneras de mirar y conocer como se vive con un problema caracterizado por una invisibilidad doble: la propia de la radioactividad y la invisibilidad institucional, la afirmación de las autoridades de que el problema “está bajo control”. Desde el diálogo entre las ciencias y las humanidades; recombinando obras de arte, historias e imágenes; y apoyándonos de la literatura de los estudios visuales, exploraremos las posibilidades del archivo visual como método de investigación y de una onto-ético-epistemología procesual que convierte las figuras de Antropoceno, Capitaloceno, Chthuluceno en aparatos analíticos con los que construir una narrativa experimental de la crisis nuclear de Fukushima, en el contexto mayor de la problemática del Cambio Climático.

Pablo DeSoto es un arquitecto, artista e investigador que trabaja en la intersección de un gran número de campos y disciplinas, que van de la arquitectura y los new media a las ciencias sociales y medioambientales. Con clara orientación práctica, su investigación recurre a tecnologías disruptivas, cartografía radical y epistemologías críticas para abordar conflictos urbanos y geopolíticos junto a otros artistas y movimientos sociales. En estos momentos es investigador asociado DTST, un proyecto de investigación fruto de la colaboración entre Umeå School of Architecture y Rise Interactive. Acaba de leer su tesis doctoral, titulada Antropoceno, Capitaloceno, Chthuluceno, viviendo con el problema en Fukushima. Es editor de los libros Fadaiat, freedom of movement, freedom of knowdlege, Situation Room y After.Video: Assemblages (publicación prevista para este año). Fue cofundador, ya en los 2000, de hackitectura.net, un grupo pionero de arquitectos, artistas, expertos informáticos y activistas.

7 de junio
Lecturas Compartidas

La luz de otro tiempo: La colonización del tiempo y el afecto

Material de lectura. Fragmentos de: 

• Rob Coley & Dean Lockwood, Cloud Time 
• Stephen Baxter & Arthur C. Clarke, The Light of Other Days

Material de visionado: 

• Black Mirror 
• Inception

13 de junio 
Resonancias

Sesión de trabajo de estructura abierta, en la que se conjugará el visionado de materiales, diferentes ejercicios corporales y debates que expandan las cuestiones tratadas en otras

14 de junio 
Lecturas Compartidas

XLR8: ¿Ideología californiana o red molecular?

¿Aceleración a derecha o a izquierda? ¿Debe una política y estética emancipadora adoptar la aceleración tecnológica, o retroceder ante ella? Es el aceleracionismo la versión más reciente del ciberpunk y la ideología californiana, o la última nave espacial de la Revolución?

Material de lectura. Fragmentos de:  

• Peter Frase, Four Futures 
• Mackenzie Wark, Molecular Red 
• Steven Shaviro, No Speed Limit 
• Benjamin Noys, Malign Velocities

Como parte de la exposición Reflector de Miríadas, que será activada a través de una programación de destellos de nocturnidad, de diferentes ritmos e intensidades, el artista Matt Copson realizará una performance titulada Obituario. 

En Obituario, el artista interpreta en vivo un monólogo que se desmorona y devora a sí mismo.

La performance, que combina personajes y motivos de trabajos anteriores, parodia el mito de la Caverna de Platón y desarrolla el lenguaje presente en la obra de animación e instalación de Matt Copson. Estamos ante la primera performance propiamente dicha de este artista, que se acompaña de una banda sonora en vivo de felicita, con quien colabora desde hace tiempo.

MATT COPSON

Matt Copson nació en 1992 en Oxford, Inglaterra. En su trabajo recurre a dispositivos escénicos y tropos artísticos para crear unas piezas existenciales con las que explora lo contemporáneo, la abstracción, el eterno retorno y lo siniestro. Ha expuesto su trabajo en CLEARING (Bruselas), Swiss Institute (Nueva York), Louis Vuitton Foundation (París), Mönchehaus Museum (Goslar) y Serpentine Sackler Gallery (Londres). En 2022 estrenará en la Royal Opera House de Londres Last Days, su primera ópera como libretista y director.