Pensamiento y debate

Tras varios intentos fallidos, por fin podemos anunciar la presentación de No sabíamos lo que hacíamos. Lecturas para una educación situada una publicación que relata algunas de las prácticas que se han desarrollado por y para el departamento de educación del CA2M. Una publicación que recoge no solo textos, sino también una buena suma de diálogos del equipo en los que se pone en juego una manera de trabajar que entiende el diálogo, la búsqueda constante, la experimentación y la investigación como los pilares constantes del trabajo educativo. Junto a diversos ensayos escritos por los integrantes del departamento se incluyen textos de diversos agentes que han colaborado en la construcción de los diversos proyectos realizados desde el departamento así como la consolidación de un trabajo que no podría ser de otra forma que colectivo. Una publicación en la que se reflexiona sobre las pedagogías queer, el papel de la educación en la institución arte, las prácticas performativas en educación, el papel del cuerpo o el museo como espacio de control.

Con la participación de Pili Álvarez, Mercedes Álvarez Espáriz, Ferran Barenblit, Selina Blasco y Lila Insúa, Nilo Gallego, Eva Garrido, Victoria Gil-Delgado, Jaime González Cela, Marta de Gonzalo y Publio Pérez Prieto, Carlos Granados, Rafael Lamata, Pablo Martínez, Yera Moreno, María José Ollero, Emilio Santiago Muíño, Subtramas (Diego del Pozo y Montse Romaní), Manuel Segade, Cristina Vega, Marisa Víctor y Virginia Villaplana.

La revista digital Re-Visiones es una publicación indexada, bilingüe en castellano e ingles, de periodicidad anual en la que se agrupan ensayos inéditos en torno a trabajos recientes relacionados con la teoría visual, la historia del arte y la investigación artística. El CA2M como ente observador promotor del proyecto I+D VISUALIDADES CRITICAS: REESCRITURA DE LAS NARRATIVAS A TRAVES DE LAS IMÁGENES  (HAR2013-43016-P, Ministerio de Economía y Competitividad) inicia una colaboración con Re-Visiones con el fin de ayudar a difundir y dar soporte a las investigaciones desarrolladas en este ámbito. No en vano, una de las misiones del CA2M es promover y apoyar la investigación en relación a la imagen. La propia colección del Centro así como la celebración desde 2009 de las Jornadas de Estudio de la Imagen de la Comunidad de Madrid son solo dos ejemplos, quizás los más destacables de su trabajo en relación a la imagen.

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Convocatoria 2017: ¿Es posible descolonizar las metodologías occidentales? El Sur como motor
(plazo de recepción de originales cerrado).

La revista digital Re-Visiones es una publicación indexada, bilingüe en castellano e ingles, de periodicidad anual en la que se agrupan ensayos inéditos en torno a trabajos recientes relacionados con la teoría visual, la historia del arte y la investigación artística. El CA2M como ente observador promotor del proyecto I+D VISUALIDADES CRITICAS: REESCRITURA DE LAS NARRATIVAS A TRAVES DE LAS IMÁGENES  (HAR2013-43016-P, Ministerio de Economía y Competitividad) inicia una colaboración con Re-Visiones con el fin de ayudar a difundir y dar soporte a las investigaciones desarrolladas en este ámbito. No en vano, una de las misiones del CA2M es promover y apoyar la investigación en relación a la imagen. La propia colección del Centro así como la celebración desde 2009 de las Jornadas de Estudio de la Imagen de la Comunidad de Madrid son solo dos ejemplos, quizás los más destacables de su trabajo en relación a la imagen.

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Re-visiones #seis

Editorial

Política de las imágenes, ficciones de lo común.
Aurora Fernández Polanco y Pablo Martínez

Investigadores invitados

Conversación con Jacques Rancière
Aurora Fernández Polanco
La escena final de Hienas. Una incorporación parentética
Kowdo Eshun
Dark Matter Cinema Tarot - Desde un estado de emergencia
Silvia Maglioni, Graeme Thomson
Los tiempos del montaje. Una conferencia dialogada
Isabel de Naverán, Leire Vergara

Focus Adelita Husni Bey. Libro Blanco: sobre la tierra, la ley y el imaginario

Presentación
Pablo Martínez
Trabajo de campo: pensar a fondo la Convención sobre el Uso del Espacio (casi más de) un año después
Adelita Husni Bey
Los espigadores y yo ̶ Adelita Husni-Bey en conversación con Ana Méndez de Andes y Emilio Santiago Muíño
Ana Méndez de Andes,    Emilio Santiago Muíño
FOCUS Adelita Husni Bey. Libro Blanco: Sobre la tierra, la ley y el imaginario
Adelita Husni Bey / AAVV

Dossier

Ficciones del “como no”: vocaciones mesiánicas de lo común para un mundo más allá del trabajo y de la estética
Jaime Vindel Gamonal
En la noche, relámpagos
Cuauhtémoc Medina Medina, Helena Chávez Mac Gregor
Un lugar común no es mi lugar: relaciones artísticas entre México y Estados Unidos en un Mondo globalizado
Daniel Enrique Montero Fayad
Un común porvenir
Andrea de la Serna Alegre
Nuevas egologías mediáticas
Juan Martín Prada
Loops artísiticos en la memoria ambiente
Loreto Alonso Atienza
¯\_(ツ)_/¯
Marian Garrido Herrojo

Entrevista

Una conversación con Marina Garcés
Marina Garcés, Pablo Martínez

Reseña

Crítica(s) de arte. Género, memoria y cultura visual en el primer franquismo (materiales cotidianos, más allá del arte).
Virginia Villaplana Ruiz
Soft Fiction: porque vivimos juntas...
Ana Pol Colmenares

Dirigido a artistas, estudiantes de BBAA y a todo aquel interesado en la obra de Jeremy Deller

El encuentro-taller se desarrolló en inglés

Jeremy Deller se aproximó a signos, imágenes, modos de vida y objetos para reflexionar sobre los mecanismos y la cultura que definen hoy nuestra sociedad post-industrial. Formado en Historia del Arte, su modo de hacer se define, más que por adaptar un procedimiento artístico concreto, por hacer del observar, investigar y criticar sus herramientas, siendo su curiosidad su punto de partida.

Con motivo de la muestra "El ideal infinitamente variable de lo popular", Jeremy Deller propuso un taller-encuentro en el que poder dialogar y cruzar impresiones sobre su trabajo y su forma de hacer, así como abrir un espacio de discusión e intercambio de criterios entre los participantes. Se visitó también junto al artista la exposición, así como la pieza Sacrilege, instalada en el parque El Soto, en Móstoles.

Jeremy Deller (Londres, 1966) vive y trabaja en Londres. Estudió Historia del Arte en el Courtauld Institute of Art de la Universidad de Londres. En 2004 fue ganador del Turner Prize y en 2010 fue condecorado con la Albert Medal de la Royal Society of the Arts. Si bien trabaja con una multiplicidad de medios como vídeo, escultura y gráfica, su obra ha tenido un énfasis en proyectos colaborativos, re-enactments y arte público, a partir de donde plantea una reflexión sobre la cultura popular inglesa postindustrial.

Entre sus proyectos más relevantes se encuentran: Acid Brass (1997), Folk Archive (desde 1999) en colaboración con Alan Kane, The Battle of Orgreave (2001), Procession (2009) y Sacrilege (2012), entre otros. Algunas de sus exposiciones más destacadas son: English Magic para el Pabellón Británico en la 55a Bienal de Venecia (2013), la retrospectiva Joy in People, Hayward Gallery (2012), Carte Blanche à Jeremy Deller, Palais de Tokyo, París (2008). De igual forma, ha desarrollado destacados proyectos curatoriales: All That Is Solid Melts Into Air (2013), The Bruce Lacey Experience (2012) y British Council Collection: My Yard (2009), entre otros.

Presentación de Por un chato de vino de Lucas Platero. Una historia de travestismo y masculinidad femenina en la que el autor nos invitó a conocer una historia perdida en la que entrelaza sus vivencias con las de María Elena y a la que Eva Garrido pone imágenes. Este es un libro difícil de clasificar porque se sitúa en los bordes, porque es raro y porque habla de lo que intenta silenciarse. En la presentación leímos fragmentos del libro y charlamos en torno a algunos de los temas que plantea el libro.

Lucas Platero desde los años noventa forma parte del movimiento feminista y queer, al mismo tiempo que ha desarrollado una intensa labor investigadora sobre la sexualidad no normativa. Es doctor en Sociología y Ciencias Políticas por la UNED y docente en intervención sociocomunitaria. Entre sus publicaciones más recientes, destacan Intersecciones. Cuerpos y sexualidades en la encrucijada (Bellaterra, 2012) y Trans*exualidades. Acompañamiento, factores de salud y recursos educativos (Bellaterra, 2014)

Eva Garrido desarrolla proyectos artísticos, educativos y de investigación desde el feminismo dentro del colectivo formado junto a Yera Moreno Colektivof.  Tras licenciarse en Bellas Artes ha transitado en diferentes campos como el diseño artístico e industrial, la escenografía y el dibujo.

¿Y si un día que sales a tomarte un chato de vino te lleva la Guardia Civil al cuartelillo? M.E. se busca la vida por las calles de Barcelona a finales de los años sesenta, a veces dona sangre, otras consigue algún dinero de la caridad o de sus amigas. Hasta que un mal día se topa con unos guardias civiles, que descubren sus curvas bajo la ropa de hombre. El cuartelillo, la cárcel o el hospital son los espacios de disciplinamiento a los que ha de someterse. Sólo sabemos lo que los médicos, guardias y jueces dictaminan a través de interrogatorios, plasmados en un puñado de hojas olvidadas en un archivo. Lo más espeluznante es lo que no se dice, pero que se imagina fácilmente. La masculinidad de M.E. les resulta imposible, señalando su deseo por las mujeres como patológico y criminal, al tiempo que irrefrenable y por tanto, merecedor de castigo y reclusión. M.E. transgrede, casi involuntariamente, las normas morales de un franquismo que si bien se va apagando, sigue reprimiendo duramente a quienes se atreven a romper públicamente con sus dictados. Una represión que se enciende ante el «escándalo público» y que se ceba especialmente con aquellas personas cuya sexualidad y expresión de género desborda los límites de la «decencia», los roles de género binarios y la heterosexualidad obligatoria. Esta historia resuena aún hoy, en un tiempo que se dice lleno de derechos sexuales, pero en el que se sigue señalando estas rupturas con las expresiones de género más normativas como evidencias de patologías, cuyo diagnóstico se impone para acceder a un puñado de derechos incompletos.

http://www.ed-bellaterra.com/php/llibresInfo.php?idLlibre=1089

La revista digital Re-Visiones es una publicación indexada, bilingüe en castellano e ingles, de periodicidad anual en la que se agrupan ensayos inéditos en torno a trabajos recientes relacionados con la teoría visual, la historia del arte y la investigación artística. El CA2M como ente observador promotor del proyecto I+D VISUALIDADES CRITICAS: REESCRITURA DE LAS NARRATIVAS A TRAVES DE LAS IMÁGENES  (HAR2013-43016-P, Ministerio de Economía y Competitividad) inicia una colaboración con Re-Visiones con el fin de ayudar a difundir y dar soporte a las investigaciones desarrolladas en este ámbito. No en vano, una de las misiones del CA2M es promover y apoyar la investigación en relación a la imagen. La propia colección del Centro así como la celebración desde 2009 de las Jornadas de Estudio de la Imagen de la Comunidad de Madrid son solo dos ejemplos, quizás los más destacables de su trabajo en relación a la imagen.

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Re-visiones #cinco

La administración del miedo, los discursos del odio y la experiencia habitual del shock, son otras formas de decir el control que el neo-liberalismo ejerce sobre nuestros cuerpos. Aunque Brian Massumi considere hoy que el miedo se ha convertido en un concepto ontogenético, podemos reflexionar sobre un tipo de “pasión” que nos ocupa desde el inicio de la modernidad, cuando Hobbes proponía el binomio miedo-seguridad como base para la autoridad del estado. En cuanto al shock, Walter Benjamin colocó su experiencia (shockerlebnis) en el corazón de la vida moderna y consideró que su recepción se había convertido en regla. Todo ello invita a un trabajo con las imágenes que nos ayude a comprender el “ahora” como cristal de tiempos.

Utilizamos la palabra gestión en relación al miedo por su doble vertiente: por un lado la relativa a los trabajos que denuncien y analicen la producción del shock/miedo a través de las imágenes (y los dispositivos en los que se despliegan en cada caso). Por otro, los que se preguntan cómo agenciamos también desde los mundos del arte y el pensamiento este tipo de operaciones en tanto resistencia a las políticas del miedo.

Editorial
Imágenes, shock y gestión del miedo/ Aurora Fernández Polanco

Entrevista

Una conversación con Suely Rolnik (Universidad católica de Sao Paulo)/ Aurora Fernández Polanco y Antonio Pradel

Investigadores invitados

La abuela de Schäuble/ Franco Berardi (Bifo)
Peter Hartz, Job Revolution. Frankfurter Allgemeine 2002/ Alice Creischer
El imperio y su doble. Los diversos pabellones del Estado Islámico/ Jonas Staal
Un deslave de imágenes: una historia que no es historia 2014-2015/ Cuauhtémoc Medina

Dossier

Pese a todo, aparecer/ Helena Chávez Mac Gregor
Zona de riesgo. La narración-luciérnaga/ Ana Pol Colmenares
ISIS desde la ficción oscura de Hollywood /Kinda Youssef
Shame! Rearmar, Refigurar y Transfigurar/ Diego del Pozo
Un beso en mitad de los disturbios: comunidad, impacto y persistencia/José Enrique Mateo León
Imágenes del control social. Miedo y conmoción en el espectador de un mundo bajo amenaza/David Vázquez Couto
A golpes con el público/Tania Castellano San Jacinto
La danza Butoh frente a la política del miedo/Jonathan Martineau
 
Reseñas

The act of Killing y The look of silence – La Barbarie como metáfora/ Alba Giménez
Design and Violence - Paola Antonelli y Jamer Hunt, MoMA/Santiago Lucendo

Coordinación: Juan Albarrán e Iñaki Estella / CA2M / Departamento de Historia y Teoría del Arte-UAM

El presente seminario tiene como objetivo confrontar, desde una perspectiva dialógica e inclusiva, algunos de los estudios producidos en España durante los últimos años a propósito de la práctica y teorización de la performance. Esta jornada de estudio está dirigida tanto a profesores, investigadores y estudiantes que desarrollen su actividad en áreas de historia del arte, estética y estudios teatrales, como a artistas y profesionales que trabajen en el ámbito del arte actual. La actividad se compone de dos mesas redondas donde seis especialistas pondrán en común investigaciones planteadas desde plataformas y tradiciones disciplinares muy diversas, que van desde el feminismo a los estudios curatoriales pasando por la teoría del teatro y la historia del arte. Con ello se pretende poner de manifiesto la riqueza del debate generado alrededor de la performance en un momento en que ésta empieza a ocupar un lugar central tanto en las programaciones de museos y centros de arte como en las corrientes de renovación metodológica de la historia del arte y otras disciplinas afines.

PROGRAMACIÓN

JUEVES 24 ABR

16,30-18,30 h.
Mesa: “Performance: relatos y discursos curatoriales”. Lola Hinojosa (Museo Reina Sofía), Patricia Mayayo (UAM), Ferran Barenblit (CA2M). Moderador: Iñaki Estella (UAM)

18,30-19,00 h.
Descanso

19,00-21,00 h.
Mesa: “Performance y mediación”. Judit Vidiella (Universidad de Évora), Óscar Cornago (CCHS-CSIC), Gabriel Villota (UPV/EHU). Moderador: Juan Albarrán (UAM)

Colaboran:

Departamento de Historia y Teoría del Arte, UAM

Vicerrectorado de Cooperación y Extensión Universitaria, UAM

Vicedecanato de estudiantes y actividades culturales-Facultad de Filosofía y Letras, UAM

PONENTES

Juan Albarrán es doctor en Historia del Arte por la Universidad de Salamanca. Ha sido profesor asociado en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca (UCLM) y, entre 2009 y 2012, formó parte del equipo editorial de Brumaria. Actualmente imparte docencia en el Duke Center for Hispanic Studies (Duke University, Madrid) y es profesor asociado en el Departamento de Historia y Teoría del Arte de la Universidad Autónoma de Madrid. Sus investigaciones se han centrado en el arte español de las últimas décadas. Sobre estas cuestiones, ha coordinado el volumen colectivo Arte y transición (2012).

Ferrán Barenblit es director del CA2M de la Comunidad de Madrid, espacio que ha acogido exposiciones como Bestué / Vives, Leopold Kessler, Cristina Lucas, Guy Ben Ner, Estación Experimental, Sonic Youth Sensational Fix, entre otras. Fue director del Centre d’Art Santa Mònica de Barcelona y comisarió varios ciclos de exposiciones en el Espacio 13 de la Fundació Joan Miró. También trabajó en The New Museum of Contemporary Art de Nueva York. Ha impartido seminarios y conferencias sobre práctica curatorial en diversos museos y universidades del mundo. En 2008 fue co-comisario de la Bienal Site Santa Fe, en Nuevo México. Es miembro de la junta directiva de la Asociación Internacional de Curadores de Arte Contemporáneo (IKT) y de la Asociación de Directores de Arte Contemporáneo Español (ADACE).

Óscar Cornago es Científico Titular del Instituto de la Lengua Española del Consejo Superior de Investigaciones Científicas (Madrid). Se doctoró en 1997 en Filosofía y Letras, con la especialidad de Filología Hispánica, en la Universidad Autónoma de Madrid. Trabajó como docente de Literatura Española en la Universidad de Estrasburgo y permaneció dos años en la Freie Universität de Berlín como becario de investigación posdoctoral. Sus estudios se centran en la historia y la teoría de la literatura y el teatro contemporáneos. Entre el 2001 y el 2006 desarrolla el proyecto de investigación "La teatralidad como paradigma de la modernidad: análisis comparativo de los sistemas estéticos en el siglo XX", financiado por el Programa Ramón y Cajal del Ministerio de Educación y Ciencia. Además de numerosos artículos ha publicado diversos libros:La vanguardia teatral en España L (1965-1975): del ritual al juego (Visor, 1999), Puesta en escena y discurso teórico en los años sesenta. La encrucijada de los "realismos" (CSIC, 2001), Pensar la teatralidad. Miguel Romero Esteo y las estéticas de la modernidad (Fundamentos, 2003) y Políticas de la palabra (Fundamentos, 2005), donde se incluyen textos de creadores escénicos españoles de las últimas décadas, como Esteve Graset, Carlos Marquerie, Sara Molina y Angélica Liddell; también dirige la edición de las obras de Miguel Romero Esteo que están apareciendo en la Editorial Fundamentos.

Ignacio Estella Noriega es doctor en Historia del Arte. Ha impartido conferencias en España, Chile y Estados Unidos, donde también ha realizado una estancia posdoctoral en la Universidad de Columbia. Entre sus publicaciones destacan la coedición de los primeros cuatro volúmenes de Desacuerdos y Fluxus (Nerea, 2012). Ha sido profesor de la Universidad Carlos III en Madrid y actualmente es investigador Alianza Cuatro Universidades en la Universidad Autónoma de Madrid. Es miembro del grupo de investigación La Historia del Arte en España: devenir, discursos y propuestas (HAR2012-32609).

Lola Hinojosa es licenciada en Historia del Arte, máster en Museología y diplomada en Estudios Avanzados en la especialidad de Arte Contemporáneo. Sus principales ámbitos de investigación son la performance, la imagen en movimiento, la crítica institucional y la teoría de género. Es responsable de la Colección de Artes Performativas e  Intermedia en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid y ha formado parte del equipo curatorial de las presentaciones de la colección desde 2009. Ha participado en el comisariado de ciclos de cine y vídeo, como Merce Cunningham, Archipiélago Val del Omar o La pantalla convulsa.

Patricia Mayayo es máster en Historia del Arte por la Case Western Reserve University (Ohio, E.E.U.U.) y Doctora en Historia del Arte por la Universidad Autónoma de Madrid. En la actualidad, es Profesora Titular de Historia del Arte en la Universidad Autónoma de Madrid. Entre 1998 y 2006 fue profesora de Historia del Arte en la Universidad Europea de Madrid. En su investigación se entrecruzan varios campos de trabajo: la historia de las mujeres, la historiografía feminista y el estudio de las prácticas artísticas contemporáneas. Es autora, entre otras publicaciones, de los libros Cuerpos sexuados, cuerpos de (re)producción (Barcelona, UOC, 2011), Frida Kahlo. Contra el mito (Madrid, Cátedra, 2008), Historias de mujeres, historias del arte (Madrid, Cátedra, 2003), Louise Bourgeois (Hondarribia, Nerea, 2002) y André Masson: Mitologías (Madrid, Metáforas del Movimiento Moderno, 2002). Recientemente ha comisariado, junto a Juan Vicente Aliaga, el proyecto Genealogías feministas en el arte español, 1960-2010.

Judit Vidiella es doctora en Bellas Artes por la Facultad de Barcelona. Sus investigaciones giran en torno a los estudios de performance, la educación y el feminismo. Es miembro del grupo de performance Corpus Deleicti. Actualmente es profesora en la Universidad de Évora y forma parte del equipo docente del Máster en Artes Visuales y Educación de la Universidad de Barcelona.

Gabriel Villota Toyos, desde 1996, es profesor del departamento de Comunicación Audiovisual y Publicidad de la Facultad de Ciencias Sociales y de la Comunicación de la Universidad del País Vasco. Ha trabajado como artista, escritor y organizador de múltiples actividades relacionadas con las artes visuales. Ha colaborado en diversas publicaciones, como Rekarte, Zehar, Papers d’Art, Banda Aparte, Política y Sociedad, Revista de Occidente, o Impasse. También ha escrito textos para catálogos de exposiciones, como Señales de vídeo (MNCARS, Madrid, 1995), Històries sense argument. El cinema de Pere Portabella (MACBA, Barcelona, 2000), Malas Formas. Txomin Badiola (Museo de Bellas Artes de Bilbao, 2002), y Esfuerzo (KM, Donostia, 2004), entre otros. Ha publicado, entre otros, Sujeto e imagen-cuerpo. Entre la imagen del cuerpo y el cuerpo del espectador (UPV/EHU, Bilbao, 2004) y el vídeo Devenir vídeo (adiós a todo eso) (2005).

Entrada libre hasta completar aforo.

Listado de seleccionados (descargar pdf)

¿Cómo hacer una exposición sobre performance hoy día? ¿Desde qué aproximación curatorial nace PER/FORM? ¿Cuáles son los retos de exponer performance en el museo hoy en día? ¿Por qué es importante para los museos concebir nuevas formas de mostrar el arte contemporáneo? ¿Cuáles son los retos y problemas específicos, e incluso dificultades?

¿Por qué la aproximación desde la pragmática es ideal para tratar la performance? ¿Qué ha hecho o no ha hecho la historia del arte por la performance? ¿Cómo la performance desafía nuestra visión de la historia del arte y la exposición del arte en la institución o en el espacio y esfera públicos?

¿Qué precedentes hay de PER/FORM en mi trayectoria curatorial?¿Cómo este proyecto potencia algunos de mis trabajos anteriores?

¿Qué puede hacerse en el futuro de la práctica expositiva que tenga en cuenta la performatividad y contemporaneidad?

Chantal Pontbriand es comisaria y crítica de arte. Su trabajo se centra en la exploración acerca de la globalización y la heterogeneidad artística.  Desde 1970, ha comisariado numerosos eventos artísticos internacionales: exposiciones, festivales, conferencias internacionales, sobre fotografía, video, performance, danza e instalaciones multimedia.

Fundó la revista de arte contemporáneo PARACHUTE en 1975 y estuvo en ella como editora hasta 2007. En 1982 fue directora de FIND (Festival International de Nouvelle Danse), en Montreal. Fue nombrada jefa de exposiciones en la Tate Modern en Londres en 2010 y desde entonces vive en París y ha fundado PONTBRIAND W.O.R.K.S [We_Others and myself_Research_Knowledge_Systems]. www.pontbriand-works.com

Las tardes de los días 17, 18 y 19 tendrán lugar tres talleres simultáneos en el CA2M: Ayreen Anastas y Rene Gabri, Asier Mendizabal y Luis Jacob. Cada uno de los talleres, independientes, será abordado de manera personal por cada uno de los artistas que lo imparten. Todos ellos han trabajado en formatos experimentales de producción de conocimiento y tienen experiencia docente y de participación en trabajos colectivos de muy diversas formas.

Los talleres en esta ocasión se realizarán en tres tardes consecutivas, de tal manera que sirvan de espacio de reflexión en paralelo a las Jornadas. 

Están invitados a participar tanto artistas como críticos, teóricos o interesados en la imagen. Los grupos de trabajo no serán superiores a 12 participantes.

Enredados en una red de valores. Taller con Luis Jacob

Abierto a la participación de artistas, educadores, agentes culturales…, también activistas son invitados a participar.

El taller versará en torno a la exploración de la idea de "valor". Todos los participantes están invitados a traer un objeto de valor, y a hablar del valor que este objeto tiene en su vida. Antes que ser didáctico, el taller poseerá un sentido experimental y exploratorio.

Luis Jacob.Vive y trabaja en Toronto, Canadá. Es artista, comisario y escritor; facetas en las que aborda la problemática de la interacción social y la subjetividad de la experiencia estética. En 2012, su trabajo fue presentado en Pop Politics: Activismos a 33 Revoluciones, en el CA2M. Año en el que es incluido en otra exposición en España: Visible, Móvil, Vidente, en el Centro Párraga de Murcia. Sus obras han sido expuestas en la Bienal de Taipei 2012, Taipei Museum of Fine Arts, Witte de With Contemporary Art, Guggenheim New York, Generali Foundation, The Power Plant Contemporary Art Gallery y Documenta 12. Sus exposiciones individuales han sido acogidas en espacios como: Museum of Contemporary Canadian Art, Fonderie Darling, Städtisches Museum Abteiberg, Kunstverein Hamburg y Galerie Max Mayer.

ASIER MENDIZÁBAL Artista radicado en Bilbao. Su práctica, vinculada al programa de la escultura, se resuelve en diversos medios y procedimientos, incluyendo de manera habitual la escritura. Los múltiples cruces entre códigos específicos de la modernidad y algunas de sus actualizaciones en clave de cultura popular (en política, música, cine…) configuran las referencias recurrentes en su trabajo. Ha expuesto individualmente en Culturgest, Lisboa; con la plataforma de producción DAE, San Sebastián y en el Museu d’Art Contemporani de Barcelona, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid y Raven Row de Londres. Ha participado en exposiciones colectivas como, IllumiNATIONS, 54 Bienal de Venecia; Scenarios about Europe: Scenario 3. Galerie für Zeitgenössische Kunst, Leipzig; In the First Circle Fundació Tapies, Barcelona; Às Artes, Cidadãos, Museu Serralves, Porto; Després de la notícia, en Centre de Cultura Contemporània de Barcelona, Manifesta 5 o las Bienales de Taipei y Bucarest.

TALLER AYREEN ANASTAS Y RENÉ GABRI

http://sduk.us/afterwork/

DESPUÉS DEL TRABAJO es un evento compacto que se desarrollará en tres tardes para investigar las relaciones y las transformaciones de la noción de trabajo así como el trabajo de hoy. El acto o la investigación está abierta a cualquier persona que esté interesada. El tema es conocido por todos y cada uno debe tener algo que decir al respecto.

En 1958, Hannah Arendt, en su libro sobre “La condición humana” menciona cómo, en los últimos siglos, las condiciones de la existencia humana se ha dirigido hacia la reducción de la amplitud de la actividad del hombre y la producción de sociedades de trabajo. Sin embargo, al mismo tiempo, estas mismas sociedades han generado tecnologías que han hecho que su trabajo sea cada vez menor y menos necesario. A partir de esta paradoja, Arendt teme la posibilidad de que llegue el día en el que exista “una sociedad de trabajadores sin trabajo, es decir, sin la única actividad que les quedaba”. Por supuesto, todos sabemos que el trabajo aún existe, pero las condiciones y el contexto laboral se han transformado drásticamente. Como las fábricas, lugares de producción material, así como de la fuga de capital hacia lugares donde  donde maximizar sus beneficios, independientemente del coste social y ecológico, donde las exigencias por parte de las sociedades laborales se han quedado abandonadas y alteradas.

Con la crisis financiera de 2008 y sus consecuencias económicas en la vida diaria de la gente, se vuelve más agudo el problema del trabajo. Muchos se ven amenazados por un desempleo crónico, mientras que el Estado está recortando derechos logrados tras siglos de lucha política a través de las clases sociales. Madrid es un lugar interesante para preguntarnos algunos aspectos específicos relacionados con el trabajo en estos momentos.

Si el trabajo y la noción de clase trabajadora fueron esenciales para imaginar la resistencia hace un siglo, ¿podríamos decir que el desempleado, el trabajador a media jornada, precario, intermitente, o los trabajadores inmigrantes son a día de hoy las figuras de resistencia de los siglos venideros? En un tiempo ligado al poder emergente de los trabajadores, Vladimir Lenin preguntó: “¿qué hacer?” ¿Donde podríamos localizar este poder emergente hoy en día, y cómo podríamos hoy repensar o reformular esta pregunta? ¿En qué está basada la sociedad que imaginamos si no es en el trabajo?

*After work es parte de un extenso trabajo de investigación que explora con otros las luchas contra la mercantilización y financiarización de cada uno de los aspectos de la vida, partiendo de tres categorías elementales para vivir: trabajo, alimento y vivienda.

AYREEN ANASTAS es una artista palestina que en la actualidad vive en Brooklyn. Anastas es una de las organizadoras del colectivo 16 Beaver group, una comunidad artistic que funciona como un espacio social y colaborativo en la calle Beaver número 16 en el downtown de Manhattan, donde el grupo desarrolla debates, encuentros, proyecciones de películas, grabaciones de radio, grupos de lectura y más… Sus trabajos recientes y exposiciones incluyen: Pasolini Pa* Palestine (2005), m* of Bethlehem (2003), the Library of Useful Knowledge (2002). René Gabri nació en Teheran y en la actualidad reside en Nueva York. Forma parte de 16 Beaver group y está interesado en los complejos mecanismos que conforman el mundo que nos rodea.  El trabajo colaborativo de Ayreen Anastas y Rene Gabri ha evolucionado sobre todo desde su colaboración en 16 Beaver. Su serie de Discusiones Radiactivas contrarrestaba su trabajo ficcional en el proyecto Homeland Security Cultural Bureau. Entre sus colaboraciones recientes se incluyen: Camp Campaign, Radio Active, United We Stand, What Everybody Knows, Eden Resonating, 7X77.

Los talleres se impartirán en castellano excepto el de Rene Gabri y Ayreen Anastas que será en inglés.

Para asistir a uno de estos talleres en necesario completar el formulario de inscripción (descargar formulario) y enviarlo antes del 7 de junio a actividades.ca2m@madrid.org

Con motivo de la exposición Sin heroísmos, por favor se realizó un encuentro entre Tania Pardo, comisaria de la exposición, y los artistas participantes en la muestra: Sara Ramo, Iván Argote y Teresa Solar Abboud. A lo largo del encuentro se conversó sobre el desarrollo y contexto global de la exposición y de los trabajos anteriores de los artistas participantes.