Pensamiento y debate

Artistas en residencia es un programa conjunto de La Casa Encendida y del CA2M cuyo fin es apoyar la creación dentro del campo de la danza y el trabajo con el cuerpo ofreciendo a los artistas espacios para la experimentación, la reflexión y la presentación de sus propuestas.

Acento es un programa vinculado a Artistas en residencia en el que durante tres jornadas se realizaron presentaciones de los proyectos llevados a cabo durante las estancias de 2013 y donde se generó un espacio de encuentro con los artistas del 2014. En estos días ambas instituciones quisieron poner el acento en la reflexión que parte de la propia producción artística a través del cuerpo, entendiendo este como cuerpo social, como una construcción política productora de saberes desde lo sensible.

Los artistas seleccionados en 2013 fueron: Elisa Arteta,  Cristina Blanco, Pablo Esbert, Carmen Fumero, Martín Llavaneras, Cecilia Lisa Eliceche, Elpida Orfanidou y Juan Perno,  Ángela Peris, Jesús Rubio Gamo y Navidad Santiago.

Entrada libre hasta completar aforo.

PROGRAMACIÓN

JUEVES 13 FEB EN LCE

20.30h. Montando Cabos, de Carmen Fumero

Es un viaje a través de sensaciones. Dos individuos se relacionan con la intuición representada por sus manos, capaces de expresar deseo e impulso. A veces existe el acto espontáneo e intuitivo de ir en la misma dirección, otras veces la pretensión de guiar, y otras, de dejarse llevar. Las manos responden al deseo de recuperar esa emoción. Como resultado, una sensación pasada.

Carmen Fumero ha realizado varios proyecto en solitario, el más destacado, en 2011, contando con la colaboración de Laura Kumin y Daniel Abreu. En 2010 recibe una residencia en los Teatros del Canal a través del Certamen Coreográfico de Madrid, donde crea su primera obra de formato grande Ironía estrenada en el Teatro Padrillo en 2011. En 2013, recibe dos residencias coreográficas, una en los Teatros del Canal y otra en La Casa Encendida.

http://carmenfumero.blogspot.com.es/

21.30h. SuperFiciales, de Navidad Santiago

Es una reflexión sobre la capacidad comunicativa de la materia; desde el comportamiento de las partículas elementales hasta el comportamiento humano. Porque detrás de tanta ciencia moderna, de tantas fracturas y uniones, de tanto amor y desasosiego, de tanto cambio social, de tanta poesía o de tanta ficción; en nuestros patrones de conducta se lee el comportamiento de la materia más esencial... de los materiales más superficiales.

Navidad Santiago (Madrid, 1975) es licenciada en Sociología en la UCM. Madrid; Postgrado en Historia Política en Palachejo Universita. Olomouc. Rep. Checa y Danza Clásica: África Guzmán, SCAENA, Madrid Dance Center.

VIE 14 FEB EN EL CA2M

SESIONES DE APERTURA DEL PROCESO DE TRABAJO

19.00 h. Juan Perno habla del proceso de Elpid’arc, de Elpida Orfanidou y Juan Perno

Elpida Orfanidou y Juan Perno deciden sumergirse en una aventura imposible: copiar, reproducir uno de los más importantes trabajos de la historia del cine, la película muda La passion de Jeanne d’Arc (1928) dirigida por C.Th.Dreyer e interpretada por María Falconetti. Elpid’arces un film performance en el que el cine y el teatro se mezclan en una aleación alquímica; lo fascinante de este trabajo reside en el encuentro inesperado de lo místico con lo cotidiano y el humor.

Elpida Orfanidou es coreógrafa y performer griega; estudió danza y performance en Atenas, Arnhem, Montpellier y Londres. Ha desarrollado una serie de piezas en solitario que concluyeron en “One is almost never”. Ha creado trabajos conjuntamente con Herman Heisig (United States) y Juan Perno ( Elpid’arc) y como performer con Gui garrido, Tim Etchells, Mahela Rostek y Meg Stuart entre otras artistas.

Juan Pernoes licenciado en filosofía (UAM Madrid) y doctorado en estética, fotografía y video (UPV Valencia). Ha enseñado en diferentes centros y espacios video en tiempo real y live cinema, ha sido director creativo en publicidad digital durante 4 años en Italia; actualmente desarrolla proyectos centrados principalmente en el apropiacionismo en diferentes disciplinas como el video, la fotografía y las artes escénicas. Elpid'arc es su último trabajo en coproducción con HAU Theatre Berlín y la Fundación Onassis de Atenas además del soporte de La Casa Encendida y CA2M.

http://www.juanperno.com/

http://vimeo.com/elpidaorfanidou

20.30h. Código abierto de el agitador Vórtex, charla sobre el proceso con Cristina Blanco

El agitador Vórtex es el nuevo proyecto con el que Cristina Blanco se ha embarcado ahora. Partiendo del deseo de trabajar con distintos géneros (cine, ópera, teatro, musical, etc.) está investigando las convenciones de cada uno para poder cuestionar sus normas y mezclarlos de la manera más sorprendente. Un collage en vivo de géneros que dialogan entre sí, rompiendo con los códigos que los conforman, cuestionándose la naturaleza de los mismos y jugando a cambiar sus normas. ¿Por qué asociamos una orquesta sinfónica con tonalidades disonantes a una película de miedo? ¿Qué ocurre si en los créditos de una película de James Bond suena música tradicional con gaitas gallegas? ¿Cómo cohabitan E.T. y un obispo en el Far West? ¿O una sevillana con un ninja en una nave espacial?

Cristina Blanco después de diplomarse en Teatro Gestual por la RESAD, trabaja como actriz en varias compañías de teatro, se interesa por la danza y hace algunos talleres, protagoniza algunos cortos de cine y canta en algún que otro grupo de música. En 2004 crea su primer solo: cUADRADO_fLECHA_pERSONA qUE cORRE. En 2006, crea caixa preta_caja negra en colaboración con la coreógrafa brasileña Claudia Müller. En 2008 estrena The Nevestarting Story, un proyecto de Cuqui Jerez, María Jerez, Amaia Urra y Cristina Blanco. En octubre de 2009  estrena en Madrid The Croquis Reloaded, un trabajo de Cuqui Jerez con Cristina Blanco. En septiembre de 2010 presenta TELETRANSPORTATION instalación/pieza creada para el festival Mapa y en octubre estrena ciencia_ficción, un solo-charla-proceso-blog-concierto. http://www.tea-tron.com/cristinablanco/blog/

SAB 15 FEB EN LCE

17.30h. Impermanencia, de Elisa Arteta

Propone al espectador una experiencia corpórea, visual y sonora que hace referencia al cambio constante, al no retorno. Una situación en la que el movimiento de la artista está limitado, y debe entonces adaptar su cuerpo al medio que habita. En el transcurso del tiempo va dejando tras de sí un rastro definido que queda como memoria de lo allí ocurrido. Mientras tanto, el público puede desplazarse libremente por la instalación y elegir la duración de su experiencia.

Elisa Arteta se dedica a la práctica de la danza, entendida de una manera muy amplia. Su trabajo muestra un gran abanico de intereses, desde el uso de la videocámara, al estudio de la propiocepción o la búsqueda de cómo integrar diferentes temáticas en la práctica escénica. En la actualidad se cuestiona la intencionalidad de ese cuerpo que se presenta en escena y el sentido del concepto mismo de coreografía, y busca siempre contextos muy diferentes donde presentar sus trabajos. http://elisaarteta.com/

18.30h. Sonidear un espacio, de Ángela Peris Alcantud

Es inventar una nueva realidad sonora. Esa realidad existe, está aquí mismo, nos envuelve. Para que este mundo salga a la luz hay que vibrarlo, contarlo, anotarlo, susurrarlo, desmenuzarlo, percutirlo y mostrarlo. La idea de sonidear surge a partir de la necesidad de crear movimiento mediante el sonido. Este sonido puede estar generado por nuestra propia imaginación, o bien por un factor externo (todos aquellos sonidos que nos rodean). En ambos casos, tanto mediante el sonido interno como mediante el externo, surgen unas frases con el cuerpo y con la voz que finalmente concluirán en una partitura rítmica, una pieza de sonido y movimiento. Sonidear es vivenciar unas islas sonoras que en conjunto crearán un archipiélago ruidoso inventado.

Ángela Peris Alcantud es licenciada y Master en Comunicación Audiovisual; ha estudiado coreografía y danza en Martha Graham School y Dance Space Center (ahora DNA) de Nueva York; en SNDO, School for New Dance Development, de Holanda, y en el Institut del Teatre de Barcelona. Su trabajo busca el punto de unión entre el movimiento, la voz y el pensamiento. En 2012 crea la pieza para público infantil ALLES, junto con la artista Alma Söderberg. Además desde 2011 trabaja como artista colaboradora en la Fundación Yehudi Menuhin España dentro del programa Mus-e, arte por la convivencia.http://angelaperis.blogspot.com.es/

20.00h. El Rapto de Europa (2013 - ad infinitum), de Jesús Rubio Gamo.

En busca de una memoria subjetivo-colectiva no histórica

Jesús Rubio Gamo pretende crear un espacio de encuentro en la ciudad de Madrid con el objetivo de construir una memoria colectiva de carácter subjetivo y emocional. Se trataría de la construcción de un “monumento memorial emocional escénico” que pueda compartirse con otros a través de muestras del mismo y de actividades complementarias en torno al proceso como mesas redondas o debates.

Jesús Rubio Gamo (Madrid, 1982) ha realizado un máster en Práctica Escénica Y Cultura Visual. Universidad de Alcalá de Henares y Museo Nacional Reina Sofía. 2011-2012. Es dramaturgo. Co-autor de los textos presentados por la Sala Cuarta Pared, Madrid, en la Noche en Blanco 2010; coreógrafo invitado, representante español en el Festival Internacional Das 6 Tagen Rennen. Creación de una pieza con residencia en Pact-Zollverein, Essen. Actuaciones en Madrid, Lucerna y Essen. Coproducción Alemania-España-Suiza, 2010. http://www.jesusrubiogamo.com/

21.30h. Going nowhere together, de Pablo Esbert

Es una performance que parece un concierto, un ritual que parece un solo de danza, una experiencia colectiva que parece un espectáculo. Durante dos meses he invitado a otros artistas, amigos, familiares y desconocidos para pasar un día conmigo. Un día con cada uno para compartir juntos una práctica sonora y física. Para reflexionar y descubrir juntos hacia ningún lugar conocido.
http://goingnowheretogether.wordpress.com/

Pablo Esbert Lilienfeld crea desde el 2005 sus propios trabajos escénicos y audiovisuales. Colabora estrechamente con el italiano Alessandro Sciarroni además de otros coreógrafos europeos. Desarrolla una actividad paralela como músico y vídeo creador. Se formó en Comunicación Audiovisual en la Universidad Complutense, Danza Contemporánea en el RCPD y música en la Escuela de Música Creativa.
www.pabloesbertlilienfeld.com

DIRIGIDO POR CARLOS MARTÍN

Participantes: Carolina Puigdevall, Jesús Burrola, Paulino Martín Blanco, Ángela Lupiáñez Morillas, Emma Sánchez-Quiñones Ballestero, Lucas Rodríguez Marcos, Clara Derrac Soria, Servet Domínguez Herrera, Leva Naujalyte, Blanca Sotos, Carolina Rodovalho, Laura Vila Lorenzo, Mireia Monjo Eroles, Xandra Villar Amigo, Mónica Fernández Ferreras y Natalia Giménez Cid.

Resulta paradójico que los volúmenes que recogen selecciones de una colección de arte, los libros de colección, se conviertan en una suerte de libros coleccionables, objetos que dormitan en estantes y despachos o adornan mesas de reuniones bajo el tranquilizador (y pesado) formato del coffee table book. ¿Tiene sentido insistir en un modelo de libro que funciona como barniz intelectual de la cultura del lujo? ¿Mantener su carácter de fetiche, su aura intocable, impagable, reservada, ilegible?

El DIDDCC se vuelve a abrir como un espacio para el estudio donde se investiga con las colecciones CA2M y ARCO y se desarrollan estrategias críticas para su trabajo y difusión pública. Este año, el DIDDCC, dirigido por Carlos Martín, se ocupa del cuestionamiento de los dispositivos de publicación de colecciones de arte contemporáneo, públicas o privadas, de los cánones y dogmas impuestos en ese campo y plantea un espacio para la investigación del que emergen propuestas abiertas, problemáticas y líneas de trabajo que se pueden aplicar a la nueva publicación de la Colección CA2M y ARCO, prevista para 2018.

¿Cómo negociar con un formato que, al recoger una colección en proceso de crecimiento es necesariamente finito? ¿Qué matices aporta la distinción entre colección pública y colección publicada? ¿Cómo escribir sobre una determinada propuesta artística sin con ello neutralizar sus potenciales? ¿Se puede concebir un libro radicalmente abierto? Una colección debe publicar sus contenidos y claves de lectura pero, ¿también el complejo y con frecuencia polémico relato de su origen y formación? Estas son algunas de las líneas que pueden abrirse en el DDIDDC, donde en esa negociación entre colección y publicación se activarán diversos vectores: la investigación y comisariado de los fondos, la escritura (estilos, códigos, enfoques teóricos, públicos, cuestiones de autoría), la edición, el registro y catalogación de obras de arte, el diseño gráfico o las estrategias de difusión de contenidos.

Los participantes tendrán acceso al estudio de las colecciones, encuentros con personal del CA2M, con artistas y agentes diversos del sistema del arte actual para emprender investigaciones sectoriales y plantear casos de estudio. Están invitados a participar en el DIDDCC estudiantes de posgrado, máster o doctorado en las áreas de Historia del Arte, Bellas Artes, Humanidades y Comunicación.

Invitados confirmados:

David Armengol (Comisario independiente).
Àlex Gifreu (Diseñador gráfico. Premio Best of European Design and Advertising 2016).
Lola Hinojosa (Responsable de la Colección de Artes Performativas e Intermedia. Museo Reina Sofía).
Carolina Martínez y Clemente Bernad (Editorial Alkibla).
Rosario Peiró (Directora de Colecciones. Museo Reina Sofía).
Sergio Rubira (Creador del DIDDCC y Subdirector Colección y Exposiciones del IVAM).
Isabel Salgado y Óscar Pina (Colección ‘La Caixa’).
Manuel Segade (Director del CA2M).

Inscripción desde el 15 de enero hasta el 12 de febrero. El listado con los seleccionados se publicará el 16 de febrero

18 FEBRERO. SÁBADO. 16:00 - 19:30 H

Señalar un contexto antes que un recorte es una acción de configuración, un ejercicio de aparición. Dentro de esta dinámica se validan proposiciones donde las acciones, los gestos y los enunciados son leídos y reconocidos desde la legibilidad que facilita aquello que la doxa argumentativa señala como «contexto». Sin embargo, la condición material de estos mismos elementos permite hallar otros modos de hablar de un contexto. Una novela que comienza, al igual que el único libro de Macedonio Fernández publicado en vida de su autor, es una enunciación de comienzo y determina el movimiento de lectura y recepción de un relato. Esta narración plural y subjetiva visibiliza distintas formas de participar de un contexto. Diego Vecchio, Alejo Ponce de León, Karina Peisajovich, María Moreno y Pablo Schanton se proponen reflexionar sobre algunos de los «materiales vivos» con los que el arte argentino desarrolla obras y posiciones. Desglosar en primera persona tal conjunto de materiales no tiene otra intención que compartir claves de participación. Campos de relación en los que el arte pivota alrededor del barrio, la literatura, la música, la construcción de autor y esa plusvalía productiva que emerge a través de la afectividad.

Comisario: Mariano Mayer.

Entrada libre. Más información en actividades.ca2m@madrid.org o en 912 760 227

PROGRAMA

16:00h. Presentación con Mariano Mayer
Mariano Mayer es poeta y comisario independiente. Entre sus últimas exposiciones figuran Soy un libro que no he escrito ni he leído Capítulo II (The Goma, Madrid, 2015) y Omnidireccional (Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, 2015). Entre sus últimos proyectos como curador figuran En el ejercicio de las cosas  junto a Sonia Becce (Plataforma Argentina ARCOmadrid 2017) y Causal: Ignacio Fanti (The White Lodge, Córdoba, Argentina, 2016).

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16:15h. Algo que termina: el museo del fin del mundo
La literatura que practica Diego Vecchio no tiene ningún papel, esta no función en particular permite incorporar una multiplicidad de géneros. Cada uno de sus libros genera un contexto para albergar el interés por construir una literatura elaborada a partir de ciertos saberes. Una ficción entendida como el resultado de extrapolar arte, museología, animismo o medicina.      

Diego Vecchio es autor de tres ficciones: Historia calamitatum, Microbios, Osos y de un ensayo: Egocidios: Macedonio Fernández y la liquidación del yo. Actualmente reside en París donde es docente de literatura latinoamericana y director del Máster de Creación Literaria en l’Université Paris 8 Saint-Denis.

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16:50 h. Un barrio que es infinito
Alejo Ponce de León tematiza sobre el barrio y lo importa al arte, para plantear cómo este lenguaje es el resultado de la relación que se establece entre las formas de vida que acoge, las posibilidades de interacción que es capaz de trasmitir y el tipo de afectividades que promueve.

Alejo Ponce de León  es crítico de arte, periodista y curador independiente. Publicó en Página/12, Arte al Día y Los Inrockuptibles, entre otros medios. Como curador, ideó la exhibición Octubre de 2015 en la Galería Ruth Benzacar, La industria gráfica produce cultura de Javier Barilaro en la galería Otero y Adaptative Backlash: el costo exponencial de la integración junto a Gaby Cepeda y Javier Villa en el espacio cultural La Fábrica. Actualmente está preparando un proyecto editorial enfocado en teoría crítica y arte argentino con la curadora Lucrecia Palacios.

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17:25h. El viento
La artista Karina Peisajovich ensaya una voz y completa una visión subjetiva e inclusiva del estado de las cosas en el arte contemporáneo argentino. Con la intención de leer esa porción del arte, tanto desde la problemática de quien la produce como de quien la vive y la observa.

Formada en la pintura, la práctica artística de Karina ha sido fuertemente influenciada no sólo por la historia del arte, sino por su experiencia temprana en el teatro alternativo, en el que trabajó como diseñadora de escena y vestuario a finales de los ochenta y principios de los noventa. Su obra está profundamente influida por la historia de los experimentos modernistas con la abstracción y la percepción, al mismo tiempo que se apropia del teatro, los soportes técnicos, un compromiso directo con el espacio físico de exhibición y un posicionamiento activo del espectador-participante en la obra. Sus proyectos más recientes han pasado de complejas instalaciones relacionadas con formas abstractas pintadas desde las paredes al piso de la galería con luces proyectadas en formas geométricas, a un conjunto de elementos más reducidos: pequeñas máquinas de iluminación que proyectan luces de colores, colocadas en espacios completamente oscurecidos.

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18:00h Pausa café

18:15h Yo, Dolly Skeffington: arte y falsificación
Para María Moreno la escritura es antes un material de intervención que un medio expresivo. Por ello es capaz de plantear una autobiografía novelada en clave microensayo o una ficción sobre la identidad y contrabandear procedimientos tanto del collage como del montaje modernista.

María Moreno nace y vive en Buenos Aires. Se inicia como periodista en el diario La opinión. Durante la dictadura, María Moreno hacía periodismo en Siete Días y en Status. Suele contar que, en gran medida por una cuestión de censura, hacían una especie de laboratorio de escritura. Sus estrategias discursivas son admiradas hasta el día de hoy. Periodista, narradora y crítica cultural, es considerada una de las más grandes cronistas y ensayistas de habla hispana. Escribió la novela El affair Skeffington, y los libros de no ficción El petiso orejudo A tontas y a Locas, El fin del sexo y otras mentiras, Vida de vivos, Banco a la sombra, Teoría de la noche y Subrayados.

18:50h La música es mi casa
Para el crítico de rock Pablo Schanton, la música es un imán que permite encontrar al rodar por el jardín del mundo todo tipo de estructuras vinculantes. Cada una de sus intervenciones expande la  respuesta de la siguiente pregunta: ¿Cómo hablar de la música a través de otro medio?

Pablo Schanton es periodista, crítico e investigador de música popular, especializado en rock y música electrónica. A principios de los 90, dirigió la revista de crítica de rock Ruido. Entre 1990 y 2009, organizó anualmente los ciclos Estetoscopio y Post Post. Realizó la antología Después del rock y editó Retromanía de Simon Reynolds ambos en la editorial Caja Negra, además de prologar El basurero de la historia de Greil Marcus. Es letrista y pertenece al colectivo de músicos y DJs Agencia de Viajes. Actualmente es subeditor jefe de revista Viva. Además, colabora en revistas como Otra Parte, Rolling Stone y Ñ.

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Tras varios intentos fallidos, por fin podemos anunciar la presentación de No sabíamos lo que hacíamos. Lecturas para una educación situada una publicación que relata algunas de las prácticas que se han desarrollado por y para el departamento de educación del CA2M. Una publicación que recoge no solo textos, sino también una buena suma de diálogos del equipo en los que se pone en juego una manera de trabajar que entiende el diálogo, la búsqueda constante, la experimentación y la investigación como los pilares constantes del trabajo educativo. Junto a diversos ensayos escritos por los integrantes del departamento se incluyen textos de diversos agentes que han colaborado en la construcción de los diversos proyectos realizados desde el departamento así como la consolidación de un trabajo que no podría ser de otra forma que colectivo. Una publicación en la que se reflexiona sobre las pedagogías queer, el papel de la educación en la institución arte, las prácticas performativas en educación, el papel del cuerpo o el museo como espacio de control.

Con la participación de Pili Álvarez, Mercedes Álvarez Espáriz, Ferran Barenblit, Selina Blasco y Lila Insúa, Nilo Gallego, Eva Garrido, Victoria Gil-Delgado, Jaime González Cela, Marta de Gonzalo y Publio Pérez Prieto, Carlos Granados, Rafael Lamata, Pablo Martínez, Yera Moreno, María José Ollero, Emilio Santiago Muíño, Subtramas (Diego del Pozo y Montse Romaní), Manuel Segade, Cristina Vega, Marisa Víctor y Virginia Villaplana.

La revista digital Re-Visiones es una publicación indexada, bilingüe en castellano e ingles, de periodicidad anual en la que se agrupan ensayos inéditos en torno a trabajos recientes relacionados con la teoría visual, la historia del arte y la investigación artística. El CA2M como ente observador promotor del proyecto I+D VISUALIDADES CRITICAS: REESCRITURA DE LAS NARRATIVAS A TRAVES DE LAS IMÁGENES  (HAR2013-43016-P, Ministerio de Economía y Competitividad) inicia una colaboración con Re-Visiones con el fin de ayudar a difundir y dar soporte a las investigaciones desarrolladas en este ámbito. No en vano, una de las misiones del CA2M es promover y apoyar la investigación en relación a la imagen. La propia colección del Centro así como la celebración desde 2009 de las Jornadas de Estudio de la Imagen de la Comunidad de Madrid son solo dos ejemplos, quizás los más destacables de su trabajo en relación a la imagen.

Acceso a la revista digital

Convocatoria 2017: ¿Es posible descolonizar las metodologías occidentales? El Sur como motor
(plazo de recepción de originales cerrado).

La revista digital Re-Visiones es una publicación indexada, bilingüe en castellano e ingles, de periodicidad anual en la que se agrupan ensayos inéditos en torno a trabajos recientes relacionados con la teoría visual, la historia del arte y la investigación artística. El CA2M como ente observador promotor del proyecto I+D VISUALIDADES CRITICAS: REESCRITURA DE LAS NARRATIVAS A TRAVES DE LAS IMÁGENES  (HAR2013-43016-P, Ministerio de Economía y Competitividad) inicia una colaboración con Re-Visiones con el fin de ayudar a difundir y dar soporte a las investigaciones desarrolladas en este ámbito. No en vano, una de las misiones del CA2M es promover y apoyar la investigación en relación a la imagen. La propia colección del Centro así como la celebración desde 2009 de las Jornadas de Estudio de la Imagen de la Comunidad de Madrid son solo dos ejemplos, quizás los más destacables de su trabajo en relación a la imagen.

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Re-visiones #seis

Editorial

Política de las imágenes, ficciones de lo común.
Aurora Fernández Polanco y Pablo Martínez

Investigadores invitados

Conversación con Jacques Rancière
Aurora Fernández Polanco
La escena final de Hienas. Una incorporación parentética
Kowdo Eshun
Dark Matter Cinema Tarot - Desde un estado de emergencia
Silvia Maglioni, Graeme Thomson
Los tiempos del montaje. Una conferencia dialogada
Isabel de Naverán, Leire Vergara

Focus Adelita Husni Bey. Libro Blanco: sobre la tierra, la ley y el imaginario

Presentación
Pablo Martínez
Trabajo de campo: pensar a fondo la Convención sobre el Uso del Espacio (casi más de) un año después
Adelita Husni Bey
Los espigadores y yo ̶ Adelita Husni-Bey en conversación con Ana Méndez de Andes y Emilio Santiago Muíño
Ana Méndez de Andes,    Emilio Santiago Muíño
FOCUS Adelita Husni Bey. Libro Blanco: Sobre la tierra, la ley y el imaginario
Adelita Husni Bey / AAVV

Dossier

Ficciones del “como no”: vocaciones mesiánicas de lo común para un mundo más allá del trabajo y de la estética
Jaime Vindel Gamonal
En la noche, relámpagos
Cuauhtémoc Medina Medina, Helena Chávez Mac Gregor
Un lugar común no es mi lugar: relaciones artísticas entre México y Estados Unidos en un Mondo globalizado
Daniel Enrique Montero Fayad
Un común porvenir
Andrea de la Serna Alegre
Nuevas egologías mediáticas
Juan Martín Prada
Loops artísiticos en la memoria ambiente
Loreto Alonso Atienza
¯\_(ツ)_/¯
Marian Garrido Herrojo

Entrevista

Una conversación con Marina Garcés
Marina Garcés, Pablo Martínez

Reseña

Crítica(s) de arte. Género, memoria y cultura visual en el primer franquismo (materiales cotidianos, más allá del arte).
Virginia Villaplana Ruiz
Soft Fiction: porque vivimos juntas...
Ana Pol Colmenares

Dirigido a artistas, estudiantes de BBAA y a todo aquel interesado en la obra de Jeremy Deller

El encuentro-taller se desarrolló en inglés

Jeremy Deller se aproximó a signos, imágenes, modos de vida y objetos para reflexionar sobre los mecanismos y la cultura que definen hoy nuestra sociedad post-industrial. Formado en Historia del Arte, su modo de hacer se define, más que por adaptar un procedimiento artístico concreto, por hacer del observar, investigar y criticar sus herramientas, siendo su curiosidad su punto de partida.

Con motivo de la muestra "El ideal infinitamente variable de lo popular", Jeremy Deller propuso un taller-encuentro en el que poder dialogar y cruzar impresiones sobre su trabajo y su forma de hacer, así como abrir un espacio de discusión e intercambio de criterios entre los participantes. Se visitó también junto al artista la exposición, así como la pieza Sacrilege, instalada en el parque El Soto, en Móstoles.

Jeremy Deller (Londres, 1966) vive y trabaja en Londres. Estudió Historia del Arte en el Courtauld Institute of Art de la Universidad de Londres. En 2004 fue ganador del Turner Prize y en 2010 fue condecorado con la Albert Medal de la Royal Society of the Arts. Si bien trabaja con una multiplicidad de medios como vídeo, escultura y gráfica, su obra ha tenido un énfasis en proyectos colaborativos, re-enactments y arte público, a partir de donde plantea una reflexión sobre la cultura popular inglesa postindustrial.

Entre sus proyectos más relevantes se encuentran: Acid Brass (1997), Folk Archive (desde 1999) en colaboración con Alan Kane, The Battle of Orgreave (2001), Procession (2009) y Sacrilege (2012), entre otros. Algunas de sus exposiciones más destacadas son: English Magic para el Pabellón Británico en la 55a Bienal de Venecia (2013), la retrospectiva Joy in People, Hayward Gallery (2012), Carte Blanche à Jeremy Deller, Palais de Tokyo, París (2008). De igual forma, ha desarrollado destacados proyectos curatoriales: All That Is Solid Melts Into Air (2013), The Bruce Lacey Experience (2012) y British Council Collection: My Yard (2009), entre otros.

Presentación de Por un chato de vino de Lucas Platero. Una historia de travestismo y masculinidad femenina en la que el autor nos invitó a conocer una historia perdida en la que entrelaza sus vivencias con las de María Elena y a la que Eva Garrido pone imágenes. Este es un libro difícil de clasificar porque se sitúa en los bordes, porque es raro y porque habla de lo que intenta silenciarse. En la presentación leímos fragmentos del libro y charlamos en torno a algunos de los temas que plantea el libro.

Lucas Platero desde los años noventa forma parte del movimiento feminista y queer, al mismo tiempo que ha desarrollado una intensa labor investigadora sobre la sexualidad no normativa. Es doctor en Sociología y Ciencias Políticas por la UNED y docente en intervención sociocomunitaria. Entre sus publicaciones más recientes, destacan Intersecciones. Cuerpos y sexualidades en la encrucijada (Bellaterra, 2012) y Trans*exualidades. Acompañamiento, factores de salud y recursos educativos (Bellaterra, 2014)

Eva Garrido desarrolla proyectos artísticos, educativos y de investigación desde el feminismo dentro del colectivo formado junto a Yera Moreno Colektivof.  Tras licenciarse en Bellas Artes ha transitado en diferentes campos como el diseño artístico e industrial, la escenografía y el dibujo.

¿Y si un día que sales a tomarte un chato de vino te lleva la Guardia Civil al cuartelillo? M.E. se busca la vida por las calles de Barcelona a finales de los años sesenta, a veces dona sangre, otras consigue algún dinero de la caridad o de sus amigas. Hasta que un mal día se topa con unos guardias civiles, que descubren sus curvas bajo la ropa de hombre. El cuartelillo, la cárcel o el hospital son los espacios de disciplinamiento a los que ha de someterse. Sólo sabemos lo que los médicos, guardias y jueces dictaminan a través de interrogatorios, plasmados en un puñado de hojas olvidadas en un archivo. Lo más espeluznante es lo que no se dice, pero que se imagina fácilmente. La masculinidad de M.E. les resulta imposible, señalando su deseo por las mujeres como patológico y criminal, al tiempo que irrefrenable y por tanto, merecedor de castigo y reclusión. M.E. transgrede, casi involuntariamente, las normas morales de un franquismo que si bien se va apagando, sigue reprimiendo duramente a quienes se atreven a romper públicamente con sus dictados. Una represión que se enciende ante el «escándalo público» y que se ceba especialmente con aquellas personas cuya sexualidad y expresión de género desborda los límites de la «decencia», los roles de género binarios y la heterosexualidad obligatoria. Esta historia resuena aún hoy, en un tiempo que se dice lleno de derechos sexuales, pero en el que se sigue señalando estas rupturas con las expresiones de género más normativas como evidencias de patologías, cuyo diagnóstico se impone para acceder a un puñado de derechos incompletos.

http://www.ed-bellaterra.com/php/llibresInfo.php?idLlibre=1089

La revista digital Re-Visiones es una publicación indexada, bilingüe en castellano e ingles, de periodicidad anual en la que se agrupan ensayos inéditos en torno a trabajos recientes relacionados con la teoría visual, la historia del arte y la investigación artística. El CA2M como ente observador promotor del proyecto I+D VISUALIDADES CRITICAS: REESCRITURA DE LAS NARRATIVAS A TRAVES DE LAS IMÁGENES  (HAR2013-43016-P, Ministerio de Economía y Competitividad) inicia una colaboración con Re-Visiones con el fin de ayudar a difundir y dar soporte a las investigaciones desarrolladas en este ámbito. No en vano, una de las misiones del CA2M es promover y apoyar la investigación en relación a la imagen. La propia colección del Centro así como la celebración desde 2009 de las Jornadas de Estudio de la Imagen de la Comunidad de Madrid son solo dos ejemplos, quizás los más destacables de su trabajo en relación a la imagen.

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Re-visiones #cinco

La administración del miedo, los discursos del odio y la experiencia habitual del shock, son otras formas de decir el control que el neo-liberalismo ejerce sobre nuestros cuerpos. Aunque Brian Massumi considere hoy que el miedo se ha convertido en un concepto ontogenético, podemos reflexionar sobre un tipo de “pasión” que nos ocupa desde el inicio de la modernidad, cuando Hobbes proponía el binomio miedo-seguridad como base para la autoridad del estado. En cuanto al shock, Walter Benjamin colocó su experiencia (shockerlebnis) en el corazón de la vida moderna y consideró que su recepción se había convertido en regla. Todo ello invita a un trabajo con las imágenes que nos ayude a comprender el “ahora” como cristal de tiempos.

Utilizamos la palabra gestión en relación al miedo por su doble vertiente: por un lado la relativa a los trabajos que denuncien y analicen la producción del shock/miedo a través de las imágenes (y los dispositivos en los que se despliegan en cada caso). Por otro, los que se preguntan cómo agenciamos también desde los mundos del arte y el pensamiento este tipo de operaciones en tanto resistencia a las políticas del miedo.

Editorial
Imágenes, shock y gestión del miedo/ Aurora Fernández Polanco

Entrevista

Una conversación con Suely Rolnik (Universidad católica de Sao Paulo)/ Aurora Fernández Polanco y Antonio Pradel

Investigadores invitados

La abuela de Schäuble/ Franco Berardi (Bifo)
Peter Hartz, Job Revolution. Frankfurter Allgemeine 2002/ Alice Creischer
El imperio y su doble. Los diversos pabellones del Estado Islámico/ Jonas Staal
Un deslave de imágenes: una historia que no es historia 2014-2015/ Cuauhtémoc Medina

Dossier

Pese a todo, aparecer/ Helena Chávez Mac Gregor
Zona de riesgo. La narración-luciérnaga/ Ana Pol Colmenares
ISIS desde la ficción oscura de Hollywood /Kinda Youssef
Shame! Rearmar, Refigurar y Transfigurar/ Diego del Pozo
Un beso en mitad de los disturbios: comunidad, impacto y persistencia/José Enrique Mateo León
Imágenes del control social. Miedo y conmoción en el espectador de un mundo bajo amenaza/David Vázquez Couto
A golpes con el público/Tania Castellano San Jacinto
La danza Butoh frente a la política del miedo/Jonathan Martineau
 
Reseñas

The act of Killing y The look of silence – La Barbarie como metáfora/ Alba Giménez
Design and Violence - Paola Antonelli y Jamer Hunt, MoMA/Santiago Lucendo

Coordinación: Juan Albarrán e Iñaki Estella / CA2M / Departamento de Historia y Teoría del Arte-UAM

El presente seminario tiene como objetivo confrontar, desde una perspectiva dialógica e inclusiva, algunos de los estudios producidos en España durante los últimos años a propósito de la práctica y teorización de la performance. Esta jornada de estudio está dirigida tanto a profesores, investigadores y estudiantes que desarrollen su actividad en áreas de historia del arte, estética y estudios teatrales, como a artistas y profesionales que trabajen en el ámbito del arte actual. La actividad se compone de dos mesas redondas donde seis especialistas pondrán en común investigaciones planteadas desde plataformas y tradiciones disciplinares muy diversas, que van desde el feminismo a los estudios curatoriales pasando por la teoría del teatro y la historia del arte. Con ello se pretende poner de manifiesto la riqueza del debate generado alrededor de la performance en un momento en que ésta empieza a ocupar un lugar central tanto en las programaciones de museos y centros de arte como en las corrientes de renovación metodológica de la historia del arte y otras disciplinas afines.

PROGRAMACIÓN

JUEVES 24 ABR

16,30-18,30 h.
Mesa: “Performance: relatos y discursos curatoriales”. Lola Hinojosa (Museo Reina Sofía), Patricia Mayayo (UAM), Ferran Barenblit (CA2M). Moderador: Iñaki Estella (UAM)

18,30-19,00 h.
Descanso

19,00-21,00 h.
Mesa: “Performance y mediación”. Judit Vidiella (Universidad de Évora), Óscar Cornago (CCHS-CSIC), Gabriel Villota (UPV/EHU). Moderador: Juan Albarrán (UAM)

Colaboran:

Departamento de Historia y Teoría del Arte, UAM

Vicerrectorado de Cooperación y Extensión Universitaria, UAM

Vicedecanato de estudiantes y actividades culturales-Facultad de Filosofía y Letras, UAM

PONENTES

Juan Albarrán es doctor en Historia del Arte por la Universidad de Salamanca. Ha sido profesor asociado en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca (UCLM) y, entre 2009 y 2012, formó parte del equipo editorial de Brumaria. Actualmente imparte docencia en el Duke Center for Hispanic Studies (Duke University, Madrid) y es profesor asociado en el Departamento de Historia y Teoría del Arte de la Universidad Autónoma de Madrid. Sus investigaciones se han centrado en el arte español de las últimas décadas. Sobre estas cuestiones, ha coordinado el volumen colectivo Arte y transición (2012).

Ferrán Barenblit es director del CA2M de la Comunidad de Madrid, espacio que ha acogido exposiciones como Bestué / Vives, Leopold Kessler, Cristina Lucas, Guy Ben Ner, Estación Experimental, Sonic Youth Sensational Fix, entre otras. Fue director del Centre d’Art Santa Mònica de Barcelona y comisarió varios ciclos de exposiciones en el Espacio 13 de la Fundació Joan Miró. También trabajó en The New Museum of Contemporary Art de Nueva York. Ha impartido seminarios y conferencias sobre práctica curatorial en diversos museos y universidades del mundo. En 2008 fue co-comisario de la Bienal Site Santa Fe, en Nuevo México. Es miembro de la junta directiva de la Asociación Internacional de Curadores de Arte Contemporáneo (IKT) y de la Asociación de Directores de Arte Contemporáneo Español (ADACE).

Óscar Cornago es Científico Titular del Instituto de la Lengua Española del Consejo Superior de Investigaciones Científicas (Madrid). Se doctoró en 1997 en Filosofía y Letras, con la especialidad de Filología Hispánica, en la Universidad Autónoma de Madrid. Trabajó como docente de Literatura Española en la Universidad de Estrasburgo y permaneció dos años en la Freie Universität de Berlín como becario de investigación posdoctoral. Sus estudios se centran en la historia y la teoría de la literatura y el teatro contemporáneos. Entre el 2001 y el 2006 desarrolla el proyecto de investigación "La teatralidad como paradigma de la modernidad: análisis comparativo de los sistemas estéticos en el siglo XX", financiado por el Programa Ramón y Cajal del Ministerio de Educación y Ciencia. Además de numerosos artículos ha publicado diversos libros:La vanguardia teatral en España L (1965-1975): del ritual al juego (Visor, 1999), Puesta en escena y discurso teórico en los años sesenta. La encrucijada de los "realismos" (CSIC, 2001), Pensar la teatralidad. Miguel Romero Esteo y las estéticas de la modernidad (Fundamentos, 2003) y Políticas de la palabra (Fundamentos, 2005), donde se incluyen textos de creadores escénicos españoles de las últimas décadas, como Esteve Graset, Carlos Marquerie, Sara Molina y Angélica Liddell; también dirige la edición de las obras de Miguel Romero Esteo que están apareciendo en la Editorial Fundamentos.

Ignacio Estella Noriega es doctor en Historia del Arte. Ha impartido conferencias en España, Chile y Estados Unidos, donde también ha realizado una estancia posdoctoral en la Universidad de Columbia. Entre sus publicaciones destacan la coedición de los primeros cuatro volúmenes de Desacuerdos y Fluxus (Nerea, 2012). Ha sido profesor de la Universidad Carlos III en Madrid y actualmente es investigador Alianza Cuatro Universidades en la Universidad Autónoma de Madrid. Es miembro del grupo de investigación La Historia del Arte en España: devenir, discursos y propuestas (HAR2012-32609).

Lola Hinojosa es licenciada en Historia del Arte, máster en Museología y diplomada en Estudios Avanzados en la especialidad de Arte Contemporáneo. Sus principales ámbitos de investigación son la performance, la imagen en movimiento, la crítica institucional y la teoría de género. Es responsable de la Colección de Artes Performativas e  Intermedia en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid y ha formado parte del equipo curatorial de las presentaciones de la colección desde 2009. Ha participado en el comisariado de ciclos de cine y vídeo, como Merce Cunningham, Archipiélago Val del Omar o La pantalla convulsa.

Patricia Mayayo es máster en Historia del Arte por la Case Western Reserve University (Ohio, E.E.U.U.) y Doctora en Historia del Arte por la Universidad Autónoma de Madrid. En la actualidad, es Profesora Titular de Historia del Arte en la Universidad Autónoma de Madrid. Entre 1998 y 2006 fue profesora de Historia del Arte en la Universidad Europea de Madrid. En su investigación se entrecruzan varios campos de trabajo: la historia de las mujeres, la historiografía feminista y el estudio de las prácticas artísticas contemporáneas. Es autora, entre otras publicaciones, de los libros Cuerpos sexuados, cuerpos de (re)producción (Barcelona, UOC, 2011), Frida Kahlo. Contra el mito (Madrid, Cátedra, 2008), Historias de mujeres, historias del arte (Madrid, Cátedra, 2003), Louise Bourgeois (Hondarribia, Nerea, 2002) y André Masson: Mitologías (Madrid, Metáforas del Movimiento Moderno, 2002). Recientemente ha comisariado, junto a Juan Vicente Aliaga, el proyecto Genealogías feministas en el arte español, 1960-2010.

Judit Vidiella es doctora en Bellas Artes por la Facultad de Barcelona. Sus investigaciones giran en torno a los estudios de performance, la educación y el feminismo. Es miembro del grupo de performance Corpus Deleicti. Actualmente es profesora en la Universidad de Évora y forma parte del equipo docente del Máster en Artes Visuales y Educación de la Universidad de Barcelona.

Gabriel Villota Toyos, desde 1996, es profesor del departamento de Comunicación Audiovisual y Publicidad de la Facultad de Ciencias Sociales y de la Comunicación de la Universidad del País Vasco. Ha trabajado como artista, escritor y organizador de múltiples actividades relacionadas con las artes visuales. Ha colaborado en diversas publicaciones, como Rekarte, Zehar, Papers d’Art, Banda Aparte, Política y Sociedad, Revista de Occidente, o Impasse. También ha escrito textos para catálogos de exposiciones, como Señales de vídeo (MNCARS, Madrid, 1995), Històries sense argument. El cinema de Pere Portabella (MACBA, Barcelona, 2000), Malas Formas. Txomin Badiola (Museo de Bellas Artes de Bilbao, 2002), y Esfuerzo (KM, Donostia, 2004), entre otros. Ha publicado, entre otros, Sujeto e imagen-cuerpo. Entre la imagen del cuerpo y el cuerpo del espectador (UPV/EHU, Bilbao, 2004) y el vídeo Devenir vídeo (adiós a todo eso) (2005).

Entrada libre hasta completar aforo.