Cualquier persona interesada

DOM 25 ABR Fantasmas. Gespenster. Christian Petzold, 2005
VIE 30 ABR Cásate conmigo. Heirate mich. Uli Gaulke, 2002-03,
DOM 2 MAY La Vida de los Otros. Das Leben der Anderen. Florian Henckel von Donnersmarck, 2005/2006

DOM 25 ABR
Fantasmas. Gespenster. Christian Petzold, 2005, V.O.S. alemán. 85 min.
En esta película se cruzan los caminos de tres mujeres en Berlín. Françoise (Marianne Basler) perdió a su hija en un descuido y desde entonces su vida eS una constante búsqueda desesperada; Nina (Julia Hummer) es huérfana y vive en un centro de acogida para adolescentes de entorno problemático, encerrada en su hermético mundo de silencios e incomprensión, hasta que conoce a Toni (Sabine Timoteo), una superviviente descarada y desprejuiciada con la que iniciará una relación íntima de dependencia. Pero un día Françoise se cruzará en el camino de las dos adolescentes y creerá reconocer en Nina a su hija desaparecida.
Soledad, inestabilidad, pérdida y añoranza son emociones que las vinculan.

VIE 30 ABR
Cásate conmigo. Heirate mich. Uli Gaulke, 2002-03, V.O.S. alemán. 105 min.
Durante unas vacaciones en Cuba, Erik conoce en una discoteca a la bella mulata Gladis, “Fue amor a primera vista”, explicará más tarde. Justo un año después, Gladis y Omarito, su hijo de ocho años, se suben a un avión y dejan atrás su isla tropical llenos de esperanza, curiosidad y un poco de melancolía. Una vez en Hamburgo, comienza para los tres un camino a veces extraño, a veces emocionante y a menudo marcado por sorpresas y conflictos. La cámara acompañó a la pareja durante un año en su andadura por la nueva patria.
Documental que habla de las idas y venidas, de la guerra entre sexos y del choque entre dos culturas.

DOM 2 MAY
La Vida de los Otros. Das Leben der Anderen. Florian Henckel von Donnersmarck, 2005/2006, V.O.S. alemán. 137 min.
Gerd Wiesler, capitán del Ministerio para la Seguridad Nacional de la RDA (Stasi), tiene que vigilar al autor Georg Dreymann; aquello que escucha durante su misión hará que rectifique su comportamiento.

En paralelo a la exposición Antes que todo, presentamos este ciclo de cine compuesto por una serie de películas que fueron seleccionadas por una parte de los artistas de la exposición. Esta selección no respondió a criterios temáticos o conceptuales vinculados a la muestra, sino que pretendieron actuar a modo de anotación al pie de la misma y despertar nuevas lecturas desinteresadas y conexiones azarosas entre los artistas y las películas y éstas con otras obras.

VIE 22 OCT

20:30 H.

Carta blanca a Antonio Ballester

Grizzly Man.

Werner Herzog. 2005, V.O.S. inglés. 104 min.

A Antonio Ballester las películas y documentales de Werner Herzog le gustan porque muestran la relación entre el hombre y la naturaleza de una manera muy cruda. “Estamos acostumbrados a ver la naturaleza desde un ‘vista point’ o detrás de unos prismáticos y pensar que los pollos salen del supermercado, pero Herzog nos enseña que la naturaleza no es eso, y usando unas veces a personajes como alpinistas en Grito de piedra o a un físico loco en El diamante blanco, muestra el punto de vista más real y bruto. En el documental Grizzly Man une esta idea con la de una persona fuera de lo normal que quiere vivir la naturaleza sin miedo, con todas las consecuencias que ello conlleva.” Antonio Ballester.

VIE 29 OCT

20:30 H.

Carta blanca a Julia Spínola

La Strada, La Calle.

Federico Fellini. 1954, V.O.S. italiano. 94 min.

“Gelsomina no sabe hacer demasiadas cosas, pero piensa que hasta la piedra más pequeña sirve para algo” Julia Spínola.

VIE 5 NOV

20:30 H.

Carta blanca a Pablo Marte

Plan Rosebud: La escena del crimen.

María Ruido. 2008, V.O. 112 min.

“Creo en el cine necesario y el film de María Ruido lo es: establece un estado de la cuestión al respecto de las difíciles relaciones entre las políticas y los espacios de la memoria. En este sentido, su proyección en Móstoles tendría a su vez un carácter específico, como un campo expandido, al tratarse de Madrid, que tradicionalmente ha engullido todas las tentativas de análisis histórico-crítico bajo el tono monocorde del gran triunfo de la Transición. A diferencia de otros países, como Francia o Alemania, el cine hecho en España pocas veces se ha interesado por el bebedero de nuestra democracia, es, en este sentido, un cine conservador, que se ha postulado normalmente desde el aparte de su condición de "espectáculo" (Almodóvar es un ejemplo). Por otro lado, elijo un film que, pese a su importancia, se ha visto poco. Y creo que otro de los motivos es precisamente un guiño a ese espacio en medio, esa tierra de nadie, de proyectos que surgen desde la institución artística pero recorren territorio cinematográfico. Algunas de las referencias del Plan Rosebud no pueden ser más fílmicas (desde el Citizen Kane, que le da título, a Chris Marker o Serguei Eisenstein) pero a su vez María Ruido ha trascendido el propio formato y lo ha desplegado también desde otros espacios de visión y lectura (como instalación, como libro). Es algo con lo que me identifico: una cierta marginalidad respecto al propio territorio (cine que no es cine, arte que no es arte, arte que es cine, cine que es arte, una misma cosa que lo es todo según se despliega, según se muestra y cómo se muestra), como si uno fuera y no fuera, al mismo tiempo. Probablemente esa es la cualidad formal que más admiro en el trabajo de María Ruido: la multiplicidad de sus formas y espacios de lectura“ Pablo Marte.

VIE 12 NOV

20:30 H.

Carta blanca a Oriol Vilanova

L’année dernière à Marienbad, El año pasado en Marienbad.

Alain Resnais. 1961, V.O.S. francés. 94min

“Se trata de un filme hipnótico donde la disociación del tiempo y la memoria genera una narración enigmática que nos sitúa en un estado paralelo, igual que los estáticos personajes que habitan un gran hotel quizá soñado. Me interesa cómo el dúo Resnais y Robbe-Grillet construyen una película tan críptica, cada vez que la veo me fijo en distintas acciones, creo que es un buen sistema de multiplicar historias y recepciones. Considero que no ha perdido radicalidad después de la cincuentena, continúa desequilibrando el lenguaje de narración cinematográfica tradicional.” Oriol Vilanova.

VIE 19 NOV

20:30 H.

Carta blanca a Ignasi Aballi

71 Fragmente einer Chronologie des Zufalls, 71 fragmentos de la cronología del azar.

Michael Haneke. 1994, V.O.S. alemán. 100 min.

“Es una película que me interesa por la manera cómo se desarrolla la narración, a partir de pequeños fragmentos que en principio parecen escogidos y filmados al azar y sin ningún nexo entre ellos, pero que al final todos tienen una relación. Me interesa mucho también cómo está filmada, la fotografía, claramente influida por las últimas películas de Robert Bresson. Me parece que también es muy clara la relación con un artista como Jeff Wall y con el cineasta Aki Kaurismaki (que también me interesa mucho). La película es muy austera, construida sin ningún tipo de concesión a efectos especiales, música, acción, sin actores profesionales, etc. Creo que es una película que retrata muy bien el mundo contemporáneo y las relaciones humanas. Para mi es un buen ejemplo de lo que debe ser el cine en la actualidad, un dispositivo de reflexión alejado del espectáculo.” Ignasi Aballi.

VIE 26 NOV

20:30 H.

Carta blanca a Itziar Okariz

D'est, Desde el este.

Chantal Akerman. 1993, sonido, 110 min.

"Mi gusto por las películas de Chantal Akerman viene de cuando empecé a alquilarlas en Kim’s video, al llegar a NYC hace 15 años. Kim’s es un videoclub en la calle 8 que tiene una colección de películas fantásticas. Me interesa el uso que Chantal Akerman hace de la cámara: su relación de la cámara con la realidad, hasta que en ocasiones es casi un documento: en “Hotel Monterrey” la cámara parece una cámara oculta, la imagen casi abstracta en tomas larguísimas de hasta dos minutos… el tiempo detenido en tomas que parecen fotografías. Los encuadres, lejanos al centrado en algún punto estelar al que estamos acostumbrados.

Su relación con la cámara y con la narración me interesa en el sentido de que a mi también me interesan los mismos aspectos que ella trata desde “el cine”; la imagen y su relación con la realidad de lo que se nos cuenta o nos muestra, la cualidad de la imagen como resto y no solo como construcción convencional. La “película” no tanto como narración sino como gesto conceptual (News from home, Hotel Monterrey, La chambre, etc.).” Itziar Okariz.

VIE 3 DIC

20:30 H.

Carta Blanca a Lorea Alfaro

Amy Winehouse- I Told you I was a trouble - Live from London's Shepherds Bush Empire-,

Universal Island Records. 2007, V.O.S inglés 150’.

“Es una figura que condensa y es contemporánea al tiempo que atemporal. Amy, es hora de decir que eres una puta. La cosa va de tragárselo entero o no. Amy radiactiva e irradiada. Visión exterior de miradas diagonales. Blake y Mitch como personajes de lo que haría la película.” Lorea Alfaro.

VIE 10 DIC

20:30 H.

Carta blanca a Adrià Julià

Easy Rider, Dennis Hopper, 1969, V.O.S. ingles, 94’

George Hanson: ¿Saben? Éste solía ser un país maravilloso. No puedo entender que le ha ocurrido.

Billy: Todo el mundo se volvió cobarde, eso es lo que sucedió. Ni siquiera podemos entrar a un hotel de segunda. ¡Un motel de segunda! ¿Entiendes? Piensan que vamos a cortarles la garganta. Tienen miedo.

George Hanson: No tienen miedo de ti. Los asusta lo que representas para ellos.

Billy: Lo único que representamos, es alguien que necesita un corte de pelo.

George Hanson: Lo que representas para ellos, es libertad.

Billy: ¿Qué hay de malo ser libre? De eso se trata todo.

George Hanson: Así es. Pero hablar de ello y serlo son dos cosas distintas. Es muy difícil ser libre cuando te compran y te venden en el mercado. Porque, no vayas a decirle a nadie que no es libre porque son capaces de matarte o lastimarte para probarte que sí lo son. Oh, sí. Te hablarán y te hablarán de libertad individual. Pero si ven a un individuo libre, se asustan.

Bill: Pero no salen corriendo asustados.

George Hanson: No. Se vuelven peligrosos.

George Hanson: You know, this used to be a helluva good country. I can't understand what's gone wrong with it.

Billy: Man, everybody got chicken, that's what happened. Hey, we can't even get into like, a second-rate hotel, I mean, a second-rate motel, you dig? They think we're gonna cut their throat or somethin'. They're scared, man.

George Hanson: They're not scared of you. They're scared of what you represent to 'em.

Billy: Hey, man. All we represent to them, man, is somebody who needs a haircut.

George Hanson: Oh, no. What you represent to them is freedom.

Billy: What the hell is wrong with freedom? That's what it's all about.

George Hanson: Oh, yeah, that's right. That's what's it's all about, all right. But talkin' about it and bein' it, that's two different things. I mean, it's real hard to be free when you are bought and sold in the marketplace. Of course, don't ever tell anybody that they're not free, 'cause then they're gonna get real busy killin' and maimin' to prove to you that they are. Oh, yeah, they're gonna talk to you, and talk to you, and talk to you about individual freedom. But they see a free individual, it's gonna scare 'em.

Billy: Well, it don't make 'em runnin' scared.

George Hanson: No, it makes 'em dangerous. Buh, neh! Neh! Neh! Neh! Swamp!.

Colabora:

Cine, vídeo, música y otros deleites... Durante el fin de semana se dieron cita, en un ambiente distendido, diferentes manifestaciones contemporáneas en torno a la imagen en movimiento y el sonido: cuatro programas de vídeo, dos conciertos, un largo y una mesa redonda acompañados de espacios para el encuentro.

PROGRAMA

VIE 15

Empiezó el fin de semana con un vino para despertar los sentidos. En el vestíbulo del CA2M a las 20:00 h.

20:30 h: presentación y Programa 1 de vídeo. Salón de actos.

SAB 16

Comenzamos el día a las 13:00 h., un buen momento para comenzar a calentar el ambiente en la terraza.

13:30 h. Concierto: The dead rat orchestra. Después del concierto un poco de picoteo y charla al sol de octubre.

16:00 h. Programa 2 de vídeo: Imágenes de la memoria I. Salón de actos. Con la presencia de Vincent Meessen.

Durante toda la tarde, tés y cafés en torno a los que poder encontrarse... para que no se enfriara el ambiente.

17:30 h. To shoot an elephant, Alberto Arce/Mohammad Rujailah. Salón de actos.

19:30 h. Encuentro con el director de To shoot an elephant, Alberto Arce y Miguel Salvatierra. Salón de actos.

20:30 h. Programa 3 de vídeo: Imágenes de la memoria II. Salón de actos. Con la presencia de Fernando Baños.

DOM 17

Despierta el domingo al sol de nuestra terraza desde las 13:00 h.

13:30 h. Anda Jaleo concierto: Josephine Foster & The Victor Herrero Band.

Después del concierto un poco de picoteo y charla al sol de octubre.

16:00 h. Programa 4 de vídeo: La hipótesis del ahora. Salón de actos.

Comenzamos el viernes con un programa comisariado por JULIO plataforma audiovisual para el arte contemporáneo, que tiene raíces en el cine, la música y la teoría. JULIO se publica online en www.thisisjulio.com. El programa que se presentó aquí está compuesto por una serie de trabajos que giran en torno al futuro, creando una tensión entre ficción y realidad.

El sábado por contra, todos los programas miraron al pasado, hacia imágenes de la memoria, (también constructoras de ficciones) y hacia imágenes del olvido. Como afirma Jerôme Laffont en Algèrie, images d’un combat: «El tiempo otorga a las imágenes un extraño destino. Una vez su uso inmediato se ha ido, se convierten inmediatamente en recuerdos. Recuerdos conocidos o recuerdos olvidados en los archivos. Después, un día, algunas de ellas son de nuevo sacadas a la luz, desempolvadas del lugar en el que estaban latentes y reaparecen para que entonces nosotros,recordemos.» A lo largo del día vimos un conjunto de producciones que nos hablaron de las imágenes ocultas a nuestros ojos y expresamente olvidadas o destruidas, pero latentes o bien en el archivo o bien en la memoria. Complementaron los dos programas de vídeo la proyección de la película To shoot an Elephant con la presencia del director Alberto Arce que dialogó con Miguel Salvatierra al término de la proyección.

Y cerraremos el fin de semana con un programa temático comisariado por Fionn Meade, conservador del Sculpture Center de Nueva York, quien seleccióno personales creaciones que arrojan de nuevo una particular mirada hacia las imágenes de la memoria.

La parte musical la completaron dos conciertos que exploraron también el archivo en búsqueda de sonidos del pasado: The Dead Rat Orchestra y las Canciones Populares Españolas recuperadas por Lorca interpretados por Josephine Foster y the Victor Herrero Band. Todo ello acompañado de picoteo, bebida y espacios para la charla y el encuentro.

ARTISTAS

Alberto Arce , Fernando Baños Fidalgo, Yael Bartana, Tatiana Blass,Javier Codesal, Andrés Duque, Josephine Foster & The Victor Herrero Band, Carlos Irijalba, JULIO, Zerek Kempf, Jérôme Laffont, Mia Makela,Augusto Marban, Fionn Meade, Vincent Meessen, Julia Meltzer, Rosalind Nashashibi, Mohammad Rujailah, Miguel Salvatierra, Marinella Senatore, Mary Simpson, Lucy Skaer, Javier Téllez, The Dead Rat Orchestra, David Thorne, Marc Thümmler. Liu Wei,Sarah Wood.

Colabora

Arte. Educación. Pedagogía. Aprendizaje. Desaprendizaje. Ejercicio crítico. Imaginación política. Conocimientos mojados. Ficciones visionarias. Contra-pedagogías. Si hay un hecho el cuál no podemos negar, tampoco escapar, es que somos contemporáneos de nuestros procesos pedagógicos. Y la pedagogía, comprendida como modelo, a su vez, es un proyecto de privatización del pensamiento. Todavía hay palabras que son campos de combate, y estas más que vinculadas a la razón hablan desde los cuerpos. Inapropriadas, inoportunas, indebidas, inconvenientes, desplazadas y coléricas, habitan el incómodo y el mal-estar y son como flujos que escapan por toda parte.
 

En este taller Mônica Hoff nos invita a habitar, a través de juegos, acciones y lecturas experimentales, la incomodidad que tenemos con nuestros procesos pedagógicos y quizás desde este lugar aumentar nuestra potencia de acción política y poética individual y colectiva.
 

Las Lindes continúa reuniéndose periódicamente para investigar y experimentar en torno a la educación y el arte. Durante este próximo curso, aparte de los encuentros abiertos que iremos proponiendo, nos centraremos en la realización de un audiovisual que recoge parte de la práctica de estos últimos años y que pretende pensar juntas desde el hacer. Un audiovisual en forma de ensayo en donde la escucha, la experiencia del cuerpo, la apuesta por activar y compartir saberes de lo común y la observación son claves en el proceso creativo colectivo.

Tanto Lindes como esta pieza audiovisual nacen de una inquietud compartida por distintos agentes de la educación frente a la dificultad de generar un relato diferente al dominante sobre las prácticas educativas críticas, al tiempo que intuyen la necesidad de construir una comunidad educativa que reflexione sobre la esencia de la educación.

Las sesiones abiertas serán previamente anunciadas a la lista de distribución de correo de Las Lindes

Grupo de investigación y acción acerca de educación, arte y prácticas culturales. Formado por Marta de Gonzalo, Pablo Martínez, Virginia Villaplana, Diego del Pozo, Yera Moreno, Eva Garrido, Pili Álvarez, Maria José Ollero.

La noción que comúnmente se construye sobre el arte actual y sus creadores en muchas ocasiones aparece vinculada al discurso que se emite desde los medios de comunicación y en consecuencia se entiende como heredera de un ideal romántico y de un paradigma moderno que piensa el arte como forma autónoma. Pero la producción artística que se crea bajo los paradigmas estéticos y de pensamiento desde la posmodernidad renuncia a la autonomía del objeto artístico y comienza a mirar hacia fuera de lo que tradicionalmente se ha entendido como campo del arte: se relaciona con su entorno y negocia con otros agentes del presente para construir discurso.

En Mirar el presente. Siete clases para pensar con el arte actual contamos con la presencia de teóricos y artistas para analizar con ellos y con algunas de sus propuestas asuntos que afectan arterialmente a nuestro modo de situarnos en el contexto tardocapitalista en que vivimos: el pasado que compartimos, nuestro papel como espectadores-ciudadanos, el modo en que nos relacionamos con la autoridad o la influencia de las instituciones en las formas de vida serán sólo algunos de los puntos de partida de los debates. Pensar de este modo con objetos e imágenes del arte quizás sea la única forma de descubrir tanto su capacidad dialéctica como su capacidad de agencia. Y así ver, al final, la manera en que el arte habita entre nosotros como una forma de mirar críticamente el presente.

El CA2M desarrolla una línea de actividades de formación en arte y pensamiento contemporáneos enmarcadas dentro de la tradición de las universidades populares especialmente dirigidas a público joven y adulto no especializado. En estos cursos se abordan de forma clara y directa algunos de los planteamientos fundamentales para entender e interpretar el arte actual. Estas actividades suelen estar estructuradas en dos partes: una primera consistente en la exposición de un tema por un ponente invitado y una segunda que le sigue en la que se abre el debate para que los asistentes tomen la palabra. Las siete clases que componen el curso se complementarán con una visita a la exposición Antes que todo.

MIE 20 OCT
Presentación del curso e Introducción
Pablo Martínez. Responsable de Educación y Actividades Públicas
Ferran Barenblit. Director del CA2M

MIE 27 OCT
Yayo Aznar. Doctora en Historia del Arte, en la actualidad es Profesora Titular de Universidad en el Departamento de Historia del Arte de la UNED de Madrid.
Entre sus publicaciones destacan libros como El cauce de la memoria. Arte en el siglo XIX (Madrid, Istmo, 1998), Arte de acción (Madrid, Nerea, 2000), La memoria pública (Madrid, Universidad Nacional de Educación a Distancia, 2002), El Guernica (Madrid, Edilupa, 2004) o La memoria compartida. España y Argentina en la formación de un imaginario cultural (Buenos Aires, Paidós, 2005). Es además codirectora, junto a Javier Hernando Carrasco, de la colección Arte Hoy, publicada por la editorial Nerea.

MIE 3 NOV
Dora García (Valladolid, 1965) es una artista cuya obra se centra en desarticular las convenciones y los códigos de conducta especialmente entre la obra el artista y el espectador a través de la performance o de un tratamiento inesperado del espacio expositivo.

MIE 10 NOV
Pablo Marte (Cádiz, 1975) trabaja el video jugando con su ficcionalidad y enfrentándola a lo real. En su obra existe además una preocupación política en la relación del cuerpo y el espacio.

MIE 17 NOV
Isidoro Valcárcel Medina (Murcia, 1937), artista conceptual español que desde mediados de los años sesenta cuestiona mediante su trabajo el estatus de la obra de arte y su valor estetizante, así como los marcos institucionales donde esta tiene lugar. Su práctica abarca desde la poesía experimental, la música y el mail art hasta el cine, la performance o las intervenciones sonoras.

MIE 24 NOV
Fernando García (Madrid, 1975) trabaja intencionadamente con la mezcla de formatos para tratar diversas preocupaciones que tienen que ver con su experiencia personal y su condición de artista. Así, sus piezas hacen referencia de forma irónica a las contradicciones de la posición del creador contemporáneo y las estructuras del mundo del arte.

MIE 1 DIC
David Bestué y Marc Vives (Barcelona, 1980 y 1978 respectivamente), colaboran como artistas desde el año 2002. Su obra se compone de incisiones en lo cotidiano a través de elementos de ficción usando numerosos referentes tanto de la historia del arte como de la cultura filosófica o popular.

Programa Educativo 2010 - 2011

Por cuarto año consecutivo el CA2M llevó a cabo el curso de introducción al arte actual Pero…¿esto es arte? en el que se analizararon, en sesiones de hora y media, temas esenciales del arte actual: desde la muerte del autor, el nuevo papel del espectador y la crisis del sujeto hasta la caída de los grandes relatos y la formación de un arte como espacio crítico.

Desde nuestra posición de espectadores activos es importante aprender a mirar las diferentes propuestas de los artistas, pero podemos ser más ambiciosos. Mirar es pensar, pensar con todo lo que sabemos, con lo que vivimos, con lo que sentimos y con lo que leemos. Nuestra propia experiencia forma parte de la experiencia con la obra y, desde este punto de partida, podremos llegar a debatir temas que afectan a nuestra posición como sujetos contemporáneos. A lo largo de las nueve sesiones temáticas, profesionales del arte actual fueron abordando todos estos temas. El programa de clases se complementó con visitas a las exposiciones del centro y encuentros con artistas durante el periodo del ciclo.

El CA2M desarrolla una línea de actividades de formación en arte y pensamiento contemporáneos enmarcadas dentro de la tradición de las universidades populares especialmente dirigidas a público joven y adulto. En estos cursos se abordan de forma clara y directa algunos de los planteamientos fundamentales para entender e interpretar el arte actual. Estas actividades están estructuradas en dos partes: una primera consistente en la exposición de un tema por un ponente invitado y una segunda que le sigue en la que se abre el debate para que los asistentes tomen la palabra.

PROGRAMA

MIÉRCOLES 22 FEB
UTOPÍA Y CRISIS.
Carlos Granados, educador del CA2M y artista
En esta sesión nos adentraremos analizando los nuevos comportamientos y las prácticas artísticas posteriores al 68. Veremos los diferentes roles de un artista en continua construcción y crisis y discutiremos sobre su papel en el momento actual.

MIÉRCOLES 29 FEB
MÁS ALLÁ DE LA MUERTE DEL AUTOR
Pablo Martínez, Responsable de Educación y Actividades Públicas del CA2M y profesor asociado de Historia del Arte, Facultad de Bellas Artes, Universidad Complutense de Madrid.

En esta sesión nos aproximaremos a aquellas prácticas que desde la década de los 60 han cuestionado las tradicionales nociones de autoría y espectador. Haremos un recorrido por algunas de las principales propuestas que se han centrado en la construcción de sentido colectivo y han ido más allá de los regímenes ópticos del arte.

MIÉRCOLES 7 MAR
LOS NUEVOS PAPELES DEL ARTISTA
Yayo Aznar, profesora del Departamento de Historia del Arte de la UNED
La idea de la muerte del autor, muy alimentada por los textos de Roland Barthes y Michel Foucault, se convertirá en una constante en el pensamiento artístico desde finales de los 60. Hablaremos de cómo esta crisis de la autoría obliga a los artistas a asumir nuevos papeles como el de conservador, historiador, analista, etc…

MIÉRCOLES 14 MAR
HASTA QUE TENGA SENTIDO
Victoria Gil-Delgado, educadora del CA2M y comisaria
Hablaremos de la posición del espectador frente al arte actual y del museo como un lugar extraño que necesita de un receptor activo para generar sentido. Plantearemos de qué forma esa nueva posición puede conducir a campos desconocidos de relación, experiencia y pensamiento.

MIÉRCOLES 21 MAR
ALTERACIONES DE LA REALIDAD
Ferran Barenblit, director del CA2M
Una buena parte de la producción en arte contemporáneo ha usado como estrategia la alteración de la forma cómo funciona el mundo habitualmente. Recogiendo la herencia duchampiana, que entrecomilla un fragmento de realidad, muchos artistas han invertido procesos o cambiado el uso de objetos para llevar a cabo sus proyectos. Todo ello con el objetivo de subvertir esa realidad, volverla contra ella misma, obligarle a cuestionarse el por qué de su ordenamiento y el origen de sus contradicciones.

MIÉRCOLES 28 MAR
¿DE QUÉ OTRA COSA PODRÍAMOS HABLAR?
Pablo Martínez
¿Cuál es la capacidad política del arte? ¿Puede existir un arte socialmente útil? ¿Se trata de compromiso o simplemente hablamos de responsabilidad? Estas y más preguntas nos acompañarán en nuestro debate.

MIÉRCOLES 11 ABR
UN PASEO POR LA CRISIS DE SIEMPRE
Yayo Aznar
El yo racional contemporáneo (occidental, heterosexual, masculino, blanco y de clase media) estalló, a partir de los ochenta, en mil pedazos gracias al reconocimiento de subjetividades nuevas y hasta ahora ignoradas. Son los otros entre/dentro de nosotros: mujeres, homosexuales, enfermos, locos, infames… Analizaremos como el arte se ha ocupado de acompañar sus voces y sus crisis.

MIÉRCOLES 18 ABR
ARTE Y COLONIALIDAD
María Iñigo Clavo, artista e investigadora.
La charla se realizará en torno a obras de arte que dialogan con problemáticas relativas a la teorización postcolonial, sobre todo en el contexto latinoamericano, pero también en el resto de Occidente: colonialidad, diferencia colonial, colonialismo interno, pensamiento fronterizo, nueva mestiza, criollización del mundo y metonimias de la presencia.

MIÉRCOLES 25 ABR
ESPEREMOS QUE NO PASE NADA
Luis Ortega, artista.
Se desarrollará una  experiencia visual del tiempo a través de las propiedades de la cartografía y de la materia.

Los elementos intelectuales, valorativos y afectivos de los objetos –ya sean obras de arte, artefactos médicos, fetiches o souvenires- se manifiestan en relación al marco de acción para el que fueron creados. No obstante, la pregunta clave que ocupará a los conferenciantes en este curso gira en torno a los pactos sociales y las negociaciones afectivas que surgen cuando los objetos viajan a otros sitios y transitan libremente entre los regímenes de invisibilidad y la materialización o entre diferentes prácticas culturales, lugares geográficos o disciplinas de pensamiento. ¿Dependen los objetos de necesidades locales o son versátiles y capaces de adaptarse? ¿Existe alguna continuidad entre el objeto original y el objeto a su llegada al nuevo contexto? O ¿se producen rupturas y fricciones? ¿Es el vínculo entre objeto y respuesta emocional una relación estática e inamovible

La vida afectiva de los objetos pretende dar continuidad a la línea de trabajo que el CA2M viene explorando sobre el rol sociopolítico de los objetos y las imágenes. Esta nueva edición reúne a especialistas de diversas disciplinas para dialogar sobre la circulación de los objetos materiales y su vida afectiva. Los invitados provienen de la historia del arte, la sociología, la historia de la ciencia, del comisariado, la pedagogía, la fotografía y la instalación. Desde la práctica y la teoría, desde el interior del arte y más allá de sus confines, el curso invita a explorar las dinámicas sociales y afectivas de la cultura material que ocupan un lugar central en las experiencias subjetivas.

El CA2M desarrolla una línea de actividades de formación en arte y pensamiento contemporáneos enmarcadas dentro de la tradición de las universidades populares. En estos cursos se abordan algunos de los planteamientos fundamentales para entender e interpretar el arte actual. Estas actividades están estructuradas en dos partes: una primera que consiste en la exposición de un tema por un ponente invitado y una segunda en la que se abre el debate para que los asistentes tomen la palabra.

Dirigido por Nike Fakiner

PROGRAMA

MIÉRCOLES 21 OCT. 18:30 H.
LA VIDA AFECTIVA DE LOS OBJETOS EN TRÁNSITO

Nike Fakiner

Gustav Zeiller (1860-1904), artesano y entrepreneur alemán, se ganaba la vida con la fabricación de objetos anatómicos en cera, así como con su venta y exhibición pública. En el marco de su pequeña colección personal, expertos en medicina y audiencia inexperta podían deleitarse con curiosidades científicas; conocer las entrañas del cuerpo humano, familiarizarse con los últimos consejos de salud o, sencillamente, entretenerse con los espectáculos del cuerpo que la vida moderna ofrecía a la burguesía emergente en ferias y parques de atracción. Los artefactos en cera de Zeiller y la vida afectiva de los mismos son los protagonistas de mi investigación. Desde la perspectiva del mundo material, esta conferencia tratará de reconstruir algunas de las creencias, preocupaciones y expectativas de sus audiencias del pasado.

El estudio de este caso servirá como punto de partida para exponer y esbozar el debate teórico que reúne a los expertos invitados a este curso: las posibilidades y limitaciones de entender el objeto como un «aparato cultural móvil» para el análisis de la cultura en general y para la historia de la experiencia en particular.

Nike Fakiner es comisaria independiente y especialista en historia cultural, cultura visual y cultura material. Doctora en Historia del Arte y de la Ciencia por la Universidad de Madrid y becaria predoctoral JAEPre (2009-2013) del Instituto de Filosofía en el Centro de Ciencias Humanas y Sociales (CCHS-CSIC, Madrid). Ha realizado diversas estancias de investigación y ha sido comisaria asistente para la exposición SKIN, supervisada por el profesor Javier Moscoso para la Wellcome Collection en 2010 (Londres). Actualmente trabaja como comisaria independiente e imparte clases en el Instituto de Empresa (IE) en Madrid desde enero de 2015

MIÉRCOLES 28 OCT. 18:30 H.

LO INVISIBLE

Rosell Meseguer

Después de la Segunda Guerra Mundial, durante el gobierno de Roosevelt en EE.UU., el director del Departamento de Investigación y Ciencia, Vannevar Bush, lanzará el estudio: Science, the Endless Frontier. En el texto el Sr. Bush habla sobre cómo las estrategias defensivas son puestas en práctica en la vida diaria. Vannevar justifica la necesidad de la investigación en tecnología y uso militar para el bienestar social. Este concepto sigue vigente.

Lo invisible plantea una intervención en formato de conferencia y debate sobre la idea y su desarrollo material: el objeto físico. Mostrando documentos, fotografías peculiares y otros archivos vinculados a los proyectos artísticos que vengo desarrollando, se generarán diálogos a diferentes niveles. Uno de ellos recopila información vinculada a Europa versus América tras la Segunda Guerra Mundial y la Guerra Fría. Otro, articula un diálogo entre pasado y presente donde es esencial entender las relaciones entre los conceptos y sus formas: un búnker de Río de Janeiro -periodo Guerra Fría- que parece un OVNI o la construcción de una cúpula en Berlín que recuerda a los zeppelin de entreguerras. En la construcción de estas formas los diálogos entre tecnología analógica y digital son dos fuertes constantes que alarman sobre una realidad «invisible» que se extiende globalmente: el miedo.

Los diálogos trabajarán en proceso con las ideas expuestas en diversos materiales, como si estas fueran un «pre-archivo», revalorizando las mismas desde lo universal hasta su contextualización local, desde la existencia o la irrealidad; la comprensión del tiempo y el espacio de los objetos.

Rosell Meseguer es artista visual y doctora en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, donde actualmente es docente. Su obra desarrollada en diversos medios -fotografía, instalación, archivo, publicaciones, dibujos, pintura y vídeo- está vinculada a la investigación de los procesos históricos y sus consecuencias sociopolíticas y económicas. Ha formado parte del grupo de investigación Decolonizing knowledge and aesthetics entre Goldsmiths.
University de Londres y Matadero Madrid

MIÉRCOLES 4 NOV. 18:30 H.

RECUERDOS: LOS OBJETOS DE LA MEMORIA

Clara Zarza

Los recuerdos personales se perciben a menudo conectados a objetos hasta tal punto que se construyen a su alrededor. En las últimas décadas diversos artistas han hecho uso de objetos o colecciones de objetos y éstos han sido percibidos por la audiencia como supuestos recuerdos guardados y atesorados o encontrados, construidos o modificados y expuestos como símbolos de las vivencias del artista. En esta conferencia hablaré de este tipo de prácticas artísticas en relación a dos categorías: los souvenirs y los memorabilia. En relación a estas categorías analizaré las esculturas de Mona Hatoum (Door Mat y Doormat II) y la serie fotográfica de Miyako Ishiuchi Mother’s.

El estudio de estas obras servirá como punto de partida para un doble análisis del uso de «objetos-recuerdo» en el arte contemporáneo. Por un lado, deseo explorar los mecanismos que vinculan estas obras con la noción de intimidad con el fin de problematizar los límites entre las nociones de público y privado, por otro es mi intención revisar las premisas teóricas que a menudo conducen a interpretar este tipo de obras como autobiográficas.

Clara Zarza es especialista en el estudio de la instalación contemporánea y teoría visual. Asimismo ha desarrollado un trabajo interdisciplinar que incluye estudios literarios, antropológicos y filosóficos en torno a la intimidad, la identidad y el sujeto autobiográfico. Doctora en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid. Imparte clases en IE University desde enero de 2014 y es miembro del equipo editorial de Efímera Revista desde marzo de 2013.

MIÉRCOLES 11 NOV. 18:30 H.

OBJETOS DEL AMOR

Beatriz Cavia Pardo y Alexi Hofer

La vida de los objetos es, aparentemente, indisociable de las experiencias, narrativas y representaciones sociales: no hay objetos sin sujetos que los doten de significados y sentido. En los últimos tiempos, diversas teorías sociales han establecido metáforas para hablar de cómo la relación entre los objetos y los sujetos, tan clara en el periodo moderno, se transforma en lo contemporáneo. Así, teóricos como Bruno Latour o Isabelle Stengers o Eduardo Viveiros de Castro, se han tornado centrales en el ámbito del arte, dando especial relevancia a la redefinición de esta relación.

Cualquier objeto sería susceptible de convertirse en un objeto de amor, pero sólo algunos son significativos en las historias afectivas. Digamos que estos son objetos de amor banal, cotidianos, que todos tenemos a nuestro alrededor, o que han acabado en una caja, perdidos en una mudanza o desaparecidos en un ritual que anule el dolor o rabia que nos produce su presencia. Pero los objetos también son construidos como metáforas de amor. En el arte, los objetos toman forma en obras desde esta necesidad de cargarse de significado. En tercer lugar, hay una serie de objetos que despliegan una representación del amor como símbolos, si no universales, sí hegemónicos en  las distintas culturas, relacionados con la construcción moderna del amor romántico e inmersos en la economía de mercado capitalista. En los tres casos nombrados, los objetos de amor banal, los objetos de amor metáfora y los objetos de amor romántico, la acción humana es fundamental. Lo que planteamos en el taller es desplegar y hacer hablar a los objetos para analizar cómo ellos producen también esta acción, su capacidad de agencia para el amor.

Beatriz Cavia Pardo es socióloga y miembro de la oficina de arte y conocimiento Bulegoa Z/B (www.bulegoa.org) junto a Isabel de Naverán, Miren Jaio y Leire Vergara. En Bulegoa se cruzan las prácticas del comisariado, la crítica de arte, la coreografía experimental y la teoría social, cruce desde el cual se realizan distintas producciones en el ámbito de las artes visuales. En sociología ha desarrollado su trabajo de investigación en el campo de las identidades colectivas,
la sociología de la sexualidad y del género y la teoría sociológica. Ha sido investigadora del Centro de Estudios sobre la Identidad Colectiva de la Universidad del País Vasco y profesora de sociología en el departamento de Sociología 2 de la misma universidad.

Alexi Hofer es especialista en pedagogía y arte. Trabaja en la acción cultural y la educación artística y creativa desde que se licenció en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid en 2005. Ha colaborado en el diseño y desarrollo de diversos programas de educación de arte para un público diverso en diferentes museos y centros de arte. Desde hace años dedica gran parte de su tiempo a debatir con sus amigas cuestiones amorosas. De ahí surgió en colaboración con Beatriz Cavia el seminario Performando el amor /Imaginarios del amor.

MIÉRCOLES 18 NOV. 18:30 H.

LA RUINA ROMÁNTICA

Javier Moscoso

Cuando hoy presenciamos atónitos la destrucción de las ruinas de Palmira, declarado patrimonio de la Humanidad, parece adecuado preguntarse de dónde proviene esa valorización de los restos de la historia. Esta presentación busca dar respuesta a esta pregunta a través del estudio de los aspectos emocionales de la Restauración y del Romanticismo, en donde las ruinas fueron encumbradas no solo como parte de la nueva idea de nación, sino como elemento estético y ético ligado a una terapia civilizatoria y a un nuevo modelo de educación social.

Javier Moscoso es profesor de investigación de Historia y Filosofía de la Ciencia en el Consejo Superior de Investigaciones Científicas. A lo largo de su carrera, ha trabajado principalmente en tres áreas: la historia de las ciencias de la vida en el siglo XVIII, la historia de los signos y las singularidades en la Europa Moderna y la historia del dolor en Occidente entre los siglos XV y XX. Su último libro, Historia cultural del dolor, se publicó en octubre de 2011 en Taurus. En la actualidad prepara un nuevo libro, tanto en español como en inglés, sobre las pasiones de la Modernidad. Asimismo ha comisariado diversas exposiciones, como Monstruos y Seres Imaginarios (Biblioteca Nacional), Skin (Wellcome Collection), o Pain: Passion, Compassion, Sensibility (Science Museum / Wellcome Collection).

MIÉRCOLES 25 NOV. 18:30 H.

LA PRESENCIA Y LA AUSENCIA. UNA HISTORIA SOBRE OBJETOS Y FANTASMAS

Xavier Arenós

Partiendo de la premisa de que aquello que fue reprimido o quedó inconcluso retorna una y otra vez con nuevas fuerzas, esta clase indagará en pasajes acontecidos durante la Guerra Civil que no fueron clausurados o que lo hicieron en falso y que perviven entre nosotros como fantasmas. Para ello, se revisarán algunos de mis proyectos en los que intento reconstruir estos sucesos traumáticos. Sucesos que, según Derrida, nos llegan de otros tiempos a dislocar el nuestro, a perturbarlo. Explorar estos espectros, que son fruto de la injusticia, el abuso, la frustración, o el fracaso, será uno de los objetivos, pero también analizar la problemática de su representación, ¿cómo formalizar sus significantes?, ¿cómo tranformarlos en cuerpos?, ¿cómo cosificar sus ecos?

Xavier Arenós es artista, co-editor de la revista de proyectos artísticos Roulotte y profesor de grado universitario en la Escuela de Arte y Diseño Massana de Barcelona. Su trabajo analiza por un lado la vinculación entre el espacio, la ideología y el poder, y por otro, explora la idea de utopía como alternativa al relato hegemónico establecido. Para ello realiza, a partir de procesos documentales y de archivo, construcciones arquitectónicas, vídeos y fotografías que tienen como referentes a la arquitectura moderna, el constructivismo ruso o la práctica del bricolaje. Entre sus exposiciones más recientes: Indisposición general. Ensayo sobre la fatiga. Fabra y Coats, Centro de arte contemporáneo, Barcelona (2015); Estratos, Galería Rosa Santos. Valencia (2015).

Para la asistencia a alguna conferencia suelta el acceso es libre hasta completar afor

Más información en educación.ca2m@madrid.org o en 912 760 227

Dirigido a cualquier persona interesada en el arte actual. No es necesario ningún conocimiento previo

Inscripción gratuita a partir del 19 de enero

La llegada al museo, gracias a la Colección Fundación ARCO, de obras emblemáticas de arte contemporáneo brinda un punto de partida perfecto para el curso. Con ellas no solo visitaremos las principales tendencias que se contemplan en los manuales de historia del arte, sino que pensaremos en las fricciones y la dificultad a la hora de conformar una linealidad teórica y unas características cerradas. En este curso, ya el séptimo de introducción al arte actual, queremos centrarnos en esas tensiones y observar las grietas del discurso, investigar las ausencias, debatir las contradicciones y pensar con y desde el cuerpo. Porque desde ahí, desde el deseo, desde el posicionamiento, desde el cuerpo entendido como lugar político de transformación, queremos acercarnos al arte que realizan nuestros creadores hoy. Con esa intención hemos invitado a teóricos, educadores y artistas a pensar y debatir con los participantes en cómo pueden ser contadas esa historia múltiple y en construcción. Ellos romperán el concepto de conferencia académica invitando al público a transformar su posición pasiva y a aprender no sólo con la teoría, sino también con la experiencia de lo inesperado.

El curso se completará con el envío y lectura, en ocasiones preformativa, de textos fundamentales del pensamiento y el arte actuales. Trabajaremos, entre otros, con textos de Susan Sontag, Hélène Cixous, Laura Mulvey, Silvia Federici, Susan Buck-Morss, e Yvonne Rainer.

El CA2M desarrolla una línea de actividades de formación en arte y pensamiento contemporáneos enmarcadas dentro de la tradición de las universidades populares especialmente dirigidas a público joven y adulto. En estos cursos se abordan algunos de los planteamientos fundamentales para entender e interpretar el arte actual, para pensar con él. Estas actividades constan de dos partes: una primera consistente en la exposición de un tema por un ponente invitado y una segunda que le sigue en la que se abre el debate para que los asistentes tomen la palabra.

Para la asistencia a alguna conferencia suelta el acceso es libre hasta completar aforo

Más información en actividades.ca2m@madrid.org o en 912 760 227

PROGRAMA

MIÉRCOLES 18 FEB. 18:30 H.

CONTRA LA INTERPRETACIÓN

Estrella de Diego, ensayista y catedrática de Arte Contemporáneo en la Universidad Complutense de Madrid. Empezaremos trabajando con el discurso que hay detrás de la muestra Selección Colección Fundación ARCO de la mano de una de sus comisarias y lo entrelazaremos con el conocido texto de Susan Sontag Contra la interpretación. Así pensaremos en las posibles posiciones del espectador y romperemos la manera en la que tenemos preconcebida la visita a un espacio, en apariencia hostil, como es el museo de arte contemporáneo.

MIÉRCOLES 25 FEB. 18:30 H.

Y AHORA, HABLEMOS DEL DESEO

Eva Garrido y Yera Moreno, artistas y educadoras. Juntas forman el colectivo artístico Colektivof

¿De qué forma está presente el deseo en el arte? ¿Cómo se construye nuestro propio deseo en relación con aquello que nos encontramos en el museo? Desde nuestra posición de artistas y productoras culturales, ¿cómo trabajamos y plasmamos nuestros propios deseos? ¿hasta qué punto inventamos otros? A partir de una lectura performativa en la que la teoría dialogará con la producción literaria, abordaremos la relación entre cuerpo/mirada/deseo e imagen en la práctica artística contemporánea.

MIÉRCOLES 4 MAR. 18:30 H.

ENTRE DOS CAMPOS

Pablo Martínez, Responsable de Educación y Actividades Públicas del CA2M y profesor asociado de Historia del Arte, Facultad de Bellas Artes, Universidad Complutense de Madrid y Fernando García-Dory, artista y agroecólogo.

Intentar definir qué es el arte es una tarea casi tan imposible como poner puertas al campo. Para sumar más debate al debate, enredaremos un poco más el discurso para pensar en torno a las relaciones entre arte y naturaleza. A través de prácticas artísticas que ponen en juego cualidades de lo estético que parecían expulsadas del relato hegemónico de la historia del arte nos aproximaremos a proyectos extradisciplinares en los que lo colectivo, lo procesual y lo performativo desempeñan un papel central.

JUEVES 5 MAR. 18:30 H.

PABELLÓN

Milena Bonilla y Luisa Ungar, artistas

Esta conferencia propone un recorrido visual por diferentes materiales de archivo concernientes al desarrollo de las ferias coloniales europeas. El material seleccionado nos deja con una sorprendente aproximación a la manera en la que se educa la mirada desde el consumo afectivo de rejas, pantallas y escenarios, para lograr una convivencia armoniosa con los espectáculos presentados. La conferencia revisa nociones de desarrollo ligadas a la explotación colonial, desde una perspectiva artística. Esta conferencia se ofrece como apoyo a la exposición Naturaleza Nominal, ARCO Colombia 2015.

MIÉRCOLES 11 MAR. 18:30 H.

HACIA UNA GRAMÁTICA GENERATIVA

Mariano Mayer, poeta y comisario independiente y Julia Spínola, artista

El gesto artístico facilita un tipo particular de existencia. No es un gesto sin intención sino uno de los modos con los que el lenguaje artístico es capaz de construir sus marcos de acción. Pero estos gestos, como los que se evocan en las piezas de Julia Spínola, promueven un estado narrativo no verbal, donde el relato aparece diferido. En esta sesión vamos a recorrer, a través de la gestualidad de un cuerpo que se busca, ese conjunto de fragmentos y dispositivos de narratividad que los artistas elaboran.

MIÉRCOLES 18 MAR. 18:30 H.

SIN CARNET DE INVESTIGADOR

Jaime González Cela, educador del CA2M y comisario, y El Banquete, colectivo de artistas

Una figura cobra importancia en el arte actual: el artista-investigador. A medio camino entre distintos espacios y disciplinas, suele trabajar en torno al medio que habita, planteándose y planteando al espectador la pregunta «¿Sabes dónde vives?» En esta sesión charlaremos sobre el trabajo de artistas y colectivos que actualmente están investigando sobre la ciudad, su historia y sus dinámicas, pero claro, lo hacen a su manera y con resultados, si los hay, muy diferentes. Para este día el colectivo de artistas El Banquete realizará una intervención específica.

MIÉRCOLES 25 MAR. 18:30 H.

EN EL SUBLIME CAPITALISMO

Yayo Aznar, profesora del Departamento de Historia del Arte de la UNED

El propósito de esta charla es pensar la obra de Hirst a partir de dos temas que nos interesan especialmente: la posibilidad o imposibilidad de su arte para proporcionar determinadas experiencias al espectador relacionadas con el viejo concepto de lo sublime y la cuestión de qué puede tener todo esto que ver con el capitalismo feroz con el que convivimos de manera cotidiana.

MIÉRCOLES 8 ABR. 18:30 H.

THE FULL MONTY EXPERIENCE

Ferran Barenblit, director del CA2M

El director del CA2M reconstruirá el discurso que se encuentra detrás de ciertas exposiciones acontecidas en el centro. Una línea de puntos que pasa por la individual de Halil Altindere y el proyecto expositivo Es posible porque es posible de Raqs Media Collective. Esta genealogía viene motivada por los cambios sociales y económicos de los últimos tiempos y prosigue en El ideal infinitamente variable de lo popular, la muestra del artista Jeremy Deller que se exhibirá en la primera planta durante el curso. Los participantes serán invitados a debatir con las obras de esta exposición.

MIÉRCOLES 15 ABR. 18:30 H.
CUERPO, CUERPO, CUERPO…

Aimar Pérez Galí, bailarín. Trabaja desde el cuerpo en investigación, creación, interpretación, escritura y educación.
En 1965 Yvonne Rainer escribe el NO Manifesto.
En 2010 Mette Ingvartsen escribe el YES Manifesto.

En estos más de 50 años el cuerpo ha sido el lugar desde donde se han reivindicado muchas luchas en el arte y, sobre todo, en las artes escénicas y performáticas.  El colectivo Judson Dance Theater, formado en los años 60 y ubicado en la Judson Church del Greenwich Village de Nueva York, fue el lugar donde se libraron gran parte de estas batallas. Este colectivo, que incluía artistas como Trisha Brown, Lucinda Childs, Steve Paxton, Meredith Monk o la misma Ivonne Rainer, entre otras y otros, proponía una democratización de la danza, un espacio para la investigación donde lo colectivo se imponía ante lo individual, donde la experiencia era más importante que la representación, y la participación y la inclusión marcaban las metodologías que proponían con una urgencia para revisar el medio de la danza en sí mismo.

En esta charla-taller performático-participativa revisaremos cuáles fueron esos cambios paradigmáticos que partieron del cuerpo como el lugar desde donde reivindicar otras prácticas artísticas, proponiendo otras políticas que respondían al contexto sociopolítico del momento.  Partiremos del mítico Trio A de Ivonne Rainer y su NO Manifesto para ir trazando una genealogía del cuerpo hasta el día de hoy, pero no lo haremos con un powerpoint sino desde la propia experiencia corporal.

La historia de las prácticas artísticas que se engloban en la categoría de la crítica institucional es muy extensa. Desde los años 60 del siglo pasado en adelante, han sido muchos los artistas que han elegido al museo como territorio en el que trabajar, cuestionándolo de arriba abajo: sus edificios y sus espacios, su gestión económica y patrimonial, sus estrategias museológicas y museográficas, sus modos de contar lo artístico. En los últimos tiempos, otra institución, la academia (el sistema de enseñanza superior de las artes), también ha sido objeto de interés en este sentido. Con ello, estas prácticas han ampliado aún más su radio de acción y, como señalaba Brian Holmes han extendido «el deseo y la necesidad de llegar más allá», de abordar una redefinición de «los modos, los medios y los objetivos de una posible tercera fase de la crítica institucional».

A partir de estas reflexiones el curso se plantea recorrer prácticas artísticas que se sitúan fuera de la institución, en lo extitucional, entendido esto no como una alternativa asentada en las dualidades y dicotomías a las que tan acostumbradas nos tienen las reflexiones sobre lo cultural en general y lo artístico en particular, sino como fuga, como dispersión hacia un campo sin límites. Este marco temático de la institución/extitución se podría describir de una manera más resumida como DentroFuera, el nombre del colectivo que impartirá una de las charlas. Su lema, cada vez menos arte, un enunciado tan sencillo como ambiguo y enigmático, explica también el territorio difuso que podría construirse con las prácticas que el curso propone presentar.

¿Por qué estos temas, aquí y ahora? Por la centralidad de las recientes discusiones sobre una nueva institucionalidad, en unos tiempos que, desde el «no nos representan» de las plazas, nos enfrentan al deseo de construir el espacio social y político que nos pertenece. ¿Qué hace el arte en todo esto? Las respuestas que proponemos lo sitúan en los cuerpos que experimentan con las formas de hacer democracia, en paseos por espacios públicos que nos hacen sensibles a otras formas de habitar, en los imaginarios que construyen los carteles políticos, en las herramientas de las comunidades obreras, en lugares y tiempos de excepción en los propios museos, en la mesa de un bar… En la vida, ese lugar que el arte no debería abandonar jamás.

Selina Blasco, directora del curso

PROGRAMACIÓN

MIÉRCOLES 10 FEB.18:30 H.

CON EL MUSEO, PERO…

Selina Blasco, profesora de Historia del Arte de la Facultad de Bellas Artes UCM

Desde que el pintor Hubert Robert se fuese a vivir al Louvre en el siglo XVIII, los artistas han tomado el museo de muchas formas, a veces inimaginables. Museos pintados, museos fotografiados y filmados; museos portátiles, imaginarios, queer… Los han construido literal y metafóricamente, han intervenido sus espacios y sus colecciones, han diseñado museografías y montajes de obras propias y ajenas; se han apropiado de sus herramientas y sus estrategias narrativas. ¿El museo para quien lo trabaja?

MIÉRCOLES 17 FEB.18:30 H.

SIN EL MUSEO

Selina Blasco, profesora de Historia del Arte de la Facultad de Bellas Artes UCM

La destrucción está inscrita en los orígenes del museo, una institución que nace de la rapiña laica y republicana de los bienes de la monarquía y de la iglesia del Antiguo Régimen. La historia alimenta este germen con múltiples prácticas artísticas, desde la afirmación de la destrucción como labor en las vanguardias históricas («hay una tarea destructiva por hacer; barrer, asear», decía Tristan Tzara) hasta las demoliciones literales y metafóricas de tiempos recientes y la actualidad. Entre las primeras, la instalación Samson de Chris Burden en la que unas vigas empujaban lateralmente y agrietaban los muros de la Henry Art Gallery de la Universidad de Washington a medida que los visitantes hacían girar el torno de entrada, o los boquetes de Urs Fischer en las paredes de la Bienal de Whitney. Entre las segundas, el museo borrado de Emilio Hernández Saavedra, recreado por Sandra Gamarra, o el museo vacío, una de las posibilidades más interesantes, por lo que señala, y por las posibilidades de okupación que abre, como se demostró en la Bienal de Sao Paulo de 2008, cuando Ivo Mesquita dejó vacía la planta tercera del edificio de Oscar Niemeyer y fue asaltada por jóvenes que llenaron las paredes de grafittis.

MIÉRCOLES 24 FEB. 18:30 H.

TENTATIVAS DEMOCRÁTICAS DESDE LAS ARTES EN VIVO

Victoria Pérez Royo, profesora de Estética y Teoría de las artes en la Universidad de Zaragoza y co-directora del Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual de la UCLM

En esta clase se propone reflexionar acerca de una serie de prácticas y gestos realizados por artistas procedentes de las artes en vivo que están funcionando como laboratorios radicales de experimentación con formas de democracia. En todos ellos el cuerpo juega un papel central, prácticamente olvidado en la teoría política y ausente en las formas actuales de representación democrática.

Se prestará atención al papel del cuerpo en relación a tres dimensiones (no etapas) de los procesos de transformación social: gestos destituyentes, dinámicas instituyentes y procesos constituyentes (Expósito 2014), con el fin de facilitar un acceso transversal a prácticas como las de Paz Rojo, Juan Domínguez, Ana Borralho y João Galante, Erdem Gündüz o Amanda Piña y Daniel Zimmermann.

MIÉRCOLES 2 MAR. 18:30 H.

DOBLE NEGACIÓN

Javier Fernández Vázquez, cineasta y cofundador de Los Hijos, colectivo dedicado al cine de no-ficción y a la etnografía experimental.

Un artista califica de imbécil al conductor de la excavadora que ejecuta su obra de land art en una playa de Rotterdam. El trabajador continúa removiendo la arena con la pala y permanece ajeno al ex-abrupto. Durante el registro audiovisual de la intervención ni tendrá oportunidad de defenderse ni le veremos la cara.

Las actividades llevadas a cabo por las comunidades obreras −frecuentemente  en colaboración con máquinas y herramientas mecánicas−permanecen bien invisibles, bien despojadas de relevancia cuando entran en contacto con las categorías del mundo del arte. Se trata de un trabajo oculto, desarrollado por personas físicas, que habita una tierra de nadie, tan ajeno a las nociones románticas que definen el virtuosismo técnico como a las consideraciones intelectuales del trabajo inmaterial.

Partiendo de los escombros del land art y haciendo una parada en la obra de Robert Morris Caja con el sonido de su propia fabricación, nos introduciremos en las ruinas industriales de Bilbao para explorar el paradero de unos artefactos industriales −miles de moldes para la fundición de acero− tras su paso por el mercado de antigüedades y por varias exposiciones artísticas. Unos objetos que, en su propia materialidad, incorporan el trabajo de unas personas pertenecientes a comunidades obreras que ya han desaparecido y por los que nadie parece haber preguntado.

MIÉRCOLES 9 MAR. 18:30 H.

LA CIUDAD AMPLIFICADA

Lila Insúa, artista y profesora en la Facultad de Bellas Artes UCM

Esta sesión propone un recorrido por las prácticas escénicas, arquitectónicas y artísticas que han tomado la ciudad como un elemento que posibilita la intervención. A través de prácticas artísticas que transmutan nuestra percepción del barrio, los cuerpos que son amplificados en el paseo por el entorno público, la ciudad aparece en estos proyectos como otro agente interlocutor con el que dialogar. La conferencia revisa algunos dispositivos de los que se valen los creadores: revistas caminadas, ocupación de espacios públicos y otras capaces de alterar la forma en que habitamos.

MIÉRCOLES 16 MAR. 18:30 H.

PAS DE DEUX

Victoria Gil-Delgado y Pablo Martínez. Victoria es educadora del CA2M y Pablo trabaja como responsable de educación y actividades públicas también en CA2M

En el año 2012 Xavier Le Roy presentó en la Fundación Tàpies de Barcelona Retrospective, una exposición concebida como una coreografía de acciones. El museo se convertía en un espacio de los cuerpos, de la temporalidad y de la transmisión. La teatralidad propia del arte quedaba desvelada y subrayada en cada nuevo pase de las performances realizadas por los 16 bailarines siempre dispuestos para la acción aunque solamente activos con la entrada de cada nuevo espectador en las salas de la institución. En 2016 Xavier Le Roy presenta en el CA2M un trabajo durante 6 meses de título La réplica infiel en el marco de la exposición del mismo nombre comisariada por Nuria Enguita y Nacho París. En esta propuesta Xavier pasará cada mes tres días en el museo enseñando una coreografía durante una hora a los visitantes que quieran formar parte del proyecto. Este particular acto de transmisión nos servirá como punto de partida para pensar en esta clase acerca de las posibilidades de la educación, los cuerpos que produce el museo, las subjetividades que convoca y los comportamientos a los que incita el cubo blanco. Hablaremos de proyectos en los que los públicos trabajan con obras y artistas y de lo que esto produce. Espacios adulterados y mixtos que se alejan de la distancia de la obra expuesta y provocan espacios de excepción. Un lugar donde todo está siempre por hacer.

MIÉRCOLES 30 MAR. 18:30 H.

PRÁCTICAS ARTÍSTICAS DE CONTEXTO E IMAGINACIÓN POLÍTICA

Santiago Barber, propositor cultural, artista visual, performer, activista, creador escénico y sonoro.

Vamos a tratar de acercarnos a prácticas artísticas recientes articuladas en contextos y problemáticas sociales específicas, y como éstas pueden suponer ejercicios de imaginación política. ¿Qué estrategias creativas y comunicativas fomentan estructuras de interacción?, ¿bajo qué modelos pueden las propias comunidades producir otros espacios de relación y recepción para sus prácticas culturales y políticas?

Actuar desde los procesos sociales vivos, despliegue en lo cotidiano y lo que se reconoce como común, provocar procesos agregadores y desbordantes, intervenir sobre los imaginarios y la cultura popular, destreza en la toma del espacio público y poner en valor al proceso frente a una visión idealizada de la «obra» serán algunas de las cuestiones sobre las que pivotará nuestro encuentro.

MIÉRCOLES 6 ABR. 18:30 H.

CHINDASVINTO

DentroFuera es un colectivo formado por un número variable de artistas y personas sin hogar empeñados en crear acciones de carácter artístico, o no, que tratan de derribar los estereotipos formados en el ámbito de la exclusión social. Este colectivo ha estado siempre coordinado por Julio Jara y Tono Areán.

Café elíptico… elipsis/sobreentendido… cómo hablar de DF sin hablar de ello… sin techo son elípticos… un sitio donde poder ser… cualquier cosa… sin tener que decirlo… que no pesa… lo interesante de DF es que no pesa… el menos arte del lema no es una negación, sino que afirma el hecho de que el arte no pesa, de que el arte se da por sobreentendido… el yo de DF será, es, un sujeto sobreentendido, elíptico en la acción que se proponga… artistas sobreentendidos en la Universidad… un fragmento de DF (Chindasvinto, 78) que habla de un todo… el catálogo está en el canto de las hojas... la acción se desarrolla en la mesa de un bar: dos amigos −dos usuarios− se reúnen en un bar para tratar de organizar una clase que tienen que dar sobre la historia de un lugar… cronómetro: 45'… corriente…

El CA2M desarrolla una línea de actividades de formación en arte y pensamiento contemporáneos enmarcadas dentro de la tradición de las universidades populares. En estos cursos se abordan algunos de los planteamientos fundamentales para entender e interpretar el arte actual, para pensar con él. Estas actividades constan de dos partes: una primera consistente en la exposición de un tema por un ponente invitado y una segunda que le sigue en la que se abre el debate para que los asistentes tomen la palabra. Las sesiones presenciales se complementan con el trabajo personal de cada asistente en relación a textos que serán entregados antes de cada una de las sesiones del curso

Para la asistencia a alguna conferencia suelta el acceso es libre hasta completar aforo

Más información en educacion.ca2m@madrid.org o en 912 7600227

Cualquier persona interesada en el arte actual. No es necesario ningún conocimiento previo

Durante este otoño, en un nuevo curso de la Universidad Popular, dialogaremos con artistas, teóricxs, colectivos y activistas acerca de uno de los términos de mayor expansión en las prácticas artísticas contemporáneas de los últimos años, lo queer. Término heredado del contexto anglosajón, y traducido a menudo como raro o extraño, a lo largo de las cinco sesiones que compondrán este curso trataremos de definir, a la vez que desbordar, los múltiples significados que han ido articulando lo queer en la producción artística contemporánea. Para ello, y en un primer ejercicio de reapropiación y desvío del término original en inglés, situaremos nuestro debate en el contexto artístico español desde los años 90 hasta la actualidad, analizando junto con nuestrxs invitadxs cuáles han sido las derivas de lo queer en este contexto, qué prácticas se han generado desde allí, cuál ha sido el diálogo que se ha ido dando entre estas prácticas y las propuestas lanzadas desde posiciones teóricas y qué imaginarios disidentes se han ido produciendo en relación al cuerpo, la identidad, los afectos y los deseos.

Teniendo en cuenta las posibilidades del arte, en tanto que productor de ficciones y nuevos imaginarios, para cuestionar la normalidad y situarse en la extrañeza, el curso sigue la línea de pensamiento que el CA2M viene desarrollando en torno a las pedagogías queer durante los últimos años. A la vez, este debate sobre lo queer que iniciaremos juntxs pretende ser el punto de partida para el nuevo programa expositivo de la temporada, que se inaugurará con la exposición dedicada a las artistas Cabello/Carceller, Borrador para una exposición sin título, artistas que desde los años 90 vienen centrando sus prácticas en torno a la crítica feminista, queer y decolonial.

Dirigido por Colektivof (Eva Garrido+Yera Moreno)

PROGRAMA

MIÉRCOLES 26 OCT. 18:30 H.

A próposito de Borrador para una exposición sin título. Una conversación entre Cabello/Carceller  y Manuel Segade
Abrimos el curso de la Universidad Popular con una conversación entre Manuel Segade, director del CA2M y comisario de la exposición Borrador para una exposición sin título, de Cabello/Carceller, y las propias artistas. Aprovechando la exposición dedicada a las artistas charlaremos, a partir de su trayectoria tanto artística como curatorial y de muchos de sus proyectos expositivos, del contexto de las prácticas artísticas españolas desde los años 90 en relación a la expansión y devenires de lo queer y del feminismo en dicho contexto.

Manuel Segade, director del CA2M

Cabello/Carceller, artistas, comisarias y profesoras en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca.

MIÉRCOLES 2 NOV. 18:30 H.

Tomboys, Marimachas, Trans, Bedesemeras

Toxic Lesbian surge en 2005 como un proyecto artístico Copyleft vinculado al nuevo género de arte público y el ciberfeminismo desde perspectiva de género y orientación sexual. Sus piezas se generan mediante procesos de colaboración con organizaciones activistas e instituciones culturales. Performance, videoarte, diálogos abiertos, intervención en fachadas digitales, son algunas concreciones de sus obras.

En ellas se implica a personas que representan a la sociedad civil sobre su manera de vivir su cuerpo, su identidad o su sexualidad como integrantes de una sociedad abierta y diversa. Como ciudadanía de pleno derecho las obras colaborativas se generan tanto en el contexto de instituciones museísticas públicas que integran a todxs como en espacios representativos de estas culturas urbanas.

Elena Tóxica, artista y activista, integrante de Toxic Lesbian

MIÉRCOLES 9 NOV. 18:30 H.

Arte cuir del de aquí y ahora: casos y debates sobre activismo, concepto, plástica, investigación, cultura y mercado

La sesión pretende abordar un conjunto de ejemplos que expongan diversos aspectos de las consideradas prácticas artísticas queer en el Estado español en los últimos 15 años: desde su trascendencia social (nivel de impacto en imaginarios y políticas sociales), su relación con canales y agentes del arte contemporáneo o la interconexión entre ambas cuestiones.  O.R.G.I.A, Post-Op y otros colectivos y artistas, protagonizarán los diferentes casos.

Tatiana Sentamans, artista O.R.G.I.A, investigadora y profesora de la Facultad de Bellas Artes de Altea.

MIÉRCOLES 16 NOV. 18:30 H.

Feminismos, resistencias y vida en común

¿Cuál es la relación entre los feminismos y lo queer? ¿Cómo se han dado estas relaciones de forma específica en el contexto español? ¿A qué nos referimos al hablar de los feminismos de la tercera ola y cuáles son sus reivindicaciones y problemáticas? ¿Cuáles son las redes activistas que se forman y las alianzas que se van estableciendo en el contexto actual? ¿De qué forma han abordado los feminismos la llamada crisis del sujeto y cómo ha afectado ésta a las políticas activistas? ¿Qué hay de queer en los nuevos feminismos y qué hay de feminismo en lo queer? Estas y otras cuestiones serán abordadas por Silvia L. Gil situando el debate en las intersecciones entre teoría, práctica, activismo y resistencias en el contexto español.

Silvia L. Gil, investigadora, doctora en Filosofía y activista feminista.

MIÉRCOLES 23 NOV. 18:30 H.

La escuela, ese lugar raro. Sobre pedagogías queer y la extrañeza de lo normal
Una línea atraviesa el espacio del aula, dejándolo dividido en dos. A un lado, los normales, al otro, lxs rarxs. Comienza el movimiento de cuerpos. Con cada consigna la línea va mostrando su fragilidad, su absurdo, y aunque permanece en el suelo, no está intacta, su división es cada vez más precaria. Es asaltada por los cuerpos, pisoteada por tanto movimiento, ocupada por ellos

Con cada movimiento se difumina un poco más y pierde su sentido. De eso trata esto, de perder sentido.

¿Y si convirtiéramos la escuela en un lugar raro? Como artistas y educadoras, ¿qué puede hacer la práctica artística para imaginar otros espacios educativos? ¿Y para hacerlos reales? En esta última sesión del curso compartiremos nuestras experiencias y prácticas en relación a unas posibles pedagogías queer, mostrando la extrañeza de lo normal, su fragilidad y, a su vez, su papel hegemónico en los cuerpos, los afectos, los deseos y las identidades que transitan por ese espacio al que llamamos escuela. ¿Y si le damos la vuelta a ese espacio? ¿Y si esas normalidades asumidas a diario fueran puestas en cuestión? ¿Cómo sería esa escuela?

Colektivof (Eva Garrido + Yera Moreno), artistas y educadoras

MIÉRCOLES 30 NOV. 18:30 H.

Imágenes para la utopía queer. Disidencias de sexo, género y sexualidad en la práctica artística española Las teorías y las reivindicaciones queer del comienzo de la década de los noventa y su insistencia en el carácter construido social, cultural y políticamente de los sexos, los géneros y las prácticas sexuales tuvieron un rápido impacto en la producción visual del arte contemporáneo. Una mirada a las producciones artísticas de ese momento pone de relieve la importancia de toda una serie de masculinidades consideradas minoritarias y marginales y que hasta entonces habían estado alejadas, por no decir vetadas del marco de la representación. Ese conjunto de nuevas representaciones articuladas desde los enfoques de grupos lesbianos, gays, de minorías raciales, transgénero, transexuales, de mujeres… supusieron un cuestionamiento y una desestabilización de la masculinidad hegemónica, multiplicando las formas de entender y habitar lo masculino. Transcurridas más de dos décadas de esa eclosión cabe trazar una mirada retrospectiva y preguntarnos por el estado de la cuestión en el momento actual. ¿Qué ha ocurrido con la utopía de tantos géneros, tantos sexos y tantas sexualidades como personas -la utopía del fin de la política- en el contexto de las complejas sociedades globales actuales?

Jesús Martínez Oliva, artista, investigador y profesor en la Facultad de Bellas Artes de Murcia.

Para la asistencia a alguna conferencia suelta el acceso es libre hasta completar aforo.

Durante el curso se podrá consultar una selección de publicaciones en la biblioteca del CA2M.

Más información en actividades.ca2m@madrid.org  o en 912 760 227