Cualquier persona interesada

Destinado  a cualquier persona interesada en el arte actual. No es necesario ningún conocimiento previo

Para la asistencia a alguna conferencia suelta el acceso es libre hasta completar aforo

Más información en educacion.ca2m@madrid.org o en 912 760 227

Esta edición de Pero… ¿esto es arte? aspira a generar un marco que dé cabida a una sensación que, después del camino que llevamos recorrido, proponemos compartir: el asombro ante el poderío del arte para manifestarse en una multiplicidad inabarcable y para inventar distintos modos de hacerse y de contarse. En vez de mitificar el arte pre-suponiéndolo inaccesible, acerquémonos a todas las partes en las que está y es posible encontrarlo. La pregunta se convertiría más bien en una afirmación: Pero… ¡esto es arte!

Para ello proponemos una constelación de relatos sobre algunas de sus infinitas posibilidades, con el ánimo de que nos proporcionen ánimo y herramientas para, desde el regocijo, dinamitar el infortunio. Un curso para defender el arte del sistema.

El CA2M desarrolla una línea de actividades de formación en arte y pensamiento contemporáneos enmarcadas dentro de la tradición de las universidades populares especialmente dirigidas a público joven y adulto. En estos cursos se abordan algunos de los planteamientos fundamentales para entender e interpretar el arte actual, para pensar en él. Estas actividades constan de dos partes: una primera consistente en la presentación de un tema por un invitado seguida por otra en la que se abre el debate para que los asistentes tomen la palabra. Las sesiones presenciales se complementan con el trabajo personal de cada asistente en relación a textos que serán entregados antes de cada una de las sesiones del curso.

Dirigido por Selina Blasco

PROGRAMA

EL ARTE Y LAS CUALIDADES MATERIALES DE LO TEXTIL
15 FEBRERO
El universo de lo textil (tejidos, bordados, texturas, suturas, hilvanados, zurcidos, rotos o descosidos) es, como la capacidad de reinvención del arte que proponemos en el curso, el mundo de nunca acabar. Un abanico de sugerencias perfecto para una primera sesión.

Selina Blasco es profesora de Historia del arte en la facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid.

LO QUE EL MUNDO NO ES. FICCIONES DOCUMENTALES Y ARTE CONTEMPORÁNEO
22 FEBRERO
Gracias a nuevos formatos audiovisuales como el  documental de autor o  el  llamado cine de no-ficción hemos visto en décadas recientes cómo se disolvían las ya de por sí tenues fronteras entre ficción y no-ficción, o entre el arte contemporáneo y otros campos adyacentes o más o menos diferenciados. La hibridación formal ha llegado para quedarse.

Sin embargo, aunque el número de producciones audiovisuales de este tipo no para de crecer, sigue tratándose de obras alejadas de los hábitos del gran público y de los circuitos comerciales principales, lo cual restringe de entrada el acceso a ellas, limitándolo a canales de distribución minoritarios.

¿Qué lecciones trans-disciplinares nos aportan estos proyectos audiovisuales? ¿Cómo podemos tener acceso a ellos y sacarles partido? ¿Cómo integrarlas en nuestras formas de ver, en nuestras clases, en nuestras prácticas artísticas/intelectuales/políticas/afectivas?

Sally Gutiérrez es artista visual; trabaja con formatos expandidos en un campo híbrido entre el arte contemporáneo, el ensayo visual y el documental.

DESBORDES. EL ARTE COMO PROCESO SOCIAL
1 MARZO
La pregunta por la función social del arte trasciende hoy los ejes clásicos del arte público, al configurar nuevos escenarios de negociación, acción y pensamiento que generan procesos sociales relacionados con otras disciplinas y modos de producción cultural. En esta sesión vamos a examinar algunas de las experiencias que han producido un desplazamiento de la producción simbólica hacia nociones como colaboración y participación. Para ello, partiremos de algunos ejemplos clásicos y profundizaremos también  en experiencias cercanas, situadas en el contexto de la ciudad de Madrid.

Francisca Blanco Olmedo es productora e investigadora cultural y forma parte del equipo curatorial de Intermediae Matadero.

LA ESCUCHA REVUELTA
7 MARZO
En 1961, John Cage preguntaba en su habitual estilo rompedor y provocador si es más musical un camión que pasa por delante de una fábrica o uno que pasa por delante de una escuela de música, para colocarnos ante los prejuicios que portamos acerca de lo que es musical o no, y tratar así de abrir nuestros oídos a todo lo que suena.

Queremos hacer un recorrido por prácticas sonoras y musicales que desde el siglo XX plantean un cambio drástico en relación con lo sonoro y lo que consideramos música poniendo en juego cómo percibimos y cómo hacemos con lo sonoro. Alterar la percepción puede traer consigo una alteración de la posibilidad de acceder a diferentes y más variados modos de pensamientos y con ellos otros modos de hacer mundo. Aquí radica la potencia política de la escucha. Solemos pensar que la percepción es algo pasivo y natural, que los ojos y los oídos son meros orificios por los que hacer pasar las imágenes visuales y sonoras a nuestro cerebro, simplemente. El neoliberalismo y, especialmente, la publicidad tienen clarísimo que no es así: son expertos jugadores en los niveles de lo perceptivo, de lo afectivo, de lo inconsciente.

Quien escucha se trama y se encuentra o se desencuentra con lo que suena: se le hilvanan, deshilvanan, desajustan, confrontan memorias, expectativas, afectos, gestos, pensamientos, relaciones todas ellas tejidas por las experiencias, las convenciones, los hábitos, por el mundo y el momento en el que vivimos. Exponerse a la escucha es arriesgarse a que esos hilos se tensen, se alteren, se suspendan, se rompan o se enlacen de otro modo. En esta sesión nos acercaremos a músicas experimentales y artes sonoros que plantean la escucha como dispositivo político.

Anouk Devillé y Susana Jiménez Carmona son integrantes de Cuidadoras de sonidos.

SIMETRÍA RADICAL. EL REPARTO DE LO TECNOLÓGICO
15 MARZO
Para habitar el presente urge atender al «mundo» como una composición producida y cuidada por una diversidad de agentes humanos y no-humanos. Observando nuestra convivencia cotidiana en estos ecosistemas objetuales, podemos entender las políticas, éticas y estéticas que nos convocan cada día, y asumir que nuestras prácticas tecnológicas más banales -y a menudo inadvertidas- «hacen mundo» ¿Qué formas artísticas se despliegan desde esta sensibilidad? ¿Qué saberes cotidianos nos informan de la mutua configuración de sujetos y herramientas? ¿Qué implicaría situarnos en una posición de simetría radical con respecto a lenguajes, infraestructuras y medios? ¿Supondría tal gesto un reparto de posibles diferente al de la norma digital contemporánea?

Jara Rocha es mediadora, comisaria, investigadora y docente, desarrolla su práctica en marcos como Possible Bodies, Infra-, Objetologías, The Darmstadt Delegation o el área de proyectos de Bau.

EL CAMINO MÁS LARGO
22 MARZO
Muchos artistas que trabajan hoy apuestan por un desvío en el modo eficaz de hacer las cosas, por elegir la opción más absurda y costosa de llegar al mismo punto. Por eso a veces cuesta entender algunas decisiones artísticas y esto genera un sinfín de malentendidos con los públicos. ¿Por qué un artista construye un barco durante meses dentro de un museo si luego el barco no cabe por la puerta y nunca navegará?, por ejemplo. En esta sesión pensaremos juntos el porqué de estos aparentes sinsentidos con obras de artistas que trabajan retando las lógicas del tiempo y la productividad. A partir de ellas podemos imaginar nuevas formas de hacer con otras personas y quizá experimentar qué tiene de emocionante coger el otro camino.

Vito Gil-Delgado es una de las responsables de educación del CA2M.

RECONSTRUIR LAS DANZAS DEL PASADO
29 MARZO
En esta charla sobre prácticas escénicas se analizarán obras de danza actual que abordan la dificultad de la reconstrucción de obras del pasado.

Recuperar danzas del pasado puede responder a dos objetivos bien distintos. Uno, nostálgico, sería el de nublar la vista sobre el presente afirmando que todo pasado fue mejor. Otro, bien distinto, tiene por objeto el diálogo mismo con la historia presente.
En esta charla se recorrerán coreografías contemporáneas que asumen el reto de revisar su propia historia para detectar las fisuras abiertas en la línea de un relato y habitar sus pliegues desde un entrelazado ejercicio de memoria y de olvido. Tales coreografías desarrollan en su práctica modos insospechados de relacionarse con el documento, el archivo, la memoria, la transmisión corporal o la temporalidad.

Se compartirán cuestiones en torno al trabajo de Fabián Barba sobre Mary Wigman o al de Olga de Soto sobre Jean Cocteau, entre otros.

Isabel de Naverán es investigadora, docente, autora de textos, editora, coordinadora y organizadora de seminarios, jornadas y/o programas relacionados con la práctica artística contemporánea, especialmente la coreografía experimental.

CUANDO LOS ARTISTAS VIVEN JUNTOS: COMUNIDADES Y COMUNAS ARTÍSTICAS EN EUROPA
5 ABRIL
En diversos momentos de la historia, los artistas han decidido vivir juntos por motivos que son, a un tiempo artísticos y sociales. Así, en el espacio de esta especie de «comunas», se busca aunar los ideales sociales y las ambiciones de experimentación artística. Pese a su gran interés para distintas disciplinas humanísticas, apenas han sido estudiadas. De ahí el interés por indagar en torno a qué formas de vida han propuesto los artistas a través de su propia praxis. La pregunta fundamental que buscaremos responder es: ¿de qué manera se desarrolla la imaginación utópica y la experimentación social a través del arte? Así, exploraremos los vínculos entre arte y utopía, concretados en el espacio real de las comunidades de artista.

A partir de los casos particulares se pretende ofrecer una visión panorámica y una breve genealogía. Se hará énfasis en cómo los distintos casos dialogan con su contexto, relacionándose simultáneamente con las distintas oleadas de comunitarismo y con el entramado artístico de carácter metropolitano.

Julia Ramírez Blanco es historiadora del arte, autora del libro Utopías artísticas de revuelta. Claremont Road, Reclaim the Streets, la Ciudad de Sol (Cátedra, 2014), donde se exploran las dimensiones estéticas y utópicas de algunos movimientos sociales.

Todo el mundo sueña con volar, dice la artista Olga Diego, o si no sueña con volar, aún está a tiempo.

En el pasado curso de Universidad Popular se planteó el deseo de volver a encantarnos con el arte, de encontrar de nuevo el asombro ante lo extraordinario. Partiendo de esta idea, desde el departamento de educación proponemos que este curso sea un lugar en el que pueda pasar lo increíble porque nos permitamos creer. Las sesiones se centrarán en pensar o experimentar prácticas ocultistas relacionadas con el arte, que subvierten las lógicas de la ciencia y el saber establecidos: prácticas artísticas que engañan a la vista, que trabajan lo inexplicable y convierten el plomo en oro.

Acompañaremos este curso con una serie de publicaciones que estarán disponibles para su consulta en la Biblioteca del CA2M. Además, justo antes de cada sesión, os invitamos a compartir en grupo la lectura de una publicación seleccionada para la ocasión.

El CA2M desarrolla una línea de actividades de formación en arte y pensamiento contemporáneos enmarcadas dentro de la tradición de las universidades populares. En estos cursos se abordan algunos de los planteamientos fundamentales para entender e interpretar el arte actual. Se estructuran en dos partes: una primera que consiste en la exposición de un tema por un ponente invitado y una segunda en la que se abre el debate para que los asistentes tomen la palabra. Esta estructura puede cambiar hacia formatos más experimentales según el invitado de cada sesión.

SESIONES

24 OCTUBRE
Hacer que a alguien le importes
Raisa Maudit plantea una conferencia performativa en la que explorar las leyes del deseo que rigen tanto la práctica de la magia y del ocultismo como la práctica artística. A través de un recorrido desde diferentes corrientes ocultistas desde el siglo XIX hasta ahora y los propios ejes de su trabajo artístico y curatorial, abordaremos cuestiones sobre las identidades disidentes, sobrevivir al sistema, habitar la oscuridad, y conseguir lo que deseas solo pereciendo un poco en el intento.

Magia es el arte definitivo. Por Magia y Ocultismo entendemos todos esos procesos que parten desde lo simbólico y de lo imaginable que en base a acciones y palabras pretende afectar en el entorno generando cambios y transformaciones en las leyes naturales, en el espacio, en el tiempo, en los cuerpos, en las psiques y en las identidades. No hay forma mágica posible sin la práctica de la misma. La práctica en Magia parte de una generosidad casi suicida de lanzarte a lo desconocido y que lo desconocido te golpee. De cuestionar todas y cada una de las cosas que damos por sentado. Magia pretende afectar el tejido la realidad misma. Magia y Arte tienen puntos en común que parten de lo especulativo, de lo alegórico pero al mismo tiempo es un beef en el que el Arte siempre pierde. Pasearemos con Dion Fortune y la autodefensa psíquica, Jóvenes y Brujas, las identidades otherkin, los vampiros como la evolución definitiva, la demonología, las Batallas Mágicas, la rebelión neuro-divergente, y cómo conseguir una casa gratis.

Raisa Maudit es artista y comisaria
http://raisamaudit.com/

31 OCTUBRE
Queer Spirituality As Resistance. Una vía más en la Conspiración.
Diego Rambova nos conducirá por un mapeo fragmentario a través de ciertas prácticas performáticas contemporáneas que se presentan como un espacio de encuentro entre políticas queer y new age, exponiendo cómo su confluencia es tanto para lxs artistas que las plantean como para sí misma un lugar privilegiado de agenciamiento, resistencia y trascendencia. Éstas, que se presentan en creadorxs de diferentes edades y de diversas procedencias a lo largo y ancho de todo el globo a partir de la década de los setenta, parecen manifestarse bajo diferentes rostros. Pero lo cierto es que todas responden –como veremos–, a la misma “conspiración”. 

Diego Rambova es artista e investigador.
www.diegorambova.com 

7 NOVIEMBRE
Conferencia performance para vuelo
¿Es posible volar?  Ya sabemos que sí, pero… ¿Qué ocurre cuando te das cuenta de que puedes volar por tus propios medios? Esta conferencia nos adentrará en el deseo loco de volar y su materialización desde la creación artística. Los múltiples estudios y cálculos, los bocetos previos en las libretas de vuelo, los intentos fallidos y los desánimos. También la implicación del público. Artefactos de vuelo construidos desde la mirada escultórica, e intentos de vuelo como performance art.

Veremos, entre otros, los proyectos creados desde 2003 por Olga Diego, cuando consiguió alzar el vuelo en la playa del Carabassí en Alicante, pasando por otros vuelos con cámaras en el Sahara Occidental y Salamanca, o proyectos más interactivos como el desarrollado en la Universidad de California en 2017.

Olga Diego es artista
http://olgadiego.blogspot.com/ 

14 NOVIEMBRE
Como arriba es abajo; como abajo es arriba
Marian Garrido plantea en esta charla un recorrido por las dimensiones simbólicas de formas de conocimiento ya perdidas y el relato que se construye a través de las vinculaciones del arte y la magia o la alquimia: entre el pasaje donde Carlos Castaneda en “Las Enseñanzas de Don Juan (Una forma Yaqui de conocimiento)” aprende a volar guiado por la mano experta del chamán, a las experiencias relatadas por Terence Mackenna o Douglas Rushkoff en “Cyberia” en un marco de comparación con la cultura online; las realidades virtuales, los simuladores de vuelo, los videojuegos o la plasmación visual de onmiscencia casi vaporosa en “Enter the Void” de Gaspar Noé y los paseos neoturísticos del google earth ¿acaso existe una diferencia?

Marian Garrido es artista e investigadora
www.mariangarrido.com  

21 NOVIEMBRE
Ángeles de la anarquía
Chamanes modernos, artistas de lo invisible
Servando Rocha nos descubre una tradición secreta que une el arte con la magia a través de la figura del enmascarado tanto en la cultura popular como en movimientos que, como Dadá o el surrealismo, se sintieron fascinados por lo primitivo, la máscara, el mundo de los espíritus o lo desconocido. Su intervención estará acompañada de un Gabinete de Curiosidades sobre el mundo de las sociedades secretas y el enmascaramiento como táctica, pero también como potencia transformadora.

Servando Rocha es escritor y editor.
www.servandorocha.com 

28 NOVIEMBRE
Del conjuro a la conjura, de la gesta al gesto (mágico)
Ana Contreras nos invita a una conferencia performativa para descubrir las maneras en las que se han tejido los vínculos entre feminismo y brujería a través del tiempo, desde el medievo a la posmodernidad. Un viaje secreto por sus emergencias y persecuciones, del que extraer enseñanzas acerca de los peligros y las potencias. Un aquelarre en el que poner de manifiesto la importancia de las prácticas ocultas y las tácticas performativas, así como su empleo consciente e inconsciente en el arte contemporáneo.

Ana Contreras es directora de escena, investigadora y docente.

Cualquier persona interesada en el arte actual. No es necesario ningún conocimiento previo.

Más información en actividades.ca2m@madrid.org / 912 760 227

DIRIGIDO POR SELINA BLASCO

Destinado a cualquier persona interesada en el arte actual. No es necesario ningún conocimiento previo

Inscripción a partir del 15 de enero

Para la asistencia a alguna conferencia suelta el acceso es libre hasta completar aforo

Abordamos un nuevo curso desde esta pregunta, una duda que llegó con la modernidad, hace mucho, muchísimo tiempo. Sorprendentemente, en la sociedad de híper consumo en la que vivimos, sigue ahí, sin agotarse. La usamos como arma y como escudo, como refugio también. La manipulamos y la manoseamos. Algunas veces, la hemos lanzado desde la incredulidad (porque, no nos engañemos, quien pregunta piensa que la respuesta es no), pero nunca desde la suspicacia. Confiamos en el arte, y sobre todo en lo que tiene de enigma. Por eso la respuesta no tiene por qué ser un sí, ni queremos convencer a nadie de nada. La respuesta es que no hay o, más bien, que no lo sabemos, que no tenemos ni idea.

Así que, lo dicho, seguimos instaladas en la pregunta, y en esta edición pensamos en otra vuelta de tuerca. ¿Y si en vez de plantear que hay un determinado tipo de arte que damos por supuesto que es difícil de definir como tal, derribamos las certezas con las que nos acercamos al arte que lleva ahí toda la vida? Presuponer un arte que requiere explicación implica establecer una división entre quien duda y quien tiene las respuestas. Vamos a intentar algo menos categórico. Pensar las prácticas que se asocian a disciplinas asentadas (el dibujo, la pintura, la escultura, los sonidos musicales o el diseño), a soportes, lugares de exposición y públicos que parecen naturales pero, ojo, pensándolo todo desde el aquí y el ahora. Sentirlo como una urgencia renovada. Lo que nos intriga es lo presuntamente evidente.

Este curso no tiene título, pero podría ser algo relacionado con el deseo de doblar los haceres del arte. El arte de doblar: un curso de origami.

El CA2M desarrolla una línea de actividades de formación en arte y pensamiento contemporáneos enmarcadas dentro de la tradición de las universidades populares especialmente dirigidas a público joven y adulto. En estos cursos se abordan algunos de los planteamientos fundamentales para entender e interpretar el arte actual, para pensar en él. Estas actividades constan de dos partes: una primera consistente en la presentación de un tema por un invitado seguida por otra en la que se abre el debate para que los asistentes tomen la palabra. Las sesiones presenciales se complementan con el trabajo personal de cada asistente en relación a textos que serán entregados antes de cada una de las sesiones del curso.

14 FEBRERO

La pintura es misteriosa

Selina Blasco

Siguiendo el hilo de la observación de Ángel González García de que es mejor pintar sin tener ni idea, nos preguntamos: ¿cómo habría que tratar con la pintura? En la charla vamos a intentarlo desde ese no saber, pero situándonos en otro lugar, el de la ignorancia de quien no hace, de quien no pinta nada. Vamos a preguntar a las personas que pintan para ver qué es lo que averiguamos. Ya tenemos una respuesta, y nos gusta tanto que es la que hemos elegido como título de la charla. La cosa promete. También vamos a ingeniárnoslas para construir la narración de este ejercicio de investigación sobre el terreno, de trabajo de campo. La pintura quiere ser tratada.

Selina Blasco es profesora de Historia del arte en la facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid

21 FEBRERO

Dibujo y cultura visual contemporánea. Una aproximación desde la práctica artística

Azucena Vieites

El trabajo de Azucena Vieites se ha desarrollado en torno a las técnicas y los procesos gráficos de la expresión, acercándose a la cultura visual contemporánea a través del dibujo o la serigrafía. La multiplicidad, el fragmento o la repetición como ruptura con respecto a la imagen absoluta y las formas lineales de narración o el carácter efímero de la obra se ponen de manifiesto como aspectos relevantes en su producción. A partir de algunos ejemplos de su propia práctica y de otras piezas de diversos artistas, elaboradas en esta misma línea, reflexionaremos en esta charla sobre el dibujo como una forma de representación y conocimiento del entorno que nos rodea en relación a un momento del presente.

Asimismo, se tratará de relacionar los ejemplos propuestos con algunas cuestiones planteadas por la realizadora alemana Ulrike Ottinger; esta artista trabaja en cada una de sus películas con la intención de encontrar una forma adecuada que tiene que ver con los colores, con el tiempo, con la estructura dramática y con la manera de unir las imágenes.

Azucena Vieites es artista y profesora en las facultades de Bellas Artes de Madrid y de Salamanca. Entre sus exposiciones individuales destacan Woollen Body, galería Carreras Múgica (Bilbao, 2015) y Tableau Vivant, Museo Reina Sofía (Madrid, 2013).

28 FEBRERO

Un carpintero amateur

Carlos Granados

Me gusta pensar ideas y hacer cosas. Pasar de la cabeza a la mano. Y de la mano a la cabeza. De artista conceptual a carpintero ¿Acaso tienen algo que ver el arte y la carpintería? Duchamp dijo que había que viajar sólo con un cepillo de dientes, sin carga. Cuando estudié artes, mis referentes eran este tipo de artistas, tipos que trabajaban con las ideas. Ahora trabajo con el cepillo de desbastar que usaba mi abuelo y al hacerlo pienso en su práctica. De repente me veo acumulando, trabajando la madera, haciendo. Me gustan los proyectos que me llevan mucho tiempo. Hay una frase que dice mi amigo Ángel: mide dos veces, corta una. Esto creo que resume muy bien el trabajo del carpintero. Oficio minucioso, paciente y lento. Y que quede bien.

Carlos Granados es uno de los responsables del Departamento de Educación del CA2M

7 MARZO

Historias silenciadas, sonidos olvidados

José Luis Espejo y Andrea Zarza

¿Cómo se posicionan las personas en el espacio público con sonido? En torno a esta pregunta es posible plantear relatos centrados en el trabajo de los herreros, las campanas y las sirenas, las cencerradas, la protesta, los carnavales y ritos que si no son distintos, al menos son paralelos a aquellos que vertebran la historia de la música y del arte. El sonido, el ruido, el rumor de una comunidad enfurecida y el repiquiqueteo del trabajo son argumentos disonantes, de calado casi arqueológico, a los de la historiografía oficial. En Charivaria, una exposición comisariada por José Luis Espejo y Andrea Zarza en CentroCentro Cibeles entre octubre de 2017 y enero de 2018, se reunieron trabajos que plantean estos conocimientos transferidos, en muchos casos, oralmente o por alegorías, que han sido minorizados por disciplinas académicas. Artistas como Grupal Crew Collective, que toman los sonidos de las fiestas de colectivos sin identidades consagradas, o Cuidadoras de Sonidos, Rafael SMP o Vivian Caccuri, que dan voz a los habitantes de barrios destruidos por el avance de la modernidad, y Xabier Erkizia, que con su estudio sobre la cultura del carro de bueyes, agudiza el oído hacia un sonido desplazado por la hegemonía de lo urbano, tienen claro que sus trabajos amplían nuestra concepción del arte. Los archivos, sonoros y escritos permiten rescatar historias silenciadas y sonidos olvidados para replantear genealogías del arte sonoro o de la música. Un despliegue de contenidos enigmáticos sorprende al visitante y rarifican el espacio de la galería.

Andrea Zarza es archivera y licenciada en filosofía. Trabaja como comisaria en el archivo sonoro de la British Library y su sello discográfico Mana Records, llevado junto con Matthew Kent, se dedica a publicar obras que se encuentran en la intersección del sonido contemporáneo y de archivo.

José Luis Espejo es parte del equipo de la Radio Reina Sofía, Mediateletipos y el Máster de Industria Musical y Estudios Sonoros en la Universidad Carlos III de Madrid. Ha desarrollado proyectos de comisariado en Madrid y en Donostia-San Sebastián 2016.

14 MARZO

Un reclamo de sensualidad

Elena Alonso

La puesta en valor de la artesanía y la lucha contra su desaparición no es una novedad. Ya en los inicios del s. XX, la práctica artesanal se planteaba como la estrategia revolucionaria contra la industralización y el capitalismo, posicionándose contra una imparable deshumanización de la producción y el trabajo. Asignándole atributos como resistencia, habilidad, autenticidad, benevolencia o autodeterminación, se pretendía, más de un siglo atrás, aplacar la desaparición del “hacer” con las manos por la producción en masa.

Hoy, frente a la revolución digital y el capitalismo tardío, asistimos a un revival retorcido de estos deseos y problemáticas. El conflicto desemboca en un reclamo de sensualidad desde el cual se vuelve a aludir a la artesanía como exploración de las relaciones “encuerpadas”, la materialidad, el afecto, la ecología, lo local o la inteligencia sensible. Pero se plantean muchas preguntas... ¿Qué tiene de contemporáneo la práctica artesanal? ¿Qué lugar encuentra en el sistema actual? ¿Qué sentido tiene como resistencia? ¿Cual es el impulso vital que nos aferra a ella?

En esta sesión veremos ejemplos de artistas y diseñadores contemporáneos cuyos procesos de trabajo están íntimamente ligados a lo artesanal, centrándonos en la materialidad de sus objetos y el carácter afectivo de su producción. Un acercamiento al Arte y el Diseño para pensar sobre el sentido de lo artesanal en la actualidad, lo anacrónico o ineludible de este tipo de prácticas o el mercado del Arte como terreno para mantenerlas. Cuestiones que en definitiva podrían responder también a la pregunta ¿Por qué se sigue pintando o dibujando?

Elena Alonso desarrolla su trabajo principalmente mediante el dibujo, relacionándolo con otras disciplinas como la arquitectura, la artesanía o el diseño, y prestando especial atención a las relaciones de afectividad con el entorno. Recientemente ha expuesto de manera individual en Matadero Madrid, Museo ABC y Espacio Valverde.

21 MARZO

Háztelo tú y házselo a otrxs

Javier Pérez Iglesias y Marta van Tartwijk

Las autoediciones han dado voz a quienes han sentido que tenían algo que decir al margen de los canales establecidos. Por eso hay una tradición en el uso de los fanzines entre comunidades queer, anarquismos, feminismos…

Los artistas descubrieron hace ya mucho que un libro podía ser una pieza artística y hasta aquí hemos llegado con una producción cada vez más variada de publicaciones.

Hay un encuentro entre lo autoeditado (o editado en los márgenes) y la intencionalidad artística que desborda la idea tradicional de libro que ha sido paradigma en bibliotecas y librerías.

Nosotras actuamos en las bibliotecas de dos instituciones muy institucionales, el museo y la academia, pero que tratan de potenciar su porosidad, explorar sus grietas y conectarse con lo que pasa en las calles.

Los libros ya no son lo que eran… Las bibliotecas tampoco.

Javier Pérez Iglesias es biblioactivista, charlaperformadora, curadora de lecturas, mala catalogadora y peor clasificadora

Marta van Tartwijk es entre otras cosas artista a tiempo parcial, bibliotecaria vocacional, autoeditora de fotocopiadora, ingeniera de laberintos bibliográficos, desordenadora de fanzines y catalizadora de meriendas literarias.

4 ABRIL

Una escultura haciéndose

June Crespo

Planteo una sesión para pensar sobre los aspectos propios de la escultura, compartiendo trabajos que desde diferentes medios abordan lo escultórico. Me interesa una escultura haciéndose, la negociación entre sujeto y objeto que se da en su proceso y como es el primer encuentro con ella. Acercarme a ella, rodearla, alejarme y mantenerme imantada. Desde su superficie a su cuerpo, contorno e imagen.

¿Cómo me afecta?¿Qué resonancia física genera en mi?¿Donde me mira?¿Qué movimiento y coreografía provoca? ¿Cómo activa el espacio?

June Crespo vive en Bilbao, donde se licenció en Bellas Artes en 2005. Trabaja y expone también en otros contextos internacionales, centrando su práctica en el terreno de la escultura.

11 ABRIL

Aquí no hay un sólo lugar que no nos vea

Rafael Sánchez-Mateos Paniagua

Museo del Prado: coto reservado de eruditos, redil de turistas un poco decepcionados por no poder hacerse selfis con Velázquez, niños a los que hay que explicar de qué alta cultura somos súbditos ignorantes. Perdidos, abrumados y un poco desmaravillados ante las obras del arte de ayer, entre cuyos santos, reyes y vírgenes es tan difícil encontrar un pueblo al que desear pertenecer. Pensamos que todo ya estaría dicho, clarificado, catalogado y periclitado, después de haberle dedicado una lujosa y privilegiada atención que hoy no puede resultar más que anacrónica o complacientemente legitimadora del contexto en el que han ido a parar. No obstante las obras, en la medida en que siguen siendo accesibles a la experiencia, son radicalmente contemporáneas de quien se encuentra con ellas. Se nos ofrecen a los sentidos para que cada cual pueda reconocer, reflejar o refractar un sentido nuevo, no prescrito. Esperan acaso adoptar nuevas vidas, impulsadas por la memoria y la imaginación que aún pueden excitar en nosotros. Siempre abiertos a lo imprevisto de la experiencia -individual o colectiva- que todavía es posible hacer, pese a todo contexto sacralizador de la institución museo y sus vigilantes de dentro y afuera. Lo importante sería intentar intensificar, revivificar y reorganizar el espacio de la atención, la aisthesis y la percepción -tan descuidado en su propia forma material y tan asediado por la modernización que hemos hecho- con el fin de renovar la experiencia de un arte hoy tan extraño como suculento, desde la generosidad de los que se acercan a algo desconocido y se (re)descubren al ser observados por la propia obra que contemplan.

Rafael Sánchez-Mateos Paniagua es artista, profesor e investigador.

CO-PRODUCCIÓN DE LABORAL CENTRO DE ARTE Y CREACIÓN INDUSTRIAL Y CA2M CENTRO DE ARTE DOS DE MAYO

La exposición AUTO. Sueño y materia se completó con este ciclo de road movies en el que se propuso una aproximación a algunos aspectos de la relación entre el cine y el automóvil. Las películas que compusieron el ciclo, más que pretender realizar un repaso general del género, conformaron una propuesta autónoma de análisis que encontró su complemento y su contexto global en la exposición. Si la muestra reflexionaba sobre la cultura del automóvil desde la perspectiva del arte de los últimos años, y lo hacía desde la consideración del coche como el exponente máximo de un periodo productivo y tecnológico que ya vislumbra otras realidades sociales e industriales; este ciclo permitió lanzar una mirada retrospectiva que ilustraba aspectos complementarios respecto a la propia muestra.

El ciclo estuvo compuesto de diversas producciones europeas y norteamericanas reflejo del modo diferenciado en que ambas regiones representan el automóvil. En Estados Unidos la absoluta y rápida adaptabilidad de la producción cinematográfica integra rápidamente el automóvil y despliega el rápido desarrollo de un subgénero como el de la road movie. La carretera, la búsqueda de libertad, la huida, la velocidad o las persecuciones se convierten en elementos y códigos habituales de muchas películas. Por el contrario, en Europa la mirada cinematográfica es considerablemente más crítica y escéptica con respecto al automóvil y su cultura. Si no es habitual en Estados Unidos una película que aborde de un modo crítico los problemas derivados del automóvil, en Europa, en cambio, este es preferentemente el síntoma y el signo de la inadecuada evolución de nuestra sociedad:  alienación, violencia, problemas urbanos o deshumanización. La crítica a la cultura del automóvil es aquí la manifestación de un desacuerdo que abarca al conjunto de la sociedad. Junto a las producciones cinematográficas propiamente dichas, presentamos también otras road movies de carácter más experimental o ensayístico, que muestran a su vez, entre otros aspectos, tanto la extensión y adaptabilidad del propio concepto de road movie como sus mecanismos de construcción. Se trata de obras como las de Sophie Calle o Chip Lord en las que los aspectos autobiográficos, identitarios o culturales cobran mayor relevancia.

Alberto Martín
Comisario de la exposición Auto. Sueño y materia

VIE 23 OCT 20:30 H.
Weekend. Jean-Luc Godard. 1967, V.O.S., francés. 105 min.
En esta película Godard contempla el conjunto social como un enfermo necesitado de soluciones radicales. Un matrimonio burgués planea un viaje desde París hasta la finca del enfermo padre de la esposa con la única intención de asegurarse la herencia. El viaje en coche por carretera estará repleto de imprevistos, atascos, accidentes y personajes excéntricos. Los acontecimientos hacen que el film acabe convirtiéndose en una serie de viñetas en las que surgen figuras extraídas de la literatura, la historia y la lucha social; no falto de sentido del humor, para Godard un accidente entre un Triumph y un tractor es una buena excusa para tratar la lucha de clases.

VIE 30 OCT 20:30 H.
Night on Earth. Jim Jarmusch. 1991, V.O.S., inglés. 129 min.
Cinco historias se desarrollan simultáneamente y de forma independiente durante una noche en diferentes ciudades del mundo: Los Ángeles, Nueva York, Paris, Roma y Helsinki. Cada historia trata sobre la relación que entabla un taxista local y sus pasajeros. Trayectos en los que suceden diversos acontecimientos que van de lo cómico en unas ocasiones a lo dramático otras veces.

VIE 6 NOV 20:30 H.
Trafic. Jacques Tati. 1971, V.O.S. francés. 96 min.
El señor Hulot es diseñador en Altra, una pequeña sociedad parisina dedicada a la fabricación de automóviles. Con motivo del Salón Internacional de Automóviles celebrado en Ámsterdam, el señor Hulot emprende su viaje en el nuevo Renault 4 dotado con numerosos artilugios de su invención. El viaje se encuentra jalonado de obstáculos, contratiempos y catástrofes: atascos, averías y accidentes no son más que ejemplos de todo lo que puede suceder en un viaje. Una película en la que Tati denuncia con claridad pero sin perder el sentido del humor, el obstáculo que la tecnología representa para el hombre, anulando su humanidad y convirtiéndolo en una máquina más.

VIE 13 NOV 20:30 H.
Paris, Texas. Wim Wenders. 1984, V.O.S. inglés. 147 min.
Cerca de la frontera mexicana en Texas un hombre que padece de amnesia aparece en el desierto. Después de varios días caminando bajo el sol se desploma y es llevado a un centro de salud donde se descubre su identidad y que lleva desaparecido cuatro años. Al conocer su aparición, su hermano lo recoge y lo lleva hacia su hogar en Los Ángeles. Ambos inician un viaje que les conducirá a descubrir sus raíces familiares y un entramado de relaciones personales.

VIE 27 NOV 20:30 H.
No Sex last night (Double-Blind). Sophie Calle. 1992, V.O.S. inglés. 75 min.
En esta road movie la artista Sophie Calle narra el viaje en que junto a su compañero Grez Shepard cruzó de costa a costa los EEUU. En este viaje cada uno lleva consigo una cámara con la que graba aquello que le llama la atención y deja constancia de sus pensamientos y frustraciones durante el viaje, reflexionando sobre la condición humana. Una road movie plagada de no lugares en la que poco a poco vemos cómo los protagonistas se distancian. Un tercer personaje, el coche, participa activamente durante toda la película importunando el viaje pese a ser el hábitat común de Sophie y Greg. Imágenes caseras con planos aparentemente descuidados, reflexiones sobre la condición humana y de pareja y un montaje exquisito hacen que esta película sea tan extraña como atractiva.

VIE 4 DIC 20:30 H.
Motorist. Chip Lord. 1989, V.O.S. inglés. 70 min.
El automóvil como icono norteamericano es un tema que siempre ha fascinado a Chip Lord. En este film rinde homenaje a la cultura del consumo de las décadas de los cincuenta y sesenta en Norteamérica, una road movie que sigue el viaje de un Ford Thunderbird de 1962 a Los Ángeles. El conductor nos narra en un monólogo intercalado de forma satírica con imágenes de anuncios y películas de la década de los 50 lo que para él significa el coche: una promesa de libertad y evasión. En realidad, el motorista viaja por una carretera a lo largo de poblaciones lamentables y parque temáticos imposibles que contrastan con la memoria nostálgica de su infancia.

VIE 11 DIC 20:30 H.
El diablo sobre ruedas. Duel. Steven Spielberg. 1971, V.O.S. inglés. 90 min.
El diablo sobre ruedas es una de las películas más representativas de aquellas en las que un vehículo se transforma en amenaza. Pero la amenaza efectivamente alcanza un carácter metafórico, una atmósfera de pesadilla que alude y afecta a la naturaleza y al instinto de supervivencia del propio protagonista, un agente comercial que conduce su vehículo y es acosado por un camión. Un camión que es tratado fílmicamente para acentuar su carácter agresivo y casi monstruoso, hasta el punto de que quien parece amenazar no es el conductor sino el propio vehículo. Esta “humanización” del camión provoca que lo lleguemos a ver dotado de instintos y voluntad.

VIE 18 DIC 20:30 H.
Pequeña Miss Sunshine. Little Miss Sunshine. Jonathan Dayton y Valerie Faris, 2006, V.O.S., inglés. 101 min.
Los Hoover son una familia conflictiva: el abuelo esnifa cocaína, el padre da cursos sobre el éxito con estrepitoso fracaso, la madre no da abasto, el tío se recupera de un suicidio frustrado, el hijo adolescente se niega a hablar, y la hija pequeña, Olive, gafotas y ligeramente gordinflona, quiere ser una belleza. Cuando un golpe de suerte lleva a Olive a participar en el concurso de ‘Pequeña Miss Sunshine’ en California, toda la familia se une para ir con ella. Se apilan en su oxidada furgoneta Volkswagen y se dirigen hacia el Oeste en un trágicómico periplo de tres días lleno de sorpresas que les lleva al gran debut de Olive, el cual cambiará a esta familia de inadaptados de una forma que nunca hubieran imaginado.

VIE 20 FEB "Om Shanti Om" Farah Khan
SAB 21 FEB "Parineeta" Pradeep Sarkar

El CA2M ofreció una visión de la India popular desde el cine. Dos producciones al más puro estilo Bollywood que nos habló de la industria cinematográfica india en sus tramas argumentales

Coincidiendo con la celebración de ARCO, con India como pais invitado, y la exposición Cultura popular India y Mas Allá. Los cismas (emergentes) jamas contados en la sala Alcalá 31 de la Comunidad de Madrid, el CA2M ofreció una visión de la India popular desde el cine. Dos producciones al mas puro estilo Bollywood que nos hablaron de la industria cinematográfica india en sus tramas argumentales.

PROGRAMA

VIE 20 FEB
Om Shanti Om, de Farah Khan
India - 2007 - 35 mm, 168 min.Director: Farah Khan

Guión: Farah Khan.

Música: Vishal Dadlani, Shekhar Ravjiani, Pyarelal Ramprasad, Sharma.

Producción: Red Chillies Entertainment.

Intérpretes: Shahrukh Khan, Deepika Padukone, Arjun Rampal, Shreyas

Talpade, Satish Shah, Kirron Kher.

Llega la magia y el colorido del Bollywood más auténtico de la mano de Farah Khan. La realizadora, bien conocida por su talento como coreógrafa, presentó su segunda película, protagonizada por la estrella indiscutible del firmamento Bollywood, Shah Rukh Khan, y por una nueva cara, Deepika Padukone, en los papeles protagonistas. Om Shanti Om es un homenaje a la exultante época dorada del cine de Bollywood, con una historia que comienza en los años 70.

Om Prakash, un actor de tres al cuarto, conoce a una estrella de cine de Bollywood de la que está enamorado. Por desgracia, no estarán destinados a vivir su amor en esa vida, pues Om fallece en el curso de una reyerta. La historia se transporta entonces al presente, donde Om Prakash se reencarna en la figura de Om Kappor, ¡la superestrella de Bollywood de 2007! La película hace un repaso a la historia del cine popular indio con un impagable torrente de recursos visuales, donde las mayores estrellas de Bollywood del momento hacen cameos en el cumpleaños del protagonista, lo que sin duda ha revertido en el éxito de la película, que ha conseguido la mayor recaudación en el primer fin de semana de la historia del cine de la India.

SAB 21 FEB
Parineeta, de Pradeep Sarkar.
Director Pradeep Sarkar. India, color, 35mm. 130 min.

Guión: Vidhu Vinod Chopra.

Producción: Vidhu Vinod Chopra.

Música: Shantanu Moitra. Letra: Swanand Kirkire.

Intérpretes: Raima Sen, Saif Ali Khan, Sanjay Dutt, Vidya Bala.

Cuando una película está basada en un clásico literario, al menos se parte de una buena base. El cineasta sabe que tiene entre manos un tema con legiones de espectadores. Pero al mismo tiempo tiene ante sí el reto de destilar en la pantalla emociones escritas con virtuosismo. Pradeep Sarkar lo consigue. ¡Y de qué manera! Se ha tomado la libertad de traspasar el escenario de su ópera prima Parineeta, del escritor Saratchandra Chatterjee (autor de Devdas), de la Calcuta de 1913 a la vibrante y sofocante Calcuta de 1962. Pero supera el reto de desplegar las páginas del clásico en vívidas imágenes en la pantalla, sin restar un ápice de sutileza emocional a la historia y sus personajes. Shekhar (el ídolo Saif Ali Khan), hijo de un adinerado empresario, y Lolita (radiante Vidya Balan), huérfana que vive con la familia de su tío, son vecinos y amigos desde la infancia que no reconocen el intenso amor que les une hasta que un empresario de Londres llega y crea un triángulo amoroso. Un retorno refrescante al romanticismo del pasado, Parineeta es un viaje desenfrenado e irresistible en el más puro estilo Bollywood.

Cine, vídeo, música y otros deleites... Durante todo el fin de semana, desde el viernes 20 al domingo 22 de noviembre el Museo CA2M Centro de Arte Dos de Mayo se convirtió en el espacio en que se dieron cita, en un ambiente distendido diferentes manifestaciones contemporáneas en torno a la imagen en movimiento y el sonido: cuatro programas de vídeo, tres conciertos y un largometraje acompañados de espacios para el encuentro.

PROGRAMA

VIE 20. Vestíbulo del Museo CA2M

• 20:00 h: un vino para despertar los sentidos al fin de semana 
• 20:30 h: presentación del OFFMÓSTOLES09

PROGRAMA 1. Salón de Actos

• 21:30 h: y para cerrar el primer día OFF, el estreno de La Zona, concierto de Tadeo

SAB 21

• 13:00 h: un buen momento para tomarse un aperitivo en nuestra terraza y comenzar el día.
• 13:30 h: concierto: Pierre Bastien. Terraza del CA2M
• 14:30 h: picoteo y charla al sol de noviembre en la terraza
• 16:00 h: PROGRAMA 2. Salón de Actos

Durante toda la tarde, tés, cafés y pastas en torno a los que poder hablar… para que no se enfríe el ambiente

• 17:30 h: PROGRAMA 3. Salón de Actos
• 19:00 h: Les plages d’Agnès, Agnès Varda. Salón de Actos

DOM 22

• 13:00 h: despiértate el domingo al sol de nuestra terraza.
• 13:30 h: concierto de Kammerflimmer Kollektief. Terraza del CA2M.
• 14:30 h: picoteo y charla al sol de noviembre
• 16:00 h: PROGRAMA 4. Salón de Actos

INFORMACIÓN COMPLEMENTARIA

Los cuatro programas de cortos presentaron un variado conjunto de la creación reciente en vídeo. Los programas 1 y 3 fueron comisariados por el CA2M y recogieron algunas creaciones exhibidas durante los últimos años en festivales y exposiciones internacionales. A pesar de que estos programas no respondían a un planteamiento temático, las piezas que se presentaron compartieron muchos puntos de conexión, tanto en los asuntos tratados como en los aspectos formales, quizás porque eran un reflejo de las preocupaciones que ocupan a la mayoría de artistas representados, todos ellos nacidos después de la década de los 70.

El fin de semana contó también con un programa comisariado por el colectivo madrileño Playtime audiovisuales (programa 2) que recogió algu nas de las últimas producciones nacionales en la periferia del cine comercial; producciones de autor con marcado carácter independiente que estaban a camino entre el documental, la ficción y la videocreación. Este programa recogió una selección de artistas españoles emergentes que con sus obras intentaban romper fronteras entre formatos, soportes y también espacios de exhibición. Se cerró el fin de semana con un programa temático de corte más experimental comisariado por Xavier García Baldón: El paisaje del hombre en el que se suceden paisajes reales y soñados, utópicos y apocalípticos, desiertos o habitados, primitivos, mediáticos, naturales o humanos. El arte del paisaje en nueve filmes y vídeos recientes, entre postales mandados des de la prehistoria, cuadros de otros mundos, escenas humanas y visiones de videojuegos.

Asimismo se presentó por primera vez en Madrid la última película de la gran dama del cine de autor francés Agnès Varda "Les Plages d'Agnès".

La parte musical del fin de semana la completaron tres conciertos que nos acercaron a la magia del directo desde posiciones muy diversas: la electrónica como acompañamiento sonoro del cine, la mecánica aplicada a la creación musical y una aproximación al jazz desde una óptica nada ortodoxa… de la mano de Tadeo, Pierre Bastien y Kammerflimmer Kollektief respectivamente. Todo ello acompañado de picoteo, bebida y espacios para la charla y el encuentro.

ARTISTAS: Peggy Ahwesh, Pierre Bastien, Alex Brendemühl, Carlos Casas, Luis Cerveró, Chris Chong Chan Fui, Anouk de Clercq, Aitor Equeverría, Félix Fernández, Fernando Franco, Beatrice Gibson, Stephen Gray, John Hey, Kammerflimmerkollektief, Pablo Lamar, Adam Leech, Vicent Meessen, Michael Morley, Jacco Olivier, Pedro Ortuño, Manuel Padding, Enrique Piñuel, Elodie Pong, Michael Robinson, Rogelio Sastre, Tadeo, Mike Tamney, Agnés Varda, César Velasco Broca.

Como parte de la exposición Reflector de Miríadas, que será activada a través de una programación de destellos de nocturnidad, de diferentes ritmos e intensidades, el artista Matt Copson realizará una performance titulada Obituario. 

En Obituario, el artista interpreta en vivo un monólogo que se desmorona y devora a sí mismo.

La performance, que combina personajes y motivos de trabajos anteriores, parodia el mito de la Caverna de Platón y desarrolla el lenguaje presente en la obra de animación e instalación de Matt Copson. Estamos ante la primera performance propiamente dicha de este artista, que se acompaña de una banda sonora en vivo de felicita, con quien colabora desde hace tiempo.

MATT COPSON

Matt Copson nació en 1992 en Oxford, Inglaterra. En su trabajo recurre a dispositivos escénicos y tropos artísticos para crear unas piezas existenciales con las que explora lo contemporáneo, la abstracción, el eterno retorno y lo siniestro. Ha expuesto su trabajo en CLEARING (Bruselas), Swiss Institute (Nueva York), Louis Vuitton Foundation (París), Mönchehaus Museum (Goslar) y Serpentine Sackler Gallery (Londres). En 2022 estrenará en la Royal Opera House de Londres Last Days, su primera ópera como libretista y director. 

Comisariado de Jesús Alcaide, Néstor García Díaz y Víctor Aguado Machuca.

Bogomir Doringer, Carles Congost, Ana Laura Aláez, Joan Morey, The Congosound, Magui Dávila, Cute aggression, Nayare Soledad Otorongx, Gema Marín Méndez, Manuel Segade, Snap Bitch! X Don’t hit a la negrx (Galaxia, Wat3rmami AKA Donovan Toxic), Grupo de investigación del Espai d’Art Contemporani de Castelló (Bartolomé Limón, Rubén Serna y María Sánchez), Grupo de trabajo del DIDDCC (Andrea Martín, Manuela Muñoz, Clara Neches, Manuel Padín, Natalia de la Piedra y Rita Zamora).

Las Jornadas de Estudio de la Imagen están dedicadas a la reflexión colectiva en torno a la teoría, la práctica, las aperturas semánticas y las demarcaciones contemporáneas de las culturas visuales, con una estructura de foro de debate, seminario y talleres, y una convocatoria pública de proyectos de investigación. 

Esta edición parte del trabajo de un grupo de investigación del Museo CA2M que reconoce en los textos de Manel Clot una producción discursiva que no deja anacronismos sino reminiscencias de los noventa, a saber, la de poner en circulación el concepto de cultura de club en relación con la práctica artística contemporánea y la de elaborar y disponer, donde antes no había, categorías apreciativas y operativas para la consideración de nuevos repertorios expresivos y de nuevos registros significantes que pasarían a ser sintomáticos de un tiempo y un lugar. El título de la edición, de hecho, proviene del Musée des phrases (2003-2015) de Manel Clot y la imagen High Culture,1996, es de Carles Congost, tomada en el estudio de Manel con ayuda de Daniel Riera; en ella aparece un joven estudiante de Bellas Artes llamado Joan Morey.

Esta edición se estructura en tres jornadas de estudio compuestas de charlas, sesiones de lectura, conferencias performativas y sesiones de escucha, que sitúan temáticas relativas a la cultura de club. Pero también al reclamo de ampliar el campo de representaciones dadas de la subjetividad, de la polisemia del “nosotrxs”, de la fluctuación de su valor, de la posición del deseo; de reconocer posibilidades de disidencia para con el reparto social o relaciones otras entre el cuerpo y la temporalidad.

NOTA INFORMATIVA:

• Para poder asistir a las jornadas se requiere inscripción previa.
• Existe la posibilidad de asistir a sesiones sueltas pero tendrán prioridad las personas inscritas.
• Se ruega puntualidad a las personas inscritas. Diez minutos después del inicio de la primera sesión de la tarde podrán cubrirse las plazas con las personas no inscritas, hasta completar aforo.
• Se realizarán certificados de asistencia para los inscritos que acudan a un 80% de las sesiones de la tarde. 
• Las sesiones de la mañana son libres y voluntarias hasta completar aforo y no computan para la obtención de certificado.   

PROGRAMACIÓN
 

19 de mayo. Escenarizaciones impuras (1)

• 12:00–13:30 Grupo de investigación del Espai d’Art Contemporani de Castelló. Sesión de lectura en torno a la exposición y el archivo de    Hypertronix, de Manel Clot.
• 16:00–17:00 Magui Dávila. Escribir una sesión, sesión de DJ.
• 17:00–17:30 Manuel Segade. Hacer noche, presentación de las jornadas.
• 17:30–19:30 Carles Congost, Ana Laura Aláez, Joan Morey, Jesús Alcaide. Un soplo en el corazón, selección de frecuencias en torno a    Manel Clot.
• 19:30–20:30 The Congosound, sesión de DJ.

20 de mayo. Dance this mess around (2)

• 12:00–13:30 Grupo de trabajo del DIDDCC. Party and Protest, sesión de lectura expandida.
• 16:00–16:30 Néstor García Díaz. Dance this mess around, presentación de la jornada.
• 16:30–18:00 Bogomir Doringer. From I Dance Alone to Dance of Urgency*, conferencia.
• 18:00–19:00 Manel Clot. Musée des phrases, video-proyección.
• 19:00–19:30 Gema Marín Méndez. Notas a una/sola voz, lectura performativa.
• 19:30–20:30 Cute aggression, sesión de dj.

21 de mayo. Ficciones sónicas, somáticas (3)

• 12:00–13:30 Sesión de lectura compartida en torno a Más brillante que el sol, de Kodwo Eshun.
• 16:00–16:30 Víctor Aguado Machuca. Éxtasis; faktura subjetiva, presentación de la jornada.
• 16:30–17:30 Nayare Soledad Otorongx. Cuerpxs que da pánico soñar, performance.
• 17:30h-18:00h. Descanso
• 18:00–19:30 Galaxia, Wat3rmami AKA Donovan Toxic. Don’t hit a la negrx x Snap Bitch! Cierre.

*En inglés con traducción simultánea. Se abrirá la palabra al público después de cada charla y al final de cada jornada.

Consulta la resolución de la Convocatoria de las XXVII JORNADAS DE ESTUDIO DE LA IMAGEN AQUÍ