Formación del profesorado

Planificar una performance como si de un crimen se tratara. Elegir el emplazamiento, pensar en las actitudes, sopesar posibles contratiempos y sincronizar los relojes son solamente algunas de las acciones y decisiones a abordar. Una vez hecho el guión es esencial la coordinación entre los performers así como la negociación con los imprevistos. A la planificación de esta acción y su posterior perpetración nos dedicaremos toda la semana que dura el taller, así como a analizar y discutir acerca de las implicaciones que conlleva este tipo de performances en las que, a pesar de estar todo calculado, el público es cautivo, ya que no existe de una manera predeterminada y el lugar en que suceden lleno de imprevistos al tratarse del espacio público. Analizaremos también trabajos de otros artistas que en su momento también "perpetraran" performances como Allan Kaprow para Calling, Oscar Masotta en El helicóptero o Katerina Seda, Alex Reynolds o la propia Dora García en alguno de sus trabajos.

Dora García es una artista cuya obra se centra en la creación de situaciones que desarticulen las convenciones y los códigos de conducta especialmente entre la obra, el artista y el espectador. En su trabajo bien sea en la esfera pública, museos y galerías, explora el teatro de Brecht, el impacto de Artaud, pero igualmente personajes como Lenny Bruce, Jack Smith o Guy de Cointet. Ha investigado desde lo inadecuado como un modo de disidencia al papel de las prácticas artísticas en la configuración de las subjetividades así como el cuestionamiento de las categorías de salud y enfermedad.

Desde el año 2009 realizamos un taller de performance para profesores, educadores y artistas interesados en la educación. Se trata de una semana de trabajo con el cuerpo para unir lazos de colaboración y reflexionar de forma conjunta con los educadores del Centro, los profesores asistentes y el artista invitado acerca de los procesos educativos y la performatividad de la educación. Los artistas que realizaron los anteriores talleres de performance fueron: Los Torreznos, Tania Bruguera, Pere Faura, Itziar Okariz, Norberto Llopis y Nilo Gallego.
 

La práctica del Contact Improvisation se empieza a desarrollar en danza en la década de los setenta y toma fuerza y se extiende a escala global en los ochenta. Steve Paxton, quien la inició, quería volar pero antes se propuso, lógicamente, aprender a caer junto a otro cuerpo, y para ello empezó a cruzar principios de la danza, de la gimnasia deportiva y de las artes marciales como el aikido.

El principio básico de esta práctica es bailar manteniendo uno o más puntos de contacto con el otro, compartiendo el centro de gravedad con el otro cuerpo, saliendo de la verticalidad y la individualidad para entrar en una co-existencia, una comunidad basada en la confianza y el cuidado y en la voluntad de descubrir nuevos patrones de movimiento.

En este taller Aimar Pérez Galí propone partir de los principios del Contact Improvisation para pensar estrategias que nos ayuden a desarrollar herramientas pedagógicas. Tomando esta práctica como ejemplo de una política del cuidado, podemos abrir campos de exploración alrededor del cuerpo, sus usos, sus connotaciones y sus implicaciones a nivel social, político y cultural.

Dirigido a profesores e interesados en la educación. No es necesaria experiencia previa en danza, pero habrá que venir con ropa cómoda para moverse y con la voluntad de explorar, sudar, tocarse y compartir el peso y el pensamiento

Inscripción gratuita hasta 23 de junio. Descarga el formulario y envíalo a educacion.ca2m@madrid.org El 27 de junio se confirmarán los asistentes

En este taller nos aproximaremos desde posiciones críticas a algunas de las posibilidades de acción creativa que ofrece el abanico identitario a las prácticas artísticas actuales. Las nuevas subjetividades comienzan a posicionarse, ahora orgullosas de sus posiciones abyectas, y ello les permite estructurar campos discursivos de acción propia. Estas actitudes empoderadas han transformado de manera radical los escenarios de presentación y representación del arte.
El taller propone un recorrido que atraviesa algunas de las múltiples posibilidades narrativas que ofrece la nueva configuración visual producto del cambio identitario. Un viaje por los caminos que transitan las prácticas artísticas buscando la transformación de los retratos colectivos.

Hace unos años comenzamos un proyecto de colaboración con los profesores del grupo Enterarte. Lo que en un momento empezó como formación del profesorado del museo, se ha convertido en un proyecto entre iguales sobre educación en el que el conocimiento proviene de ambas partes: los educadores del museo y los docentes. Tanto es así que no solo compartimos visitas a exposiciones (dentro y fuera del museo) y talleres con artistas como el taller con Azucena Vieites, el colectivo Colektivof, Bárbara Fluxá y Fernando Sánchez Castillo. Sino que, al mismo tiempo, Enterarte alimenta las actividades del CA2M y aporta la experiencia y la realidad diaria del colegio y el instituto para hacernos crecer como departamento de educación.

http://blogenterarte.blogspot.com.es/

Dirigido a profesores e interesados en la educación

Inscripción gratuita hasta EL 30 de junio. Descarga el formulario y envíalo a educacion.ca2m@madrid.org El 4 de julio se confirmarán los asistentes

Las prácticas que parten de la experiencia implican un aprendizaje más significativo que aquellas que se centran en la transmisión de un conocimiento dado, por ello, cada final de curso realizamos un taller de verano para profesores con el deseo de explorar el potencial educativo de la acción y los modos de construcción de conocimiento que pueden derivarse de la acción.

Salir del estudio, ocupar la totalidad del espacio, distraer la tonica dominante, bajar la tensión de un acto inaugural, dormir con las puertas abiertas, sacar una piedra del muro, desactivar un protocolo de seguridad, dar paso a lo desconocido, oscurecer un recorrido, salir antes de tiempo, asimilar la temperatura exterior, detenerse en los tejados, atravesar ese bosque esta noche, salvar las distancias, ocupar una tribuna, meterse donde no te llaman, aumentar el caudal de un río, perderse por el camino, atar cabos, entrar por la puerta de atrás, ponerse en el lugar del otro, no hacer, tender un puente, retirar las vallas de un solar, volver a casa, abrir un agujero permanente, cambiar cerrado por abierto, encharcar el centro, salir del aula, derogar las normas de uso, volar al presente… Las propuestas de Luz Broto a menudo activan dimensiones desconocidas, enfatizan la exploración como herramienta de conocimiento del entorno dado y la acción como generadora de experiencias que, desde lo individual, se acercan a lo colectivo.

En este taller os proponemos trabajar durante una semana juntos en los «peros» que nos rodean, los que limitan las posibilidades de movimiento en nuestros espacios cotidianos, en nuestros lugares de trabajo, en nuestros cuerpos.

En años anteriores hemos realizado talleres con artistas como Los Torreznos, Tania Bruguera, Pere Faura, Itziar Okariz, Norberto Llopis, Nilo Gallego, Dora García y Aimar Pérez Galí.

r, s, t, u, v, w, x, y, z, a, b, c, d, e, f, g, h, i, j, k, l, m, n, ñ, o, p, q.

La escuela y el instituto son lugares que producen identidades y formas de relación. En ocasiones, una serie de normas basadas en una visión binaria del género, sexo y sexualidad atraviesan el aula, limitando cualquier otra posibilidad de ser/estar en el mundo. En la escuela no solo se imparten contenidos, sino que es el lugar donde aprendemos cómo deben ser las cosas y qué se puede o no se puede hacer. Una realidad basada en un ideario homogeneizador y normalizador que atraviesa el espacio y las relaciones. ¿Cómo intervenir entonces como profesorx para cuestionar esa experiencia de normalización y conseguir que el aula sea un lugar donde cada unx pueda tener su propia expresión?

Este año, siendo conscientes de la dificultad y la importancia de trabajar estos temas desde la escuela, nos gustaría traer lo aprendido en el taller queer con alumnxs de secundaria a este espacio para profesorxs, y generar desde la práctica nuevas formas de aprender. Con ayuda de las pedagogías queer y algunas estrategias artísticas, imaginaremos modos de construir juntxs un aula donde convivan subjetividades diversas y donde la diferencia sexual, racial, funcional, religiosa, etc. no sea leída como un problema. Alejándonos de un esencialismo que reproduce una serie de violencias y exclusiones, abordaremos cómo lo queer nos muestra que el orden que hemos naturalizado no es fijo, que nuestras posiciones cambian, pueden ser desplazadas y están llenas de posibilidades.

Grupo mínimo de 4 personas

El grupo puede ser formado por profesorxs de distintos centros.

Inscripción gratuita a partir del 19 de septiembre en educacion.ca2m@madrid.org / 912 760 227

Hace unos años comenzamos un proyecto de colaboración con los profesores del grupo EnterArte. Lo que en un momento empezó como formación del profesorado en el museo, se ha convertido en un proyecto entre iguales sobre educación en el que el conocimiento proviene de ambas partes: los educadores del museo y los docentes. Tanto es así que, no solo compartimos visitas a exposiciones (dentro y fuera del museo) y talleres con artistas como Azucena Vieites, el colectivo Colektivof, Bárbara Fluxá, Fernando Sánchez Castillo o Cabello/Carceller, sino que al mismo tiempo, EnterArte alimenta las actividades del CA2M y aporta la experiencia y la realidad diaria del colegio y el instituto para hacernos crecer como departamento de educación.

Este curso EnterArte celebra su vigésimo aniversario y nos gustaría realizar con ellos un año de colaboraciones especiales. Creemos importante poner en valor la pasión y el trabajo de este grupo de docentes y seguir pensando juntas las relaciones entre el museo y la escuela, abriendo procesos de investigación en torno a los lenguajes artísticos y desarrollando metodologías activas en el aula.

Más información en educacion.ca2m@madrid.org / 912 760 227

Inscripción hasta el 1 de julio. El 3 de julio se confirmará la lista definitiva de admitidos.

La Casa es un proyecto grande, extenso, diverso, complejo y complicado lleno de ramificaciones, formatos y trabajos, que Aitana Cordero ha estado desarrollando en los últimos 3 años.

La Casa es una búsqueda, un trato, una aventura, un desastre voluntario, una práctica que niega el “siempre nunca es posible”.

La intimidad de tocar un espacio y dejar que un espacio te toque.  El arte de la demolición, la coreografía del cimentar, el movimiento del pájaro haciendo su propio nido, la solidez de las ruinas, la destrucción como un ritual constructivo.
 

En este taller o encuentro se propone un entrenamiento corporal sobre la idea de construir y habitar juntos. Estas prácticas las relacionaremos con nuestra experiencia en el aula o en los espacios educativos y aprendizaje no solo pensando en el qué sino también en el cómo.
 

Se jugará con conceptos como la fisicalidad del construir, la creación de espacios, lo habitable, el hogar, la colaboración, lo íntimo, el cansancio, la repetición y el cocinar.
 

Tocando, oliendo, moviendo, estudiando, cuestionando, actualizándose,
edificaremos y demoleremos ideas, espacios, como una práctica para estar juntos, como una manera de reciclar cierta esperanza y crear un sentido nuevo de lo que podría ser habitable.
 

Nos preguntaremos

¿Qué espacios alternativos pueden emerger de la confrontación de deseos comunes y de la acción de construir y romperse?
¿Dónde estará entonces el confort, la raíz, la intimidad, el compartir?
¿Y si enraizarse es una actividad tridimensional y en movimiento?
¿Y si nuestros fluidos son capaces de unir ladrillos
que después serán paredes
que después serán habitaciones
que después serán edificios
que después serán calles
que después serán barrios
que después serán ciudades
que después serán países
continentes
mundos
universos
constelaciones....
 

En este taller andaremos, sudaremos, bailaremos, construiremos, destruiremos, inventaremos esquinas, rincones, caparazones y amuletos, saborearemos, habrá silencios, huecos, vacíos, cansancio y mucho objeto.
 

Aitana Cordero es coreógrafa, creadora, performer y pedagoga. (Desde 2000 desarrolla sus propios proyectos en forma de piezas, instalaciones, performances, coreografías, eventos, películas, videos, textos, propuestas culinarias y “cosas” que han sido presentados en diversas ciudades de Europa, América del Norte y Asia.
Desde 2001 compagina sus investigaciones y trabajos artísticos con una intensa labor docente en distintas escuelas privadas y Universidades y también realiza trabajos de dramaturgia y “compañía y observación” en procesos de otros coreógrafos o creadores. Sus universos aquí: www.aitanacordero.com  

 
Los años anteriores hicimos talleres de performance y educación con Los Torreznos, Tania Bruguera, Pere Faura, Itziar Okariz, Norberto Llopis, Nilo Gallego, Dora García,Aimar Pérez Galí y Luz Broto.

Con “Un número no es una palabra” el colectivo Las Lindes presenta en forma de audiovisual algunos fragmentos de las investigaciones y experimentaciones que ha desarrollado en los últimos tres años. Una película colectiva (y no del colectivo) que, más allá de mostrar un diagnóstico de la realidad o debatir sobre conceptos que por su excesivo uso empiezan a estar desgastados, quiere ser una invitación a hacer. Una serie de ejercicios que ponen en marcha ideas, lindan con lo absurdo, se entregan al juego experimental y, como ya es habitual, generan debate.

La presentación pública de este audiovisual será el inicio de un nuevo momento para el colectivo. El fin de este proyecto junto con las consecuencias, cambios, tensiones y pérdidas que la pandemia ha generado sobre los campos de exploración de este colectivo: arte, producción cultural y educación, ya han comenzado a desencadenar nuevas y diferentes formas de hacer en nosotras. No tanto por nuestra capacidad de adaptación como por la de resistencia. Continuamos convencidas de que aún hoy es necesario tramar formas y espacios desde los que pensar y actuar juntas, quizás más que nunca.

En resumen, Las Lindes hemos hecho una película que os queremos presentar el próximo viernes 25 de septiembre y que aun a riesgo de no ser entendida, huye de lugares comunes para crear un lugar en común y busca hablar escapando de las trampas del lenguaje.

Las Lindes es un grupo de investigación y acción sobre educación, arte y prácticas culturales. Está formado por Virginia Villaplana, María José Ollero, Diego del Pozo, Yera Moreno, Pablo Martínez, Marta de Gonzalo y Pili Álvarez.

Un grupo de profes y personas interesadas en la educación, fascinadas por el audiovisual, decidimos asomarnos juntas por la ventana, quisimos empezar por ahí, mirando como nunca antes, escuchando con atención lo pequeño y tocando el cine con nuestras propias manos.
 

Esto ha sembrado las ganas de seguir haciéndolo durante este curso, queremos compartir nuestras prácticas educativas, probar juntas para después proponer a nuestros/as alumnos/as, crear para seguir aprendiendo.
 

Si te interesa el audiovisual y la educación te animamos a formar parte de este grupo que se reunirá mensualmente para compartir procesos.

R, S, T, U, V, W, X, Y, Z, A, B, C, D, E, F, G, H, I, J, K, L, M, N, Ñ, O, P, Q.
 

Vamos a ponernos en una posición inesperada. Es posible que acabemos enseñando algo que no sabemos hacer y alguien silbe muy fuerte por primera vez. Puede que esto desencadene una extrañeza y pensemos por un momento en formas de enseñanza ajenas a la academia y al arte, o que nos volvamos locas al tratar de separar todo esto de las normas. O tal vez no. Vamos a ponernos en una posición inesperada y a ver si alteramos algo, ¿sí?
 

La última letra es Q es un taller para profesorxs en el que acercarnos a las pedagogías queer y sus derivas.

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Profesorado de infantil, primaria, secundaria, ciclos formativos, universidad y educación no reglada.
 

Horario: dos sesiones de dos horas a concretar con el grupo.
 

Grupos de mínimo de 4 personas que pueden ser de distintos centros educativos (es necesario apuntarse en grupo).