Cualquier persona interesada

Acento es un programa vinculado a Artistas en residencia en el que durante dos jornadas se realizarán presentaciones de algunos de los proyectos llevados a cabo durante las estancias de 2017 y donde se generará un espacio de encuentro con los artistas del 2018. En estos días ambas instituciones quieren poner el acento en la reflexión que parte de la propia investigación artística a través del cuerpo, entendiendo este como cuerpo social, como una construcción política productora de saberes desde lo sensible.

Artistas en residencia es un programa conjunto de La Casa Encendida y del CA2M Centro de Arte Dos de Mayo, cuyo fin es apoyar la creación y la investigación centradas en el trabajo con el cuerpo desde lo performativo.

Los artistas seleccionados en 2017 fueron: Aníbal Conde & Magdalena Leite, Anna Moreno, Bárbara Bañuelos Ojeda, Laia Estruch, Quim Bigas, SEPA & Lara Brown, Vicente Arlandis Recuerda

PROGRAMA

MIÉRCOLES 24 ENE

En CA2M Centro de Arte Dos de Mayo

18:00 h. Laia Estruch: MOAT

Moat es una práctica escénica experimental, un solo que se edita a partir de un archivo de ejercicios corporales y vocales alrededor de una estructura de hierro transitable (creada a partir de la recuperación de diferentes elementos y formas tipológicas de parques infantiles de comienzos del siglo pasado) que funciona como escena, partitura, instrumento y archivo. A través de una relación directa entre cuerpo y estructura, Moat persigue experimentar, fijar sonidos y recorridos generados por cuerpo y voz tomando como referencia los comportamientos corporales y acústicos de dichos espacios de recreo.

Moat se convierte en un espacio transversal mediante la realización de una serie de performances, cuyo registro sonoro da lugar a una investigación audible, dentro de la estructura de hierro transitable.

Laia Estruch, sus proyectos se inscriben en el ámbito de la performance desde donde trabaja con la voz como dispositivo y espacio de experimentación de sus propuestas artísticas. Sus proyectos cuestionan el sistema de signos del lenguaje oral y su interacción humana con una aproximación, performativa y crítica, a los usos de la voz.

19:30 h. Presentación de las publicaciones de los Artistas en residencia (Biblioteca)

20:00 h. Aníbal Conde y Magdalena Leite: FLICKER

Acción escénica de 50 minutos inspirada en la noción de flicker o parpadeo electrónico proveniente del cine experimental.

FLICKER ha sido creada durante su residencia en La Casa Encendida y el CA2M dentro el proyecto LOS40; Juntos han realizado las obras: DANCE DANCE DANCE con más de 50 presentaciones al público; VIDEOCLIP ; Experimento X5 y varios ejercicios creativos tanto escénicos como de acción performática y de imagen.

Aníbal Conde, artista en video y performer.

Trabaja en la escena desde el cruce de disciplinas y realiza videos experimentales enfocados en el aspecto formal de la imagen en movimiento. Sus videos y documentales han sido exhibidos en diversos festivales.

Magdalena Leite, es coreógrafa, bailarina y docente.

Ha recibido la beca danceWEB del Festival ImpulsTanz; el apoyo de IBERESCENA para la creación en 2010 y 2014 y de la Fundación Prince Claus para la presentación de Jack Taste la suerte está echada.

21:30 h. Sepa & Lara Brown: SUGA
SuGA es un estado alterado y confuso.
Un momento de hiperlucidez.
Una dramatización cósmica.
Un videoclip.
SuGa es un fantasma.
Un tono.
Un pacto.
Con lo bonito que se ve el windows 10 y lo pesado que es ponerse a programar...
SuGA intenta enredarse entre los hilillos invisibles.
Entre los calambres.
Las chispitas.
Esas dimensiones que lo complican todo.

Sepa escribe frases en carteles y los pega por ahí en los edificios. Lara Brown lo que hace con las frases es decirlas en alto.

Ambos pasan mucho tiempo preguntándose qué tipo de cosas son las que ocurren entre las personas. SUGA podría ser una conjunción de sus iniciales, pero está claro que no lo es. Son textos escritos en papel que se introducen en escena. Uno detrás de otro. Todo el rato.

JUEVES 25 ENERO

En La Casa Encendida

20:30 h. Quim Bigas: APPRAISERS

APPRAISERS es un proyecto continuo que va divagando en formatos alrededor de activaciones coreográficas que giran alrededor de la idea de valor, atención, orden y/o presente. Durante su residencia, ha conversado con una pared y sus posibles constelacionesconstel•laciones a partir de la excusa de NOMBRAR. Nombrar como eso que apunta, que dispara, que se mueve, que es instantáneo, que señala, que se acumula…

Quim Bigas, su trabajo se sitúa entre la coreografía, la danza, la dramaturgia, el encuentro y la práctica escénica. A través de procesos que mezclan procedimientos informativos e investigación de movimiento, se quiere aproximar a nociones y reflexiones sobre el compromiso, el valor, el formato y lo performativo.

VIERNES 26 ENERO

En centro cultural El Torito de Moratalaz

19:00h: Anna Moreno. THE DROWNED GIANT

En 1970 se organizó un happening en Moratalaz (Madrid) para promocionar el proyecto de vivienda utópica La Ciudad en el Espacio, del arquitecto Ricardo Bofill. Un evento que nunca se llegó a documentar, un proyecto que nunca se llegó a construir. El 7 de junio pasado, la artista Anna Moreno repitió aquel happening en el mismo lugar del original.

Anna Moreno junto al el experto en blues Ramón del Solo (entre otros) nos presentará la publicación The Drowned Giant, un LP con el registro sonoro de este proceso de restitución, la única documentación existente del evento. El disco contiene los testimonios de Gila Dohle, The Downton Alligators, Enrique Doza, Peter Hodgkinson, Anna Moreno, JC Ramone, Toti Soler y Ramón Del Solo, entre otros. La edición también incluye un libreto con relatos de ficción escritos por los arquitectos Paula Currás & Havi Navarro, la comisaria María Montero, el experto en blues Ramón del Solo y ella misma. Esta presentación será a su vez el prólogo del festival Moratalaz Blues Factory.

La presentación irá seguida de un concierto de los Downtown Alligators, una banda de rhythm and blues local con 10 años de trayectoria en salas madrileñas y nacionales.

La publicación ha sido producida con el apoyo de Barcelona Producció'17, La Capella / Institut de Cultura de Barcelona, y tutorizada por Latitudes (Mariana Cánepa y Max Andrews).

Esta presentación cuenta con el apoyo de Acento, del festival de blues de Moratalaz de Experimenta Distrito (Medialab Prado) y de la Junta Municipal de Moratalaz.

Anna Moreno es artista visual y trabaja entre La Haya (Holanda) y Barcelona. Actualmente es profesora de Artistic Research en la Royal Academy of Art de La Haya y es co-fundadora de la iniciativa artística Helicopter, un espacio para la experimentación y el intercambio de conocimiento.

En La Casa Encendida

22:00 h. Vicente Arlandis: SUMARIO 3/94

El 25 de junio de 1995, Vicente Arlandis Ruiz, vecino de Ibi (Alicante), es detenido por la Guardia Civil. Está siendo investigado por el asesinato de María Lidia Bornay Bernabeu, vecina de Ibi y de 84 años de edad. Él mismo había denunciado su desaparición cuatro días antes, extrañado de que María Lidia no contestara a sus llamadas. Cuando la Guardia Civil entra en su domicilio, el cadáver presenta múltiples signos de violencia. Vicente Arlandis Ruiz es acusado y finalmente declarado culpable de dicho asesinato. Es condenado a 29 años, 6 meses y 1 día de cárcel. Cumplió condena en varias prisiones del Estado y estuvo encarcelado durante 13 años, 7 meses y 10 días.

Este proyecto pretende construir una nueva historia y una nueva versión de los hechos. Quiere poner sobre la mesa e interrogar la forma y la multitud de historias que se sucedieron alrededor del suceso. Partir de la frialdad y la supuesta objetividad del relato judicial y hacerlo estallar en mil pedazos. Y rescatar nuestra historia a nuestra manera. Este proyecto pretende construir, quizás, una nueva inocencia. No tanto la que decretaría la institución judicial (que todavía hoy seguimos reivindicando), sino la inocencia que podría materializar (renovar, ampliar) el hecho escénico.

Vicente Arlandis es creador escénico, investigador y docente. Desde el año 2001 hasta el 2015 trabaja junto a Sandra Gómez en el proyecto Losquequedan donde llevan a cabo numerosos proyectos artísticos como la serie Borrones, Thank You Very Much, Tragedia de los Comunes, entre otros. En la actualidad participa en el proyecto colectivo TALLER PLACER junto a Mariví Martín, Miguel Ángel Martínez y Paula Miralles.

Entrada libre hasta completar aforo salvo sesión con Vicente Arlandis.

Entrada para Vicente Arlandis: 5€

Venta entradas en ticketea.com, en el teléfono 902 044 226 y en La Casa Encendida de 10.00 a 21.45h.

Artistas en Residencia es un programa conjunto de La Casa Encendida y del CA2M Centro de Arte Dos de Mayo, cuyo fin es apoyar la creación y la investigación centradas en el trabajo con el cuerpo desde lo performativo.

Se articula en relación a la programación estable de La Casa Encendida y el CA2M, por ello se valoran aquellos proyectos que responden mejor a las líneas de investigación y experimentación de ambos centros. Artistas en Residencia es además un programa orientado a establecer diálogos entre los creadores y los agentes vinculados a ambas instituciones y sus programas.

Proyectos seleccionados:

MARÍA SALGADO Y FRAN MM CABEZA DE VACA.
JINETE ÚLTIMO REINO

Jinete Último Reino nombra una zona de investigación audiotextual alrededor del deseo, la represión, la rebeldía subjetiva y la alegría compartida por las subculturas de la noche. Además de piezas sonoras, instalativas e impresas, la zona comprenderá tres obras escénicas o fragmentos, que puedan, por un lado, sostenerse autónomamente, y, por otro, reagruparse como obra de sentido completo en el momento en el que las 3 estén listas.

Si el Fragmento 3, estrenado en junio de 2017 dentro del programa de “El porvenir de la revuelta” (Matadero de Madrid) se ocupaba de la noche como momento de liberación y narcisismo, lucha política y hedonismo, de los cuerpos que no cumplen la norma (y, en cierta medida, la juventud); el Fragmento 2 hablará de la normalización de la etapa escolar (y, en cierta medida, la adolescencia), mientras que el Fragmento 1 va a intentar traer a escena algo tan delicado y frágil como la infancia, sus gestos prelingüísticos, la formación de un movimiento característico de una, de uno, de unx, la formación de la pluma como diferencia (cualquiera) de (cualquier) cuerpo que aparece en y se relaciona con el mundo.

María Salgado y Fran MM Cabeza de Vaca trabajan juntxs en Madrid desde el año 2012, a partir de una idea de audiotexto como intersección entre la poesía, el lenguaje, el arte sonoro, la música y la performance. De 2012 a 2016 estuvieron inmersxs en un proyecto de vida y creación llamado Hacía un ruido. En enero de 2017 retomaron algunas preguntas sobre mansedumbre, rebeldía y desobediencia que habían empezado a hacerse una calurosa noche del Ladyfest Madrid 2013, para de nuevo iniciar un largo camino de pruebas formales, obras escénicas y experiencias vitales al que han llamado Jinete Último Reino.

http://m-slgd.tumblr.com/ 
http://franmmcabezadevaca.tumblr.com/

ESTHER RODRÍGUEZ-BARBERO
GUIDED TOUR

‘Guided Tour’ no es una visita guiada. ‘Guided Tour’ es más bien una visita habitada o un recorrido espacial o quizás tan sólo un encuentro con lo que no se ve, con lo que está detrás, con lo que aún no podemos nombrar. ‘Guided Tour’ es una herramienta para pensar/nombrar/vivir/habitar el espacio desde el cuerpo, para afectar y ser afectado por los cuerpos/objetos/límites/dimensiones/historias/discursos/normas que lo conforman.

Esther Rodríguez-Barbero. Creadora escénica, performer y arquitecta. Se forma en danza contemporánea paralelamente a los estudios de arquitectura y posteriormente realiza un Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual, UCLM en colaboración con el Museo Reina Sofía. Actualmente realiza una investigación en a.pass (advanced performance and scenography studies). Como creadora escénica ha mostrado trabajos en diferentes contextos. Su trabajo se sitúa entre la coreografía, la práctica escénica y la arquitectura. Últimamente se dedica a diseñar prácticas espaciales.

https://www.estherbarbero.com/ 

DAVID BENITO, IRENE CANTERO, VÍCTOR COLMENERO PROYECTO: EN LA NATURALEZA
Desde tres modos de acercarnos a la idea de Naturaleza: lo salvaje –la mirada puesta en la antropología y la anatomía–, la armonía –una posibilidad al panteísmo, a lo espiritual y/o trascendental– el exilio –la llegada a la naturaleza como posicionamiento político, ético y estético–. EN LA NATURALEZA es: Un proyecto a tres sobre las estrategias de la vida la en la Naturaleza. Tres acercamientos distintos y sus posibles simbiosis; un modo de recorrer los lugares y trazar relaciones con ellos a través de nuestro cuerpo y nuestras acciones; una reflexión sobre la función y consecuencias de dichas acciones para con el entorno; una disección del trabajo de campo en sí mismo, del acto de moverse por un terreno, del hecho de habitarlo.

Nuestro modo de hacer pasa por el cuerpo y la acción en crudo. Tanto desde un lenguaje cercano a la danza –siempre entendiendo danza como la expresión libre de un cuerpo y huyendo de los códigos y reglas que lo coartan– como desde todas las acciones que puede realizar un cuerpo, en este caso domesticado y salvaje a un tiempo. Nuestra búsqueda va hacia ese cuerpo que sabe dónde están sus instintos y sus comportamientos naturales y decide cuando mostrarlos o disimularlos.

David Benito es licenciado en Historia del Arte y en Bellas Artes y Master universitario en Investigación en arte y creación en Madrid, actualmente es estudiante de doctorado, con una investigación sobre los flujos de imagen a tiempo real en el entorno de las artes plásticas y escénicas. Desde 2006 se dedica a las artes escénicas, y trabaja también como iluminador, coordinador técnico y creador audiovisual. A día de hoy, es coordinador técnico de las compañías Angélica Liddell/Atra bilis y Daniel Abreu, y colaborador de las coreógrafas Irene Cantero y Elena Córdoba.

Irene Cantero trabaja en realidades diversas siempre enmarcadas en las artes vivas: los lenguajes del cuerpo –coreografía, interpretación y pedagogía– y la luz –diseño de iluminación–. Desarrolla su propia obra y colabora con compañías y artistas independientes que sostienen una línea entre la danza contemporánea, la performance y los géneros híbridos. Licenciada en Escenografía en la Real Escuela Superior de Arte Dramático y en Coreografía en el Conservatorio Superior de Danza María de Ávila de Madrid. Su práctica artística explora una forma de entender la danza desde la transdisciplinaridad y la resistencia. 

http://enprofundidad.eu 
https://vimeo.com/channels/enprofundidad/ 

Víctor Colmenero Mir es licenciado en Escenografía, Iluminación y Vestuario por la RESAD. Trabaja principalmente como iluminador de distintas compañías pero también como escenógrafo, figurinista, coordinador, director de arte y tallerista. Todas sus piezas comparten entre sí la idea de un entrenamiento corporal distópico y específico: el devenir, la irradiación, la perspectiva y, en esta ocasión, el adentramiento en la Naturaleza. https://victorcolmeneromir.wordpress.com/

JAVIER MARQUERIE THOMAS
EXTRAOCEANIC
“Agotadas al contemplar la extensión del liderazgo conservador, al contemplar la falta de apoyo institucional hacia minorías que no encajan en la narrativa patriarcal blanco-cristiana, junto a la desaparición de la preocupación por el cambio climático, en el 2050 las comunidades queer y aliadas de todo el mundo decidimos unirnos en busca de otro lugar donde habitar. En esta mirada hacia el futuro, el género fue transgredido y el posthumanismo se volvió ubicuo. La admiración hacia las criaturas transgénero y hermafroditas de las zonas abisales del océano, nos llevó a unirnos a ellas y realizar nuestra metamorfosis a la especie Extraoceanic. Durante un tiempo vivimos nuestra utopía queer, pero al llevar años ingiriendo rocas y microfibras de plástico, nuestra vida consciente acabo, dejando nuestros cuerpos de plástico en una existencia eterna.

El plástico se conocía como el punto clave en la historia que marcó un antes y un después en el antropoceno. Se conocía como el gran desastre para el medio-ambiente, fruto de la inconsciencia de la raza humana. El plástico será recordado como la causa de la destrucción de nuestra especie. El plástico fue nuestra esperanza, produjo un sentimiento de comunidad, fue un parentesco. Somos flalato dietilo, somos plomo, somos cadmio y somos mercurio. El plástico somos nosotras. ¡Nos pertenece! Y condiciona nuestra existencia. Somos un eterno cuerpo queer, de camino a un futuro certero. Los diamantes no son forever, este mineraloide es forever.”

Javier Marquerie Thomas trabaja principalmente entre el video, la performance y la instalación. En estos momentos, se encuentra trabajando sobre los cambios genéticos que ocurren en el cuerpo al invertir su gravedad, en búsqueda de una nueva semántica del movimiento, una investigación que empezó en una de las residencias anuales de Aikas Zado Laboratory, en Zeimiai, Lituania. Actualmente es profesor y dirige el departamento de video y fotografía del Brampton College, Londres. http://javiermarquerie.blogspot.com/ 

JAVIER VAQUERO Y OIHANA ALTUBE
ROJO PANDERETA
Las danzas del sí (¡dan zzzzzzz ano!): Eróticas del fraseo, el effacé/écarté/épaulement (juegueteo hombro-hombro: “pechito con pechito, ombligo con ombligo”); la suspensión/elongación (dilataciones de la acción en el tiempo que generan símbolo: arquetipo); el allegro/andante/polca/vals: pandereta, guitarra, castañuela, trikitrixa, txistu, zambomba y gaita; grandes/pequeños/medios saltos, giros, developés; el acento, que cristaliza en gesto: narración (punta-talón-punta: principio-nudo-desenlace), mímica y teatrillo (todo con mucha emoción, muy afectado hasta llorar de alegría: el re-que-té). 

El B/ballet manchego-ibérico (mediterráneo) como horizonte: El Quijote de la Mancha cómo oráculo. ¿Si España es mucho y mucha España, cómo sería España poco y poca España?. Cervantes era maricón y nosotras somos bailarinas: La danza agujerea en su danzar: queremos quedarnos en ella y “ser munición de su guerra”.

Javier Vaquero y Oihana Altube son bailarinas ibéricas con cuerpos que han performeado la danza clásica, el Graham, el Flying Low, el Relehase, la Macarena, el Pilates, el Movimiento Auténtico, el Yoga occidental, el Quiromasaje, las Danzas de Carácter, el Horton, el Body Mind Centering, el Feldenkrais, el Neoclásico, el Forshyte, el Jazz, el Aerobic, el Aurresku, las Sevillanas, el Voguing, el Cunningham, la Composición en Tiempo Real, la Danza Movimiento Terapia y la Sardana, entre otras.

TWINS EXPERIMENT
EVERLASTING SOFTNESS
Everlasting softness es el tercer proyecto de Twins Experiment en el que queremos proponer y propiciar un espacio blando para ejercitar la escucha de la materia y su agencia, un espacio sensorial ficcionado donde todos los cuerpos tengan la misma importancia y la materia sirva como materialización de la tercera cosa que se produce entre dos.

Either of two persons or things closely resembling each other. Being one of a pair, identical: twin towers.

Made of two similar parts connected.

Ainhoa y Laura. Madrileñas. Gemelas. Fueron separadas al nacer y se reencontraron en 2014. Juntas son Twins Experiment. Juntas hacen playlists, listas, esquemas, collages…Hacen piezas juntas, bailan, duermen, idean juegos y, a veces, comparten piso. Twins son dos y son colectivo. Trabajan desde la afectividad, la telepatía y la horizontalidad. Ser Twins les permite tomar riesgos que no tomarían solas, juntas se convierten en superhéroes. https://ainhoahernandez.wordpress.com/twins-experiment/ 

ANIARA RODADO Y ÓSCAR MARTÍN
TRANSCRIPCIONES VEGETALES
"Devenir" implica transformarse en otra cosa a través de nuevas relaciones, alianzas y vínculos, mientras cambiamos nuestra forma de concebir y agenciar la existencia. Para este proyecto, hemos escogido las plantas como la alteridad con la cual «devenir». Intentamos con este gesto, desbancar nuestra postura auto-atribuida de reyes supremos de todo lo existente, una postura que inexorablemente pone en grave peligro casi cualquier tipo de vida en la tierra, tal como la conocemos.

«Transcripciones vegetales» es una investigación-creación-especulación en la que buscamos a través del análisis, la notación, la transmisión y la transducción de los movimientos de un Eucalyptus Globulus y una Rue Graveolens, poner en juego nociones y « valores » antropocéntricos heredados y reproducidos por la danza, fácilmente identificables en los sistemas de notación (principalmente notación Laban y Benesh).

Durante la residencia probaremos y configuraremos una serie de performances/experimentos a partir de los materiales, conceptos y otros saberes que allí emerjan. Dichos conocimientos y formas, generaran eventos transdisciplinares donde involucremos cuerpos humanos (performers y público), cuerpos vegetales y dispositivos maquínicos de luz/sonido/imagen/olor.

A modo de código fuente, elaboraremos un cuaderno de creación que dé cuenta de este proceso, y que será compartible, modificable y reproducible.

Aniara Rodado es coreógrafa, artista e investigadora. Desde un punto de vista transfeminista, Aniara explora la brujería y las relaciones transespecies, tomando como entrada el mundo vegetal. Su trabajo gira en torno a cuestionamientos sobre la presencia, la representación y la estandarización de distintos tipos de cuerpos, alianzas y diversas formas de vida, en el actual contexto de crisis ecológica y de fetichización tecno científica. Como bailarina interroga el cuerpo humano como receptor-emisor inserto en contextos complejos, diversos, fragmentados y descentralizados, en los cuales lo humano es sólo un elemento más.

Sus proyectos incluyen instalaciones, textos, videos, performances y piezas de danza, creados bajo el paradigma de la cultura de código abierto y el bricolaje. https://aniara-rodado.net/ 

Óscar Martín es artista, investigador y programador independiente.En su práctica artística confluyen e hibridan arte, ciencia y tecnología desde una aproximación no ortodoxa, crítica y experimental. Su investigación teórico-práctica se centra en el fenómeno de la “emergencia” y la “autoorganización” en sistemas complejos, descentralizados y caóticos (naturales o simulados artificialmente) y en su implementación en un contexto de creación artística. http://noconventions.mobi/noish/hotglue/?oscar_martin 

Artistas en residencia es un programa conjunto de La Casa Encendida y del CA2M Centro de Arte Dos de Mayo, cuyo fin es apoyar la creación y la investigación centradas en el trabajo con el cuerpo desde lo performativo.

Acento es un programa vinculado a Artistas en residencia en el que durante dos jornadas se realizarán presentaciones de algunos de los proyectos llevados a cabo durante las estancias de 2016 y donde se generará un espacio de encuentro con los artistas del 2017. En estos días ambas instituciones quieren poner el acento en la reflexión que parte de la propia investigación artística a través del cuerpo, entendiendo éste como cuerpo social, como una construcción política productora de saberes desde lo sensible.

Los artistas seleccionados en 2016 fueron: Lilli Hartman y Pablo Durango, Gérald Kurdian, Norberto Llopis y Paz Rojo, Julián Pacomio y Miguel del Amo, Claudia Pagés, Quim Pujol y Silvia Ulloa.

PROGRAMACIÓN

VIERNES 27 ENE. En CA2M Centro de Arte Dos de Mayo

20:00 H: Julián Pacomio y Miguel del Amo: ESPACIO HACEDOR

Si existe un vacío entres dos iguales, es ahí donde se sitúa el Espacio Hacedor.

Espacio Hacedor es un proyecto de investigación que propone identificar, analizar y construir de manera arquitectónica los posibles espacios que se ubican entre un original y su copia. Nuestro interés radica en el potencial estético del espacio que se encuentra entre dos productos casi idénticos. Asumimos que en el proceso de copiar o rehacer un producto, del tipo que sea, tiene dos consecuencias inevitables: la primera, la copia no solo produce un producto nuevo diferenciado del original, sino que produce un tercero resultado de la lectura del original y su copia conjuntamente (1 + 1 = 3). La segunda consecuencia es la que abre la posibilidad de identificar una imagen invisible entre dos imágenes. Esta es la que interesa en Espacio Hacedor.

El proyecto está pensado en relación a la obra de Jorge Luis Borges, Agustín Fernández Mallo e Isidoro Valcárcel Medina. Una aproximación desde el cuerpo y el espacio escénico, al trabajo literario, conceptual y arquitectónico de los autores mencionados.

Julián Pacomio es licenciado en Bellas Artes en Salamanca .Entre algunos trabajos destacados están My Turin Horse, Psicosis Expandida y Espacio Hacedor, proyectos de artes escénicas que indagan la idea de copia, remake, traducción y apropiación de materiales ajenos.

Miguel del Amo es licenciado en Arquitectura por la ETSA de Valladolid y la Budapesti Műszaki és Gazdaságtudományi Egyetem ,mantiene un interés sobre la arquitectura y el diseño basados en enunciados desde los aspectos más funcionales hasta los menos explorado por estas disciplinas.

21:30 H: Quim Pujol. FREGOLI

Leopoldo Fregoli fue uno de los transformistas más importantes de la historia. En sus espectáculos cambiaba de aspecto de manera frenética y daba vida a docenas de personajes en una misma representación. El crítico Sebastià Gasch escribió sobre él: <<Fregoli encarnó a más de un millar de personajes de todos los géneros, tipos y especies (…) Con Fregoli brotaban, llevadas a la la escena, las primeras intuiciones de los temas de nuestro tiempo>>. El actor italiano también se convirtió en una referencia esencial para Joan Brossa y el arte escénico de vanguardia. Este ejercicio apela tanto a Fregoli como a la vanguardia para celebrar la capacidad de transformarnos, el ser en movimiento y sus inagotables posibilidades.

¿Qué nos queda aún por aprender de Fregoli? En esta serie de números de transformismo, el intérprete nunca cambia de apariencia.

Quim Pujol es escritor, comisario y artista. Trabaja en los límites entre la escritura, las artes en vivo y el arte contemporáneo. Sus últimos trabajos son Trance colectivo (2014), ASMR del futuro (2015) y Fregoli (2016).

Entrada libre hasta completar aforo

SÁBADO 28 ENE. En La Casa Encendida. Patio

22:00 H: Hot Bodies (Stand up), de Gerald Kurdian & Trk_X

Hot Bodies (Stand up) es una actuación en directo de Gerald Kurdian, dos instrumentos electrónicos, un sampler y un vocoder, y la participación de un coro femenino creado para la ocasión. Tomando prestado el vocabulario de la ópera, la comedia stand-up, la coreografía y el documental, su libreto cuenta en 7 cantos y 2 interludios bailados, los encuentros de un antihéroe llamado Tarek X en su camino a través de las revoluciones sexuales de los siglos XX y XXI.

Gerald Kurdian es intérprete, compositor y artista de radio. Explora la performatividad y la crítica del arte contemporáneo a través de diferentes dispositivos.

Entrada: 5€
Venta entradas en ticketea.com, en el teléfono 902 044 226 y en La Casa Encendida de 10:00 a 21:45 H

Artistas en residencia es un programa conjunto de La Casa Encendida y del CA2M Centro de Arte Dos de Mayo, cuyo fin es apoyar la creación y la investigación centradas en el trabajo con el cuerpo desde lo performativo. Se articula en relación a la programación estable de LCE y el CA2M, por ello se valoran aquellos proyectos que responden mejor a las líneas de investigación y experimentación de ambos centros. Artistas en residencia no es solo una ayuda a la producción, sino también una oportunidad para establecer diálogos entre los creadores y los agentes vinculados a ambas instituciones y sus programas.

Proyectos seleccionados:

Aníbal Conde & Magdalena Leite - “LOS40”
Anna Moreno - “The Drowned Giant”
Barbara Bañuelos Ojeda - “Mi padre no era un famoso escritor ruso”
Laia Estruch - “Moat”
Quim Bigas - “Nombrar”
SEPA & Lara Brown - “SUGA”
Vicente Arlandis Recuerda - “Sumario 3/94”

ANÍBAL CONDE & MAGDALENA LEITE. “LOS40”

LOS40 es la versión española de una investigación coreográfica que venimos desarrollando desde el año 2014 en distintos contextos, y que se enfoca en la relación imágenes en movimiento - cuerpo. En concreto nos interesa ver de qué manera las imágenes de los videoclips y la cultura MTV han educado a los cuerpos que crecieron bajo su influjo y qué de esa información permanece “archivada” en nuestras corporalidades.  

Con LOS40 queremos profundizar en las particularidades del contexto español, en esta suerte de auto etnología, que parte de una pregunta que nos hacemos los autores, ¿por qué nos movemos como nos movemos?, y que entiende que para ser respondida debe buscar la información en los otros, ya que todos somos cuerpos moldeados por fuerzas más grandes, cada cual, a su particular manera, pero todos, parte de una misma época e influidos por el mismo mercado cultural.

Y, por otro lado, queremos continuar con la investigación sobre los elementos estructurales del videoclip y su posible traducción escénica.

Aníbal Conde es artista visual y performer.

Magdalena Leite es coreógrafa, bailarina y docente.  Los dos son artistas uruguayos basados en México. Juntos han realizado las obras: DANCE DANCE DANCE, con más de 50  presentaciones al público en lugares como la Judson Church en Nueva York, el Museo Universitario de Arte Contemporáneo MUAC y el Teatro Pradillo en Madrid; y VIDEOCLIP, investigación que comenzó en 2014 con el apoyo de IBERESCENA y que continúa al día de hoy en distintos contextos iberoamericanos. Cuentan con el apoyo del Programa Fomento del FONCA 2016-2017 para presentar VIDEOCLIP e impartir talleres de creación.  Su línea de investigación se centra en la relación imagen-cuerpo desde un enfoque interdisciplinar. Los dos artistas son miembros del Colectivo AM.

http://cargocollective.com/arrecifedancedancedance/Bio

ANNA MORENO. THE DROWNED GIANT

The Drowned Giant es un proyecto de investigación sobre la posibilidad de que algo vuelva a suceder. Parte de una investigación sobre el posible reenactment de un happening organizado por el estudio Bofill en Moratalaz en junio de 1970, para promocionar su proyecto de arquitectura utópica “La Ciudad en el Espacio”. El evento fue pronto cancelado por la policía franquista y el proyecto fue enterrado en el olvido.

Se centrará en cómo el acto de reenactment afecta los cuerpos y el entorno socio-político de los presentes, especialmente cuando partimos de un evento del que no tenemos casi testigos. El proyecto The Drowned Giant pretende así recoger una comprensión crítica de los ideales progresistas y utópicos de los años 70 vistos desde otra lente, revelando hasta qué punto una interpretación ideológica de un evento, del objeto arquitectónico o de lo utópico puede neutralizar su naturaleza original, o cómo puede re-apropiarse incesantemente bajo nuevos paradigmas.

El reenactment sólo podrá tener lugar cuando el relato será reinterpretado, gracias a los colaboradores y a los presentes que acepten formar parte de la restitución del momento histórico, -atraídos ya sea por una idea de progreso o de nostalgia, sentimientos afines a los que se vivieron entonces, en el momento del evento original, sobre el futur(ism)o como promesa de un tiempo mejor. Es el cuerpo libre, pero a la vez motivado por una restitución de un sentimiento, quien re-inventa, re-hace, re-establece su propia coreografía y su propio estar presente no sólo en un tiempo-espacio, sino también en un plano corporal-afectivo, cercano quizá al espacio interior del que hablaba J.G. Ballard.

Anna Moreno es artista visual. Trabaja entre Barcelona y La Haya. Ha realizado eventos en SFMOMA (USA), W139 (NL) y SASG (KR); y performances en Stroom (NL), El Graner y NauEstruch. Ha expuesto en Blueproject Foundation, 1646 (NL), Sala d’Arcs (València), bb15 (AU), MUSAC, (León), CAAC (Sevilla), CoCa (PL), Generator Projects (UK) y ADNPlatform, y ha sido residente en Hangar, HIAP (FI), Wander (NL), SASG (KR), Atelierhaus Salzamt (AU) y Cittadellarte (IT). Es profesora de Artistic Research en la Royal Academy of Art de La Haya (NL) y co-fundadora de la iniciativa artística Helicopter (NL). http://www.annamoreno.net/index.php/Home/

BÁRBARA BAÑUELOS OJEDA. MI PADRE NO ERA UN FAMOSO ESCRITOR RUSO

Un proyecto  de Investigación social y creación escénica. A los 14 años descubro un secreto familiar, un secreto que podía cambiar mi historia, la historia de una familia, y de su entorno social. Todo ello me hace reflexionar sobre la memoria individual y como esta conforma la historia colectiva. A partir de ese momento, investigo, documento testimonios, recopilo información institucional e indago sobre acontecimientos y hechos similares dentro de un contexto social y una época determinada.

Este documental escénico pretende ser un recorrido por los conceptos de archivo, recuerdo, documento, historia, memoria, imagen, cuerpo, narración, imaginación, pasado, futuro y presente.

Un documental más allá de la pantalla y de la imagen proyectada, donde lo escénico, la experiencia cinematográfica y lo corporal se expanden para generar una nueva mirada, un nuevo lugar para descubrir el papel del cuerpo (re)actualizando el pasado, el recuerdo y la memoria en relación con la historia y con su contexto escénico.

Bárbara Bañuelos, formada, deformada y transformada entre Burgos, Madrid, Londres y Nueva York, compagina su trabajo escénico con diversos proyectos musicales.  Con “Inventario: memorias de una aspiradora”, su proyecto más reciente, ha estado, junto a cientos de papeles y objetos desechados que ha ido recopilando en los últimos veinte años, en los suelos de espacios escénicos y expositivos como el Musac, Artium, Caixa Forum, Teatro Pradillo, Festival Escena Abierta. Actualmente está en proceso de investigación y creación de “Mi padre no era un famoso escritor ruso”, un documental escénico surgido de los hallazgos aparecidos en su pieza anterior. Forma parte de Ju. grupo musical que surge como laboratorio de creación y composición y que se consolida con un primer álbum en 2015 “Poco Adrede Nunca” y con un segundo “Todo y la cabeza” que saldrá esta primavera. Además, es la voz, la cabeza y la mano escarbadora de Elephant Pit, proyecto musical de versiones y con el que ha recorrido salas nacionales, espacios efímeros y festivales no convencionales. http://cargocollective.com/barbarabanuelos

LAIA ESTRUCH. MOAT

Moat es una práctica escénica experimental, un solo que se edita a partir de un archivo de ejercicios corporales y vocales alrededor de una estructura de hierro transitable (creada a partir de la recuperación de diferentes elementos y formas tipológicas de parques infantiles de comienzos del siglo pasado) que funciona como escena, partitura, instrumento y archivo. A través de una relación directa entre cuerpo y estructura, Moat persigue experimentar, fijar sonidos y recorridos generados por cuerpo y voz tomando como referencia los comportamientos corporales y acústicos de dichos espacios de recreo.

Moat se convierte en un espacio transversal mediante la realización de una serie de performances, cuyo registro sonoro da lugar a una investigación audible, dentro de la estructura de hierro transitable.

Laia Estruch es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona. Cursó su último año de licenciatura estudiando Performance Art y Arte Sonoro en la Universidad “The Cooper Union” (Nueva York).  Los proyectos de Estruch se inscriben en el ámbito de la performance desde donde trabaja con la voz como dispositivo y espacio de experimentación de sus propuestas artísticas. Sus proyectos cuestionan el sistema de signos del lenguaje oral y su interacción humana con una aproximación, performativa y crítica, a los usos de la voz. Ha presentado sus performances en el Macba, en el teatro La Villarroel de Barcelona, en la Fundación Antoni Tàpies de Barcelona, en la Fundación Joan Miró de Barcelona, en el Centro Parraga de Múrcia, en el Antic Teatre de Barcelona y en el Teatro Pradillo de Madrid, entre otros lugares.
www.laiaestruch.com 

QUIM BIGAS. NOMBRAR

NOMBRAR forma parte del universo APPRAISERS, un proyecto que empezó en el 2011 y que está en constante re-formulación y transformación. En este caso, para la investigación de NOMBRAR, tengo interés en habitar un espacio durante un mes e indagar en sus múltiples formas de ser nombrado que es, en cierta forma, una forma de darle cuerpo.

NOMBRAR busca encontrarse dentro de un campo que es ambiguo; donde la práctica es su propia metodología y su única forma de ser coherente; dónde no hay posiciones concretas sino movimientos que evolucionan.  Durante la práctica e investigación, se encontraran posibles formas de compartir el trabajo a través de posibles activaciones. Las activaciones las entendemos no sólo como productos de consumo inmediato sino también como disparadores que van mucho más allá del dominio de la práctica y que informan nuestras propias formas de tomar posición. Esperamos que esas activaciones sigan ampliando el dominio de la coreográfico y lo performativo como un lugar de potencia y activación; un lugar para cuestionar las formas y los lugares que compartimos.

El trabajo de Quim Bigas se sitúa entre la coreografía, la danza, la dramaturgia, el encuentro y la práctica escénica. A través de procesos que mezclan procedimientos informativos e investigación de movimiento, se quiere aproximar a nociones y reflexiones sobre el compromiso, el valor, el formato y lo perfomativo. www.quimbigas.com 

SEPA & LARA BROWN. SUGA

Queremos encontrar una manera de contar por medio de acciones.
La acción nuclear es desplegar un texto escrito en un cartel.
Queremos investigar maneras de mostrar texto escrito en papeles grandes.
Texto como luz que tiñe el espacio con su sola aparición.
Texto que aparece y de repente afecta al tono.
Contemplar cómo una frase genera un cambio en el ambiente.

No sólo es lo que dice el texto.
Sino cómo aparece.

Cómo un texto hablado y otro escrito se resignifican.
Cómo un texto escrito y un sonido se resignifican.
Cómo la manera de aparecer el texto lo resignifica
Cómo el tiempo que dura un texto lo resignifica.
Cómo y quién lo pone lo resignifica.

La tensión que se genera
hasta que emerge una nueva pelotita de sentido
y empieza a rebotar por las neuronas.
Como en un pinball.
Igual.
Como un striptease lingüístico.
Como un trilero semántico.
¡Eso es!
¡Exactamente eso!

Sepa escribe frases en carteles y los pega por ahí en los edificios. Lara Brown lo que hace con las frases es decirlas en alto. Ambos pasan mucho tiempo preguntándose qué tipo de cosas son las que ocurren entre las personas. SUGA podría ser una conjunción de sus iniciales, pero está claro que no lo es. Son textos escritos en papel que se introducen en escena. Uno detrás de otro. Todo el rato.

VICENTE ARLANDIS RECUERDA. SUMARIO 3/94

El 25 de junio de 1995, Vicente Arlandis Ruiz, vecino de Ibi (Alicante), es detenido por la Guardia Civil. Está siendo investigado por el asesinato de María Lidia Bornay Bernabeu, vecina de Ibi y de 84 años de edad. Él mismo había denunciado su desaparición cuatro días antes, extrañado de que María Lidia no contestara a sus llamadas. Cuando la Guardia Civil entra en su domicilio, el cadáver presenta múltiples signos de violencia. Vicente Arlandis Ruiz es acusado y finalmente declarado culpable de dicho asesinato. Es condenado a 29 años, 6 meses y 1 día de cárcel. Cumplió condena en varias prisiones del Estado y estuvo encarcelado durante 13 años, 7 meses y 10 días.

Este proyecto pretende construir una nueva historia y una nueva versión de los hechos. Quiere poner sobre la mesa e interrogar la forma y la multitud de historias que se sucedieron alrededor del suceso. Partir de la frialdad y la supuesta objetividad del relato judicial y hacerlo estallar en mil pedazos. Y rescatar nuestra historia a nuestra manera. Este proyecto pretende construir, quizás, una nueva inocencia. No tanto la que decretaría la institución judicial (que todavía hoy seguimos reivindicando), sino la inocencia que podría materializar (renovar, ampliar) el hecho escénico.

Vicente Arlandis es creador escénico, investigador y docente. Máster en Producción Artística (Pensamiento Contemporáneo) por la Universidad Politécnica de Valencia y Máster en Performance en APASS (Adavanced Performance and Scenography Trainning), Bruselas. Desde el año 2001 hasta el 2015 trabaja junto a Sandra Gómez en el proyecto Losquequedan donde llevan a cabo numerosos proyectos artísticos como la serie Borrones, Thank You Very Much, Tragedia de los Comunes, entre otros. En la actualidad participa en el proyecto colectivo TALLER PLACER junto a Mariví Martín, Miguel Ángel Martínez y Paula Miralles.