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20 MAR — 24 ABR 2016

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LA RÉPLICA INFIEL

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CINE LOS DOMINGOS 2016

¿Es un ciclo?

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Con motivo del proyecto Acupuntura. La arquitectura del CA2M en transición en el que se realizarán intervenciones arquitectónicas en el edificio, el Centro permanecerá cerrado durante el mes de noviembre, por lo que el cine pasa a proyectarse los domingos a la misma hora en el Museo de la ciudad de Móstoles.

Comenta el escritor argentino César Aira que la cultura de lo audiovisual en la que hoy en día estamos insertados y que se consume en el momento, que vive del instante, de lo que brilla; ha propiciado que el signo de los tiempos en lo referente al relato conlleve que la mayoría de las narraciones se escriban, se inscriban en el tiempo presente; que sean pocos los escritores que utilicen otros márgenes temporales para encuadrar o pensar sus escritos. Según Aira, este hecho, aplana el relato, lo achica, lo achata, dejándolo sin perspectiva, como si lo que se cuenta sólo pudiese pensarse mientras se dice, mientras se escribe, a la par, según está sucediendo, como si no cupiese la posibilidad de salir de un presente infinito que relata lo que uno ve, que relata en directo la experiencia.

Esta imposibilidad por pensar o pensarse más allá del presente, lo imposible de inventar un futuro o reinventarse el pasado es el signo de los tiempos, no sólo en lo referente a las narraciones, sino también en lo referente a cómo ensayamos, vivimos o abordamos la experiencia temporal hoy en día. En una rutina atiborrada de información y trabajo, la posibilidad de proyectar o vislumbrar un futuro se nos cancela, mientras que el pasado se nos presenta una y otra vez como un mal decorado, como una mala copia de algo previamente vivido. Pensemos pues que este estiramiento infinito del presente no fue siempre así, que la experiencia temporal se modifica y se ha modificado a lo largo de la Historia y que por tanto, esta actualidad del consumo de lo inmediato no es más que otra manera de manejarnos en unas coordenadas que proceden de un afuera.

Pero es el tiempo de la imagen, el tiempo de lo que puede estar despojado de todo tiempo, de lo que perdura, y a su vez se mueve o muta, un tiempo similar al del relato; un tiempo que está en continua negociación con el mundo, con lo dado, pero también lo niega, lo construye, lo transforma a su antojo, para devolvernos un objeto diferente, un objeto atravesado por el tiempo, un objeto atravesado en el tiempo. Será esta manera de pensar lo temporal en la imagen, de pensarnos en lo temporal de la imagen lo que nos transporte a un lugar donde el cinematógrafo se asienta, lo que nos transporte a un lugar donde habitemos un tiempo propio o ajeno, un tiempo que sirva sólo para la contemplación, para pensar o pensarnos, para ver o vernos, para que los demás digan o trabajen por nosotros, para confrontar o desear, en definitiva, una temporalidad para concederle un marco a la imagen, una temporalidad para concederle un marco al propio tiempo, poder clasificarlo y en último término, nombrarlo.

Es en ese poder nombrar lo que vimos o vemos, en ese poder escribir lo visto, o en ese ver lo escrito; porque realmente el orden no importa, desde dónde o hacia dónde vayamos siempre tendremos un tiempo. Será pues en ese margen, en esa franja temporal, en la que tengamos que escrutar dónde queda ese algo por venir, o al menos, la esperanza o el deseo de un futuro, de un otro por hacer o al que pertenecer; un presente en suspenso, como entre las manos, en marcha, pero fuera de lugar, ajeno, perdido, como contraviniendo el transcurso. Y finalmente un pasado del que poder reflexionar o darle una voz, un hueco para pensarnos recordando lo dicho, lo hecho, la experiencia. Vengan antes, después o a la vez, los tiempos, el tiempo, se podrá componer, se podrá atravesar de manera expansiva, casi habitándolo, o lo reduciremos, lo silenciaremos saltando, ya que será imposible esquivarlo, será imposible evitarlo, porque el tiempo siempre ha estado, está y estará ahí, el tiempo es todo, ahora.

Comisariado por Antonio Menchen Y Raúl Liarte

SESIONES

DOMINGO 30 OCTUBRE 17:00 H

Nombrar el pasado

Coloquio entre ambas proyecciones con Miriam Martín

Recordar la experiencia personal pasa, casi siempre, por la enunciación de una ensoñación, ya que los recuerdos se suelen alojar en una zona de penumbra, en una zona de indefinición, donde el tiempo hace que lo vivido tome otra forma. Esta forma no es exactamente lo que ocurrió o cómo ocurrió, sino que es algo nuevo, más bien una idea de lo que fue y no el hecho en sí. En Fengming a Chinese Memoir, 2008, Wang Bing se acerca a los nombres, historias, en definitiva, a los recuerdos de la vida de Hé Fèngmíng.

News from home, Noticias de casa

Chantal Akerman, 1977, francés, subtítulos español, 85 min

He Fengming, Crónica de una mujer china

Wang Bing. 2007, chino, subtítulos español, 186 min

Miriam Martín es funcionaria en el Madrid autónomo desde mayo de 2011, autora del best seller barrial Mujer de Manuela, traductora, film programmer.

DOMINGO 6 NOVIEMBRE 18:30 H

Pertenecer a un cuerpo

Coloquio tras la proyección con Ana Useros

Convertir nuestro cuerpo en otro, convertirnos en otro, pero dentro de nosotros, sin salir de nosotros; sino más bien que el cambio, que la transformación pase a través del tiempo, que sea la incorporación del tiempo lo que nos haga percibir el cambio. Pertenecer a uno mismo es poder pertenecer al resto; pertenecerse pasa por una adhesión incondicional a los demás, a lo que nos rodea e integrarlo, darle la bienvenida, acogerlo. Es esta película de Duras donde los individuos se entregan unos a otros para someterse a una voluntad que no controlan, a un tiempo que ceden, un tiempo del que son desposeídos, al que se abandonan.

Le Camion, El camión

Marguerite Duras. 1977, francés, subtítulos español, 76 min

Ana Useros es trabajadora del texto en varias facetas (traducción, corrección, edición, producción), crítica de cine cuando surge la ocasión y participante en la asamblea organizadora de la Muestra de cine de Lavapiés.

DOMINGO 13 NOVIEMBRE 18:30 H

Manos que hacen

Coloquio con Marcelo Expósito tras la proyección

Ocupar el tiempo haciendo algo con las manos, ocupar el tiempo en el puesto de trabajo; esa jornada laboral que el cine siempre ha recogido una vez concluida. La monotonía de gestos repetitivos, de conversaciones poco atractivas, de relaciones con lógica interna; desde un primer momento fueron poco llamativas para el cinematógrafo. Las películas de Kieslowski y Farocki enlazan con la de Jean-Gabriel Periot con un propósito de cambio; una radicalización en el día a día de la sociedad, una toma de posición de la imagen, de la fuerza de trabajo del cine hacia otras formas de lucha, de acción.

Urzad, La oficina

Krzysztof Kieslowski, 1966, polaco, subtítulos español, 5 min

Arbeiter verlassen die Fabrik, Obreros saliendo de la fábrica

Harun Farocki, 1995, alemán, subtítulos español, 36 min

Une jeuneusse allemande, Una juventud alemana

Jean-Gabriel Periot. 2015, alemán/francés, subtítulos español, 93 min

Con el apoyo de la MUESTRA CINE EUROPEO DE LANZAROTE

Marcelo Expósito es artista, ensayista y docente. Forma parte de la dirección académica del Programa de Estudios Independientes (PEI) del MACBA. Entre sus publicaciones recientes: Walter Benjamin, productivista (2013), Desinventario. Esquirlas de Tucumán Arde en el Archivo de Graciela Carnevale (2015) y Conversación con Manuel Borja-Villel (2015). También activista en movimientos contra el neoliberalismo y por la democracia desde los años noventa.

DOMINGO 20 NOVIEMBRE 18:30 H

Ajenos a todo

Coloquio con Albert Serra tras la proyección

A todos, en muchas ocasiones, nos apetece o incluso hemos podido manejar lógicas diferentes al normal funcionamiento del mundo y sus convenciones o protocolos. Salirse de las normas suele implicar operar con tiempos distintos, con usos temporales diferentes. Estas actitudes funcionan irremediablemente en los márgenes, porque estar fuera del marco no es posible; contravienen lo adecuado, lo previsible, lo que se suele denominar como normalidad y funcionan como reflejo, como farsa de esas maneras de estar integrado, incorporados a un uso del tiempo que la mayoría juzgaría como razonable. Es en esas coordenadas, desde lugares y momentos históricos distintos, que las películas de Fassbinder y Serra se ubican.

Katzelmacher

Rainer Werner Fassbinder, 1969, alemán, subtítulos español, 88 min

Cuba Libre

Albert Serra, 2014, español, 18 min. Estreno por primera vez en España.

Albert Serra, es director y productor de cine.

SÁBADO 26 NOVIEMBRE 18:30 H

Uno casualmente se acerca, siente algo y se queda

Coloquio previo a la proyección con Pablo García Canga

Que el cine nos envuelva, no nos deje salir de él, que tengamos la sensación de ser parte de la película, de estar en esos ensayos interminables, de tomar parte de algo pasado, un presente continuo y un futuro. Como si la acción nos diese la oportunidad de repetir o repetirnos una y otra vez y el tiempo no pasase, los relojes se hubiesen parado y la vida pudiese esperar para más tarde, hasta mañana. Jacques Rivette con pocas semanas de rodaje, una segura complicidad de todo el equipo y algo de fortuna, consiguió realizar este trabajo que se nos presenta como algo inmenso, inabarcable; una película que se habita, una película por la que transitar una y otra vez, una película en la que es posible estar.

OUT 1. Noli me tangere

Jacques Rivette, 1971, francés/inglés, subtítulos español, 760

Pablo García Canga, nacido en Madrid en 1981. Es diplomado en dirección de cine por La Fémis. Director de cortos, vídeoclips (El palacio de Linares, Los Caramelos, Los Nuevos Hobbies), documentales, guionista, traductor (Lubitsch, Eisenstein, etc.), crítico (Lumière, Détour, etc.) y profesor de francés.

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DOMINGOS 30 OCT — 20 NOV Y SÁBADO 26 NOV 2016

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Es el tiempo de la imagen, el tiempo de lo que puede estar despojado de todo tiempo, de lo que perdura, y a su vez se mueve o muta, un tiempo similar al del relato; un tiempo que está en continua negociación con el mundo, con lo dado, pero también lo niega, lo construye, lo transforma a su antojo, para devolvernos un objeto diferente, un objeto atravesado por el tiempo, un objeto atravesado en el tiempo. Será esta manera de pensar lo temporal en la imagen, de pensarnos en lo temporal de la imagen lo que nos transporte a un lugar donde el cinematógrafo se asienta, lo que nos transporte a un lugar donde habitemos un tiempo propio o ajeno, un tiempo que sirva sólo para la contemplación, para pensar o pensarnos, para ver o vernos, para que los demás digan o trabajen por nosotros, para confrontar o desear, en definitiva, una temporalidad para concederle un marco a la imagen, una temporalidad para concederle un marco al propio tiempo, poder clasificarlo y en último término, nombrarlo.

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UNO CASUALMENTE SE ACERCA, SIENTE ALGO Y SE QUEDA

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CINE LOS DOMINGOS 2016

¿Es un ciclo?

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¿Cuántas revoluciones son necesarias para cambiar este mundo? Después de las rebeliones sociales que comenzaron en 2009, capitalistas financieros, coachers, monoteístas radicales, managers, gurús neoliberales y todo tipo de yonquis del capital, han reforzado las diferencias entre centro/periferia, hombre/mujer, blanco/negro, humano/animal, heterosexual/homosexual, naturaleza/cultura. Y ya hemos gritado: basta! En nombre del Che Guevara, los Black Panthers, La Internacional Situacionista, Glauber Rocha, John Cage, Pierre Boulez, Pagu, Martin Luther King, Harvey Milk, Rosa Parks, Judy Chicago y las damas de la WomanHouse, el comandante Marcos, la Revolución Sandinista y tantas otras que quebraron los aparatos de producción de verdad para construir un mundo más habitable.

Alrededor del mítico año 1968 se van a dar cita una serie de rupturas en el cine y en el arte contemporáneo angloeuropeo, que van a desarticular las viejas formas establecidas de pensar los lenguajes artísticos, en una confluencia entre vanguardia artística y militancia política. En el contexto español, la práctica fílmica sufre un cambio importante, debido al surgimiento de una industria cinematográfica, promovida por la administración de García Escudero, que tiene como resultado un cine idealista y estéticamente limitado. Sin embargo, es en 1969 cuando se produce una ruptura radical con lo que ha venido a llamarse el posibilismo cinematográfico, representado por el Nuevo Cine Español. Un momento de inflexión en el que estallan una serie de prácticas fílmicas que operan en el marco de la ilegalidad, que suponen una ruptura estética con el cine anterior, y que surgen de un interesante mestizaje entre diversas manifestaciones artísticas.

En la década de los sesenta, los regímenes totalitarios de América Latina impiden la libre expresión y la divulgación de las obras de arte. Sin embargo, no cesan los flujos de interconexiones artísticas a través de redes como el Arte Postal. En Brasil, un movimiento de vanguardia fílmica va a surgir de la insatisfacción por las formas estéticas del aparato cinematográfico industrial, el cual supone la radicalización de una propuesta estética en la creación de un lenguaje cinematográfico propiamente tropicalista. alô alô mundo! cines de invención en la generación del 68 coloca en un mismo escenario esas éticas y estéticas de dos movimientos de vanguardia fílmica, para trazar una serie de conexiones transatlánticas, transcinematográficas, transamazónicas, transfeministas y transrevolucionarias entre España y Brasil. Una travesía que nos permita comprender de qué manera estos filmes exponen sus propias condiciones históricas y a su vez, aporte nuevas lecturas a nuestro presente.

DOMINGO 1 MAR. 18:00 H.

Informe general sobre algunas cuestiones de interés para una proyección pública

Pere Portabella, 1976, español, 173 min.

Coloquio con Pere Portabella

La película constituye la síntesis de las filmaciones clandestinas abiertamente políticas de Portabella y su entorno. Rodada en los meses posteriores a la muerte del general Franco, se trata de un film documental realizado con las técnicas de un film de ficción. Coherente eslabón en una filmografía dirigida a explorar los límites de la representación fílmica, Informe General... trata de la futura representación política en la Transición Española, con una clara vocación democrática contradicha por su virtual invisibilidad durante treinta años. Las intervenciones giran sobre una única cuestión: ¿Cómo pasar de una dictadura a un estado de derecho?

Pere Portabella ha mantenido una presencia relevante en el ámbito del cine de nuestro país durante más de cinco décadas. Con su productora Films 59 ha producido trabajos de Carlos Saura, Luis Buñuel, José Antonio Maenza, además de realizar sus propias creaciones.

DOMINGO 8 MAR. 18:30 H.

Función de noche

Josefina Molina, 1981, español, 90 min.

Coloquio con Josefina Molina

La actriz Lola Herrera está representando todas las noches el monólogo de Miguel Delibes Cinco horas con Mario; a lo largo de las representaciones ha ido experimentando un gran cambio en su personalidad, llegando a confundir su vida con la de Carmen Sotillo, el personaje de la función. Encerrados en su camerino, Lola Herrera y Daniel Dicenta, separados tras varios años de matrimonio, hablan y discuten mientras repasan su vida en común.

Josefina Molina es la primera mujer que recibe el título de director-realizador en la Escuela Oficial de Cinematografía en Madrid (1969). Comenzó su carrera en Televisión Española realizando adaptaciones de textos clásicos y cuenta con una destacada trayectoria como cineasta, directora teatral y escritora.

DOMINGO 15 MAR. 18:30 H.

El lobby contra el cordero

José Antonio Maenza, 1968, sin sonido, 100 min.

Coloquio con Terrorismo de autor

Película verdaderamente revolucionaria no solo por su contenido sino también por su forma –dos maneras de articular la ideología. El «maldito» Maenza se deja llevar por un verdadero delirio narrativo. Un complejo entramado que reúne desde la liturgia simbólica del sacrificio del cordero a reflexiones metacinematográficas y políticas, pasando por lo que podríamos llamar una especie de «documento de la época» (manifestaciones estudiantiles, todo tipo de referencia a la cultura de masa, etc.).

El colectivo Terrorismo de autor se propone protagonizar en la actualidad un remake estético e ideológico del Mayo del 68 francés. Combinando humor, viralidad, activismo y nouvelle vague, plantean una acción revolucionaria que no sea ni violenta ni pacífica, sino creativa.

DOMINGO 22 MAR. 18:30 H.

Hortensia/Beancé

José Antonio Maenza, 1969, sonido, dispositivo de 4 proyecciones simultáneas, 1 h. aprox.

Coloquio con Fefa Vila

La explosiva filmación de esta obra tiene lugar en un ambiente comunitario, implantado en una casona burguesa situada en Barcelona. El rodaje se interrumpió bruscamente cuando el equipo fue expulsado de la casa, que fue el lugar de convivencia y de rodaje durante varios meses. La experiencia concebida por el cineasta como un acto político, revolucionario y sin barreras entre vida y arte, se ha descrito por algunas de las personas participantes, como una situación de caos y tensión. De esta experiencia se obtuvo un copión de casi 4 horas de duración, como huella de una obra «inacabada», si es que en algún momento Maenza tuvo el objetivo de finalizarla, o si es que Hortensia/Beancé, en realidad, tenía fin.

Fefa Vila es activista y promotora de LSD (1993-1998), grupo madrileño de referencia política y de intervención pública. Socióloga, especializada en Estudios Feministas y Estudios Culturales. Ha publicado un gran número de artículos, conferencias y colaboraciones en ediciones sobre estudios feministas y queer.

DOMINGO 29 MAR. 18:30 H.

Manderley

Jesús Garay, 1980, español, 103 min.

Coloquio con Mariokissme y Jesús Garay

Tres jóvenes, Olmo, Paula y el actor, bajo diversas crisis personales y unidos por su condición homosexual, se van de la ciudad, dispuestos a pasar el verano en un caserón de la cornisa cantábrica. Pero la esperanza de que, con el cambio de medio, todo pueda ser diferente se va diluyendo con la llegada de la lluvia, con la imperceptible frustración que proporcionan los actos nimios y cotidianos. Al final del verano, ningún proyecto se ha llevado a cabo y los tres se aprestan a regresar, tras aquel paréntesis en Manderley, a la vida urbana.

Mariokissme (Mario Páez) dirige desde 2012 El Palomar, junto al artista R. Marcos Mota, un espacio independiente en Barcelona dedicado a discursos, sujetos y prácticas que tienen dificultades en penetrar en la esfera artística contemporánea oficial. Un espacio de libertad donde reclamar lo trans y lo inter de lo queer, presentando de las complejidades y contradicciones de las identidades múltiples desde una particular visión político-artística.

Jesús Garay director de cine cántabro. En 1969 funda el grupo La Fábrica de Cine de Santander. Participa en la realización de diversas películas alternativas de carácter colectivo y en formatos no profesionales. Desde 1972 reside en Barcelona. Crítico de cine en diversas publicaciones: Destino, Film Guía, La mirada, etc. Autor de dos libros de relatos: “Diversas filmaciones”, 1972, “La cosa de Nueva York”, 1985. Es director y escritor de películas como Pasión Lejana (1986), La banyera (1989) y Eloise (2009).

DOMINGO 12 ABR. 18:30 H.

Sesión de cine militante y colectivos

En conversación con Tino Calabuig y Xavier Artigas

En esta sesión se presentan una serie de trabajos representativos del llamado cine militante en diálogo con algunos documentos audiovisuales activistas contemporáneos, con el objetivo de pensar los contextos y las prácticas, sin perder de vista la pregunta, ¿qué significa trabajar en colectivo en el presente? Para ello invitamos a Tino Calabuig del Colectivo de Cine Madrid y a Xavier Artigas, de Metromuster, quienes compartirán con el público sus experiencias, ideas, para pensar cómo ese legado activa nuestro presente. Las imágenes y extractos de diversos trabajos de cine y vídeo creados de forma colectiva, jugarán un papel activo no solo como ilustraciones de los temas en debate si no también como elementos percusivos que abran nuevas líneas de discusión. Algunos de los trabajos que servirán de referencias para articular la sesión:

El cuarto poder, Helena Lumbreras-Colectivo de Cine de Clase, 1970

El campo para el hombre, Colectivo de Cine de Clase, 1973

La ciudad es nuestra, Tino Calabuig, 1975

Vitoria, Colectivo de Cine de Madrid, 1976

Actuació d’Ocaña y Camilo, Video-Nou, 1977

A cidade que se nos vai, Equipe Imaxe, 1979

Asamblea 15M Bcn, Anónimo, 2011

Ciutat morta, Metromuster, 2013

No res, Metromuster, 2012

Idrissa, Metromuster, en proceso, estreno previsto en 2015

Tino Calabuig es miembro fundador del Colectivo Cine Madrid. Entre 1975 y 1977, el colectivo realizó los documentales Raimon, sobre el recital de Madrid, Amnistía y Libertad, sobre los sucesos políticos hasta el 1º de Mayo, Vitoria, sobre los acontecimientos de Marzo del 76, u otros como Hasta Siempre en la Libertad o Voces para Unir. Junto con Alberto Corazón dirige la Galería Redor, un lugar donde ensayar la aplicación de medios industriales a elementos artísticos basados en la experimentación y dirigido a nuevos creadores.

Xavier Artigas es sociólogo, activista, artista visual, productor y director en Metromuster, una productora independiente que experimenta con el arte, la sociología y la política desde el 2010. Con Metromuster se dedica a conseguir recursos para proyectos de naturaleza no comercial y contribuir activamente al movimiento de la Cultura Libre inspirado por Lawrence lessig y Richard Stallman.

Agradecimientos

Equipo de la Cinemateca del Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro (MAM/RJ), Juliana Jambo, Cyntia Nogueira, Pere Portabella y el equipo de la productora Films 59, Vicente Ponce, Alejo Loren, equipo de Teatron, a los programadores de las filmotecas y de los diferentes espacios y un especial agradecimiento a los espacios independientes por su lucha cotidiana.

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1 MAR — 12 ABR 2015

Comisariado

Marc Martínez

Paola Marugán

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https://pantallafantasma.wordpress.com/

ALÔ ALÔ MUNDO! CINES DE INVENCIÓN EN LA GENERACIÓN DEL 68

¿Es un ciclo?

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Este año volvemos a colaborar con PANTALLA FANTASMA, muestra anual que detecta audiovisuales limítrofes, extremos, destructivos, extraños...

Es PANTALLA porque se concibe como una exploración que detecta aquello audiovisual que acontece en los límites de una zona de luz. Es FANTASMA porque reivindica la actitud «fantasma» de pretender algo inalcanzable, sin miedo a sucumbir al soporte. Una muestra en la que se proyectan películas que exploran los límites de lo audiovisual, extremos en un sentido formal pero no aparente, carnal sin exhibir la carne representada. Propone la búsqueda de subversiones al lenguaje audiovisual, propuestas destructivas y limítrofes.

Coloquio con Jorge Nuñez, director de Pantalla Fantasma

PROGRAMA:

Some must watch, while some sleep

Michael Higgins, 2012, inglés, 61 min.

Some must watch, while some must sleep es un poema cinemático onírico e hipnótico compuesto por metraje que Michael Higgins grabó en su ruta por Canadá. El uso de técnicas de procesado artesanal de cine crea una zona inmunda entre el sueño y el despertar.

Cartas desde Parliament Square

Carlos Serrano Azcona, 2014, inglés V.O.S.E., 53 min.

El 2 de Junio de 2001 el activista y pacifista británico Brian Haw comienza en Londres la campaña por la paz Parliament Square Peace Campaign justo antes de las intervenciones militares de USA y Reino Unido en Iraq y Afghanistan. A raíz de esto Brian Haw se convierte en un símbolo del pacifismo internacional. La película es una conversación desde Parliament Square con la activista Barbara Tucker, que se sumo a Brian Haw, y que lleva más de 7 años viviendo en la plaza.

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DOMINGO 19 ABR. 18:30 H.

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Este año volvemos a colaborar con PANTALLA FANTASMA, muestra anual que detecta audiovisuales limítrofes, extremos, destructivos, extraños... Es PANTALLA porque se concibe como una exploración que detecta aquello audiovisual que acontece en los límites de una zona de luz. Es FANTASMA porque reivindica la actitud «fantasma» de pretender algo inalcanzable, sin miedo a sucumbir al soporte. Una muestra en la que se proyectan películas que exploran los límites de lo audiovisual, extremos en un sentido formal pero no aparente, carnal sin exhibir la carne representada. Propone la búsqueda de subversiones al lenguaje audiovisual, propuestas destructivas y limítrofes.

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PANTALLA FANTASMA 2015

¿Es un ciclo?

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En las últimas décadas, tanto las teorías feministas como la teoría queer, han venido enunciando la idea según la cual el cine y la fotografía, como el lenguaje o los símbolos, son tecnologías que generan discursos colectivos y con ello producen el género y la sexualidad. Medios que, como portadores de relatos y estéticas, contribuyen a la generación de las identidades. Sin embargo, el cine también ha servido para su propio desmontaje, la crítica y el cuestionamiento de las representaciones fílmicas. A lo largo de la historia del audiovisual, voces alternativas han producido y visibilizado sexualidades contra-hegemónicas. Este ciclo pretende mostrar a aquellos activistas, disidentes del género o cineastas que han dado cuenta de la diversidad sexual, la cultura LGBTQ y otras formas de habitar el género y el sexo en el Estado Español.

«El verano de 2012 recuerda extrañamente al de 1976. Calor y crisis económica sobre fondo de reforma neoliberal» dirá Paul B. Preciado. Al igual que al calor de la Transición Española surgieron una serie de películas en las que la homosexualidad, tema tabú hasta entonces, sería desvelada, a finales de los años dos mil e inicios de los diez, proliferaron un conjunto de prácticas de disidencia del género que fueron recogidas por la cámara, especialmente prácticas documentales o performativas. Partiendo de esta hipótesis, el ciclo se compone de tres sesiones dedicadas a producciones de finales de la década de los setenta y principios de los ochenta. Es entonces cuando, en medio de la inestabilidad del cambio, aparecieron cineastas homosexuales que mostraron sin escrúpulos la figura del marica, hasta entonces estigmatizada y clandestina. En las otras tres sesiones del ciclo se mostrarán películas de comienzos del siglo XXI que dan cuenta de esa nueva revolución en la mirada, ahora trans, crip o post-porno. Este periodo coincide, de nuevo, con una crisis del sistema en la que las formas de democracia existentes son puestas en cuestión al tiempo que se produce un empoderamiento ciudadano, hasta ahora excluido del campo de la política.

Se trata, así, de trazar un paralelismo entre estos dos períodos a través de la ruptura en los formatos, los temas o las cuestiones que son mostradas en el cine institucional. La intensa práctica de Diana J. Torres, PostOp, María Llopis u Ocaña confluyen con el trabajo de Eloy de la Iglesia para combatir la todopoderosa representación heteronormativa en la que «los signos y los cuerpos han sido violentamente marcados en términos de clase, de raza, de género, de sexo, de sexualidad…» en palabras de Preciado. Este ciclo busca rastrear las fisuras por las que lo audiovisual surge como una tecnología subversiva y transformadora del sistema epistémico, simbólico y estético predominante que construye el género-sexo. Proponemos, mediante un juego de espejos, un análisis de la representación del amor -entendido como potencia sexual y corporal- en tiempos revueltos. El objetivo final no es otro que poner en relación una serie de prácticas próximas entre sí con el fin de hallar nuevas alianzas que permitan nuevas estrategias de resistencia.

Un proyecto de Geografías Humanas comisariado por José Ganga y Helena Grande

PROGRAMACIÓN

DOMINGO 18 OCT. 18:30 H.

LA REAPROPIACIÓN DE LOS CÓDIGOS CINEMATOGRÁFICOS. CINE Y

ACTIVISMO HOMOSEXUAL EN LA ESPAÑA DE LOS 70

Coloquio con Alberto Berzosa Camacho

Cucarecord

Els 5qk’s, 1977, español, 9 min.

Compilación de una serie de sketches que parodian los rituales y las identidades masculinofemenino que se retratan en la publicidad. Una crítica a cómo la sociedad de consumo se sostiene en los ideales del patriarcado y se manifiesta a través de la propaganda.

También encontré mariquitas felices

Els 5qk’s, 1980, español, 70 min.

Una de las películas clave del grupo Els 5qk’s, donde no sólo se retrata una crítica a las instituciones que reprimen las identidades LGTBQ (iglesia, familia ciencia), sino que se hace un llamamiento al empoderamiento y la lucha contra la heteronormatividad. Esta es una pieza clave del activismo gay de la época.

Alberto Berzosa Camacho, doctor en Historia y Teoría del Arte por la Universidad Autónoma de Madrid y la Université de Reims Champagne-Ardenne. En 2014 fundó el colectivo Imagen subversiva.

DOMINGO 25 OCT. 18:30 H.

LA ACEPTACIÓN (MARGINAL) DEL IMAGINARIO GAY. POLÍTICA Y

HOMOSEXUALIDAD EN LA TRANSICIÓN

Coloquio con Alejandro Melero

El diputado

Eloy de la Iglesia, 1979, español, 111 min.

Protagonizada por José Sacristán, El Diputado narra las aventuras y desventuras de un homosexual y ex-militante clandestino de un partido de izquierdas reconvertido en diputado con la llegada de la democracia. El film muestra el complejo entramado sobre el que se sustentan las instituciones que nos gobiernan y pone de manifiesto como política, publicidad y sexualidad, casi siempre, van de la mano.

Alejandro Melero, doctor en Film Studies por la Universidad Queen Mary de Londres y profesor de Periodismo y Comunicación Audiovisual de la Universidad Carlos III desde 2009.

DOMINGO 1 NOV. 18:30 H.

OCAÑA: DESDIBUJANDO LAS FRONTERAS DEL GÉNERO A TRAVÉS DEL REGISTRO CINEMATOGRÁFICO

Coloquio con José Manuel López-Agulló Pérez-Caballero

Silencis

Xavier-Daniel, 1982, español, 14 min.

Cortometraje que retrata a un militar y padre de familia que intenta esconder suhomosexualidad y deseos hacia su hijo. Conflicto que pone sobre la mesa los choques y las frustraciones que se suceden entre los ideales de instituciones como el ejército o la iglesia, frente a la homosexualidad y el incesto.

Ocaña, retrato intermitente

Ventura Pons, 1978, español, 85 min.

Este documental retrata al artista andaluz José Pérez Ocaña. Basado en las ideas del free cinema y el nuevo documentalismo, Pons nos presenta una visión alternativa del personaje clave del ambiente gay de finales de los 70 en Barcelona.

José Manuel López-Agulló Pérez-Caballero, doctorando en la Universidad Autónoma de Madrid con un proyecto de investigación titulado Mitologías del agua a partir del medio cine.

DOMINGO 8 NOV. 18:30 H.

DESMONTAJE Y DESTRUCCIÓN DEL GÉNERO-SEXO

Coloquio con Helena Grande y José Ganga

La bestia

María Llopis, 2005, español, 2:16 min.

En los dos minutos que dura este vídeo Maria Llopis se desnuda, se transforma en una «bestia», libera sus instintos animales. Después se recompone y adopta una actitud «civilizada». Una vídeo-acción que cuestiona el adoctrinamiento de las actitudes disciplinadas y subversivas.

Lectura y adoctrinamiento

Raisa Maudit, 2015, español, 6:49 min.

A cuatro patas y mientras un esclavo encapuchado la azota el culo, Raisa Maudit lee el texto «¿Qué es el varón?» extraído del libro El varón domado de Esther Vilar. Una lectura que cuestiona los principios de dominación, poder y adoctrinamiento en las que se basan las identidades maculina-femenina.

Rumore de Chopin

Storm and drunk, 2015, español, 8:24 min.

En un baile improvisado, Frédéric Chopin y Rafaela Carrá se encuentran con los integrantes de Storm and drunk. Un baile que disloca la danza convirtiéndola en un juego sin límites. Una especie de intimidad es revelada a través de unos cuerpos que, como ellos dicen, quieren crear tormenta.

Guerriller@s

Montse Pujantell, 2010, castellano-catalan, 54 min.

Mediante diferentes testimonios de personas transexuales, el documental Guerriler@ desmonta los discursos dualistas y las convenciones en torno al sexo y documenta alternativas a la reasignación médico-quirúrgica.

Helena Grande es comisaria independiente. Su trabajo se centra en el audiovisual como práctica artística y el arte digital. Actualmente trabaja entre Ámsterdam y Madrid.

José Ganga ha estudiado periodismo y es máster en Historia del Arte Contemporáneo por el Museo Reina Sofía. Actualmente trabaja como crítico y comisario de arte.

DOMINGO 15 NOV. 18:30 H.

LA DIVERSIDAD SEXUAL DESVELADA

Coloquio con Lucas Platero

Irresistiblemente bonito

Manu Arregui, 2007, español, 4 min.

Vanesa Jiménez, una chica con diversidad funcional, conocida como «la niña de los huesos de cristal», es la protagonista de este vídeo compuesto por una doble proyección enfrentada, una con la Vanesa real y otra con una Vanesa virtual. La estética del vídeo y la actitud de la propia Vanesa revelan una nueva forma de mirar a los cuerpos no normativos y contribuye a una representación alejada de estereotipos.

Yes, we fuck!

Antonio Centeno y Raúl de la Morena, 2015, español, 60 min.

Este documental propone un relato alternativo de la sexualidad de las personas con diversidad funcional. A través de un amplio espectro de personajes, Antonio Centeno, activista del movimiento de Vida independiente, y Raúl de la Morena, realizador de documentales, buscan penetrar en el imaginario colectivo y poner de manifiesto que el sexo y el deseo son territorios abiertos a la diversidad.

Lucas Platero, activista por los derechos LGBTQ, es doctor por la UNED, profesor universitario y docente en intervención sociocomunitaria. Es miembro de la Cátedra de Género de la URJC.

DOMINGO 22 NOV. 18:30 H.

TRANSFEMINISMOS Y LA BATALLA PORNOTERRORISTA

Coloquio con Lucía Egaña

Campos de Castilla

Urko Post-Op & Karmen Tep Spain, 2014, 5 min.

El sueño de una tarde de verano queer nos lleva de cruising por los campos de maíz castellanos. Un vídeo homenaje a los «bichos raros» que han vivido y viven en nuestros pueblos.

Mi sexualidad es una creación artística

Lucía Egaña, 2012, castellano-catalán 46 min.

Este documental retrata el movimiento post-porno en España a través de entrevistas, documentos de performances y vídeos. Un recorrido por las prácticas artísticas dedicadas a visibilizar y denunciar la representación porno dominante.

Lucía Egaña ha estudiado Arte, Estética y Documental Creativo. Actualmente realiza en Barcelona un doctorado en Comunicación Audiovisual.

Tipo de actividad

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18 OCT — 22 NOV 2015

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Subtítulo

SEXUALIDADES EN TIEMPOS REVUELTOS. GÉNERO, SEXO Y OTRAS FICCIONES

Categoría cabecera

CINE LOS DOMINGOS 2015

¿Es un ciclo?

Desactivado

Desde sus orígenes, el cine se vio absorbido por un sistema de producción industrial que lo ha instrumentalizado para sus propios intereses. Hasta tal punto que, durante las últimas décadas, cineastas y teóricos del campo audiovisual han reflexionado sobre algunas de las tiranías impuestas por dicha industria, véase el marco de la pantalla como límite a la proyección, los procesos de identificación con los personajes prediseñados para imponer un determinado estilo de vida y la cámara como herramienta principal de trabajo.

Frente a estas premisas, el cine revelado propone una aproximación a la experiencia cinematográfica más allá de la imagen proyectada. No se trata tampoco de una destrucción total del cine, sino de su transformación mediante su contaminación con otras prácticas artísticas para así intentar llegar a esas ideas de «cine total» de André Bazin o del «cine-infinito» que propusiera el cineasta de la vanguardia americana, Hollis Frampton: «Emancipado de la foto-impresión y disociado de su aparato técnico, el cine transciende su historia y se abre a otros campos».

Comisariado por Playtime audiovisuales

Colaboración de Abraham Rivera

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PROGRAMA

DOMINGO 9 FEB. 18:30 H.

Recién velado (merienda redonda)

Javi Álvarez

Una charla interactiva donde de forma lúdica el polifacético Javi Álvarez habló sobre procesos de experimentación del audiovisual partiendo del uso de tecnologías sencillas, dispositivos obsoletos, ingeniería doméstica, circuit bending y detrito digital en general. Javi Álvarez investiga en torno a los procesos low fi y el «amateurismo» como estrategia crítica a los usos estandarizados de las nuevas tecnologías en el audiovisual contemporáneo. «Esto va de transformar algo viejo en algo nuevo y buscar lo desconocido entre lo conocido».

Ensayos de la evaporación (We only guarantee the dinosaurs)

Esperanza Collado

Partiendo de las posibilidades escultóricas de la materialidad del cine, se plantearon tres líneas de trabajo correlacionadas: la manipulación directa que ofrece la fisicidad del celuloide, la indagación de nuevos modelos de presentación del material fílmico y su resonancia en el espacio, y la articulación de la presencia del cuerpo en la experiencia cinemática. La pieza se sitúa entre la performance y la instalación, en donde un conjunto de piezas fílmicas de naturaleza efímera se combinan con la puesta en escena de acciones concretas que complementan las proyecciones. El conjunto explora el fenómeno de la proyección luminosa en tanto que formación volumétrica y gaseosa, mientras el cine es descarrilado y objeto de pespunte. Entre medias, ambos artistas ofrecieron una obra de continuidad al alimón para deleite del público asistente.

DOMINGO 16 FEB. 18:30 H.

Pyramid Meditation

Afrika Pseudobruitismus

La inmersión y el trance han sido cualidades que el cine experimental ha intentado practicar en muchos momentos de su historia. Desde el ámbito del presente y mediante el uso del metraje encontrado, Pyramid Meditation se sitúa en algún lugar entre la alucinación y el sueño, y es un paseo por una estética ralentizada de paisajes astrales en 3D y meditación hindú. Afrika Pseudobruitismus se nutre de la fascinación por la tecnología obsoleta y de la búsqueda del error y de lo extraño para crear una sesión de meditación intensa con sus sintes y su vocoder.

Ver cada ver es

César Estabiel

Cada ver es (1981) de Ángel García del Val es una de esas películas extrañas y desconocidas del audiovisual español, una rara avis que se ubica en un lugar de nuestro cerebro más que en un espacio físico. Las sensaciones que despierta y su estética deudora de las primeras filmaciones con cámaras de vídeo la acercan a un universo fílmico donde estamos desprovistos de protección. Pareciera que aunque hayan pasado más de 30 años de su filmación, el tiempo se hubiera detenido en aquella habitación donde se embalsaman cadáveres. A partir de estas sensaciones y de unas imágenes cargadas de gran fuerza, César Estabiel busca dentro del pasado musical fragmentos que puedan dar luz y voz a esas imágenes, un acto performativo en el que John Zorn, Diamanda Galas o Coil entre otros nos narran lo que va sucediendo toma a toma a través de su sonido. Una experiencia única que se complementa con una gran mesa repleta de las portadas de los discos que han sido utilizados para la sesión.

DOMINGO 23 FEB. 18:30 H.

Lisboa

Víctor Iriarte con la colaboración de Violeta Gil

La vida de Víctor Iriarte es como un continuo work in progress donde confluyen ideas, proyectos, películas, improvisaciones y variaciones todas ellas en torno a una necesaria reflexión sobre el arte contemporáneo, el desmontaje de las imágenes y el amor. Así el proyecto que compartió con nosotros vino de distintas experiencias personales y profesionales que lleva a cabo desde los últimos años. Parte de Montevideo una especie de conferencia, de película hablada y «musicada» pero sin ninguna imagen proyectada. Parte de la «costumbre» de dormir en espacios en los que habitualmente no se duerme. De un cruce de un texto del escritor C. K. Williams titulado Esto ocurrió con Las noches de luna llena de Eric Rohmer, el final de Los muertos, de James Joyce y una estancia nocturna en el Teatro Pradillo, durante un maratón de baile compartido con Violeta Gil. Confluyeron el proyecto sonoro Animales salvajes I y la performance I like America and America likes me de Joseph Beuys, aquella estancia del famoso artista alemán encerrado durante cuatro días con un coyote.

DOMINGO 2 MAR. 18:30 H.

Kinoplaylist

Laida Lertxundi y Alberto Cabrera Bernal

Laida y Alberto son dos cineastas que optan por el formato celuloide como medio de expresión. Así la tradicional videoplaylist, donde un determinado personaje comparte sus vídeos favoritos de internet ante un auditorio, se transforma aquí en una sesión hipnótica denominada kinoplaylist, en la que armados con sendos proyectores de 16mm cambian la red por, físicamente, el cine. Una propuesta novedosa con proyecciones cruzadas, en la que compartirán sus propias películas, las películas inspiradoras de otros autores y una sorpresa final que supone una colaboración específica entre los dos artistas para este proyecto.

DOMINGO 9 MAR. 18:30 H.

Presentación del fanzine El cine rev[b]elado

Playtime Audiovisuales y Abraham Rivera

Con motivo del ciclo se produjo un fanzine en torno a la idea de rev[b]elar el cine. De un cine rebelado. Una invitación a distintos artistas, entre los que se encuentran LHR, Albert Alcoz, Cristina Busto, Iván Gómez y Alex Reynolds, a producir en el formato papel teniendo en mente la propuesta.

This is not cinema

Blanca Rego

Proyecto que nace como comentario irónico a la obsesión digital por imitar la estética de los antiguos medios químicos y analógicos, pero también como reflexión en torno a la difusa frontera entre cine y vídeo, dos medios íntimamente relacionados que parecen siempre en guerra perpetua. Se trata de un espectáculo en directo basado en vídeos digitales realizados con dispositivos de baja fidelidad, pero con una estética visual inspirada en los flickers films de los años 60 y 70. En lo que se refiere al sonido, lo que se escucha es exactamente lo mismo que lo que se ve, gracias a una técnica de transfiguración digital inspirada en los optical sound films de los años 70.

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9 FEB — 9 MAR 2014

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El cine revelado propone una aproximación a la experiencia cinematográfica más allá de la imagen proyectada. No se trata tampoco de una destrucción total del cine, sino de su transformación mediante su contaminación con otras prácticas artísticas para así intentar llegar a esas ideas de «cine total» de André Bazin o del «cine-infinito» que propusiera el cineasta de la vanguardia americana, Hollis Frampton: «Emancipado de la foto-impresión y disociado de su aparato técnico, el cine transciende su historia y se abre a otros campos».

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Subtítulo

EL CINE REVELADO

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CINE LOS DOMINGOS 2014

¿Es un ciclo?

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En esta edición fuimos sede de PANTALLA FANTASMA, una muestra audiovisual de carácter anual que detecta aquellos audiovisuales limítrofes, extremos, destructivos, extraños...

«Si el párpado blanco de la pantalla pudiera reflejar la luz que le es propia, haría estallar el universo» Luis Buñuel.

PROGRAMA

DOMINGO 26 ENE

Body Art Body Apart, Juan Carlos Gallardo, 60 min

La película encontrada en la basura se hace realidad según avanza la deriva solitaria. La película es un muestrario de la recolecta. Todo vibra demasiado. Se vuelve en idea a las fotografías mediante el grano de lo real. La vibración es fija. El cine como capturador, como delineante de una deriva insólita, como una película demencial y vagabunda.

El Jurado, Virginia García del Pino, 2012, 64 min’

La verdad es solo un grupo de píxeles, el resultado de un zoom digital sobre unos rostros borrosos. Y la cámara que filma a los miembros de un jurado popular, enfrentados a un juicio por asesinato, está tan perdida como ellos en el laberinto de pruebas, imágenes y testimonios, incapaz de filmar nada que no sea su propia descomposición.

Coloquio con Virginia García del Pino

DOMINGO 2 FEB

Pastora y marinera. Piernas, (ahora) en tu sangre, Sandra Cuesta, 2013, 43 min

El contorno como representación de límites y superficies. En el plano mas abstracto, se traduce en la observación de superficies desde donde deducir su forma mas profunda a través de capas superpuestas que hablan unas de las otras. Todo gira en torno a trasladarse hacia un núcleo, atravesando diferentes superficies. La geodesia, la cartografía o las cartas marinas responden a ciencias precisas que se corresponden con lo simbólico. Se parte del cuerpo como primer contorno a tener en cuenta, hacia a una extensión mas amplia.

Tríptico del amor supremo, Julius Richard, 2013, 65 min

Cuando a San Agustín le preguntaban: “¿Qué es el tiempo?”, respondía: “Sé lo que es el tiempo hasta que me lo preguntan. Entonces, ya no lo sé”. Si a Julius le preguntan, mostrará sus tegumentos, sus “películas”: etnografías del Uno Mismo. Tríptico del amor supremo (en realidad, un Pentáptico cuyos dos primeros capítulos Richard no ve ni muestra), está filmada entre los meses de octubre de 2012 y marzo de 2013.

Es la historia de un Fin que son dos: el Fin del Amor y el Fin del Mundo. Tríptico escatológico con una disciplina visionaria: mirar lo que hay que ver. Es una epifanía: en el presente, la materia del tiempo. Un cine de videntes y alucinados. Es una elegía: del pretérito, la memoria del tiempo. Un cine de fantasmas y espectros. “Ortoño”, “Facies totius universi (domingo, 16 de marzo, 2008)” e “inV/Fierno” son los tres estadios de un proceso de demolición, desintegración y, también, renacimiento. No sabemos lo que puede el cine, pero este cine puede proyectarnos sobre el futuro.

Coloquio con Sandra Cuersta y Julius Richard

Más info: pantallafantasma.wordpress.com

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DOMINGOS 26 ENE Y 2 FEB. 17:30 H.

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En esta edición fuimos sede de PANTALLA FANTASMA, una muestra audiovisual de carácter anual que detecta aquellos audiovisuales limítrofes, extremos, destructivos, extraños... Es PANTALLA porque se concibe como una exploración que detecta aquello audiovisual que acontece en los límites de una zona de luz. Es FANTASMA porque reivindica la actitud «fantasma» de pretender algo inalcanzable, sin miedo a sucumbir al soporte. Una muestra en la que se proyectan películas que exploran los límites de lo audiovisual, extremos en un sentido formal pero no aparente, carnal sin exhibir la carne representada. Propone la búsqueda de subversiones al lenguaje audiovisual, propuestas destructivas y limítrofes.

Categoría cabecera

PANTALLA FANTASMA

¿Es un ciclo?

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Intercambio de vídeos de las colecciones del CA2M y el MACBA

Proyección y coloquio

Un año más el CA2M se sumó a Jugada a tres bandas (Ja3b), una iniciativa que conecta galerías de arte, comisarios y artistas, y que se celebró por cuarto año consecutivo en Madrid y, por segundo año, en la ciudad de Barcelona.

Beatriz Alonso en Madrid e Ingrid Blanco y Antonio Gagliano en Barcelona realizaron una selección de obras de videoarte de las colecciones del CA2My del MACBA, respectivamente.

Lo que llamamos absurdo es nuestra ignorancia

Lo que llamamos absurdo es nuestra ignorancia planteó un breve recorrido en torno a la presencia del absurdo como estrategia o herramienta principal detectada en algunos vídeos de la colección del Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA).

Vivimos en un mundo regido por infinitud de códigos que se escapan en su mayoría al entendimiento lógico de nuestras necesidades cotidianas más inmediatas y, sin embargo, nos tambaleamos cuando desde la práctica artística se aplica la irracionalidad para cuestionar y desmantelar esa misma realidad que nos acompaña. Pese a todas las experiencias que han tenido lugar en esta dirección a lo largo del siglo XX, parecemos seguir esperando del arte cierta dosis de excepcionalidad o espectáculo, y aún nos cuesta aceptar que se ocupe de lo banal o que arroje aún más incertidumbre sobre la que ya tenemos.

Las propuestas seleccionadas presentaron distintas intenciones y trasfondos, pero compartían una pequeña revolución contra las normas y conductas imperantes, las convenciones heredadas o las propias expectativas que genera el arte. Se parte de unas estructuras excesivamente pautadas y se buscan sus límites para introducir en ellas algunas rupturas o interrogantes, ya sea desde la sencillez, la exageración o la falta de un sentido aparente en lo que se presenta.

Así, Fischli & Weiss se apropian del absurdo de la vida cotidiana, otorgando todo el protagonismo a la contemplación de un acto insignificante; Adrian Melis parodia la contradicción que resulta de no hacer nada –curiosamente, una improductividad a menudo atribuida a la práctica artística-; Carlos Bunga deconstruye una y otra vez el frágil y precario armazón de lo que paradójicamente denomina construcción; Astrid Nippoldt se afana en realizar con éxito las doce pruebas a las que somete a su cuerpo en contraposición con la cámara; Andrea Fraser lleva al extremo la pasión despertada por la arquitectura museística contemporánea, saboteando los principios de autoridad que la sustentan; Peter Friedl se rebela ante tantas formalidades y rompe por un momento con todo lo establecido; por último, Jaime Pitarch desempolva y escenifica la poesía que subyace bajo los actos triviales, los esfuerzos inútiles o el fracaso necesario.

En estos vídeos no encontraremos grandes pretensiones, sino más bien una selección de gestos de mínima resistencia, aunque no por ello menos importantes. Gestos improductivos, poéticos, humorísticos o irónicos que huyen de la razón y de aquello asimilado como normal, enfrentándonos con sensaciones como la intriga, la risa, la ternura o el desconcierto. Como en Los premios, novela de Julio Cortázar de la que el título de esta sesión toma prestada una cita, asistimos a una confrontación con lo otro, lo ajeno, lo que desconocemos, provocando una confusión intrínseca a nuestro tiempo, pero creando a su vez espacios de fluidez que nos liberan de sus presiones y nos invitan a redefinir nuestras propias reglas.

PROGRAMA

Peter Fischli & David Weiss, Büsi (Kitty), 2001. 6 min 31 s

Adrian Melis, Elaboración de cuarenta piezas rectangulares para la construcción de un piso, 2008. 5 min 20 s

Carlos Bunga, Construction, 2002. 1 min 12 s

Astrid Nippoldt, Heroic Turn, 2001. 8 min 30 s

Andrea Fraser, Little Frank and his Carp, 2001. 6 min 5 s

Peter Friedl, Dummy, 1997. 32 s

Jaume Pitarch, Dust to dust, 2005. 23 min 43 s

Beatriz Alonso (Madrid, 1981) es comisaria e investigadora. Licenciada en Historia del Arte por la Universidad Complutense y Máster en Arte Contemporáneo por la Universidad Europea; en la actualidad prepara su tesis doctoral en la UNED. En 2013 llevó a cabo la programación de la Sala de Arte Joven de la Comunidad Madrid con el proyecto Hacer en lo cotidiano. Anteriormente, ha comisariado el ciclo de cine Hazañas cotidianas en el Centro de Arte Dos de Mayo, y co-comisariado las exposiciones colectivas ¿Qué hace alguien como tú en un sitio como éste? en el Centro de Arte La Regenta o Como diría Roland Barthes, ni te cases, ni te embarques en La Casa Encendida dentro del programa Inéditos 2009. Es cofundadora de nowwwh, plataforma digital independiente de la que ha formado parte entre 2011 y 2014. En 2010 fue investigadora en el Centre Pompidou dentro del equipo de Catherine Grenier, y en 2006 asistió a Régis Michel en el Museo del Louvre, en la preparación de la exposición L’oeil-écran ou la Nouvelle Image, celebraba en 2007 en el Casino Forum d’art Contemporain de Luxemburgo. Ha recibido varios premios y becas: Premio Se Busca Comisario, Comunidad de Madrid, 2013; Premio Nuevos Comisarios. El Espacio Reinventado, Gobierno de Canarias, 2010; Beca Culturex, Ministerio de Cultura, 2010; Premio Inéditos, Fundación Caja Madrid, 2009.

Tipo de actividad

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DOMINGO 27 ABR. 2014

Dirigido a

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Categoría cabecera

Jugada a tres bandas 2014

¿Es un ciclo?

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En el marco de la 16 Semana Internacional de Cortometrajes de la Comunidad de Madrid.

En esta sesión os proponemos acercaros a la producción de cortometrajes de Fernando Franco, quien con su primer largometraje, La herida, ha ganado el Premio Goya al Director Revelación y a la Actriz Protagonista en 2014. Previamente ganó la Concha de Oro a la Mejor Actriz y el Premio Especial del Jurado en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, entre otros.

Proyección de todos los cortometrajes del director:

Mensajes de voz, 12 min., 2007

The end, 6 min., 2008

Tu (a)mor, 12 min., 2009

Les variations Dielman , 12 min., 2010

Room, 18 min., 2011

La media vuelta, 12 min., 2012

Tipo de actividad

Fechas

DOMINGO 25 MAY. 2014

Dirigido a

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Subtítulo

Fernando Franco

Categoría cabecera

Miradas en corto

¿Es un ciclo?

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El pasado es un pozo sin fondo. Un agujero negro lleno de esquirlas desprendidas de aquello que una vez fue y que el azote del tiempo olvidó retener, de mínimos trazos ocultos, olvidados, perdidos, escondidos, subyugados ante la necesidad de un relato histórico que de sentido racional a ese pasado. Son el rastro de algo a partir de lo cual sólo es posible un ejercicio de imaginación, una levedad indicial. Intentar reconstruir el pasado a partir de estas imprecisiones es recuperar algo perdido en su forma original generando algo completamente nuevo. Una reconstrucción que no se aferra a la evidencia documental para dar sentido, que expande las posibilidades de ese pasado, que es en sí misma sentido.

Reconstruir es un término habitualmente asociado al de completar: «evocar recuerdos para completar el conocimiento de un hecho» (RAE); «completar con los restos que se poseen de un suceso pasado» (María Moliner). Sin embargo, la reconstrucción, al menos como se propone para este ciclo de cine, es una acción que piensa aquello que está incompleto, independientemente de si lo completa o no. Al reconstruir se descoloca una situación del pasado para volverla a colocar. Se evoca un recuerdo, se recrea un hecho o se repite una situación de tal forma que se forja una posición crítica ante ello obligando a repensar la relación que establecemos con ese pasado. Reconstruir, así, es una acción que se sostiene sobre detalles, que se apoya en evidencias al mismo tiempo que las soslaya, que crea incertidumbre a partir de incertidumbres. En definitiva, reconstruir como una forma de recolocar el pasado, de repensarlo a partir de sus incertidumbres.

El presente ciclo recoge formas cinematográficas españolas recientes que revisan diferentes situaciones o hechos del pasado desde posiciones muy distintas: la recreación del viaje indeterminado de un familiar en la España de postguerra (La vida subime), la silenciosa resistencia antifranquista de último guerrillero anarquista clandestino (Caracremada), la azarosa búsqueda de una casa por la que Man Ray se sintió fascinado hasta el punto de rodar una pequeña película (La casa Emak Bakia), la búsqueda del mundo oculto tras la precisión científica de las imágenes del fotógrafo Harold Edgerton (Las cosas que no están) o la reconstrucción de una fiesta española en plena década de los ochenta (El futuro). Formas que nos ofrecen relatos incompletos, reconstruidos a partir de detalles imprecisos y que se cimientan sobre la indeterminación de la no evidencia como única forma de dar sentido crítico a ese pasado.

Comisariado por Fernando Baños Fidalgo

DOMINGO 26 OCT. 18:30 H.

La casa Emak Bakia

Oskar Alegría, 2012, euskera, francés, italiano, español, subtítulos español, 83 min.

Presentación del ciclo y coloquio con el comisario

¿Realmente mueren los payasos? ¿Responden las princesas a las cartas? ¿Es la imagen de la muerte la de un caballo blanco? ¿Dónde van las palabras viejas cuando desaparecen? Son algunas de las preguntas que lanza La casa Emak Bakia, una historia donde se narra la búsqueda de una mansión en la costa vasca en la que Man Ray rodó un cinepoema al que puso el mismo nombre de la casa: Emak Bakia, en euskera «déjame en paz». Una casa con un nombre extraño y solo tres imágenes para buscarla: una foto de una ventana, otra de la puerta principal y un plano del mar.

Oskar Alegría, periodista de formación. Desde el año 2002, escribe reportajes de viajes en el suplemento El Viajero de El País. Su primer largometraje Emak Bakia baita fue seleccionado en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián dentro de la sección Zabaltegi Especiales en la edición 2012 y ha recorrido 40 festivales internacionales y cosechado seis premios. Desde el 2013, asume la dirección artística del Festival Internacional de Cine Documental Punto de Vista de Pamplona.

DOMINGO 2 NOV. 18:30 H.

Caracremada

Lluís Galter, 2010, catalán, subtítulos español, 98 min.

Coloquio con Lluís Galter

«Caracremada», apodo utilizado por la guardia civil para referirse a Ramón Vila Capdevila, reflexiona sobre la resistencia libertaria al régimen de Franco a través del que fue su último guerrillero en activo. Cuando la CNT decretó la retirada de sus hombres en el año 1951, Ramon Vila permaneció en los bosques del interior de Cataluña para reemprender en solitario su lucha. Lluís Galter estudió Comunicación Audiovisual en la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona.

Su primer largometraje Caracremada fue presentado en el Festival de Venecia 2010. Actualmente está finalizando H, un mediometraje de ficción inspirado en la figura de Marianna de Copons, espía austriacista durante la Guerra de Sucesión (1714) y desarrollando la película La Substància dentro del marco del Master de Documental de Creación de la UPF.

DOMINGO 9 NOV. 18:30 H.

La vida sublime

Daniel V. Villamediana, 2010, español, 90 min.

Coloquio con Daniel V. Villamediana

La vida sublime cuenta la historia de Víctor, un hombre joven que encuentra la pasión vital que estaba buscando en la figura de su abuelo, «el Cuco», y en un viaje que éste hizo al sur de España a comienzos de los años cuarenta y que ha permanecido como un misterio familiar. El sur y el abuelo se convierten en objeto de fascinación, un espacio donde reescribir la memoria familiar para poder inmortalizar al «Cuco». El periplo de Víctor deviene un personal homenaje a la generación perdida del franquismo que no pudo realizar sus sueños. Una búsqueda del mito de lo sublime. una película sobre fronteras, entre el norte y el sur, la imaginación y la realidad, presente y pasado, abuelos y nietos, España y América, la lucidez y la locura...

Daniel V. Villamediana es licenciado en Historia. Miembro fundador y co-director de la revista Letras de Cine. Es colaborador habitual del suplemento Culturas de La Vanguardia. Como director y guionista ha realizado El brau blau (2008), seleccionado para el Festival de Locarno y San Sebastián. Su segundo largometraje, La vida sublime (2010) participó en la Sección Oficial del Festival de Locarno y en la Viennale, y ha sido exhibido durante dos años por festivales de todo el mundo. Occulta Philosophia (2013), su tercera película y su primer documental, fue estrenada en el Bafici y Fid Marseille. Su cine es un viaje entre lo personal y lo histórico, entre la ficción y la autobiografía, entre el ensayo y la imaginación. El cine concebido como un medio conocimiento y un camino para comprender la realidad.

DOMINGO 16 NOV. 18:30 H.

El futuro

Luis López Carrasco, 2013, español, 67 min.

Coloquio con Luis L. Carrasco

Un grupo de jóvenes bailan y beben en una casa. La atmósfera es festiva y alegre. La victoria del PSOE en las elecciones generales de 1982 parece reciente y la noche está contagiada de un espíritu de euforia y celebración. El intento de golpe de Estado del 23F, realizado tan solo un año antes, parece corresponder a otro tiempo, como si perteneciese a un pasado que se aleja a gran velocidad. Podríamos decir que en España, en 1982, todo estaba por venir, todo era futuro. Sin embargo, el futuro también parece aproximarse a enorme velocidad, como un agujero negro que devora todo lo que encuentra a su paso.

Luis López Carrasco es cineasta, guionista y escritor. Es co-fundador del colectivo audiovisual Los Hijos, cuyo trabajo ha sido proyectado en numerosos festivales y centros de arte. El futuro, su primer largometraje en solitario, fue estrenado el Festival Internacional de Cine de Locarno. En sus trabajos recientes se acerca a la idea de que el audiovisual amateur y cotidiano puede servirnos para iluminar acontecimientos, sucesos y movimientos de carácter breve o efímero que no han tenido cabida en las habituales interpretaciones de la Historia. Se inspira en los trabajos de «recuperación» del patrimonio cinematográfico indígena del filipino Raya Martin, la espeleología cinematográfica de José Luis Guerin y los ensayos visuales de Mathias Müller, Christoph Girardet y Péter Forgács.

DOMINGO 23 NOV. 18:30 H.

All The things That Are Not, Todas las cosas que no están

Teresa Solar Abboud, 2013, inglés, subtítulos español, 40 min.

Coloquio con Teresa Solar Abboud

Una mujer atraviesa Estados Unidos persiguiendo las imágenes de Harold Edgerton, el inventor del flash moderno. La idea de descubrimiento y de conquista de un mundo revelado gracias a sus inventos sirve como punto de partida para este road trip por los Estados Unidos, buscando a los sujetos y los espacios representados en sus imágenes y utilizándolos para crear una nueva narrativa. Siguiendo esta estela, la pieza nos lleva a través de una tierra de espejismos, de ciénagas y de fronteras, lejos del mundo cristalino del fotógrafo.

Teresa Solar Abboud, es artista y ha expuesto de forma individual en Matadero Madrid, el CA2M, en la galería Formato Cómodo y en el Centro Párraga. Su trabajo ha sido expuesto en espacios como General Public en Berlín, Het Wilde Weten en Holanda y Fabra y Coats en Barcelona y en festivales como Rencontres Internationales y festival LOOP. Ha ganado recientemente la beca Marcelino Botín, con la que realizará su próxima película en El Cairo.

Tipo de actividad

Fechas

26 OCT — 23 NOV 2014 18:30 H

Dirigido a

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