El European Forum for Advanced Practices (Foro Europeo de Prácticas Avanzadas) es un foro europeo de artistas, teóricos, filósofos, educadores, performers, comisarios, urbanistas, antropólogos y otros agentes culturales, que se han unido para articular una serie de percepciones, análisis y proposiciones para el campo mutante de la investigación generada por la práctica de las artes, las humanidades y las ciencias sociales. Es una estructura autoorganizada formada por personas que han trabajado con modelos de investigación complejos, constituyendo un campo educacional de nuevas prácticas emergentes que responde a una necesidad de reconocer un avance que ya está teniendo lugar.
Las Prácticas Avanzadas afirman que el conocimiento no está concentrado en un lugar o en un grupo de personas, sino que es colaborativo, granular y múltiple, que tiene la capacidad de articular problemáticas, inventar lenguajes para su articulación y proporcionar nuevas modalidades de acceso. Ante la necesidad de epistemologías globales y conocimientos planetarios, ante la urgencia de los bloqueos al movimiento de personas y del acceso a sus derechos, ante la guerra financiera global y el colapso de las estructuras de la sociedad del bienestar, este foro pretende visibilizar desplazamientos en los paradigmas, reformular las urgencias que precisan respuestas bajo múltiples perspectivas, inventar metodologías y poner en escena nuevas relaciones entre los campos de conocimiento.
A través de diversos formatos — conversaciones, conferencias performativas, coreografías — y con la participación de más de cincuenta agentes de más de treinta países, apoyados por una ayuda del programa europeo COST, este foro supone la primera presentación pública mundial de un impulso colectivo para transformar la academia y reconocer la aportación de los modos de investigación que nacen de las prácticas culturales contemporáneas.
JUEVES 10 DE OCTUBRE
18:00h. Bienvenida: Manuel Segade, Director del CA2M Centro de Arte Dos de Mayo
18:15h. Presentación: Irit Rogoff, Profesora de Culturas Visuales, Universidad de Goldsmiths, Londres
Es una de las iniciadoras del campo transdisciplinar de la Cultural Visual y fundadora del departamento en Goldsmiths. Sus iniciativas para establecer este nuevo campo estuvieron guiadas por la creencia de que nuestro trabajo ha de desarrollarse más allá de cuerpos heredados de saberes disciplinarios y de que hemos de encontrar motivación para la producción de conocimiento en nuestras condiciones de vida inmediatas. Rogoff trabaja entre enseñanza académica, escritura teórica, proyecto curatorial y organización de enseñanza pública.
18:45h. Conferencia: Maria Hlavajova, directora artística de BAK, basis voor actuele kunst, Utrecht
Hlavajova es la fundadora y directora artística de BAK desde el año 2000, donde desarrolla emblemáticos proyectos de transformación social y política. Entre 2008 y 2016, fue investigadora y directora artística de FORMER WEST, que ella misma inició y desarrolló como una red colaborativa de investigación, educación, publicación y exposición, que culminó con la publicación de Former West: Art and the Contemporary After 1989 (coeditado con Simon Sheikh (BAK & MIT Press, 2017). Previamente, formó parte del Center for Curatorial Studies, Bard College, Annandale-on-Hudson, NY (1998 – 2002), y fue directora del Soros Center for Contemporary Arts en Bratislava (1994 – 1999).
20:15h. Conversación: Andrea Phillips & Jesús Carrillo
Dra. Andrea Phillips es BALTIC Professor y Director del BxNU Research Institute, Northumbria University y BALTIC Centre for Contemporary Art. Andrea enseña y escribe sobre la construcción económica y social del valor público en el Sistema del arte contemporáneo, la manipulación de las formas de participación y las formas potenciales de la reorganización política, social y arquitectural en las culturas artísticas y curatorial. Su futuro libro, Contemporary Art and the Production of Inequality, ligará las políticas de las administraciones públicas y la gestión de las instituciones artísticas a los debates sobre el valor (público y privado) conformados por la investigación en las funciones políticas del mercado del arte y la experiencia personal en la organización y gobernanza de las instituciones del arte contemporáneo y el trabajo directo con los artistas.
Jesús Carrillo, historiador del arte, crítico y gestor, estudia la intersección entre el arte contemporáneo, la política y las instituciones culturales. Entre sus publicaciones destaca la edición de los textos del proyecto Desacuerdos (2005 — 2014). Recientemente ha publicado Space Invaders, acerca de las alianzas entre artistas, activistas y comunidades en la lucha por el espacio urbano en Lavapiés. Es profesor de Historia del Arte en la Universidad Autónoma de Madrid.
21:15h. Conversación: Sibylle Peters & Victoria Pérez Royo
Sibylle Peters es investigadora, artista y directora de teatro, reside en Hamburgo, donde crea y desarrolla proyectos de investigación artística participativos. Es Doctora en Literatura y Teoría de medios, a través de un estudio de la conferencia como performance. Ha sido la cofundadora en 2001 de FUNDUS THEATER / Theater of Research en Hamburgo. Su práctica reciente le ha llevado a temas como la condición transgeneracional de las artes en vivo, performar la ciudadanía, la investigación heterotópica, la hidrarquía y la navegación radical, el arte de ser plural, las zonas de igualdad interespecies, la destrucción creativa, los impulsos de improbabilidad y las paralogísticas.
Victoria Pérez Royo es profesora de Estética y Teoría de las artes en la Universidad de Zaragoza, codirectora del Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual (UCLM, Museo Reina Sofía 2010-2019), investigadora de ARTEA y profesora invitada a diversos programas internacionales de investigación basada en la práctica. Sus tres últimos libros editados son Componer el plural. Cuerpo, escena, política (2016) con Diego Agulló, Dirty Room (2017) con Juan Domínguez y Time has fallen asleep in the afternoon sunshine (2019) con Mette Edvardsen.
22:00h. Conferencia Escénica: El Drama de una realidad Sur, de Javiera de la Fuente
Esta propuesta es un viaje a la Andalucía vanguardista del teatro ritual en los años sesenta y setenta, momento en el que se inicia un camino escénico que continúa hasta el día de hoy. El rescate de una figura flamenca como Fernanda Romero, mujer y gitana, lugar desde el cual fue sin embargo libre y creadora, rebelde y poderosa, pone sobre la mesa la necesidad estética y simbólica de lo ceremonial y lo sacro utilizados como herramientas dramáticas y políticas por el teatro, inherente al arte flamenco y la figura del baile Fernanda Romero. Digamos que esta vivencia escénica hizo visible a un colectivo la necesidad de acceder a un estado más auténtico del ser individual y grupal, un estado catártico de libertad.
Bailaora de flamenco e investigadora independiente en formatos escénicos indefinibles, Javiera de la Fuente transita diferentes lenguajes tradicionales y contemporáneos. Algunos de sus trabajos han derivado en híbridos como la conferencia escénica. Colabora con Pedro G. Romero en Máquinas de vivir desde el 2014 (Secession/Viena, Stuttgart, MACBA) y de manera independiente (Tabakalera, Bauhaus Desseu, Bergen Assembly, 2019).
VIERNES 11 DE OCTUBRE.
18:00h. Presentación: Vídeo Conversación con Brian Massumi, por Florian Schneider
Florian Schneider es cineasta, escritor y comisario. Su trabajo investiga los cruces fronterizos entre el mainstream y los medios independientes, la teoría del arte y las tecnologías open source, las prácticas documentales y las formas no convencionales de curaduría. Entre sus proyectos destacan Dictionary of War (2006 — 2010), kein mensch ist ilegal (nadie es ilegal) en el marco del Hybrid Workspace de Documenta X (1997) e imaginary property, sobre la propiedad de las imágenes en el momento de la producción digital y la distribución en red. Desde 2014 es Head of the Trondheim Academy of Fine Art en la Faculty of Architecture and Fine Art de la Norwegian University of Science and Technology (NTNU). Desde 2019 es el director de la acción de COST “European Forum for Advanced Practices”, financiada por el programa Horizon 2020 Framework de la Unión Europea.
Brian Massumi es un filósofo político y teórico social canadiense. Su área de investigación abarca el arte, la arquitectura, los estudios culturales y la política. Se doctoró en literatura francesa en la Universidad de Yale en 1987 y también se le conoce por sus traducciones al inglés de textos recientes de filosofía francesa (La condición posmoderna de Lyotard (con Geoffrey Bennington), Ruido de Jacques Attali o Mil mesetas de Deleuze y Guattari. Sus teorías han sido fundamentales en el giro afectivo de comienzos de los años 2000.
18:45h. Conferencia: El texto como Notación (experimento de escritura). Jon Mikel Euba
El trabajo de Jon Mikel Euba está fundamentado en el dibujo como procedimiento y la escultura como programa, resueltos en diferentes medios. Desde finales de los noventa va desarrollando una práctica guiada por la necesidad de generar sistemas de producción propios a través del desarrollo de una «técnica económica». Una búsqueda, que también es una forma de resistencia, que implica la inmersión en procesos que involucran a otras personas y en los que el artista funciona como mediador o filtro. A partir de 2006 realiza una serie de trabajos de carácter performativo cuyo resultado se condensa en una serie de performances en las que incluye un planteamiento didáctico para los diferentes participantes con los que colabora.
En 2017 publica Writing Out Loud, publicación que recoge las transcripciones de ocho clases que impartió en el DAI (Dutch Art Institute) en Arnhem, traducidas del castellano al inglés en directo durante el seminario Action unites, words divide (On praxis, an unstated theory). Estos textos forman parte de un proyecto más amplio centrado en la escritura, que Euba ha desarrollado durante la última década, cuyo objetivo es definir una praxis que devenga teoría técnica. En este proyecto experimenta con diferentes estrategias de distanciamiento de la escritura, con el objetivo de liberarse de cualquier sometimiento a la forma por medio de una aproximación performativa. Con sus escritos, Euba, desde su posición como artista, plantea producir y comunicar una metodología firmemente situada en la práctica artística. Para ello parte de considerar el texto como Notación, como material «activable» o partitura para una acción, que más tarde se desarrolla mediante el acto de leer traduciendo en alto y ante otras personas.
El texto como Notación (experimento de escritura). El anhelo de forma genera la mayoría de bloqueos en el acto de escribir. Técnicamente, definir la escritura como Notación, posibilita concentrarse en los contenidos sin considerar aparentemente la forma. Escribir pensando en el efecto que cada frase podría provocar al ser traducida en directo, hace posibles sucesos futuros que podrían acontecer en la puesta en escena del texto en vivo, afectando a la creación misma de contenidos. A partir de una proyección hacia el futuro se genera la forma presente.
20:15h. Conversación: Andrew Patrizio & Fernando García-Dory
Andrew Patrizio es Profesor de Scottish Visual Culture en la School of History of Art, Edinburgh College of Art (Universidad de Edimburgo), donde trabaja desde 1997. Entre 1997 y 2011, fue Director de Investigación del Edinburgh College of Art. Antes de su carrera académica, fue comisario en los Museos de Glasgow y la Hayward Gallery en Londres. Enseña y escribe sobre el arte después de 1945, en particular sobre temas escoceses y ecología. Su último libro, The Ecological Eye: assembling an ecocritical art history (2019) ha sido publicado por la Manchester University Press y trata sobre el método de la historia del arte, las políticas verdes, las teorías del nuevo materialismo y la justicia medioambiental. Coincidiendo con su lanzamiento, presentó este trabajo en una conferencia en la Universidad de Princeton titulada: Picture Ecology. Art and Ecocriticism in Planetary Perspective at Princeton University.
Fernando García-Dory se ocupa en su obra de la relación entre la cultura y la naturaleza en la actualidad, tal y como se manifiesta en múltiples contextos, desde el paisaje y lo rural, hasta los deseos y expectativas relacionados con la identidad, la crisis, la utopía y el potencial para el cambio social. Tras estudiar Arte y Sociología Rural, prepara su doctorado en Agroecología. Interesado en la complejidad armónica de las formas y procesos biológicos, su trabajo aborda las conexiones y la cooperación, desde los microorganismos hasta los sistemas sociales, y desde los lenguajes del arte tradicional como el dibujo hasta los proyectos, acciones y cooperativas agroecológicas colaborativas. Su trabajo se ha mostrado en Tensta Konsthall (Estocolmo), Van Abbe Museum (Eindhoven), SFMOMA (San Francisco) entre otros. Participó en las Bienales de Atenas, Lisboa, Gwangju y Jeju y en la Documenta 13. En 2012 recibió el Premio Annenberg de Arte Socialmente Comprometido de Creative Time New York y fue finalista del Premio Rolex. Es miembro del Council of Forms (París) y miembro de la junta directiva de la Alianza Mundial de Pastores Nómadas. Desde 2009 desarrolla el proyecto INLAND_Campo Adentro, donde disuelve su autoría.
21:00h. Conversación: Inês Moreira & Ethel Baraona
Inês Moreira es comisaria, editora e investigadora independiente en el campo expandido de la arquitectura. Becaria posdoctoral del NOVA/FCSH, investiga desde 2016 sobre las ciudades posindustriales extremas en el Báltico y sur de Europa. Es profesora invitada de Cultura Contemporánea en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Oporto y editora de Jornal Arquitectos (2015 — 2019), junto a Paula Melâneo. Su trabajo curatorial pone en marcha estrategias de producción de conocimiento, diseminación y montaje espacial, ensamblando colaboraciones artísticas, académicas e institucionales con campos centrales de producción.
Ethel Baraona Pohl es editora, crítica y comisaria. Cofundadora, junto a César Reyes, de dpr-barcelona, estudio de investigación y editorial independiente con sede en Barcelona, editora de Quaderns d’arquitectura i urbanisme de 2011 a 2016 y miembro del consejo editorial de la revista Volume. Su trabajo puede encontrarse en libros y revistas de arquitectura tales como Open Source Architecture (Thames and Hudson, 2015), The Form of Form (Lars Muller, 2016), Together! The New Architecture of the Collective (Ruby Press, 2017), Architecture is All Over (Columbia Books of Architecture, 2017), Inéditos 2017 (La Casa Encendida, 2017) o Harvard Design Magazine, entre otros. Desde el año 2016, dpr-barcelona es miembro de la plataforma Future Architecture, la primera plataforma Paneuropea de museos, festivales e instituciones dedicadas a promover la arquitectura.
