Pensamiento

Inscripción gratuita en biblioteca.ca2m@madrid.org  

El requisito para participar será leer los textos antes de cada sesión, a la que se acudirá con ánimo participativo. El grupo está moderado por Tamara Díaz Bringas

Estás mirando un reloj. Tiene manecillas y unas figuras dispuestas en círculo. Las manecillas se mueven. No podrías decir si lo hacen coordinadamente o si una se mueve más rápido que la otra. ¿Qué significa eso?

La tripulación de la nave Gum –apodo que en su lengua quiere decir algo así como "animalito casero"– es enviada a un viaje interestelar en el deberán recoger información de mundos no colonizados. Uno de los investigadores tiene un don especial, un alto nivel de "receptividad bioempática", que le permite captar emociones y percepciones de su entorno. Cuando el grupo arribe a un lejano planeta en el que no parece haber formas de vida, deberá encarar misterios y eventos inesperados en los que la empatía podría ser la clave. Más vasto que los imperios y más lento, de Ursula K. Le Guin, será nuestro punto de embarque para un grupo de lectura que esta vez queremos dedicar a la ciencia ficción.

Darnos tiempo, demorarnos en relatos de ficción han sido deseos compartidos por participantes en los grupos de lectura previos. A fines de 2014 arrancó nuestro primer grupo con la invitación a Saber con quién se trata de la mano de Bulegoa zenbaki barik, oficina de arte y conocimiento ubicada en Bilbao, que propuso un programa de lecturas en torno a los diferentes acuerdos, contratos y relaciones que definen nuestra vida cotidiana. Las participantes en esa primera experiencia recorrimos y transformamos el programa de partida, y entre 2015 y 2016 abrimos una nueva etapa que extendía nuestros deseos de lectura y experimentación colectiva. Con ese segundo grupo de lectura que llamamos El cuerpo como archivo nos preguntamos, entre otras cuestiones, por el cuerpo como un archivo político y cultural y por las tecnologías –legales, médicas, arquitectónicas, mediáticas– de producción del cuerpo, el género, la sexualidad.

Aunque buena parte de nuestras lecturas han estado basadas en ensayos, la ciencia ficción nos acompañó en algunos pasajes fecundos de ese recorrido. Junto a Albert Meister, por ejemplo, que en Beaubourg, una utopía subterránea (1977) proponía: "La única manera de rechazar el sistema es negarlo, ignorarlo. No contra él, sino junto a él, creando un universo paralelo, el continuum espacio temporal paralelo de la ciencia ficción". O con las inspiradoras ficciones políticas e historias multiespecies de Donna Haraway que, como ella misma ha sugerido, tienen sus células madre en las creadoras de ciencia ficción.  

En esta tercera convocatoria para constituir un grupo de lectura que compartirá diez tardes entre febrero y junio de 2017, tomaremos como punto de partida relatos de Ursula K. Le Guin y Octavia Butler, así como de Ted Chiang, Clarice Lispector o Macedonio Fernández. Como en las experiencias anteriores, serán las afinidades y derivas del propio grupo las que den forma final a nuestros encuentros. Sin un destino previsto de antemano, nos proponemos más bien regalarnos colectivamente las historias que merecemos, el tiempo que merecemos y tal vez en el camino demos también con algunas herramientas para los mundos que queremos habitar. Es posible que nos detengamos tres o cinco sesiones en un único relato o que leamos un texto distinto en cada encuentro. Procuraremos, en todo caso, andar con placer y apertura a lo imprevisto. Y más lento.

En 1979, muy poco después de la fecha que Malcolm McLaren estableció como la de inicio del punk, se publicó el ensayo pionero de Dick Hebdige, Subcultura. El significado del estilo. En este texto, contemporáneo de algunos de los movimientos que se proponía estudiar, Hebdige adoptaba la metodología de los estudios culturales, que rompe con las jerarquías que separan alta y baja cultura, para examinar el modo en el que habían nacido las subculturas que se desarrollaron en Gran Bretaña tras la II Guerra Mundial y definir las estrategias que éstas habían seguido para enfrentarse al orden establecido. La mirada de Hebdige se alejaba en parte de esa otra, romantizada y nostálgica, que algunos autores posteriores proyectaron en sus particulares construcciones del punk y sus precedentes y tomaba la idea de conflicto como punto de partida de su análisis.

Se trataba, en primer lugar, de un conflicto de clase, ya que todos estos movimientos –el de los teddy boys, los rockers, los mods, los skinheads y los punks– surgieron entre los jóvenes trabajadores ingleses que se resistían a asumir los límites impuestos a su propia clase, como sucedía sobre todo con los elegantes mods, o los ideales de la clase media, como finalmente ocurría con todos. El desarrollo de estos grupos también implicaba un conflicto de raza, porque estaban formados por blancos y se oponían, aunque en ocasiones les sirvieron de base, a las subculturas que durante esos años se habían desarrollado entre los afrobritánicos, tal y como evidenciaban las confusas relaciones entre el primer punk y el rastafarismo de origen antillano. Sin embargo, Hebdige ignoró otro conflicto, el de género, que se hará evidente más adelante, con los textos de Angela McRobbie, que se interrogaba sobre el papel que jugaban las mujeres en el desarrollo de las subculturas, el fenómeno de las riot grrls y la apropiación por parte de colectivos homosexuales de algunos de los recursos utilizados por el punk.

Hebdige, en la búsqueda de una genealogía para estas subculturas, trazó vínculos entre estos grupos que rompían con las normas y las vanguardias del fin de siglo XIX y los comienzos del siglo XX, a partir de la importancia que daban al estilo como algo significante y las consecuencias que esto tenía en la forma en la que utilizaban los objetos, descontextualizándolos y convirtiéndolos en símbolos de la disidencia. Estas tácticas utilizadas por las subculturas le llevaron a trabajar sobre el concepto de bricolaje que, generalizándolo y simplificándolo, podría extenderse al uso del ensamblaje, el collage y el Do it Yourself (DiY), por parte de los punks y otros grupos subculturales.

En esta selección de libros, revistas y fanzines recientes, autoeditados o publicados en su mayoría por editoriales independientes, se asumieron algunos de los aspectos que Hebdige destaca en su ensayo. Por un lado, se buscó trazar una historia, breve e incompleta, como lo son todas, de las subculturas que precedieron al punk o se desarrollaron al mismo tiempo, partiendo de la figura del dandi y subrayando sus vínculos con las vanguardias. Por otro, se incluyeron ediciones que revisaban las publicaciones del movimiento punk y a algunas de sus figuras más relevantes. Además se pretendió mostrar cómo algunos artistas actuales contemplan este movimiento y lo que le siguió, eso que se ha dado en llamar post-punk. No sólo se incluyeron proyectos con carácter nostálgico, de algo que se sabe acabado y por tanto imposible de recuperar, sino que también se buscaron otros que analizan el punk con frialdad antropológica o los problematizan desde posiciones feministas y queer.

Sergio Rubira es Profesor de Historia del Arte Contemporáneo en la UCM y secretario académico del Máster en Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual, UAM, UCM y Museo Reina Sofía. Es Editor adjunto de EXIT y colaborador de El Cultural de El Mundo.

La estrategia es muy casera, pero las consecuencias pueden ser industriales.Entra en McDonalds. Compra dos Cheese Burgers. Saca el relleno de carne de una de las ha-mburguesas y mételo en la otra… ¡voilà! De esta forma tienes tu Double Cheese, al económico precio de dos Cheese Burgers. Como plus, te queda también un pan completo para rellenarlo ¡con lo que quieras!  
 
PLAY
Bajo la estética cutre-amateur del tutorial Tuplajuustovinkki reside un refinado potencial subversivo. Mostrando cómo convertir dos hamburguesas simples en una doble, el autor de este video subido hace cuatro años a Youtube «deconstruye»unas hamburguesas para re-hacerlas a su manera, a su antojo y a su bolsillo. Desmonta la filosofía comercial de la multinacional y, jugueteando con ella, imagina una forma compartida de resistencia. A priori un ser controlado por el sistema, el consumidor, se emancipa no solo a través de su deseo por probar y jugar, sino también a partir de su afirmación como productor y difusor de contenidos inusuales. Se convierte en un inesperado agente de saber, consciente de que el conocimiento es un terreno de la invención, donde el «play"» es mucho más que la mera reproducción, sino una aproximación al espacio creativo de la performance por instrucciones. Sin embargo, aquí el juego puede ser perverso: ¿hasta qué punto el tutorial es capaz de cuestionar la máquina capitalista de producción de deseos?, ¿no actuaría inadvertidamente como un elogio a la mercancía y a su sistema productor que tanto quiere atacar?, ¿quién devora a quién: nosotros o las hamburguesas? En fin, FAQ propias de un mundo donde el capital no es solamente el título de un libro.

VIEW
Ver a otros haciendo cosas nos hace creer que somos capaces también; miramos y aprendemos. Además, todo parece fácil, posible y reproducible en el mundo de los tutoriales. Como un género en sí mismo, este formato se despliega en vídeos, manuales, guías, diagramas y prospectos que circulan por las redes online y offline. Privilegiando a menudo una lectura por imágenes, demandan una capacidad discursiva por asociación e invitan a la elaboración de un relato por intuición. Tuplajuustovinkki, por ejemplo, opera bajo una clara pedagogía visual. Objetivo, método y relaciones causales son fácilmente identificables por el espectador, aunque no entienda ni una palabra de la narración en finlandés. La interpretación se estructura a través de las sucesivas suposiciones que se van confirmando, permitiendo que incluso los inevitables malentendidos conlleven hallazgos e inventos fortuitos. Los videotutoriales se fundan en una capacidad de hablar de la complejidad por simplificación; y como de todos es sabido que hablar de manera sencilla no es algo fácil, quizá ahí resida su popularidad, algo que llevan incorporado como dato en su propio margen en el número de visualizaciones. Como materiales eminentemente visuales, los videotutoriales encuentran un espacio privilegiado donde la teoría, y no solamente la narrativa visual, se hace por montaje. Y donde la expresión burlona y coloquial «¿te hago un dibujo?»deja de ser una broma mal-educada para ser todo lo contrario:un serio instrumento de formación.

SHARE
Los tutoriales, con sus trucos, estrategias y recetas incursionan paradójicamente en dos ámbitos opuestos. Por un lado, son el formato propio de los saberes estructurados que fomentan la normatividad de sus reglas; y por otro, permiten ser parasitados por saberes informales, generando un territorio ideal para la práctica experimental y especulativa, un lugar donde el conocimiento se forma, comunica y distribuye en la periferia de las instituciones oficiales. La circulación incontrolable de estos materiales, que parece estar regida por una lógica de la abundancia, resulta en la multiplicación, asociación y contaminación de los saberes, propiciando un ambiente híbrido de aprendizaje que, a su vez, alimenta la aparición de nuevas ideas que difundir. La supremacía de la autoría es cuestionada y como consecuencia se ofrece como punto de intervención, ocupado por nuevas comunidades de conocimiento y por sus producciones colectivas. Abiertas a comentarios, a que gusten o no, a la edición o simplemente a la luz de las fotocopiadoras, se retroalimentan en su naturaleza de llamamiento a la participación. Como códigos abiertos, demuestran una flexibilidad suficientemente pícara para colarse incluso en los circuitos ortodoxos. Bajo los logotipos de multinacionales que venden felicidad en forma de video o bocadillos, quizá impriman una duda esencial: ¿a quién pertenecen las ideas?

El refrán asegura que «todo está en los libros», mientras otros testifican que «si algo existe, está en internet». Sospechando de estos lugares comunes pero confiando en lo «popular» como mecanismo de fabricación de mundos, la exposición Tutorial: ¿Quién enseña qué a quién? desea encontrar una plataforma de diálogo entre la selección de publicaciones que aquí se presenta en diferentes formatos y metodologías de transmisión de saberes. Transitando por asociaciones disparatadas entre elementos de la cultura visual, la edición, la literatura, la ciencia y el arte contemporáneo, el material expuesto propone un recorrido por la memoria cultural del saber hacer (know how) y reflexiona sobre la manera en que generamos, difundimos e imaginamos nuevas políticas de aprendizaje colectivo.

Divididas en tres categorías prestadas del léxico de internet - PLAY, SHARE y VIEW -, las publicaciones releen estos verbos imperativos como una invitación, un modo de uso o una orientación para un performance como visitante. (Sugerencia de preparación: En este juego compartido, es igualmente deseable que visualicemos tácticas de desmontaje de dichas categorías. El manual puede ser re-escrito y la casualidad aquí juega como pieza clave).

Tutorial: ¿Quién enseña qué a quién? pretende ocupar la biblioteca del CA2M y resignificarla como un foro, donde el pensamiento es editable, donde las lecturas encontradas desestabilizan procesos de participación unidireccional y donde podemos hackear sin culpa el título de un célebre y supracitado texto y convertirlo libremente en instrucción de uso de esta exposición: ¡desempaquemos nuestra biblioteca!

INDISCIPLINADAS: con base en Madrid y Cali desde 2013, Indisciplinadas desarrolla proyectos comisariales, editoriales y educativos que investigan métodos de acercamiento al contexto del Arte Contemporáneo y la Cultura Visual desde prácticas que se presten a la contaminación, recombinación y difusión de distintos códigos y saberes. Su interés por el ámbito editorial se refleja en el proyecto “Cuadernos domésticos”, en la exposición”Soft [cover] revolution” y en
programas pedagógicos como “No Room for Books”. Han colaborado con instituciones como el Museo de Arte de Castilla y León (MUSAC), Instituto Europeo de Diseño (IED-Madrid), Biblioteca de las Conchas de la Universidad de Salamanca y Lugar a Dudas en Cali.

MARTES — VIERNES. 11:00 — 14:00 Y 16:00 — 21:00 H.
Consulta en sala de los fondos de libre acceso
http://otraspublicaciones.tumblr.com
www.indisciplinadas.com

Desde hace tiempo es extendida la fascinación de los artistas por la literatura. Son innumerables los experimentos que, sobre todo desde los años 60, estos han realizado a partir de las narraciones escritas. Y a la vez, en las últimas décadas, hemos visto cómo la presencia de los textos en las exposiciones es cada vez mayor. A tal punto que en muchos casos actúan como ventrílocuos, y en otros las asisten como perfectos compañeros de ruta. Esta particular forma de comunicación no se desarrolla  a través de estancos formales. Sus modalidades son tan heterogenias como reflexivas. La escritura artística asiste a una suerte de mutación genérica constante y tiene la cualidad de ofrecer distintas versiones a partir de un mismo material.

La porosidad que caracteriza a la escritura artística se convierte en la guía de un recorrido práctico, interesado en repasar tal multiplicidad de formas y en dar a conocer los diversos modos de abordar la escritura sobre arte. A partir de la lectura trasversal del texto “Contra la interpretación” de Susan Sontag, este taller se propone examinar las posibles maneras de acompañar y prolongar a través del uso discursivo la experiencia que el arte produce. Así como el tipo de escritura empleada por los artistas a la hora de formular un texto (Rene Green, Brion Gysin, Fernanda Laguna, Alejandro Cesarco o Liam Gillick ). Un modo, entre otros, de rendir tributo a la imaginación, ya que como señala Sontag: “La finalidad de todo comentario sobre arte debería ser hoy el hacer que las obras de arte –y, por analogía, nuestra experiencia personal– fueran para nosotros más, y no menos, reales. La función de la crítica debería consistir en mostrar cómo es lo que es, incluso qué es lo que es, y no en mostrar qué significa ”.

Desde la biblioteca del CA2M, se invitó a todos los escritores, teóricos, historiadores y artistas a compartir y experimentar la fascinación que la escritura artística promueve. Durante seis sesiones escribimos a partir de proyectos artísticos y conocimos las estrategias utilizadas por diferentes creadores.

NUEVE es una publicación que fue el resultado del primer taller de escritura artística, Ejercicios de estilo. Durante siete sesiones se revisaron textos y obras de creadores que experimentaron con la ficción para desbordar las reglas de la escritura artística. NUEVE incluye textos y conversaciones de artistas de los que sabemos muy poco ya que trabajan desde la invisibilidad y el rumor.

NUEVE

(descargar pdf)

El juego es la esencia de la manifestación inteligente de la vida, y es a través del juego que el hombre se remonta a una especial dimensión abstracta en la que toma conciencia de sí mismo actuando de otro modo. En esta actividad esencialmente libre del ser humano, se deforma la realidad a través del diseño de unas nuevas reglas, frágiles y efímeras, del espacio y tiempo. Con el acto lúdico se rompe psicológicamente, a través del ritual, la rigidez de las construcciones conscientes, convirtiéndose en uno de los estados que mayor experimentación genera en el diseño de nuestros entornos de convivencia, de nuestras ciudades, o de nuestros espacios de intimidad.

A través de las Partytopias, de las estructuras frágiles, de las construcciones nómadas o de la revisión de algunas utopías y prácticas arquitectónicas, DESIERTO se sumerge en un campo de investigación que plantea el hedonismo y el disfrute como una parte esencial del proceso de la creación arquitectónica.

Partytopias (Presentación del segundo número de la revista DESIERTO)empezará a las 19.00 de la tarde del sábado 29 de Marzo. La parte principal y con la que daremos comienzo será el encuentro con los autores, que hablarán de su trabajo y de los textos con los que participan en este número de la revista en presentaciones, apoyadas con imágenes, de una duración aproximada de 15 minutos cada una. Después de las presentaciones se estimulará una conversación entre los autores y los asistentes.

CONFIRMADOS

Esteban Salcedo

Juan Elvira

Manuel Collado

Nacho Martín

Una vez finalizado el encuentro se pondrá música y generará un ambiente festivo en el que siga la conversación. Está por confirmar una intervención de uno de los asistentes, que prepararía una sesión de cockteles durante su presentación.

MÚSICA

Mi5 djSET

Michael DeBaur djSET

ESPACIO Y FORMALIZACIÓN

PAPER

(Architectural Histamine)

hola@paper-paper.es

www.paper-paper.es

La frase «Saber con quién se trata es la primera condición para que el trato sea posible» de Georg Simmel, nos sirvió como arranque para este grupo de lectura e inspira un debate acerca de los diferentes acuerdos, contratos y relaciones que acompañan y definen nuestra vida cotidiana. Los contratos, explícitos o latentes, configuran las diferentes formas de hacer, pero siempre bajo mínimas condiciones: la primera de ellas, entre quiénes se establece el pacto; la segunda, cómo se llega a él; y la tercera, qué contenidos trata.

Para responder a la primera, diremos que nos gustaría establecer un trato con todas aquellas personas dispuestas a revisar los términos que regulan nuestra vida diaria y a imaginar nuevos modelos de pactos posibles. ¿Cómo lo vamos a hacer? A través de la constitución de un grupo de lectura estable extendido en el tiempo. En él abordaremos la discusión desde cuatro marcos - el comisariado, la crítica como género literario, la teoría social y la danza y coreografía actuales - a través de una selección de textos que podrán incluir ensayos, actas judiciales, conferencias, poemas, prosa, reseñas, noticias, entrevistas, películas o registros de audio. ¿Sobre qué vamos a debatir? Sobre cómo se configuraron las definiciones de estas cuatro áreas en momentos concretos de la historia, haciendo prevalecer unas formas y valores sobre otras; y sobre cómo todo ello ha generado el conjunto de prácticas de las que formamos parte.

«Saber con quién se trata» es una iniciativa puesta en marcha por Bulegoa zenbaki barik, oficina de arte y conocimiento ubicada en Bilbao, a partir de la experiencia previa de «EL CONTRATO», un proyecto de dos años en colaboración con AlhóndigaBilbao desarrollado en dos partes, un grupo de lectura y una exposición. Las sesiones en CA2M serán moderadas por Tamara Díaz Bringas en diálogo con Bulegoa Z/B (cuyas componentes formarán parte de las cuatro primeras sesiones). Dos semanas antes de cada sesión de lectura serán enviados los textos a los participantes. El requisito para participar será el de leer los textos previamente a la sesión, a la que se acudirá con ánimo participativo.

www.bulegoa.org

www.alhondigabilbao.com/programacion/el-contrato

Lecturas propuestas:

Roland Barthes: “Sobre la lectura” en El susurro del lenguaje. Barcelona: Paidós, 1987

Bruno Latour y Émilie Hermant: “Esas redes que la razón ignora: laboratorios, bibliotecas, colecciones”, en Retos de la postmodernidad, Fernando García Selgas y José Monleón, José (ed.). Madrid: Trotta, 1999.

Clifford, James: "Sobre el surrealismo etnográfico", en Dilemas de la cultura. Antropología, literatura y arte en la perspectiva postmoderna. Barcelona: Gedisa editorial. pp.149-188

Gertrude Stein: If I Told Him: A Completed Portrait of Picasso (Si yo le dijera: un retrato completo de Picasso), 1923.

Ingeborg Bachmann: “Música y poesía” (1959) y “Sobre poesía. Segunda conferencia de Fráncfort” (1959-1960). En Bachmann, I.: Literatura como utopía (Selección de escritos críticos). Pre-textos, Valencia, 2012.

John Cage:Lecture on nothing (Conferencia sobre nada), 1959.

Joseph, Isaac: “Dramas” y "El orden de la interacción y su vocabulario" en Erving Goffman y la microsociología. Barcelona: Gedisa. [pp. 51-67 y 119-121]

Kunst, Bojana: "Danza y trabajo: el potencial político y estético de la danza", en Lecturas sobre danza y coreografía, Isabel de Naverán y Amparo Écija (ed.). Madrid: Artea, 2013. 

Acento es un programa vinculado a Artistas en residencia en el que durante dos jornadas se realizarán presentaciones de algunos de los proyectos llevados a cabo durante las estancias de 2017 y donde se generará un espacio de encuentro con los artistas del 2018. En estos días ambas instituciones quieren poner el acento en la reflexión que parte de la propia investigación artística a través del cuerpo, entendiendo este como cuerpo social, como una construcción política productora de saberes desde lo sensible.

Artistas en residencia es un programa conjunto de La Casa Encendida y del CA2M Centro de Arte Dos de Mayo, cuyo fin es apoyar la creación y la investigación centradas en el trabajo con el cuerpo desde lo performativo.

Los artistas seleccionados en 2017 fueron: Aníbal Conde & Magdalena Leite, Anna Moreno, Bárbara Bañuelos Ojeda, Laia Estruch, Quim Bigas, SEPA & Lara Brown, Vicente Arlandis Recuerda

PROGRAMA

MIÉRCOLES 24 ENE

En CA2M Centro de Arte Dos de Mayo

18:00 h. Laia Estruch: MOAT

Moat es una práctica escénica experimental, un solo que se edita a partir de un archivo de ejercicios corporales y vocales alrededor de una estructura de hierro transitable (creada a partir de la recuperación de diferentes elementos y formas tipológicas de parques infantiles de comienzos del siglo pasado) que funciona como escena, partitura, instrumento y archivo. A través de una relación directa entre cuerpo y estructura, Moat persigue experimentar, fijar sonidos y recorridos generados por cuerpo y voz tomando como referencia los comportamientos corporales y acústicos de dichos espacios de recreo.

Moat se convierte en un espacio transversal mediante la realización de una serie de performances, cuyo registro sonoro da lugar a una investigación audible, dentro de la estructura de hierro transitable.

Laia Estruch, sus proyectos se inscriben en el ámbito de la performance desde donde trabaja con la voz como dispositivo y espacio de experimentación de sus propuestas artísticas. Sus proyectos cuestionan el sistema de signos del lenguaje oral y su interacción humana con una aproximación, performativa y crítica, a los usos de la voz.

19:30 h. Presentación de las publicaciones de los Artistas en residencia (Biblioteca)

20:00 h. Aníbal Conde y Magdalena Leite: FLICKER

Acción escénica de 50 minutos inspirada en la noción de flicker o parpadeo electrónico proveniente del cine experimental.

FLICKER ha sido creada durante su residencia en La Casa Encendida y el CA2M dentro el proyecto LOS40; Juntos han realizado las obras: DANCE DANCE DANCE con más de 50 presentaciones al público; VIDEOCLIP ; Experimento X5 y varios ejercicios creativos tanto escénicos como de acción performática y de imagen.

Aníbal Conde, artista en video y performer.

Trabaja en la escena desde el cruce de disciplinas y realiza videos experimentales enfocados en el aspecto formal de la imagen en movimiento. Sus videos y documentales han sido exhibidos en diversos festivales.

Magdalena Leite, es coreógrafa, bailarina y docente.

Ha recibido la beca danceWEB del Festival ImpulsTanz; el apoyo de IBERESCENA para la creación en 2010 y 2014 y de la Fundación Prince Claus para la presentación de Jack Taste la suerte está echada.

21:30 h. Sepa & Lara Brown: SUGA
SuGA es un estado alterado y confuso.
Un momento de hiperlucidez.
Una dramatización cósmica.
Un videoclip.
SuGa es un fantasma.
Un tono.
Un pacto.
Con lo bonito que se ve el windows 10 y lo pesado que es ponerse a programar...
SuGA intenta enredarse entre los hilillos invisibles.
Entre los calambres.
Las chispitas.
Esas dimensiones que lo complican todo.

Sepa escribe frases en carteles y los pega por ahí en los edificios. Lara Brown lo que hace con las frases es decirlas en alto.

Ambos pasan mucho tiempo preguntándose qué tipo de cosas son las que ocurren entre las personas. SUGA podría ser una conjunción de sus iniciales, pero está claro que no lo es. Son textos escritos en papel que se introducen en escena. Uno detrás de otro. Todo el rato.

JUEVES 25 ENERO

En La Casa Encendida

20:30 h. Quim Bigas: APPRAISERS

APPRAISERS es un proyecto continuo que va divagando en formatos alrededor de activaciones coreográficas que giran alrededor de la idea de valor, atención, orden y/o presente. Durante su residencia, ha conversado con una pared y sus posibles constelacionesconstel•laciones a partir de la excusa de NOMBRAR. Nombrar como eso que apunta, que dispara, que se mueve, que es instantáneo, que señala, que se acumula…

Quim Bigas, su trabajo se sitúa entre la coreografía, la danza, la dramaturgia, el encuentro y la práctica escénica. A través de procesos que mezclan procedimientos informativos e investigación de movimiento, se quiere aproximar a nociones y reflexiones sobre el compromiso, el valor, el formato y lo performativo.

VIERNES 26 ENERO

En centro cultural El Torito de Moratalaz

19:00h: Anna Moreno. THE DROWNED GIANT

En 1970 se organizó un happening en Moratalaz (Madrid) para promocionar el proyecto de vivienda utópica La Ciudad en el Espacio, del arquitecto Ricardo Bofill. Un evento que nunca se llegó a documentar, un proyecto que nunca se llegó a construir. El 7 de junio pasado, la artista Anna Moreno repitió aquel happening en el mismo lugar del original.

Anna Moreno junto al el experto en blues Ramón del Solo (entre otros) nos presentará la publicación The Drowned Giant, un LP con el registro sonoro de este proceso de restitución, la única documentación existente del evento. El disco contiene los testimonios de Gila Dohle, The Downton Alligators, Enrique Doza, Peter Hodgkinson, Anna Moreno, JC Ramone, Toti Soler y Ramón Del Solo, entre otros. La edición también incluye un libreto con relatos de ficción escritos por los arquitectos Paula Currás & Havi Navarro, la comisaria María Montero, el experto en blues Ramón del Solo y ella misma. Esta presentación será a su vez el prólogo del festival Moratalaz Blues Factory.

La presentación irá seguida de un concierto de los Downtown Alligators, una banda de rhythm and blues local con 10 años de trayectoria en salas madrileñas y nacionales.

La publicación ha sido producida con el apoyo de Barcelona Producció'17, La Capella / Institut de Cultura de Barcelona, y tutorizada por Latitudes (Mariana Cánepa y Max Andrews).

Esta presentación cuenta con el apoyo de Acento, del festival de blues de Moratalaz de Experimenta Distrito (Medialab Prado) y de la Junta Municipal de Moratalaz.

Anna Moreno es artista visual y trabaja entre La Haya (Holanda) y Barcelona. Actualmente es profesora de Artistic Research en la Royal Academy of Art de La Haya y es co-fundadora de la iniciativa artística Helicopter, un espacio para la experimentación y el intercambio de conocimiento.

En La Casa Encendida

22:00 h. Vicente Arlandis: SUMARIO 3/94

El 25 de junio de 1995, Vicente Arlandis Ruiz, vecino de Ibi (Alicante), es detenido por la Guardia Civil. Está siendo investigado por el asesinato de María Lidia Bornay Bernabeu, vecina de Ibi y de 84 años de edad. Él mismo había denunciado su desaparición cuatro días antes, extrañado de que María Lidia no contestara a sus llamadas. Cuando la Guardia Civil entra en su domicilio, el cadáver presenta múltiples signos de violencia. Vicente Arlandis Ruiz es acusado y finalmente declarado culpable de dicho asesinato. Es condenado a 29 años, 6 meses y 1 día de cárcel. Cumplió condena en varias prisiones del Estado y estuvo encarcelado durante 13 años, 7 meses y 10 días.

Este proyecto pretende construir una nueva historia y una nueva versión de los hechos. Quiere poner sobre la mesa e interrogar la forma y la multitud de historias que se sucedieron alrededor del suceso. Partir de la frialdad y la supuesta objetividad del relato judicial y hacerlo estallar en mil pedazos. Y rescatar nuestra historia a nuestra manera. Este proyecto pretende construir, quizás, una nueva inocencia. No tanto la que decretaría la institución judicial (que todavía hoy seguimos reivindicando), sino la inocencia que podría materializar (renovar, ampliar) el hecho escénico.

Vicente Arlandis es creador escénico, investigador y docente. Desde el año 2001 hasta el 2015 trabaja junto a Sandra Gómez en el proyecto Losquequedan donde llevan a cabo numerosos proyectos artísticos como la serie Borrones, Thank You Very Much, Tragedia de los Comunes, entre otros. En la actualidad participa en el proyecto colectivo TALLER PLACER junto a Mariví Martín, Miguel Ángel Martínez y Paula Miralles.

Entrada libre hasta completar aforo salvo sesión con Vicente Arlandis.

Entrada para Vicente Arlandis: 5€

Venta entradas en ticketea.com, en el teléfono 902 044 226 y en La Casa Encendida de 10.00 a 21.45h.

Artistas en Residencia es un programa conjunto de La Casa Encendida y del CA2M Centro de Arte Dos de Mayo, cuyo fin es apoyar la creación y la investigación centradas en el trabajo con el cuerpo desde lo performativo.

Se articula en relación a la programación estable de La Casa Encendida y el CA2M, por ello se valoran aquellos proyectos que responden mejor a las líneas de investigación y experimentación de ambos centros. Artistas en Residencia es además un programa orientado a establecer diálogos entre los creadores y los agentes vinculados a ambas instituciones y sus programas.

Proyectos seleccionados:

MARÍA SALGADO Y FRAN MM CABEZA DE VACA.
JINETE ÚLTIMO REINO

Jinete Último Reino nombra una zona de investigación audiotextual alrededor del deseo, la represión, la rebeldía subjetiva y la alegría compartida por las subculturas de la noche. Además de piezas sonoras, instalativas e impresas, la zona comprenderá tres obras escénicas o fragmentos, que puedan, por un lado, sostenerse autónomamente, y, por otro, reagruparse como obra de sentido completo en el momento en el que las 3 estén listas.

Si el Fragmento 3, estrenado en junio de 2017 dentro del programa de “El porvenir de la revuelta” (Matadero de Madrid) se ocupaba de la noche como momento de liberación y narcisismo, lucha política y hedonismo, de los cuerpos que no cumplen la norma (y, en cierta medida, la juventud); el Fragmento 2 hablará de la normalización de la etapa escolar (y, en cierta medida, la adolescencia), mientras que el Fragmento 1 va a intentar traer a escena algo tan delicado y frágil como la infancia, sus gestos prelingüísticos, la formación de un movimiento característico de una, de uno, de unx, la formación de la pluma como diferencia (cualquiera) de (cualquier) cuerpo que aparece en y se relaciona con el mundo.

María Salgado y Fran MM Cabeza de Vaca trabajan juntxs en Madrid desde el año 2012, a partir de una idea de audiotexto como intersección entre la poesía, el lenguaje, el arte sonoro, la música y la performance. De 2012 a 2016 estuvieron inmersxs en un proyecto de vida y creación llamado Hacía un ruido. En enero de 2017 retomaron algunas preguntas sobre mansedumbre, rebeldía y desobediencia que habían empezado a hacerse una calurosa noche del Ladyfest Madrid 2013, para de nuevo iniciar un largo camino de pruebas formales, obras escénicas y experiencias vitales al que han llamado Jinete Último Reino.

http://m-slgd.tumblr.com/ 
http://franmmcabezadevaca.tumblr.com/

ESTHER RODRÍGUEZ-BARBERO
GUIDED TOUR

‘Guided Tour’ no es una visita guiada. ‘Guided Tour’ es más bien una visita habitada o un recorrido espacial o quizás tan sólo un encuentro con lo que no se ve, con lo que está detrás, con lo que aún no podemos nombrar. ‘Guided Tour’ es una herramienta para pensar/nombrar/vivir/habitar el espacio desde el cuerpo, para afectar y ser afectado por los cuerpos/objetos/límites/dimensiones/historias/discursos/normas que lo conforman.

Esther Rodríguez-Barbero. Creadora escénica, performer y arquitecta. Se forma en danza contemporánea paralelamente a los estudios de arquitectura y posteriormente realiza un Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual, UCLM en colaboración con el Museo Reina Sofía. Actualmente realiza una investigación en a.pass (advanced performance and scenography studies). Como creadora escénica ha mostrado trabajos en diferentes contextos. Su trabajo se sitúa entre la coreografía, la práctica escénica y la arquitectura. Últimamente se dedica a diseñar prácticas espaciales.

https://www.estherbarbero.com/ 

DAVID BENITO, IRENE CANTERO, VÍCTOR COLMENERO PROYECTO: EN LA NATURALEZA
Desde tres modos de acercarnos a la idea de Naturaleza: lo salvaje –la mirada puesta en la antropología y la anatomía–, la armonía –una posibilidad al panteísmo, a lo espiritual y/o trascendental– el exilio –la llegada a la naturaleza como posicionamiento político, ético y estético–. EN LA NATURALEZA es: Un proyecto a tres sobre las estrategias de la vida la en la Naturaleza. Tres acercamientos distintos y sus posibles simbiosis; un modo de recorrer los lugares y trazar relaciones con ellos a través de nuestro cuerpo y nuestras acciones; una reflexión sobre la función y consecuencias de dichas acciones para con el entorno; una disección del trabajo de campo en sí mismo, del acto de moverse por un terreno, del hecho de habitarlo.

Nuestro modo de hacer pasa por el cuerpo y la acción en crudo. Tanto desde un lenguaje cercano a la danza –siempre entendiendo danza como la expresión libre de un cuerpo y huyendo de los códigos y reglas que lo coartan– como desde todas las acciones que puede realizar un cuerpo, en este caso domesticado y salvaje a un tiempo. Nuestra búsqueda va hacia ese cuerpo que sabe dónde están sus instintos y sus comportamientos naturales y decide cuando mostrarlos o disimularlos.

David Benito es licenciado en Historia del Arte y en Bellas Artes y Master universitario en Investigación en arte y creación en Madrid, actualmente es estudiante de doctorado, con una investigación sobre los flujos de imagen a tiempo real en el entorno de las artes plásticas y escénicas. Desde 2006 se dedica a las artes escénicas, y trabaja también como iluminador, coordinador técnico y creador audiovisual. A día de hoy, es coordinador técnico de las compañías Angélica Liddell/Atra bilis y Daniel Abreu, y colaborador de las coreógrafas Irene Cantero y Elena Córdoba.

Irene Cantero trabaja en realidades diversas siempre enmarcadas en las artes vivas: los lenguajes del cuerpo –coreografía, interpretación y pedagogía– y la luz –diseño de iluminación–. Desarrolla su propia obra y colabora con compañías y artistas independientes que sostienen una línea entre la danza contemporánea, la performance y los géneros híbridos. Licenciada en Escenografía en la Real Escuela Superior de Arte Dramático y en Coreografía en el Conservatorio Superior de Danza María de Ávila de Madrid. Su práctica artística explora una forma de entender la danza desde la transdisciplinaridad y la resistencia. 

http://enprofundidad.eu 
https://vimeo.com/channels/enprofundidad/ 

Víctor Colmenero Mir es licenciado en Escenografía, Iluminación y Vestuario por la RESAD. Trabaja principalmente como iluminador de distintas compañías pero también como escenógrafo, figurinista, coordinador, director de arte y tallerista. Todas sus piezas comparten entre sí la idea de un entrenamiento corporal distópico y específico: el devenir, la irradiación, la perspectiva y, en esta ocasión, el adentramiento en la Naturaleza. https://victorcolmeneromir.wordpress.com/

JAVIER MARQUERIE THOMAS
EXTRAOCEANIC
“Agotadas al contemplar la extensión del liderazgo conservador, al contemplar la falta de apoyo institucional hacia minorías que no encajan en la narrativa patriarcal blanco-cristiana, junto a la desaparición de la preocupación por el cambio climático, en el 2050 las comunidades queer y aliadas de todo el mundo decidimos unirnos en busca de otro lugar donde habitar. En esta mirada hacia el futuro, el género fue transgredido y el posthumanismo se volvió ubicuo. La admiración hacia las criaturas transgénero y hermafroditas de las zonas abisales del océano, nos llevó a unirnos a ellas y realizar nuestra metamorfosis a la especie Extraoceanic. Durante un tiempo vivimos nuestra utopía queer, pero al llevar años ingiriendo rocas y microfibras de plástico, nuestra vida consciente acabo, dejando nuestros cuerpos de plástico en una existencia eterna.

El plástico se conocía como el punto clave en la historia que marcó un antes y un después en el antropoceno. Se conocía como el gran desastre para el medio-ambiente, fruto de la inconsciencia de la raza humana. El plástico será recordado como la causa de la destrucción de nuestra especie. El plástico fue nuestra esperanza, produjo un sentimiento de comunidad, fue un parentesco. Somos flalato dietilo, somos plomo, somos cadmio y somos mercurio. El plástico somos nosotras. ¡Nos pertenece! Y condiciona nuestra existencia. Somos un eterno cuerpo queer, de camino a un futuro certero. Los diamantes no son forever, este mineraloide es forever.”

Javier Marquerie Thomas trabaja principalmente entre el video, la performance y la instalación. En estos momentos, se encuentra trabajando sobre los cambios genéticos que ocurren en el cuerpo al invertir su gravedad, en búsqueda de una nueva semántica del movimiento, una investigación que empezó en una de las residencias anuales de Aikas Zado Laboratory, en Zeimiai, Lituania. Actualmente es profesor y dirige el departamento de video y fotografía del Brampton College, Londres. http://javiermarquerie.blogspot.com/ 

JAVIER VAQUERO Y OIHANA ALTUBE
ROJO PANDERETA
Las danzas del sí (¡dan zzzzzzz ano!): Eróticas del fraseo, el effacé/écarté/épaulement (juegueteo hombro-hombro: “pechito con pechito, ombligo con ombligo”); la suspensión/elongación (dilataciones de la acción en el tiempo que generan símbolo: arquetipo); el allegro/andante/polca/vals: pandereta, guitarra, castañuela, trikitrixa, txistu, zambomba y gaita; grandes/pequeños/medios saltos, giros, developés; el acento, que cristaliza en gesto: narración (punta-talón-punta: principio-nudo-desenlace), mímica y teatrillo (todo con mucha emoción, muy afectado hasta llorar de alegría: el re-que-té). 

El B/ballet manchego-ibérico (mediterráneo) como horizonte: El Quijote de la Mancha cómo oráculo. ¿Si España es mucho y mucha España, cómo sería España poco y poca España?. Cervantes era maricón y nosotras somos bailarinas: La danza agujerea en su danzar: queremos quedarnos en ella y “ser munición de su guerra”.

Javier Vaquero y Oihana Altube son bailarinas ibéricas con cuerpos que han performeado la danza clásica, el Graham, el Flying Low, el Relehase, la Macarena, el Pilates, el Movimiento Auténtico, el Yoga occidental, el Quiromasaje, las Danzas de Carácter, el Horton, el Body Mind Centering, el Feldenkrais, el Neoclásico, el Forshyte, el Jazz, el Aerobic, el Aurresku, las Sevillanas, el Voguing, el Cunningham, la Composición en Tiempo Real, la Danza Movimiento Terapia y la Sardana, entre otras.

TWINS EXPERIMENT
EVERLASTING SOFTNESS
Everlasting softness es el tercer proyecto de Twins Experiment en el que queremos proponer y propiciar un espacio blando para ejercitar la escucha de la materia y su agencia, un espacio sensorial ficcionado donde todos los cuerpos tengan la misma importancia y la materia sirva como materialización de la tercera cosa que se produce entre dos.

Either of two persons or things closely resembling each other. Being one of a pair, identical: twin towers.

Made of two similar parts connected.

Ainhoa y Laura. Madrileñas. Gemelas. Fueron separadas al nacer y se reencontraron en 2014. Juntas son Twins Experiment. Juntas hacen playlists, listas, esquemas, collages…Hacen piezas juntas, bailan, duermen, idean juegos y, a veces, comparten piso. Twins son dos y son colectivo. Trabajan desde la afectividad, la telepatía y la horizontalidad. Ser Twins les permite tomar riesgos que no tomarían solas, juntas se convierten en superhéroes. https://ainhoahernandez.wordpress.com/twins-experiment/ 

ANIARA RODADO Y ÓSCAR MARTÍN
TRANSCRIPCIONES VEGETALES
"Devenir" implica transformarse en otra cosa a través de nuevas relaciones, alianzas y vínculos, mientras cambiamos nuestra forma de concebir y agenciar la existencia. Para este proyecto, hemos escogido las plantas como la alteridad con la cual «devenir». Intentamos con este gesto, desbancar nuestra postura auto-atribuida de reyes supremos de todo lo existente, una postura que inexorablemente pone en grave peligro casi cualquier tipo de vida en la tierra, tal como la conocemos.

«Transcripciones vegetales» es una investigación-creación-especulación en la que buscamos a través del análisis, la notación, la transmisión y la transducción de los movimientos de un Eucalyptus Globulus y una Rue Graveolens, poner en juego nociones y « valores » antropocéntricos heredados y reproducidos por la danza, fácilmente identificables en los sistemas de notación (principalmente notación Laban y Benesh).

Durante la residencia probaremos y configuraremos una serie de performances/experimentos a partir de los materiales, conceptos y otros saberes que allí emerjan. Dichos conocimientos y formas, generaran eventos transdisciplinares donde involucremos cuerpos humanos (performers y público), cuerpos vegetales y dispositivos maquínicos de luz/sonido/imagen/olor.

A modo de código fuente, elaboraremos un cuaderno de creación que dé cuenta de este proceso, y que será compartible, modificable y reproducible.

Aniara Rodado es coreógrafa, artista e investigadora. Desde un punto de vista transfeminista, Aniara explora la brujería y las relaciones transespecies, tomando como entrada el mundo vegetal. Su trabajo gira en torno a cuestionamientos sobre la presencia, la representación y la estandarización de distintos tipos de cuerpos, alianzas y diversas formas de vida, en el actual contexto de crisis ecológica y de fetichización tecno científica. Como bailarina interroga el cuerpo humano como receptor-emisor inserto en contextos complejos, diversos, fragmentados y descentralizados, en los cuales lo humano es sólo un elemento más.

Sus proyectos incluyen instalaciones, textos, videos, performances y piezas de danza, creados bajo el paradigma de la cultura de código abierto y el bricolaje. https://aniara-rodado.net/ 

Óscar Martín es artista, investigador y programador independiente.En su práctica artística confluyen e hibridan arte, ciencia y tecnología desde una aproximación no ortodoxa, crítica y experimental. Su investigación teórico-práctica se centra en el fenómeno de la “emergencia” y la “autoorganización” en sistemas complejos, descentralizados y caóticos (naturales o simulados artificialmente) y en su implementación en un contexto de creación artística. http://noconventions.mobi/noish/hotglue/?oscar_martin 

Artistas en residencia es un programa conjunto de La Casa Encendida y del CA2M Centro de Arte Dos de Mayo, cuyo fin es apoyar la creación y la investigación centradas en el trabajo con el cuerpo desde lo performativo.

Acento es un programa vinculado a Artistas en residencia en el que durante dos jornadas se realizarán presentaciones de algunos de los proyectos llevados a cabo durante las estancias de 2016 y donde se generará un espacio de encuentro con los artistas del 2017. En estos días ambas instituciones quieren poner el acento en la reflexión que parte de la propia investigación artística a través del cuerpo, entendiendo éste como cuerpo social, como una construcción política productora de saberes desde lo sensible.

Los artistas seleccionados en 2016 fueron: Lilli Hartman y Pablo Durango, Gérald Kurdian, Norberto Llopis y Paz Rojo, Julián Pacomio y Miguel del Amo, Claudia Pagés, Quim Pujol y Silvia Ulloa.

PROGRAMACIÓN

VIERNES 27 ENE. En CA2M Centro de Arte Dos de Mayo

20:00 H: Julián Pacomio y Miguel del Amo: ESPACIO HACEDOR

Si existe un vacío entres dos iguales, es ahí donde se sitúa el Espacio Hacedor.

Espacio Hacedor es un proyecto de investigación que propone identificar, analizar y construir de manera arquitectónica los posibles espacios que se ubican entre un original y su copia. Nuestro interés radica en el potencial estético del espacio que se encuentra entre dos productos casi idénticos. Asumimos que en el proceso de copiar o rehacer un producto, del tipo que sea, tiene dos consecuencias inevitables: la primera, la copia no solo produce un producto nuevo diferenciado del original, sino que produce un tercero resultado de la lectura del original y su copia conjuntamente (1 + 1 = 3). La segunda consecuencia es la que abre la posibilidad de identificar una imagen invisible entre dos imágenes. Esta es la que interesa en Espacio Hacedor.

El proyecto está pensado en relación a la obra de Jorge Luis Borges, Agustín Fernández Mallo e Isidoro Valcárcel Medina. Una aproximación desde el cuerpo y el espacio escénico, al trabajo literario, conceptual y arquitectónico de los autores mencionados.

Julián Pacomio es licenciado en Bellas Artes en Salamanca .Entre algunos trabajos destacados están My Turin Horse, Psicosis Expandida y Espacio Hacedor, proyectos de artes escénicas que indagan la idea de copia, remake, traducción y apropiación de materiales ajenos.

Miguel del Amo es licenciado en Arquitectura por la ETSA de Valladolid y la Budapesti Műszaki és Gazdaságtudományi Egyetem ,mantiene un interés sobre la arquitectura y el diseño basados en enunciados desde los aspectos más funcionales hasta los menos explorado por estas disciplinas.

21:30 H: Quim Pujol. FREGOLI

Leopoldo Fregoli fue uno de los transformistas más importantes de la historia. En sus espectáculos cambiaba de aspecto de manera frenética y daba vida a docenas de personajes en una misma representación. El crítico Sebastià Gasch escribió sobre él: <<Fregoli encarnó a más de un millar de personajes de todos los géneros, tipos y especies (…) Con Fregoli brotaban, llevadas a la la escena, las primeras intuiciones de los temas de nuestro tiempo>>. El actor italiano también se convirtió en una referencia esencial para Joan Brossa y el arte escénico de vanguardia. Este ejercicio apela tanto a Fregoli como a la vanguardia para celebrar la capacidad de transformarnos, el ser en movimiento y sus inagotables posibilidades.

¿Qué nos queda aún por aprender de Fregoli? En esta serie de números de transformismo, el intérprete nunca cambia de apariencia.

Quim Pujol es escritor, comisario y artista. Trabaja en los límites entre la escritura, las artes en vivo y el arte contemporáneo. Sus últimos trabajos son Trance colectivo (2014), ASMR del futuro (2015) y Fregoli (2016).

Entrada libre hasta completar aforo

SÁBADO 28 ENE. En La Casa Encendida. Patio

22:00 H: Hot Bodies (Stand up), de Gerald Kurdian & Trk_X

Hot Bodies (Stand up) es una actuación en directo de Gerald Kurdian, dos instrumentos electrónicos, un sampler y un vocoder, y la participación de un coro femenino creado para la ocasión. Tomando prestado el vocabulario de la ópera, la comedia stand-up, la coreografía y el documental, su libreto cuenta en 7 cantos y 2 interludios bailados, los encuentros de un antihéroe llamado Tarek X en su camino a través de las revoluciones sexuales de los siglos XX y XXI.

Gerald Kurdian es intérprete, compositor y artista de radio. Explora la performatividad y la crítica del arte contemporáneo a través de diferentes dispositivos.

Entrada: 5€
Venta entradas en ticketea.com, en el teléfono 902 044 226 y en La Casa Encendida de 10:00 a 21:45 H

Artistas en residencia es un programa conjunto de La Casa Encendida y del CA2M Centro de Arte Dos de Mayo, cuyo fin es apoyar la creación y la investigación centradas en el trabajo con el cuerpo desde lo performativo. Se articula en relación a la programación estable de LCE y el CA2M, por ello se valoran aquellos proyectos que responden mejor a las líneas de investigación y experimentación de ambos centros. Artistas en residencia no es solo una ayuda a la producción, sino también una oportunidad para establecer diálogos entre los creadores y los agentes vinculados a ambas instituciones y sus programas.

Proyectos seleccionados:

Aníbal Conde & Magdalena Leite - “LOS40”
Anna Moreno - “The Drowned Giant”
Barbara Bañuelos Ojeda - “Mi padre no era un famoso escritor ruso”
Laia Estruch - “Moat”
Quim Bigas - “Nombrar”
SEPA & Lara Brown - “SUGA”
Vicente Arlandis Recuerda - “Sumario 3/94”

ANÍBAL CONDE & MAGDALENA LEITE. “LOS40”

LOS40 es la versión española de una investigación coreográfica que venimos desarrollando desde el año 2014 en distintos contextos, y que se enfoca en la relación imágenes en movimiento - cuerpo. En concreto nos interesa ver de qué manera las imágenes de los videoclips y la cultura MTV han educado a los cuerpos que crecieron bajo su influjo y qué de esa información permanece “archivada” en nuestras corporalidades.  

Con LOS40 queremos profundizar en las particularidades del contexto español, en esta suerte de auto etnología, que parte de una pregunta que nos hacemos los autores, ¿por qué nos movemos como nos movemos?, y que entiende que para ser respondida debe buscar la información en los otros, ya que todos somos cuerpos moldeados por fuerzas más grandes, cada cual, a su particular manera, pero todos, parte de una misma época e influidos por el mismo mercado cultural.

Y, por otro lado, queremos continuar con la investigación sobre los elementos estructurales del videoclip y su posible traducción escénica.

Aníbal Conde es artista visual y performer.

Magdalena Leite es coreógrafa, bailarina y docente.  Los dos son artistas uruguayos basados en México. Juntos han realizado las obras: DANCE DANCE DANCE, con más de 50  presentaciones al público en lugares como la Judson Church en Nueva York, el Museo Universitario de Arte Contemporáneo MUAC y el Teatro Pradillo en Madrid; y VIDEOCLIP, investigación que comenzó en 2014 con el apoyo de IBERESCENA y que continúa al día de hoy en distintos contextos iberoamericanos. Cuentan con el apoyo del Programa Fomento del FONCA 2016-2017 para presentar VIDEOCLIP e impartir talleres de creación.  Su línea de investigación se centra en la relación imagen-cuerpo desde un enfoque interdisciplinar. Los dos artistas son miembros del Colectivo AM.

http://cargocollective.com/arrecifedancedancedance/Bio

ANNA MORENO. THE DROWNED GIANT

The Drowned Giant es un proyecto de investigación sobre la posibilidad de que algo vuelva a suceder. Parte de una investigación sobre el posible reenactment de un happening organizado por el estudio Bofill en Moratalaz en junio de 1970, para promocionar su proyecto de arquitectura utópica “La Ciudad en el Espacio”. El evento fue pronto cancelado por la policía franquista y el proyecto fue enterrado en el olvido.

Se centrará en cómo el acto de reenactment afecta los cuerpos y el entorno socio-político de los presentes, especialmente cuando partimos de un evento del que no tenemos casi testigos. El proyecto The Drowned Giant pretende así recoger una comprensión crítica de los ideales progresistas y utópicos de los años 70 vistos desde otra lente, revelando hasta qué punto una interpretación ideológica de un evento, del objeto arquitectónico o de lo utópico puede neutralizar su naturaleza original, o cómo puede re-apropiarse incesantemente bajo nuevos paradigmas.

El reenactment sólo podrá tener lugar cuando el relato será reinterpretado, gracias a los colaboradores y a los presentes que acepten formar parte de la restitución del momento histórico, -atraídos ya sea por una idea de progreso o de nostalgia, sentimientos afines a los que se vivieron entonces, en el momento del evento original, sobre el futur(ism)o como promesa de un tiempo mejor. Es el cuerpo libre, pero a la vez motivado por una restitución de un sentimiento, quien re-inventa, re-hace, re-establece su propia coreografía y su propio estar presente no sólo en un tiempo-espacio, sino también en un plano corporal-afectivo, cercano quizá al espacio interior del que hablaba J.G. Ballard.

Anna Moreno es artista visual. Trabaja entre Barcelona y La Haya. Ha realizado eventos en SFMOMA (USA), W139 (NL) y SASG (KR); y performances en Stroom (NL), El Graner y NauEstruch. Ha expuesto en Blueproject Foundation, 1646 (NL), Sala d’Arcs (València), bb15 (AU), MUSAC, (León), CAAC (Sevilla), CoCa (PL), Generator Projects (UK) y ADNPlatform, y ha sido residente en Hangar, HIAP (FI), Wander (NL), SASG (KR), Atelierhaus Salzamt (AU) y Cittadellarte (IT). Es profesora de Artistic Research en la Royal Academy of Art de La Haya (NL) y co-fundadora de la iniciativa artística Helicopter (NL). http://www.annamoreno.net/index.php/Home/

BÁRBARA BAÑUELOS OJEDA. MI PADRE NO ERA UN FAMOSO ESCRITOR RUSO

Un proyecto  de Investigación social y creación escénica. A los 14 años descubro un secreto familiar, un secreto que podía cambiar mi historia, la historia de una familia, y de su entorno social. Todo ello me hace reflexionar sobre la memoria individual y como esta conforma la historia colectiva. A partir de ese momento, investigo, documento testimonios, recopilo información institucional e indago sobre acontecimientos y hechos similares dentro de un contexto social y una época determinada.

Este documental escénico pretende ser un recorrido por los conceptos de archivo, recuerdo, documento, historia, memoria, imagen, cuerpo, narración, imaginación, pasado, futuro y presente.

Un documental más allá de la pantalla y de la imagen proyectada, donde lo escénico, la experiencia cinematográfica y lo corporal se expanden para generar una nueva mirada, un nuevo lugar para descubrir el papel del cuerpo (re)actualizando el pasado, el recuerdo y la memoria en relación con la historia y con su contexto escénico.

Bárbara Bañuelos, formada, deformada y transformada entre Burgos, Madrid, Londres y Nueva York, compagina su trabajo escénico con diversos proyectos musicales.  Con “Inventario: memorias de una aspiradora”, su proyecto más reciente, ha estado, junto a cientos de papeles y objetos desechados que ha ido recopilando en los últimos veinte años, en los suelos de espacios escénicos y expositivos como el Musac, Artium, Caixa Forum, Teatro Pradillo, Festival Escena Abierta. Actualmente está en proceso de investigación y creación de “Mi padre no era un famoso escritor ruso”, un documental escénico surgido de los hallazgos aparecidos en su pieza anterior. Forma parte de Ju. grupo musical que surge como laboratorio de creación y composición y que se consolida con un primer álbum en 2015 “Poco Adrede Nunca” y con un segundo “Todo y la cabeza” que saldrá esta primavera. Además, es la voz, la cabeza y la mano escarbadora de Elephant Pit, proyecto musical de versiones y con el que ha recorrido salas nacionales, espacios efímeros y festivales no convencionales. http://cargocollective.com/barbarabanuelos

LAIA ESTRUCH. MOAT

Moat es una práctica escénica experimental, un solo que se edita a partir de un archivo de ejercicios corporales y vocales alrededor de una estructura de hierro transitable (creada a partir de la recuperación de diferentes elementos y formas tipológicas de parques infantiles de comienzos del siglo pasado) que funciona como escena, partitura, instrumento y archivo. A través de una relación directa entre cuerpo y estructura, Moat persigue experimentar, fijar sonidos y recorridos generados por cuerpo y voz tomando como referencia los comportamientos corporales y acústicos de dichos espacios de recreo.

Moat se convierte en un espacio transversal mediante la realización de una serie de performances, cuyo registro sonoro da lugar a una investigación audible, dentro de la estructura de hierro transitable.

Laia Estruch es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona. Cursó su último año de licenciatura estudiando Performance Art y Arte Sonoro en la Universidad “The Cooper Union” (Nueva York).  Los proyectos de Estruch se inscriben en el ámbito de la performance desde donde trabaja con la voz como dispositivo y espacio de experimentación de sus propuestas artísticas. Sus proyectos cuestionan el sistema de signos del lenguaje oral y su interacción humana con una aproximación, performativa y crítica, a los usos de la voz. Ha presentado sus performances en el Macba, en el teatro La Villarroel de Barcelona, en la Fundación Antoni Tàpies de Barcelona, en la Fundación Joan Miró de Barcelona, en el Centro Parraga de Múrcia, en el Antic Teatre de Barcelona y en el Teatro Pradillo de Madrid, entre otros lugares.
www.laiaestruch.com 

QUIM BIGAS. NOMBRAR

NOMBRAR forma parte del universo APPRAISERS, un proyecto que empezó en el 2011 y que está en constante re-formulación y transformación. En este caso, para la investigación de NOMBRAR, tengo interés en habitar un espacio durante un mes e indagar en sus múltiples formas de ser nombrado que es, en cierta forma, una forma de darle cuerpo.

NOMBRAR busca encontrarse dentro de un campo que es ambiguo; donde la práctica es su propia metodología y su única forma de ser coherente; dónde no hay posiciones concretas sino movimientos que evolucionan.  Durante la práctica e investigación, se encontraran posibles formas de compartir el trabajo a través de posibles activaciones. Las activaciones las entendemos no sólo como productos de consumo inmediato sino también como disparadores que van mucho más allá del dominio de la práctica y que informan nuestras propias formas de tomar posición. Esperamos que esas activaciones sigan ampliando el dominio de la coreográfico y lo performativo como un lugar de potencia y activación; un lugar para cuestionar las formas y los lugares que compartimos.

El trabajo de Quim Bigas se sitúa entre la coreografía, la danza, la dramaturgia, el encuentro y la práctica escénica. A través de procesos que mezclan procedimientos informativos e investigación de movimiento, se quiere aproximar a nociones y reflexiones sobre el compromiso, el valor, el formato y lo perfomativo. www.quimbigas.com 

SEPA & LARA BROWN. SUGA

Queremos encontrar una manera de contar por medio de acciones.
La acción nuclear es desplegar un texto escrito en un cartel.
Queremos investigar maneras de mostrar texto escrito en papeles grandes.
Texto como luz que tiñe el espacio con su sola aparición.
Texto que aparece y de repente afecta al tono.
Contemplar cómo una frase genera un cambio en el ambiente.

No sólo es lo que dice el texto.
Sino cómo aparece.

Cómo un texto hablado y otro escrito se resignifican.
Cómo un texto escrito y un sonido se resignifican.
Cómo la manera de aparecer el texto lo resignifica
Cómo el tiempo que dura un texto lo resignifica.
Cómo y quién lo pone lo resignifica.

La tensión que se genera
hasta que emerge una nueva pelotita de sentido
y empieza a rebotar por las neuronas.
Como en un pinball.
Igual.
Como un striptease lingüístico.
Como un trilero semántico.
¡Eso es!
¡Exactamente eso!

Sepa escribe frases en carteles y los pega por ahí en los edificios. Lara Brown lo que hace con las frases es decirlas en alto. Ambos pasan mucho tiempo preguntándose qué tipo de cosas son las que ocurren entre las personas. SUGA podría ser una conjunción de sus iniciales, pero está claro que no lo es. Son textos escritos en papel que se introducen en escena. Uno detrás de otro. Todo el rato.

VICENTE ARLANDIS RECUERDA. SUMARIO 3/94

El 25 de junio de 1995, Vicente Arlandis Ruiz, vecino de Ibi (Alicante), es detenido por la Guardia Civil. Está siendo investigado por el asesinato de María Lidia Bornay Bernabeu, vecina de Ibi y de 84 años de edad. Él mismo había denunciado su desaparición cuatro días antes, extrañado de que María Lidia no contestara a sus llamadas. Cuando la Guardia Civil entra en su domicilio, el cadáver presenta múltiples signos de violencia. Vicente Arlandis Ruiz es acusado y finalmente declarado culpable de dicho asesinato. Es condenado a 29 años, 6 meses y 1 día de cárcel. Cumplió condena en varias prisiones del Estado y estuvo encarcelado durante 13 años, 7 meses y 10 días.

Este proyecto pretende construir una nueva historia y una nueva versión de los hechos. Quiere poner sobre la mesa e interrogar la forma y la multitud de historias que se sucedieron alrededor del suceso. Partir de la frialdad y la supuesta objetividad del relato judicial y hacerlo estallar en mil pedazos. Y rescatar nuestra historia a nuestra manera. Este proyecto pretende construir, quizás, una nueva inocencia. No tanto la que decretaría la institución judicial (que todavía hoy seguimos reivindicando), sino la inocencia que podría materializar (renovar, ampliar) el hecho escénico.

Vicente Arlandis es creador escénico, investigador y docente. Máster en Producción Artística (Pensamiento Contemporáneo) por la Universidad Politécnica de Valencia y Máster en Performance en APASS (Adavanced Performance and Scenography Trainning), Bruselas. Desde el año 2001 hasta el 2015 trabaja junto a Sandra Gómez en el proyecto Losquequedan donde llevan a cabo numerosos proyectos artísticos como la serie Borrones, Thank You Very Much, Tragedia de los Comunes, entre otros. En la actualidad participa en el proyecto colectivo TALLER PLACER junto a Mariví Martín, Miguel Ángel Martínez y Paula Miralles.