Actividad

Los grupos de trabajo no serán superiores a 12 participantes.

Las tardes de los días 27, 28 y 29 de junio tendrán lugar tres talleres simultáneos. Cada uno de los talleres, independientes, será abordado de manera personal por cada uno de los artistas y teóricos que lo imparten. Todos ellos han trabajado en formatos experimentales de producción de conocimiento y tienen experiencia docente y de participación en trabajos colectivos en muy diversas formas. Los talleres se realizan en tres tardes consecutivas y en paralelo a las conferencias de tal manera que sirvan de espacio de reflexión adyacente.

TALLER CON SILVIA MAGLIONI & GRAEME THOMSON. LECTURA DEL DARK MATTER CINEMA TAROT

Para estas sesiones en Madrid del Comité Nocturno, vamos a continuar planteando preguntas al Dark Matter Cinema Tarot, explorando formas en las que las imágenes puedan abrir nuevos canales de percepción infra-subjetiva que conecten diferentes dominios de interrogación y experiencia personal, estética y política, alcanzando mediante la materia oscura que anida en la imagen cinematográfica. Al mismo tiempo, vamos a tratar de desentrañar narrativas alternativas, así como posibilidades adivinatorias o terapéuticas que puedan ser albergadas en la constelación de figuras y formas resultantes de cada caída de las cartas. En la concepción del tarot DMC, hemos sustituido los arcanos mayores y menores, con una selección de imágenes fijas procedentes de toda la historia del cine. Al perder la relación con el simbolismo del tarot clásico, suspendidas entre la contingencia y la fatalidad, las tarjetas DMC refractan las preguntas que se le formulan a través de un proceso de descripción especulativa y fabulación colectiva con cada lectura, configurando un montaje singular de gestos, situaciones y relaciones. Las lecturas se entretejen con la proyección de secuencias de películas, expandiéndose sobre los territorios de infra-percepción revelados por las cartas.

TALLER CON JON MIKEL EUBA. SOBRE LA PRAXIS, COMO UNA TEORÍA AÚN NO DICHA: DEL GANGANGANG AL NAGNAGNAG

Una Presentación (Dónde estoy ahora físicamente)

¿Hola? ¿Sí? ¿Se me oye? ¿Sí? Hola, soy Jon Mikel Euba. En este momento en que estáis leyendo esto, estoy hablando con otras personas en otro lugar. Dependiendo de con quién esté en este momento, lo haré en euskera, castellano, francés o en inglés. La necesidad de anunciar el taller con un texto previo me obliga a estar en dos sitios a la vez y me impide estar ahí presente ahora con mi cuerpo para presentarlo, lo cual nunca debe ser considerado como un problema, ya que no es más una condición a la que he de someterme. Toda situación real está sometida a determinados condicionantes que la alejan de la situación ideal de sí misma. Toda asunción de unas condiciones, tal como sucede en una traducción, supone una pérdida y al mismo tiempo una ganancia. De esta manera, con esta filosofía abordaré el taller.

Dónde he estado/de dónde vengo

Los últimos 15 años he desarrollado una forma de colaboración artística que posibilita el desarrollo de vínculos personales entre las personas participantes a través de experiencias reales de trabajo. Consiste en convocar a un número de personas desconocidas entre sí para que, durante un periodo de tiempo limitado, puedan de participar en producciones (tanto de rodajes como de eventos en vivo), adecuadas a las capacidades específicas de las personas así como a su número.

Dónde estoy ahora mentalmente/realmente

Los últimos seis años estoy desarrollando un trabajo centrado en la escritura cuyo objetivo es definir una praxis que devenga teoría técnica. Estoy tratando de crear las bases de una praxiología del arte donde reflexionar por medio de la escritura sobre la práctica. Este proceso parte de la aplicación de una taxonomía que, al dividir aspectos de la producción artística en tanto que acción compleja en partes; aspira primero a comprenderla desde otra perspectiva y después a transmitirla de modo que pueda ser de nuevo puesta en acto en toda su complejidad por otras personas.

Detalles prácticos / Protocolos

Con este material textual como fondo, este taller pretende analizar cuestiones técnicas referidas a la praxis artística. Se organizará por medio de la lectura y visionado de material visuales y textuales, que, al ser compartidos, tratarán de definir un espacio común que posibilite la comunicación. Dichos materiales servirán además de intermediación, formando parte de ejercicios prácticos individuales o colectivos.

Objetivos e intenciones del taller

La intención es ayudar a los participantes a desarrollar y reflexionar sobre su propio trabajo. Haré especial hincapié en estrategias que, al tiempo que incentiven la reflexión y la autocrítica, permitan empoderar la subjetividad individual, aumentando los niveles de libertad de los participantes y promoviendo las ganas de ponerse a trabajar.

Autor-idad y pedagogía

Durante el taller alertaré sobre el virus academicista –ahora ya convertido en plaga– que está debilitando a la persona artista, que se cree que la legitimación provendrá “desde el exterior” del arte, desde los discursos de otras disciplinas más justificadas como saber. Trataremos de desenmascarar productos académicos que pretenden usurpar el espacio de producción artística contemporánea. La fórmula más básica es: “Pregúntate: lo que escuchas, lo que te dicen, ¿te resulta interesante? Entonces, es académico. Por el contrario lo que escuchas ¿te apasiona quieres dejar de estar sentado y levantarte para pasar a hacer? Podría ser arte”. ¡Cuidado con lo interesante!

Mi idea base consiste en llevar un exceso de material para compartir, que seleccionaré in situ en función de lo que vea que necesita el grupo. Mi intención es que el tiempo que estemos juntos se produzca la mayor cantidad de trasvase de información y creación de experiencia-s posible. Este taller está dirigido a profesionales-amateurs del arte, y a cualquiera que desee crear, generar algo, con el fin de que pueda servirle para reforzar aspectos de su proceso o ayudar en la creación de uno propio.

TALLER CON KODWO ESHUN

Más información en breve

Los talleres de Kodwo Eshun, Silvia Maglioni & Graeme Thomson se desarrollarán en inglés

¡FOTOGRAFÍA COSAS QUE IMPORTAN! LA MIRADA DEL TRABAJADOR/A

¿Tienes una cámara de fotos?, ¿un teléfono con cámara?, ¿por qué no la usas para fotografiar tus condiciones de trabajo y las de tus conciudadanos/as? En el contexto de la exposición Werker 10 — Escuela de Fotografía Popular, Werker (Rogier Delfos y Marc Roig) se formó un grupo de fotografía amateur en torno al trabajo invisible. La intención fue trabajar en tres sesiones de taller para construir un archivo de imágenes sobre trabajos invisibles y editar una publicación colectiva.

Para participar se invitó a cultivar la mirada de trabajador/a y a empezar a tomar fotos de todo aquel trabajo que parece escapar de lo visible (o de lo que es reconocido como trabajo): el trabajo doméstico, el trabajo informal, el voluntario, el de los cuidados, aquel mal remunerado, el desempleo… y todo aquel que a ti se te ocurra que responda a la pregunta formulada en torno a qué es el trabajo invisible.

 Algunos consejos prácticos:

 1- Cualquier cámara sirve.

2- No prestes demasiada atención a la composición, tu mirada es lo mas importante.

3- A veces una imagen oscura o desenfocada, con la ayuda de texto, puede convertirse en una muy buena imagen.

4- No borres imágenes. La selección la vamos a realizar todos juntos.

 Werker (o Werker Magazine) es una publicación sobre fotografía y trabajo a cargo de Marc Roig Blesa y Rogier Delfos. Su punto de partida es el movimiento de la fotografía obrera, un grupo de asociaciones de fotógrafos aficionados que apareció en la Alemania de la década de 1920, siguiendo los pasos de las primeras experiencias fotográficas socialistas en la URSS y que se extendió por el resto de Europa, los Estados Unidos y Japón. Werker se interesa en las metodologías utilizadas por aquel movimiento, basadas sobre todo en la auto-representación, auto-publicación y procesos colectivos de producción del conocimiento. En este sentido se vuelve central el estudio acerca de cuáles son las imágenes del trabajo en nuestras sociedades posfordistas.

Más información en mailbox@werkermagazine.org o en actividades.ca2m@madrid.org

El punk fue una ruptura radical con las convenciones y con la institucionalización en la que estaba ya cayendo el pop a mediados de la década de los 70. Pero en absoluto se trata de un fenómeno puntual restringido a un momento histórico, este movimiento ha cambiado la cultura contemporánea, desde la música al diseño o la literatura, al tiempo que su influencia y efectos forman un eje esencial para poder entenderla. Su estética se basa en la búsqueda del efecto inmediato y la idea de «hazlo tú mismo». Para expresarse no es necesario ser un experto ni tener títulos académicos ni ser un virtuoso técnico. Todo el mundo puede hacer música, escribir, hacer fotos, diseñar o editar un fanzine. Como dice Bob Savage, «El punk es el sonido de la gente descubriendo su propio poder».

Durante el taller La muerte del Pop diseñamos de manera colectiva un fanzine/publicación punk. Experimentamos con la escritura, la fotografía, el dibujo, el collage, el diseño gráfico y editorial, la tipografía y la narración. La publicación que resultó fue un experimento narrativo abierto, colectivo y transversal, en el que los participantes desarrollaron sus propias ideas y reflexiones. El objetivo central es que fuimos capaces de experimentar y tomar riesgos divirtiéndonos.

Las tardes de los días 29, 30 de junio y 1 de julio tuvieron lugar tres talleres simultáneos. Cada uno de los talleres, independientes, fue abordado de manera personal por cada uno de los artistas y teóricos que lo impartieron. Todos ellos trabajaban en formatos experimentales de producción de conocimiento y tenían experiencia docente y de participación en trabajos colectivos en muy diversas formas. Los talleres se realizaron en tres tardes consecutivas y en paralelo a las conferencias de tal manera que sirvieron de espacio de reflexión adyacente.

LO QUE NO TIENE FORMA, NO TIENE ESPACIO. TALLER CON ERICK BELTRÁN

Si uno preguntara al azar si se confía en la prensa o en los medios de comunicación, con certeza obtendríamos como respuesta un «no». Nadie cree en los medios de comunicación. Justamente esta convicción es lo que los hace veraces: porque si se dice no creer, es que se tiene el espacio para creer.

En el mundo contemporáneo es fácil ignorar los elementos no visibles (fuera de nuestro campo de visión) al estar distantes de uno. No todas las cosas que aparecen en la realidad tienen el mismo peso, y más aún en un marco social. En la obviedad de la respuesta a la cuestión: ¿cuántas muertes de ciudadanos nepalíes se necesitan para equiparar el espacio que ocupa un muerto europeo en cualquier medio de comunicación de masas? Se esconde algo. Esta pregunta nos traslada al clásico dilema moral y de escala:¿«matarías a un mandarín chino»? Los problemas de visibilidad son los problemas de la construcción del mundo. ¿De qué tamaño es nuestro mundo?, ¿cómo hemos perdido otros tipos de unidades que no sean un «yo» central?, ¿cómo establecer escalas de comparación?

A partir del texto «Cómo matar a un mandarín chino» de Carlo Ginzburg y selecciones de Partial Connections de Marilyn Strathern se analizaron metodologías referentes al seguimiento y relación de nodos, así como temáticas en torno a la reducción de escala, aparición de unidades y horizontes de visibilidad. ¿Cómo es que las cosas aparecen ante nuestros ojos? ¿Las relaciones que existen entre esos objetos son inherentes o las creamos nosotros? ¿Cómo comparamos cosas? ¿Es posible cambiar las unidades que tenemos dentro de nuestra psique social e individual? ¿Qué relación existe entre el cuerpo y sus partículas?

El texto de Ginzburg se analizó a través del estudio de casos de la neurobiología, los modos de percepción y la prensa diaria. Se realizó una re-interpretación de diferentes métodos de visualización gráfica como es el Isotype de Otto Neurah, a partir de datos de eventos contemporáneos y se compararán entre sí. Se planteó obtener una serie de infografías para poner en práctica éste tipo de problemáticas de visualización y creación de narrativa.

TALLER CON PEDRO CESARINO

¿Qué es una cosa y/o un objeto? ¿Cómo pensar en distintos estatutos de materialidad e invisibilidad? ¿Cuáles son los dispositivos de discurso y poder a través de los cuales las cosas ajenas fueron tramitadas y categorizadas por el Occidente moderno? ¿Cómo pensar los problemas derivados del entrecruzamiento en regímenes ontológicos distintos que, de modo más o menos explícito, marcan las divisiones entre arte y artefacto, entre museos etnográficos e instituciones de arte? ¿El problema de la animación de objetos refleja una comprensión efectiva de otras configuraciones ontológicas o, al contrario, apenas una proyección sobre los otros dilemas metafísicos occidentales? ¿Hasta qué punto las conexiones en redes deshacen efectivamente las líneas divisorias fundamentales? Estas son algunas de las cuestiones generales que fueron abordadas durante el taller. A través de la lectura de textos de, entre otros, Alfred Gell, Marilyn Strathern y Eduardo Viveiros de Castro así como debates en grupo, el taller quiso imaginar alternativas curatoriales para impases generados por un número de exposiciones que habían trabajado estos problemas, como Magiciens de la terre, Primitivism in 20th Century y Animism.

TALLER CON RUTH NOACK

En todas partes se siente la presencia del cuerpo, pero en ninguna parte es hecha imagen*

Este taller fue una invitación a pensar juntos sobre cosas, sobre los procedimientos mediante los cuales una materia se distingue de otra materia, quedando así definidas como cosas u organismos, y sobre la relación entre cuerpo y objeto. Se invitará a los participantes a embarcarse en un viaje especulativo conmigo, con énfasis en la producción de un conocimiento compartido, el cual espero que una nuestra comprensión de la diferencia entre el arte como cosa y las cosas ‘reales’ con una realización (en obras de arte) de las ideas que necesitamos para darnos soporte a nosotros mismos como seres inspirados.

Cada participante deberá traer al taller:

- Una obra de arte (o su representación). Esta obra puede ser propia o de otra persona.

- Un objeto que no sea arte.

Cada participante ha de  poder relacionar la obra de arte con el objeto no artístico. Asimismo se solicitará a cada participante que relacione la obra de arte a «la presencia del cuerpo». Para hacer esto no será necesario el uso de palabras.

Se recomienda que cada participante lea la introducción y el ensayo de Helen Molesworth para preparar el taller.

* Helen Molesworth on Duchamp, in "Part Object, Part Sculpture", exhibition catalogue, Wexner Center for the Arts, 2005

Con el apoyo de

Mediante diversos encuentros y visitas taller, este año nos proponemos continuar con el trabajo iniciado el curso pasado en colaboración con la Fundación Rais en la articulación de un proyecto colectivo a largo plazo en el que compartir saberes, sentires y experiencias que irán tomando forma a través de distintos formatos y estrategias creativas. Si el curso pasado estuvimos interesadas e interesados en la producción de otros imaginarios urbanos, este año indagaremos colectivamente en la capacidad de acción que tenemos para (re)apropiarnos de dichos imaginarios hegemónicos y crear otros nuevos, poniendo especial énfasis en la creación audiovisual y en el formato fotográfico para (re)elaborar relatos e inventar ficciones que se crucen con las distintas realidades en las que transcurren las vidas de quienes formamos parte de este proyecto.

RAIS Fundación es una entidad de iniciativa social, no lucrativa, independiente y plural, de ámbito estatal y creada en 1998. Su principal objetivo es mejorar la calidad de vida de las personas en situación de exclusión social extrema, especialmente de las personas sin hogar, trabajando con ellas, impulsando los cambios sociales necesarios y movilizando a la ciudadanía, instituciones públicas y privadas y agentes sociales.

www.raisfundacion.org

Proyecto audiovisual realizado con el colectivo Terrorismo de autor en colaboración con la UFIL Pablo Neruda

Hemos hecho una película, una película sin claqueta y que no tiene guion, pero que ha ido tomando forma cada vez que nos juntábamos. Tampoco tenía un argumento previo, se ha ido escribiendo con las propuestas que el colectivo Terrorismo de autor nos ha ido haciendo.

Teníamos las aulas, los talleres de carpintería, peluquería y electricidad iluminados por velas y flashes, nos gusta así, no hemos necesitado un set de rodaje lleno de cables y focos. Tenemos móviles que siempre están con nosotros, así que prescindimos de equipos pesados de vídeo y sonido. En nuestra película hay música, ruidos de fondo y muchas voces que se cuelan porque nadie manda hacer silencio.

Este es un proyecto de cine cuya materia prima es la vida de sus cuarenta realizadores/as, comienza cada mañana al coger el tren hacia la UFIL y tiene su propia forma: dispersa, líquida, confusa, difusa, quebrada.

Proyecto apoyado por Art for Chage de la Obra Social "la Caixa"

¿Si me cambio el nombre, cambio yo?, ¿si me pongo tacones cambia mi cuerpo?, ¿si poso como un chico para una foto soy otra?, ¿puede un conjunto de gestos ser el signo de identidad de un grupo?, ¿cuándo fue la última vez que alguien te hizo sentir rara?

En este taller de dos sesiones cuestionaremos, desde una perspectiva feminista y queer, la noción de normalidad, estableciendo un recorrido por conceptos como el de belleza, identidad, deseo, corporalidad, capacitismo, raza, clase, etc. Para ello, experimentaremos con la acción y el trabajo con el cuerpo y revisitaremos los planteamientos surgidos desde el arte en torno a estos temas, centrándonos especialmente en obras de artistas presentes en las exposiciones actuales del museo. De esta manera y desde un posicionamiento crítico y creativo, iniciaremos un proceso de creación de la imagen que nos permita escapar de los imperativos del género y la sexualidad que pueblan nuestro imaginario.

Número de alumnxs: máximo 30

Catwalk: Caminar en línea, desfilar de forma exagerada cruzando las piernas una sobre la otra contoneando las caderas de lado a lado y moviendo las manos al mismo ritmo.

Duckwalk: Moverse de cuclillas avanzando rápidamente manteniendo el equilibrio sobre las puntas de los pies.

Hands Performance: Movimientos rápidos y cortantes de brazos, muñecas, manos y dedos que generan gestos y expresiones desafiantes.

Floor Performance: Movimientos realizados en el suelo donde los competidores ruedan, giran y se arrastran para capturar la atención de los jueces.

Dips: La caída o descenso al suelo, hacia atrás sobre la espalda, con una pierna doblada debajo.

El voguing es un estilo de danza, una expresión cultural que nace en espacios de la escena underground mediante desfiles y batallas de baile.

La exposición Elements of Vogue se inscribe en las líneas de investigación que ha definido el programa del CA2M y examina las relaciones entre arte, música, cultura visual y fenómenos subculturales, como el voguing, poniendo en el centro su papel político y social. En esta visita  ̶  taller proponemos un acercamiento a las obras a través de la acción. Entenderemos el cuerpo como un archivo desde el que poder mapear las categorías hegemónicas de raza, sexo y género para ponerlas en cuestión desde nuestras diferentes subjetividades, reivindicando otros imaginarios posibles. Iniciaremos un proceso creativo donde propondremos nuevas formas disidentes de belleza, de subjetividad y de deseo, que cuestionen el mundo normativo y generen nuevas coreografías sociales.

Número de alumnos: máximo 30

Instrucciones para cambiar el tiempo:

1. Pedir que adelanten el timbre de final de clase 5 minutos

2. Salir a la hora que suene el timbre

Por tercer año consecutivo, los alumnos de secundaria harán lo imposible con ayuda de sencillas partituras de performances, propias o de creadores, que desde los años 60 se sitúan en una zona híbrida entre el arte y la escritura. A través de estas acciones investigarán la ironía, la puesta en crisis del autor y el objeto artístico. Serán pequeñas acciones capaces de poner en duda lo que no se puede, de visibilizar las estructuras del instituto, el museo y la calle, y de hacer brecha desde lo micro, en su contexto.

Además, en este curso trabajaremos en el CA2M con exposiciones y artistas que trabajan con la performance y la acción, como Allan Kaprow o Itziar Okariz. En este taller de tres sesiones los educadores se desplazarán al centro educativo en dos ocasiones y la clase visitará el museo en una tercera sesión.

Número de alumnos: máximo 30

Coger una cámara, lanzarse a grabar, tomar distancia y enrarecer aquello que vemos a través de la lente. En este taller para secundaria nos preguntaremos qué gestos se esconden en la hilera de cuerpos dispuestos en los pupitres, en el tumulto del cambio de clases, en la cafetería a la hora del recreo. La creación de una pieza audiovisual será la base sobre la que imaginar otros escenarios posibles para nuestras aulas a partir de las imágenes creadas y de las vídeo-acciones finales.

Durante las dos sesiones de taller en el instituto realizaremos ejercicios de grabación con el fin de desarrollar una investigación audiovisual: ¿dónde nos colocamos con la cámara?, ¿qué señalamos?, ¿cuánto tiempo lo mostramos?, ¿qué lecturas contiene esta imagen? Analizaremos los vídeos para tomar conciencia de las decisiones intuitivas que contiene nuestra mirada.

Esta actividad se centra en las posibilidades que brinda el registro documental para detenerse a mirar lo que normalmente no vemos. Las grabaciones nos permitirán pararnos a pensar y tomar postura frente al día a día. Trabajaremos de forma práctica sobre los procesos de construcción de la imagen y debatiremos sobre aspectos relacionados con el imaginario colectivo y el vídeo.

Número de alumnos: máximo 30