Talleres de creación

Los grupos de trabajo no serán superiores a 12 participantes.

Las tardes de los días 27, 28 y 29 de junio tendrán lugar tres talleres simultáneos. Cada uno de los talleres, independientes, será abordado de manera personal por cada uno de los artistas y teóricos que lo imparten. Todos ellos han trabajado en formatos experimentales de producción de conocimiento y tienen experiencia docente y de participación en trabajos colectivos en muy diversas formas. Los talleres se realizan en tres tardes consecutivas y en paralelo a las conferencias de tal manera que sirvan de espacio de reflexión adyacente.

TALLER CON SILVIA MAGLIONI & GRAEME THOMSON. LECTURA DEL DARK MATTER CINEMA TAROT

Para estas sesiones en Madrid del Comité Nocturno, vamos a continuar planteando preguntas al Dark Matter Cinema Tarot, explorando formas en las que las imágenes puedan abrir nuevos canales de percepción infra-subjetiva que conecten diferentes dominios de interrogación y experiencia personal, estética y política, alcanzando mediante la materia oscura que anida en la imagen cinematográfica. Al mismo tiempo, vamos a tratar de desentrañar narrativas alternativas, así como posibilidades adivinatorias o terapéuticas que puedan ser albergadas en la constelación de figuras y formas resultantes de cada caída de las cartas. En la concepción del tarot DMC, hemos sustituido los arcanos mayores y menores, con una selección de imágenes fijas procedentes de toda la historia del cine. Al perder la relación con el simbolismo del tarot clásico, suspendidas entre la contingencia y la fatalidad, las tarjetas DMC refractan las preguntas que se le formulan a través de un proceso de descripción especulativa y fabulación colectiva con cada lectura, configurando un montaje singular de gestos, situaciones y relaciones. Las lecturas se entretejen con la proyección de secuencias de películas, expandiéndose sobre los territorios de infra-percepción revelados por las cartas.

TALLER CON JON MIKEL EUBA. SOBRE LA PRAXIS, COMO UNA TEORÍA AÚN NO DICHA: DEL GANGANGANG AL NAGNAGNAG

Una Presentación (Dónde estoy ahora físicamente)

¿Hola? ¿Sí? ¿Se me oye? ¿Sí? Hola, soy Jon Mikel Euba. En este momento en que estáis leyendo esto, estoy hablando con otras personas en otro lugar. Dependiendo de con quién esté en este momento, lo haré en euskera, castellano, francés o en inglés. La necesidad de anunciar el taller con un texto previo me obliga a estar en dos sitios a la vez y me impide estar ahí presente ahora con mi cuerpo para presentarlo, lo cual nunca debe ser considerado como un problema, ya que no es más una condición a la que he de someterme. Toda situación real está sometida a determinados condicionantes que la alejan de la situación ideal de sí misma. Toda asunción de unas condiciones, tal como sucede en una traducción, supone una pérdida y al mismo tiempo una ganancia. De esta manera, con esta filosofía abordaré el taller.

Dónde he estado/de dónde vengo

Los últimos 15 años he desarrollado una forma de colaboración artística que posibilita el desarrollo de vínculos personales entre las personas participantes a través de experiencias reales de trabajo. Consiste en convocar a un número de personas desconocidas entre sí para que, durante un periodo de tiempo limitado, puedan de participar en producciones (tanto de rodajes como de eventos en vivo), adecuadas a las capacidades específicas de las personas así como a su número.

Dónde estoy ahora mentalmente/realmente

Los últimos seis años estoy desarrollando un trabajo centrado en la escritura cuyo objetivo es definir una praxis que devenga teoría técnica. Estoy tratando de crear las bases de una praxiología del arte donde reflexionar por medio de la escritura sobre la práctica. Este proceso parte de la aplicación de una taxonomía que, al dividir aspectos de la producción artística en tanto que acción compleja en partes; aspira primero a comprenderla desde otra perspectiva y después a transmitirla de modo que pueda ser de nuevo puesta en acto en toda su complejidad por otras personas.

Detalles prácticos / Protocolos

Con este material textual como fondo, este taller pretende analizar cuestiones técnicas referidas a la praxis artística. Se organizará por medio de la lectura y visionado de material visuales y textuales, que, al ser compartidos, tratarán de definir un espacio común que posibilite la comunicación. Dichos materiales servirán además de intermediación, formando parte de ejercicios prácticos individuales o colectivos.

Objetivos e intenciones del taller

La intención es ayudar a los participantes a desarrollar y reflexionar sobre su propio trabajo. Haré especial hincapié en estrategias que, al tiempo que incentiven la reflexión y la autocrítica, permitan empoderar la subjetividad individual, aumentando los niveles de libertad de los participantes y promoviendo las ganas de ponerse a trabajar.

Autor-idad y pedagogía

Durante el taller alertaré sobre el virus academicista –ahora ya convertido en plaga– que está debilitando a la persona artista, que se cree que la legitimación provendrá “desde el exterior” del arte, desde los discursos de otras disciplinas más justificadas como saber. Trataremos de desenmascarar productos académicos que pretenden usurpar el espacio de producción artística contemporánea. La fórmula más básica es: “Pregúntate: lo que escuchas, lo que te dicen, ¿te resulta interesante? Entonces, es académico. Por el contrario lo que escuchas ¿te apasiona quieres dejar de estar sentado y levantarte para pasar a hacer? Podría ser arte”. ¡Cuidado con lo interesante!

Mi idea base consiste en llevar un exceso de material para compartir, que seleccionaré in situ en función de lo que vea que necesita el grupo. Mi intención es que el tiempo que estemos juntos se produzca la mayor cantidad de trasvase de información y creación de experiencia-s posible. Este taller está dirigido a profesionales-amateurs del arte, y a cualquiera que desee crear, generar algo, con el fin de que pueda servirle para reforzar aspectos de su proceso o ayudar en la creación de uno propio.

TALLER CON KODWO ESHUN

Más información en breve

Los talleres de Kodwo Eshun, Silvia Maglioni & Graeme Thomson se desarrollarán en inglés

¡FOTOGRAFÍA COSAS QUE IMPORTAN! LA MIRADA DEL TRABAJADOR/A

¿Tienes una cámara de fotos?, ¿un teléfono con cámara?, ¿por qué no la usas para fotografiar tus condiciones de trabajo y las de tus conciudadanos/as? En el contexto de la exposición Werker 10 — Escuela de Fotografía Popular, Werker (Rogier Delfos y Marc Roig) se formó un grupo de fotografía amateur en torno al trabajo invisible. La intención fue trabajar en tres sesiones de taller para construir un archivo de imágenes sobre trabajos invisibles y editar una publicación colectiva.

Para participar se invitó a cultivar la mirada de trabajador/a y a empezar a tomar fotos de todo aquel trabajo que parece escapar de lo visible (o de lo que es reconocido como trabajo): el trabajo doméstico, el trabajo informal, el voluntario, el de los cuidados, aquel mal remunerado, el desempleo… y todo aquel que a ti se te ocurra que responda a la pregunta formulada en torno a qué es el trabajo invisible.

 Algunos consejos prácticos:

 1- Cualquier cámara sirve.

2- No prestes demasiada atención a la composición, tu mirada es lo mas importante.

3- A veces una imagen oscura o desenfocada, con la ayuda de texto, puede convertirse en una muy buena imagen.

4- No borres imágenes. La selección la vamos a realizar todos juntos.

 Werker (o Werker Magazine) es una publicación sobre fotografía y trabajo a cargo de Marc Roig Blesa y Rogier Delfos. Su punto de partida es el movimiento de la fotografía obrera, un grupo de asociaciones de fotógrafos aficionados que apareció en la Alemania de la década de 1920, siguiendo los pasos de las primeras experiencias fotográficas socialistas en la URSS y que se extendió por el resto de Europa, los Estados Unidos y Japón. Werker se interesa en las metodologías utilizadas por aquel movimiento, basadas sobre todo en la auto-representación, auto-publicación y procesos colectivos de producción del conocimiento. En este sentido se vuelve central el estudio acerca de cuáles son las imágenes del trabajo en nuestras sociedades posfordistas.

Más información en mailbox@werkermagazine.org o en actividades.ca2m@madrid.org

El punk fue una ruptura radical con las convenciones y con la institucionalización en la que estaba ya cayendo el pop a mediados de la década de los 70. Pero en absoluto se trata de un fenómeno puntual restringido a un momento histórico, este movimiento ha cambiado la cultura contemporánea, desde la música al diseño o la literatura, al tiempo que su influencia y efectos forman un eje esencial para poder entenderla. Su estética se basa en la búsqueda del efecto inmediato y la idea de «hazlo tú mismo». Para expresarse no es necesario ser un experto ni tener títulos académicos ni ser un virtuoso técnico. Todo el mundo puede hacer música, escribir, hacer fotos, diseñar o editar un fanzine. Como dice Bob Savage, «El punk es el sonido de la gente descubriendo su propio poder».

Durante el taller La muerte del Pop diseñamos de manera colectiva un fanzine/publicación punk. Experimentamos con la escritura, la fotografía, el dibujo, el collage, el diseño gráfico y editorial, la tipografía y la narración. La publicación que resultó fue un experimento narrativo abierto, colectivo y transversal, en el que los participantes desarrollaron sus propias ideas y reflexiones. El objetivo central es que fuimos capaces de experimentar y tomar riesgos divirtiéndonos.

Las tardes de los días 29, 30 de junio y 1 de julio tuvieron lugar tres talleres simultáneos. Cada uno de los talleres, independientes, fue abordado de manera personal por cada uno de los artistas y teóricos que lo impartieron. Todos ellos trabajaban en formatos experimentales de producción de conocimiento y tenían experiencia docente y de participación en trabajos colectivos en muy diversas formas. Los talleres se realizaron en tres tardes consecutivas y en paralelo a las conferencias de tal manera que sirvieron de espacio de reflexión adyacente.

LO QUE NO TIENE FORMA, NO TIENE ESPACIO. TALLER CON ERICK BELTRÁN

Si uno preguntara al azar si se confía en la prensa o en los medios de comunicación, con certeza obtendríamos como respuesta un «no». Nadie cree en los medios de comunicación. Justamente esta convicción es lo que los hace veraces: porque si se dice no creer, es que se tiene el espacio para creer.

En el mundo contemporáneo es fácil ignorar los elementos no visibles (fuera de nuestro campo de visión) al estar distantes de uno. No todas las cosas que aparecen en la realidad tienen el mismo peso, y más aún en un marco social. En la obviedad de la respuesta a la cuestión: ¿cuántas muertes de ciudadanos nepalíes se necesitan para equiparar el espacio que ocupa un muerto europeo en cualquier medio de comunicación de masas? Se esconde algo. Esta pregunta nos traslada al clásico dilema moral y de escala:¿«matarías a un mandarín chino»? Los problemas de visibilidad son los problemas de la construcción del mundo. ¿De qué tamaño es nuestro mundo?, ¿cómo hemos perdido otros tipos de unidades que no sean un «yo» central?, ¿cómo establecer escalas de comparación?

A partir del texto «Cómo matar a un mandarín chino» de Carlo Ginzburg y selecciones de Partial Connections de Marilyn Strathern se analizaron metodologías referentes al seguimiento y relación de nodos, así como temáticas en torno a la reducción de escala, aparición de unidades y horizontes de visibilidad. ¿Cómo es que las cosas aparecen ante nuestros ojos? ¿Las relaciones que existen entre esos objetos son inherentes o las creamos nosotros? ¿Cómo comparamos cosas? ¿Es posible cambiar las unidades que tenemos dentro de nuestra psique social e individual? ¿Qué relación existe entre el cuerpo y sus partículas?

El texto de Ginzburg se analizó a través del estudio de casos de la neurobiología, los modos de percepción y la prensa diaria. Se realizó una re-interpretación de diferentes métodos de visualización gráfica como es el Isotype de Otto Neurah, a partir de datos de eventos contemporáneos y se compararán entre sí. Se planteó obtener una serie de infografías para poner en práctica éste tipo de problemáticas de visualización y creación de narrativa.

TALLER CON PEDRO CESARINO

¿Qué es una cosa y/o un objeto? ¿Cómo pensar en distintos estatutos de materialidad e invisibilidad? ¿Cuáles son los dispositivos de discurso y poder a través de los cuales las cosas ajenas fueron tramitadas y categorizadas por el Occidente moderno? ¿Cómo pensar los problemas derivados del entrecruzamiento en regímenes ontológicos distintos que, de modo más o menos explícito, marcan las divisiones entre arte y artefacto, entre museos etnográficos e instituciones de arte? ¿El problema de la animación de objetos refleja una comprensión efectiva de otras configuraciones ontológicas o, al contrario, apenas una proyección sobre los otros dilemas metafísicos occidentales? ¿Hasta qué punto las conexiones en redes deshacen efectivamente las líneas divisorias fundamentales? Estas son algunas de las cuestiones generales que fueron abordadas durante el taller. A través de la lectura de textos de, entre otros, Alfred Gell, Marilyn Strathern y Eduardo Viveiros de Castro así como debates en grupo, el taller quiso imaginar alternativas curatoriales para impases generados por un número de exposiciones que habían trabajado estos problemas, como Magiciens de la terre, Primitivism in 20th Century y Animism.

TALLER CON RUTH NOACK

En todas partes se siente la presencia del cuerpo, pero en ninguna parte es hecha imagen*

Este taller fue una invitación a pensar juntos sobre cosas, sobre los procedimientos mediante los cuales una materia se distingue de otra materia, quedando así definidas como cosas u organismos, y sobre la relación entre cuerpo y objeto. Se invitará a los participantes a embarcarse en un viaje especulativo conmigo, con énfasis en la producción de un conocimiento compartido, el cual espero que una nuestra comprensión de la diferencia entre el arte como cosa y las cosas ‘reales’ con una realización (en obras de arte) de las ideas que necesitamos para darnos soporte a nosotros mismos como seres inspirados.

Cada participante deberá traer al taller:

- Una obra de arte (o su representación). Esta obra puede ser propia o de otra persona.

- Un objeto que no sea arte.

Cada participante ha de  poder relacionar la obra de arte con el objeto no artístico. Asimismo se solicitará a cada participante que relacione la obra de arte a «la presencia del cuerpo». Para hacer esto no será necesario el uso de palabras.

Se recomienda que cada participante lea la introducción y el ensayo de Helen Molesworth para preparar el taller.

* Helen Molesworth on Duchamp, in "Part Object, Part Sculpture", exhibition catalogue, Wexner Center for the Arts, 2005

Con el apoyo de

Mediante diversos encuentros y visitas taller, este año nos proponemos continuar con el trabajo iniciado el curso pasado en colaboración con la Fundación Rais en la articulación de un proyecto colectivo a largo plazo en el que compartir saberes, sentires y experiencias que irán tomando forma a través de distintos formatos y estrategias creativas. Si el curso pasado estuvimos interesadas e interesados en la producción de otros imaginarios urbanos, este año indagaremos colectivamente en la capacidad de acción que tenemos para (re)apropiarnos de dichos imaginarios hegemónicos y crear otros nuevos, poniendo especial énfasis en la creación audiovisual y en el formato fotográfico para (re)elaborar relatos e inventar ficciones que se crucen con las distintas realidades en las que transcurren las vidas de quienes formamos parte de este proyecto.

RAIS Fundación es una entidad de iniciativa social, no lucrativa, independiente y plural, de ámbito estatal y creada en 1998. Su principal objetivo es mejorar la calidad de vida de las personas en situación de exclusión social extrema, especialmente de las personas sin hogar, trabajando con ellas, impulsando los cambios sociales necesarios y movilizando a la ciudadanía, instituciones públicas y privadas y agentes sociales.

www.raisfundacion.org

Durante estas vacaciones junto con los niños y niñas que quieran, invocaremos la lluvia, los truenos, los relámpagos y buscaremos rayos dentro y fuera del museo. Bailaremos hasta tronar, iluminaremos la oscuridad y nos calaremos hasta los huesos. Quizá esto nos dé poderes mágicos o si no, por lo menos nos refrescará.

Este es un taller donde las niñas y niños se apropiarán del museo y lo transformarán en un refugio donde tener un verano extraordinario. 

Niñas y niños a partir de 6 años

Del 19 al 22 de julio.

De 11:00 a 13:30h

INSCRÍBETE AQUÍ

Las tardes de los días 23, 24 y 25 tuvieron lugar tres talleres simultáneos en el CA2M: Filipa César, Xavier Ribas y Alejandra Riera (éste solamente 24 y 25)

Paisajes y archivos de una modernidad extraccionista

Taller a cargo de Xavier Ribas, con la colaboración de Louise Purbrick

23, 24 Y 25 JUN

En este taller Xavier Ribas explicó con detalle las metodologías de trabajo que se han puesto en práctica durante la realización del proyecto Nitrato, un proyecto que aborda la lectura de la historia de una modernidad extraccionista llevada a cabo por inversores británicos en el desierto de Atacama a finales del siglo XIX y principios de XX, y cuyos efectos sobrepasan su propia dimensión geográfica y temporal, y adquieren una fuerte resonancia con las políticas extraccionistas del presente. El taller estuvo dirigido a artistas, fotógrafos e investigadores de la fotografía interesados en la representación fotográfica del paisaje, o de la historia, o que sus trabajos requiriesen de una inmersión en el archivo o hagan uso de una práctica fotográfica constituida en torno a un montaje de fotografías, textos, objetos y discursos de procedencias diversas. La estructura del taller partió de una exposición de contenidos por parte de Xavier Ribas, que posteriormente dió lugar a la presentación y discusión dirigida de los trabajos aportados por los participantes. Durante el último día, el taller también se benefició de las aportaciones de la historiadora británica Louise Purbrick, que ha trabajado conjuntamente con Xavier Ribas en este proyecto.

Profundizar en los archivos y leer la tierra a través de la práctica cinematográfica

Taller a cargo de Filipa César

23, 24 Y 25 JUN

Me gustaría empezar citando al crítico de cine francés Serge Danay: "el cine sólo existe para recuperar aquello que ya hemos visto una vez, ya sea porque lo hemos visto bien, porque lo hemos visto mal o porque no lo hemos visto". Después me gustaría proponer a los participantes que siguieran la serie de imágenes utilizadas en algunas de mis películas como Allee der Kosmonauten (2007), Porto,1975 (2010), The Embassy (2011) y Cacheu (2012). En todas estas películas de una sola toma, el montaje sucede antes del rodaje, las imágenes aparecen como objetos físicos, colgadas de una pared, impresas en un libro o proyectadas en una pantalla. Proceden de otros lugares y tiempo y están convocadas ante la cámara para rechazar su propia caducidad y origen: lo hemos visto bien, lo hemos visto mal, o no lo hemos visto. Entre las proyecciones, se accedió a los materiales utilizados en las películas para introducir el contexto y las condiciones de sus fuentes y la política y la ética inherente a su uso. Se habló sobre la ruina como inscripción, sobre la oportunidad de rechazar las narrativas históricas y de deconstruir la producción de imágenes. Se recuperaron películas de Harun Farocki, Trinh T. Minh-ha y textos de Walter Benjamin y Georges Didi-Huberman.

Experiencias cuya densidad supera al cine, que sin embargo las acompaña

Taller a cargo de Alejandra Riera, con la colaboración de Peter Pál Pelbart

24 Y 25 JUN

Alejandra Riera no se presenta bajo ninguna categoría concreta, aparte de la de artista, directora de cine o escritora. Se documenta a través de textos e imágenes sobre ‘cómo enfrentarse a los demás y las historias que superamos’. Como dice Riera, la película documental no tiene una finalidad social, no es una encuesta con intención humanista, sino más bien la grabación de un experimento. Carece de adornos, no pretende denunciar ninguna situación, y no presenta interés en la estética. Nos explica que no es más que un experimento del que es muy difícil hablar… En vez de dar una charla sobre el proyecto, sobre sus intenciones y su lógica, como se podría esperar, confesó que tuvo muchas dificultades para trabajar recientemente… y que al final simplemente no pudo… trabajar, construir… Imaginen el efecto de esta charla sobre aquellos que abandonaron el circuito del “trabajo”, “proyectos” y “resultados” hace mucho tiempo. Peter Pál Plebart, con quien Alejadra Riera ha colaborado recientemente, intervino durante la segunda sesión del taller.

Durante la semana del 30 junio al 3 de julio se desarrolló un taller que concluyó en un concierto final en el picnic del día 3 de julio. Durante esos días se trataron algunas preguntas en relación la improvisación libre hoy en dia: ¿En las condiciones en las que vivimos quién, de qué tipo de libertad estamos hablando? ¿Cómo entendemos el sujeto improvisador? ¿Acaso necesitamos instrumentos para improvisar? finalmente ¿Qué tipo de improvisación hoy en día puede realmente ser un ejercicio de libertad? Durante los talleres trataremos estas preguntas discutiendo y haciendo diferentes ejercicios como forma de preparación para el concierto final

Mattin es un artista vasco que trabaja con el ruido y la improvisación. Su trabajo trata de abordar las estructuras sociales y económicas de la producción a través de la música experimental en vivo, grabaciones y escritura. Utilizando un enfoque conceptual, que tiene por objeto cuestionar la naturaleza y los parámetros de la improvisación, específicamente la relación entre la idea de'' libertad'' y la constante innovación que esto implica tradicionalmente, y las convenciones establecidas de la improvisación como un género.

Mattin considera la improvisación no sólo como una interacción entre los músicos y los instrumentos, sino como una situación en la que todos los elementos constituyen un concierto, incluyendo el público y el espacio social y arquitectónico. Se trata de exponer la relación estereotípica entre el performer activo y la audiencia pasiva, produciendo una sensación de extrañeza y alienación que altere esta relación.

http://www.mattin.org/

Este taller se desarrolló en el marco de PER/FORM 3er Día de Intensidad

Un libro es un catalizador de impresiones. Algunos pueden considéralo como una obra de arte. Sin embargo hoy en día, el libro se tambalea en su forma vernácula de papel, la transversalidad sensual y objetual entre la subjetividad y la publicidad.

El libro PER/FORM apunta al dilema contemporáneo del arte y política: ¿cómo se puede producir un gesto inteligible de forma colaborativa? ¿Cómo puede un acto sensible mutar en conocimiento sensible, moviéndose de uno a otro ser humano, y la expansión de sí mismo como gesto? ¿Cómo podemos transformar la actividad contemplativa habitual del espectador en una mirada crítica que de alguna manera crea una nueva energía y nuevas formas? Como extensión de este libro, el objetivo del taller es el de producir una obra colectiva que reúna las impresiones individuales. Juntos, vamos a trabajar a través de algunos de los vestigios testimoniales recogidos individualmente al experimentar la exposición PER/FORM, con el fin de desplegar un epílogo de resonancia en forma de archivo vivo para algún uso futuro.

Agnès Dahan es directora artística y diseñadora gráfica free-lance. Vive y trabaja en París. Tras cursar sus estudios en la École Normale Supérieure des Arts Appliqués Duperré (París) y en la École Normale Supérieure en Cachan, Agnès Dahan realizó un máster en danza moderna en la Universidad de París III. Trabajó con coreógrafos como Boris Charmatz, Catherine Contour y Alain Michard. Inicialmente, su trabajo adoptó un enfoque multidisciplinar a través de la fotografía, la ilustración, la escritura y el diseño y después se fue centrando progresivamente en el diseño gráfico. En 2003 se incorporó a la agencia Atalante-Paris como directora artística free-lance durante un año. Durante este periodo trabajó para el editor Xavier Barral, el Théâtre du Rond Point (París), La Ópera de París y Magnum Photos. En 2004 fundó Agnès Dahan Studio, donde estableció vínculos con editores de libros (Naïve, Textuel, Actes Sud, Stenberg Press, entre otros), museos y centros de arte (Centre National de la Danse, Musée des Arts Décoratifs, Fondation Cartier, entre otros). En 2008 recibió el premio de Plus Beaux-Livres Français por el libro que había diseñado para el coreógrafo Angelin Preljocaj. Paralelamente a sus actividades como diseñadora de libros, Agnès se está abriendo a nuevos ámbitos de trabajo como el diseño de exposiciones.

www.agnesdahanstudio.com

Un año más el CA2M convocó un taller de creación de mobiliario para pensar desde lo multidisciplinar nuevas formas de activación de los objetos cotidianos. En esta ocasión además el taller se planteó como un laboratorio de investigación con diversos agentes del entorno más próximo del Centro para la construcción de un huerto en la terraza del CA2M. Para ello contamos con la colaboración de la asociación Rompe el Círculo de Móstoles y todos aquellos artistas, investigadores, ecologistas e interesados en la creación multidisciplinar. A lo largo de tres sesiones se realizaron encuentros para la discusión y el debate en torno al proyecto de diseño y en las primeras semanas de marzo se realizó el taller intensivo de producción del mobiliario del huerto de la terraza del CA2M.

Ciszak Dalmas es un estudio de diseño fundado por Alberto Gobbino Ciszak y Andrea Caruso Dalmas. En la creencia de que los cambios son posibles con acciones de diseño relativamente pequeñas, en 2010 lanzaron ‘La Clinica’ una colección de muebles producidos por artesanos locales radicados en distintas partes del mundo. En la actualidad son profesores en el Instituto Europeo de Diseño y han participado en exposiciones, talleres y conferencias en instituciones como la Bienal de Arquitectura de Venecia, Bienal Experimenta de Lisboa y en las semanas del diseño de Milán, Turín, Valencia y Hong Kong.