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Para clausurar la exposición Elements of Vogue. Un caso de estudio de performance radical hemos preparado una sesión especial en la que tres voguers fundamentales en la escena internacional realizarán dos talleres y un evento público.

Hacer una escena en la oscuridad, generar una coreografía con el personal del museo, construir y volar un globo, experimentar con el sonido, comunicar dos espacios, engañar a la vista, descomponer la luz, ver atardecer a las 18:34, construir una gran cosa que se mueve lentamente...

Las Sin Nombre en una compañía de teatro experimental y amateur fundada el pasado curso por un pequeño grupo de chicas y chicos. Este curso la compañía estableció su centro de operaciones en el museo reuniéndose cada miércoles para compartir intereses y vivencias, experimentar con estrategias escénicas y construir una propuesta teatral propia.

A lo largo de todo el curso, los integrantes de la compañía realizarán talleres y encuentros con artistas, dramaturgos, señoras que tejen, escenógrafos, iluminadores y los propios departamentos del museo.

En noviembre, Teatro en Vilo visitará a Las Sin Nombre para compartir metodologías y trabajar el teatro colectivo. A finales de marzo visitará la compañía la artista Marta Orozco que realizará un taller de vestuario en donde trabajar con materiales domésticos y precarios para transformarlos en los atuendos despampanantes, raros y estrafalarios de la compañía.

A partir del mes de marzo la compañía hace el petate y sale del museo para realizar sus ensayos en diferentes espacios, ocupando teatros, improvisando en las calles y visitando a otros artistas.

El equipo Sub21 es un grupo formado por jóvenes de 16 a 21 años interesados en la cultura, el arte y la vida en comunidad. Ponen la mirada en aquellas prácticas artísticas utópicas que propician formas de organización experimentales, actitudes disidentes y procesos de creación colectivos.

A lo largo de los últimos meses se han reunido semanalmente para crear un espacio propio, han construido una cocina móvil con la que cocinar juntas y reunirse en torno a la mesa, y han tenido encuentros con creadores y artistas que han influido y afectado su forma de entender lo colectivo y lo creativo.

Durante los meses de marzo y abril comenzamos VIVAC una fase en donde invitamos al colectivo de arquitectos TAKK para generar un proceso de diseño y construcción colectivo. Saldremos al exterior para diseñar y construir juntas una «zona temporalmente autónoma» en la azotea del propio museo. Un campamento base desde donde establecer nuevos lenguajes y metodologías que propicien formas alternativas de relación con el exterior. Un refugio autónomo para compartir vivencias y desarrollar una programación propia.

En la actualidad el equipo Sub21 está formado por: Paula Díaz Cano, Sandra Esteban López, Nadia Ettahri, Adriana Tomás, Marina Viñarás Germano, Miriam Domínguez García, Daniela Tovar Rodríguez, Johan Sebastián García Molina, Rosario O'Kelly, Daniela Alias, Hugo P y Tamara Serrano Cabello

Hacer una escena en la oscuridad, generar una coreografía con el personal del museo, construir y volar un globo, experimentar con el sonido, comunicar dos espacios, engañar a la vista, descomponer la luz, ver atardecer a las 18:34, construir una gran cosa que se mueve lentamente...

Las Sin Nombre en una compañía de teatro experimental y amateur fundada el pasado curso por un pequeño grupo de chicas y chicos. Este curso la compañía estableció su centro de operaciones en el museo reuniéndose cada miércoles para compartir intereses y vivencias, experimentar con estrategias escénicas y construir una propuesta teatral propia.

A partir del mes de marzo la compañía hace el petate y sale del museo para realizar sus ensayos en diferentes espacios, ocupando teatros, improvisando en las calles y visitando a otros artistas.

Un grupo de teatro experimental y nómada que trabajará sin jerarquías ni direcciones donde cuidar lo menor, hacer sin miedo al error y enfrentarse en grupo a la aventura del proceso creativo.

A lo largo de todo el curso, los integrantes de la compañía realizarán talleres y encuentros con artistas, dramaturgos, señoras que tejen, escenógrafos, iluminadores y los propios departamentos del museo.

A finales de marzo visitará la compañía la artista Marta Orozco que realizará un taller de vestuario en donde trabajar con materiales domésticos y precarios para transformarlos en los atuendos despampanantes, raros y estrafalarios de la compañía. Y en los próximos meses contarán con la participación de Irene Cantero, David Benito y Víctor Colmenero, artistas, escenógrafos e iluminadores.

El desiluminador absorbe luz y la devuelve a los objetos de los que proviene.

La luz es uno de los fenómenos más misteriosos entre los que convivimos. Los griegos pensaban que la luz salía de los ojos, más tarde que la emitían los objetos. Pero la luz no se deja absorber ni por los ojos ni los objetos, ni por una herramienta mágica.

Agarramos nuestros desiluminadores y nos adentramos en el museo, hay mucha luz y no se ve nada, demasiada luz deslumbra, hay salas en cambio completamente a oscuras, mis sombras se vuelven rosas ¿qué está pasando? Vamos a intentar entender juntas esa naturaleza paradójica de la luz: oscuridad-claridad, sombra-sol, física-simbólica.... todo sera acción y luces, colores y misiones.

Espacio Mutante invita a los artistas Víctor Colmenero Mir e Irene Cantero a realizar un taller de creación para jóvenes de 13 a 18 años. Durante dos sábados nos sumergimos en su universo creativo. Crearemos nuestro propio laboratorio escénico para trabajar juntas, transformar el museo y experimentar con la luz de manera colectiva.

Víctor por Irene:

Le interesa lo crudo y rotundo y se comunica así con el exterior. Crea desde ese hacer honesto y desnudo que muestra lo que no siempre es fácil de mirar o asimilar. Articula su discurso y su modo de construir a través de la acción en vivo, el contexto que habita y una mirada crítica. Unos días tiene muy claro que no le importa trabajar de camarero mientras pueda seguir desarrollando su obra propia. Otros días se pregunta, cuando habla conmigo, si estarán así eternamente. Le gusta disfrazarse de otros seres, lo importante es siempre el mensaje, y no cómo se vea desde fuera, a veces ridículo, casi siempre divertido, a veces obsceno, siempre radical.

Irene por Víctor:

Vive entre el campo y la ciudad. Su práctica atraviesa procesos. No busca una formalización preconfigurada. Visita la edición, el cuerpo propio, el de un pájaro, la luz o un paseo con su perra Tristana. No hay una división clara entre lo interno y el entorno en su obra. Pone el mismo cuidado y atención en sus proyectos que en la alimentación, la escalada, la costura, la anatomía o en hacer un regalo. Encuentra la belleza en los pequeños detalles y en esa belleza la satisfacción personal.

¿Qué sucede cuando creces con un idioma neutral, sin diferenciaciones de género, y llegas a un país donde todo lo tiene? ¿Cómo podemos hablar de identidad cuando un idioma ya determina qué es masculino o femenino?

El joven artista iraní Sorour Darabi se enfrentó a esto cuando llegó a Montpellier para estudiar danza. El farci, su lengua materna, no tiene formas masculinas o femeninas. El francés, por otro lado, constantemente le obliga a distinguir entre hombre y mujer, incluso en la búsqueda de su lenguaje de movimiento. Aceptar una palabra se convierte en una prueba física.

Darabi se rebela contra esta forma violenta de autoridad. Farci.e (2016) es un solo andrógino que coquetea con los límites del género, el lenguaje y la sexualidad.

Los Teatros del Canal y el CA2M se alían en un programa que pone de manifiesto un espacio de trabajo común: el cuerpo entendido como una construcción permanente y, por lo tanto, en permanente conflicto. Con Sorour Darabi, la transición del cuerpo propio desencadena una confrontación radical con el cuerpo social: la identidad transgénero revela el poder del lenguaje sobre los cuerpos, pero también la capacidad de este para amenazar sus convenciones.

Expografía es el espacio físico-mental-temporal, donde confluyen el hecho de ver, y el hecho de ser visto: lo que somos y experimentamos al mirar, lo que somos y experimentamos al ser mirados, y lo que es la visión en sí misma, como algo que está a medio camino entre la capacidad del vidente y lo que emana el objeto. Cualquier exposición, para ser activada precisa de esos tres términos - el que ve, lo visto y la visión- que de alguna forma se funden en un solo espacio-tiempo-evento-experiencia.

Por otro lado, Expografía es una reflexión sobre el Museo y sobre el Teatro: lo que ocurre en cada uno de estos lugares; los códigos temporales y de relación del público con las obras que impone cada uno de estos espacios. Proponemos el juego de alterar esos códigos y experimentar con lo que eso produce. Proponemos forzar ciertas perspectivas, situarnos en lugares física y temporalmente diferentes a los habituales, y observar qué nos producen esas variaciones.

El proyecto Expografía se concreta en dos obras totalmente distintas que son el despliegue completo de toda la investigación.

Expografía Colectiva se presenta el sábado 12 de enero aquí en el CA2M, jugando con la temporalidad museística, por lo que se pide al espectador el compromiso de permanecer en el museo durante las 8 horas consecutivas que dura la experiencia. En realidad no hay espectadores, sino participantes. En este evento de larga duración, se mezcla la propuesta artística con la necesidad de comer, ir al baño, fumar un cigarrillo o convivir con los demás. El dispositivo asume todas estas necesidades y se abre a otras tantas apetencias. Es aparentemente una convocatoria muy exigente, por aquello de permanecer 8 horas en estado de relativo aislamiento, pero en realidad, esta experiencia apunta a la libertad de dejar atrás por un tiempo, la “prisión” de nuestros hábitos y formas de ver el mundo.

El segundo producto, Expografía Retrospectiva, es más un “espectáculo” en el sentido convencional de la palabra, y se presentará una semana después: los días 17,18 y 19 de enero en Teatros del Canal.

Siempre que empezamos a contar el proyecto El Triángulo nos cuesta mucho esfuerzo. Decimos, por ejemplo, sobre nuestro coro: «Un coro amateur no es un coro, o sea, sí es un coro pero no hacemos lo que hace un coro», o sobre el proyecto en el colegio: «Hemos generado como un sonido, o un mensaje sonoro o algo así, y todos los niños han puesto los altavoces hacia las ventanas y hemos lanzado el sonido para los marcianos». Por eso nos preguntamos: ¿cómo se puede contar un proyecto que parte del silencio, el balbuceo y la escucha?, ¿cómo se cuenta algo que solo se entiende al participar?

Durante este día queremos juntarnos profesoras, participantes, artistas y educadoras para pensar en el devenir del proyecto durante el curso 2018 — 2019, el segundo en su existencia. Queremos saber cómo le ha ido a la violinista Luz Prado la vuelta al conservatorio después de estudiar tantos años allí y de qué manera ha repensado la práctica musical a partir del trabajo con los distintos grupos; cómo un proyecto como el de Bea Vaca (Narcoléptica) para las niñas y niños del colegio se funde con un relato de ciencia ficción inventado por su profesor de música; cómo el coro ha funcionado sin director y ha gestionado el balbuceo del que partía. Para responder a estas preguntas hemos invitado a las artistas Bea Vaca (Narcoléptica) y Luz Prado a que pongan sonido a lo que vivieron, y a la poeta María Salgado a contar su experiencia durante estos meses en los que ha estado con nosotras escuchando y tomando notas en su cuaderno. También activaremos el documento sonoro que hizo Nilo Gallego a partir del proyecto del año anterior.

• 12:00 Tape music Maria Salgado "Reverb 1 Música en cinta del coro amateur / versión de Tape music de Linchiwei" Proyecto del Coro amateur del CA2M 
• 13:00 Narcoléptica "Reverb 2" Proyecto del Beato Simón de Rojas" 
• 14:30 Descanso comida 
• 15:30 Luz Prado "Reverb 3: Conversatorio espaciotemporal" Proyecto conservatorio Rodolfo Halffter 
• 16:30 Nilo Gallego: Documento-triangulo-2018. "Reverb 4: 52 pistas lanzadas en directo y difundidas por tres altavoces independientes"

«Mi tía embarazada le pidió a mi aita que le encontrase un nombre vasco para ponérselo a su hija. Mi aita decidió hacerle una broma y le propuso el nombre de Bidutzi (monstruo en euskera) sin decirle su significado real. A mi tía le encantó y decidió que mi prima se llamaría Bidutzi. Durante tres meses tuvo un “monstruo” en su interior al que amó y deseó. Cuando llegó la hora de parir, mi aita decidió terminar con la broma y confesarle qué significaba realmente Bidutzi. Mi tía, al enterarse, se horrorizó y le cambió el nombre a Viviana».

En este taller pondremos cuerpo a Bidutzi. Pero no a Bidutzi/Viviana sino a Bidutzi/nosotras. Bidutzi es la huésped inquietante. Para ello trabajaremos con el vestuario, el cuerpo, la luz, la oscuridad y la niebla, generando un relato a través de lo visible y lo invisible.

El taller empieza con una cita: a las cuatro en el baño.

Un coro amateur es un proyecto de creación en el que cualquier tipo de voz es bienvenida a experimentar. Como ya hemos comprobado que la voz de una persona tiene múltiples posibilidades de ser y estar, queremos traer esas singularidades de los timbres, los tonos, los ritmos, para conformar un coro increíble.

El coro llega a sus últimas sesiones en un punto altísimo de experimentación con la voz. Hemos hecho talleres con Anto Rodríguez, Jhana Beat, Makiko Kitago, Alma Söderberg, Amalia Fernández, Lolita Versache y Bea Vaca (Narcoléptica). Hemos cantado en una montaña, practicado beatbox y lip sync y hemos inventado múltiples maneras de ser un coro. Tenemos muy claro el camino pero no sabemos a dónde vamos y así terminaremos: cambiantes, sin dirección, con mucho deseo de hacer juntas.