Cine y vídeo

En paralelo a la exposición SONIC YOUTH etc. : SENSATIONAL FIX, presentamos un ciclo en torno a Sonic Youth donde se incluyeron numerosas referencias a artistas y cineastas que han colaborado o influido en el trabajo de la banda neoyorquina, permitiéndonos de este modo conocer mejor el universo que les rodea.

19 MAR
Last Days, Gus Van Sant, 2005. V.O.S. inglés. 97’
En Last Days Gus Van Sant nos presenta el retrato de un artista que sufre el peso de la fama y sus obligaciones personales. El relato de una huída del éxito. Un viaje iniciático que transportará al protagonista de esta película a una solución a su atormentada existencia mediante el único modo posible de redención: la música.

26 MAR
The Devil and Daniel Johnston, Jeff Feuerzeig, 2005. V.O.S. inglés. 110’
Documental que narra la historia del cantautor norteamericano Daniel Johnston. Un genio, compositor, cantante y artista maniaco depresivo a quien las drogas y la enfermedad mental llevan a imaginarios encuentros con el diablo. The Devil and Daniel Johnston sigue al personaje y muestra también cómo se transforma en objeto de culto apoyándose en las grabaciones del propio Daniel Johnston.

2 ABR
Noise, Olivier Assayas, 2006. 115’
Desde 1983 el Festival Art Rock de St Brieuc es una mezcla de estilos y disciplinas que se ha impuesto como uno de los acontecimientos más relevantes de la escena francesa. Este documental presenta la edición de 2005 que fue dirigida por Olivier Assayas.

9 ABR
Kerouak, el rey de los beats, John Antonelli, 1994. V.O.S. inglés. 71’
Es este un romántico y sentimental homenaje al escritor beat Jack Kerouac en el que el director John Antonelli combina lecturas de los trabajos de Kerouac, filmaciones del escritor con figuras como Steve Allen y William Buckley, así como vistas de su casa y sus locales favoritos.

16 ABR
Mala noche, Gus Van Sant, 1985. V.O.S. inglés. 78‘
Mala Noche es la opera prima del director Gus Van Sant. Una película de bajo presupuesto basada en la novela autobiográfica de Walt Curtis. Con Pórtland como escenario de fondo, se narra la historia de Walt y las relaciones sexuales que pretende entablar con un joven a través del dinero. Esta situación desencadenará el encuentro de diversos personajes y su deriva vital posterior.

23 ABR
“Superstar”- La Historia de Karen Carpenter, Todd Haynes, 1987. V.O.S. inglés. 43’
Biografía experimental de la vida, el auge, caída y muerte de la vocalista de la banda The Carpenters. Protagonizada por muñecas Barbie en lugar de actores de carne y hueso que cuenta la batalla de Karen Carpenter contra la anorexia nerviosa y la influencia de la música de The Carpenters en los años setenta.

Blind Video Days, Vídeo de skate, Spike Jonze. 1991. V.O.S. ingles. 24’
Video Days es un vídeo sobre skate para la marca de Skaters Blind. Esta es al primera película/vídeo dirigida por Spike Jonze y protagonizada por Mark Gonzales, Rudy Johnson, Jason Lee, Guy Mariano y Jordan Richter. Es considerada por muchos dentro de la comunidad de Skateboarding como “la Ciudadano Kane de los vídeos de Skate”.

DOM 25 ABR Fantasmas. Gespenster. Christian Petzold, 2005
VIE 30 ABR Cásate conmigo. Heirate mich. Uli Gaulke, 2002-03,
DOM 2 MAY La Vida de los Otros. Das Leben der Anderen. Florian Henckel von Donnersmarck, 2005/2006

DOM 25 ABR
Fantasmas. Gespenster. Christian Petzold, 2005, V.O.S. alemán. 85 min.
En esta película se cruzan los caminos de tres mujeres en Berlín. Françoise (Marianne Basler) perdió a su hija en un descuido y desde entonces su vida eS una constante búsqueda desesperada; Nina (Julia Hummer) es huérfana y vive en un centro de acogida para adolescentes de entorno problemático, encerrada en su hermético mundo de silencios e incomprensión, hasta que conoce a Toni (Sabine Timoteo), una superviviente descarada y desprejuiciada con la que iniciará una relación íntima de dependencia. Pero un día Françoise se cruzará en el camino de las dos adolescentes y creerá reconocer en Nina a su hija desaparecida.
Soledad, inestabilidad, pérdida y añoranza son emociones que las vinculan.

VIE 30 ABR
Cásate conmigo. Heirate mich. Uli Gaulke, 2002-03, V.O.S. alemán. 105 min.
Durante unas vacaciones en Cuba, Erik conoce en una discoteca a la bella mulata Gladis, “Fue amor a primera vista”, explicará más tarde. Justo un año después, Gladis y Omarito, su hijo de ocho años, se suben a un avión y dejan atrás su isla tropical llenos de esperanza, curiosidad y un poco de melancolía. Una vez en Hamburgo, comienza para los tres un camino a veces extraño, a veces emocionante y a menudo marcado por sorpresas y conflictos. La cámara acompañó a la pareja durante un año en su andadura por la nueva patria.
Documental que habla de las idas y venidas, de la guerra entre sexos y del choque entre dos culturas.

DOM 2 MAY
La Vida de los Otros. Das Leben der Anderen. Florian Henckel von Donnersmarck, 2005/2006, V.O.S. alemán. 137 min.
Gerd Wiesler, capitán del Ministerio para la Seguridad Nacional de la RDA (Stasi), tiene que vigilar al autor Georg Dreymann; aquello que escucha durante su misión hará que rectifique su comportamiento.

En paralelo a la exposición Antes que todo, presentamos este ciclo de cine compuesto por una serie de películas que fueron seleccionadas por una parte de los artistas de la exposición. Esta selección no respondió a criterios temáticos o conceptuales vinculados a la muestra, sino que pretendieron actuar a modo de anotación al pie de la misma y despertar nuevas lecturas desinteresadas y conexiones azarosas entre los artistas y las películas y éstas con otras obras.

VIE 22 OCT

20:30 H.

Carta blanca a Antonio Ballester

Grizzly Man.

Werner Herzog. 2005, V.O.S. inglés. 104 min.

A Antonio Ballester las películas y documentales de Werner Herzog le gustan porque muestran la relación entre el hombre y la naturaleza de una manera muy cruda. “Estamos acostumbrados a ver la naturaleza desde un ‘vista point’ o detrás de unos prismáticos y pensar que los pollos salen del supermercado, pero Herzog nos enseña que la naturaleza no es eso, y usando unas veces a personajes como alpinistas en Grito de piedra o a un físico loco en El diamante blanco, muestra el punto de vista más real y bruto. En el documental Grizzly Man une esta idea con la de una persona fuera de lo normal que quiere vivir la naturaleza sin miedo, con todas las consecuencias que ello conlleva.” Antonio Ballester.

VIE 29 OCT

20:30 H.

Carta blanca a Julia Spínola

La Strada, La Calle.

Federico Fellini. 1954, V.O.S. italiano. 94 min.

“Gelsomina no sabe hacer demasiadas cosas, pero piensa que hasta la piedra más pequeña sirve para algo” Julia Spínola.

VIE 5 NOV

20:30 H.

Carta blanca a Pablo Marte

Plan Rosebud: La escena del crimen.

María Ruido. 2008, V.O. 112 min.

“Creo en el cine necesario y el film de María Ruido lo es: establece un estado de la cuestión al respecto de las difíciles relaciones entre las políticas y los espacios de la memoria. En este sentido, su proyección en Móstoles tendría a su vez un carácter específico, como un campo expandido, al tratarse de Madrid, que tradicionalmente ha engullido todas las tentativas de análisis histórico-crítico bajo el tono monocorde del gran triunfo de la Transición. A diferencia de otros países, como Francia o Alemania, el cine hecho en España pocas veces se ha interesado por el bebedero de nuestra democracia, es, en este sentido, un cine conservador, que se ha postulado normalmente desde el aparte de su condición de "espectáculo" (Almodóvar es un ejemplo). Por otro lado, elijo un film que, pese a su importancia, se ha visto poco. Y creo que otro de los motivos es precisamente un guiño a ese espacio en medio, esa tierra de nadie, de proyectos que surgen desde la institución artística pero recorren territorio cinematográfico. Algunas de las referencias del Plan Rosebud no pueden ser más fílmicas (desde el Citizen Kane, que le da título, a Chris Marker o Serguei Eisenstein) pero a su vez María Ruido ha trascendido el propio formato y lo ha desplegado también desde otros espacios de visión y lectura (como instalación, como libro). Es algo con lo que me identifico: una cierta marginalidad respecto al propio territorio (cine que no es cine, arte que no es arte, arte que es cine, cine que es arte, una misma cosa que lo es todo según se despliega, según se muestra y cómo se muestra), como si uno fuera y no fuera, al mismo tiempo. Probablemente esa es la cualidad formal que más admiro en el trabajo de María Ruido: la multiplicidad de sus formas y espacios de lectura“ Pablo Marte.

VIE 12 NOV

20:30 H.

Carta blanca a Oriol Vilanova

L’année dernière à Marienbad, El año pasado en Marienbad.

Alain Resnais. 1961, V.O.S. francés. 94min

“Se trata de un filme hipnótico donde la disociación del tiempo y la memoria genera una narración enigmática que nos sitúa en un estado paralelo, igual que los estáticos personajes que habitan un gran hotel quizá soñado. Me interesa cómo el dúo Resnais y Robbe-Grillet construyen una película tan críptica, cada vez que la veo me fijo en distintas acciones, creo que es un buen sistema de multiplicar historias y recepciones. Considero que no ha perdido radicalidad después de la cincuentena, continúa desequilibrando el lenguaje de narración cinematográfica tradicional.” Oriol Vilanova.

VIE 19 NOV

20:30 H.

Carta blanca a Ignasi Aballi

71 Fragmente einer Chronologie des Zufalls, 71 fragmentos de la cronología del azar.

Michael Haneke. 1994, V.O.S. alemán. 100 min.

“Es una película que me interesa por la manera cómo se desarrolla la narración, a partir de pequeños fragmentos que en principio parecen escogidos y filmados al azar y sin ningún nexo entre ellos, pero que al final todos tienen una relación. Me interesa mucho también cómo está filmada, la fotografía, claramente influida por las últimas películas de Robert Bresson. Me parece que también es muy clara la relación con un artista como Jeff Wall y con el cineasta Aki Kaurismaki (que también me interesa mucho). La película es muy austera, construida sin ningún tipo de concesión a efectos especiales, música, acción, sin actores profesionales, etc. Creo que es una película que retrata muy bien el mundo contemporáneo y las relaciones humanas. Para mi es un buen ejemplo de lo que debe ser el cine en la actualidad, un dispositivo de reflexión alejado del espectáculo.” Ignasi Aballi.

VIE 26 NOV

20:30 H.

Carta blanca a Itziar Okariz

D'est, Desde el este.

Chantal Akerman. 1993, sonido, 110 min.

"Mi gusto por las películas de Chantal Akerman viene de cuando empecé a alquilarlas en Kim’s video, al llegar a NYC hace 15 años. Kim’s es un videoclub en la calle 8 que tiene una colección de películas fantásticas. Me interesa el uso que Chantal Akerman hace de la cámara: su relación de la cámara con la realidad, hasta que en ocasiones es casi un documento: en “Hotel Monterrey” la cámara parece una cámara oculta, la imagen casi abstracta en tomas larguísimas de hasta dos minutos… el tiempo detenido en tomas que parecen fotografías. Los encuadres, lejanos al centrado en algún punto estelar al que estamos acostumbrados.

Su relación con la cámara y con la narración me interesa en el sentido de que a mi también me interesan los mismos aspectos que ella trata desde “el cine”; la imagen y su relación con la realidad de lo que se nos cuenta o nos muestra, la cualidad de la imagen como resto y no solo como construcción convencional. La “película” no tanto como narración sino como gesto conceptual (News from home, Hotel Monterrey, La chambre, etc.).” Itziar Okariz.

VIE 3 DIC

20:30 H.

Carta Blanca a Lorea Alfaro

Amy Winehouse- I Told you I was a trouble - Live from London's Shepherds Bush Empire-,

Universal Island Records. 2007, V.O.S inglés 150’.

“Es una figura que condensa y es contemporánea al tiempo que atemporal. Amy, es hora de decir que eres una puta. La cosa va de tragárselo entero o no. Amy radiactiva e irradiada. Visión exterior de miradas diagonales. Blake y Mitch como personajes de lo que haría la película.” Lorea Alfaro.

VIE 10 DIC

20:30 H.

Carta blanca a Adrià Julià

Easy Rider, Dennis Hopper, 1969, V.O.S. ingles, 94’

George Hanson: ¿Saben? Éste solía ser un país maravilloso. No puedo entender que le ha ocurrido.

Billy: Todo el mundo se volvió cobarde, eso es lo que sucedió. Ni siquiera podemos entrar a un hotel de segunda. ¡Un motel de segunda! ¿Entiendes? Piensan que vamos a cortarles la garganta. Tienen miedo.

George Hanson: No tienen miedo de ti. Los asusta lo que representas para ellos.

Billy: Lo único que representamos, es alguien que necesita un corte de pelo.

George Hanson: Lo que representas para ellos, es libertad.

Billy: ¿Qué hay de malo ser libre? De eso se trata todo.

George Hanson: Así es. Pero hablar de ello y serlo son dos cosas distintas. Es muy difícil ser libre cuando te compran y te venden en el mercado. Porque, no vayas a decirle a nadie que no es libre porque son capaces de matarte o lastimarte para probarte que sí lo son. Oh, sí. Te hablarán y te hablarán de libertad individual. Pero si ven a un individuo libre, se asustan.

Bill: Pero no salen corriendo asustados.

George Hanson: No. Se vuelven peligrosos.

George Hanson: You know, this used to be a helluva good country. I can't understand what's gone wrong with it.

Billy: Man, everybody got chicken, that's what happened. Hey, we can't even get into like, a second-rate hotel, I mean, a second-rate motel, you dig? They think we're gonna cut their throat or somethin'. They're scared, man.

George Hanson: They're not scared of you. They're scared of what you represent to 'em.

Billy: Hey, man. All we represent to them, man, is somebody who needs a haircut.

George Hanson: Oh, no. What you represent to them is freedom.

Billy: What the hell is wrong with freedom? That's what it's all about.

George Hanson: Oh, yeah, that's right. That's what's it's all about, all right. But talkin' about it and bein' it, that's two different things. I mean, it's real hard to be free when you are bought and sold in the marketplace. Of course, don't ever tell anybody that they're not free, 'cause then they're gonna get real busy killin' and maimin' to prove to you that they are. Oh, yeah, they're gonna talk to you, and talk to you, and talk to you about individual freedom. But they see a free individual, it's gonna scare 'em.

Billy: Well, it don't make 'em runnin' scared.

George Hanson: No, it makes 'em dangerous. Buh, neh! Neh! Neh! Neh! Swamp!.

Colabora:

Cine, vídeo, música y otros deleites... Durante el fin de semana se dieron cita, en un ambiente distendido, diferentes manifestaciones contemporáneas en torno a la imagen en movimiento y el sonido: cuatro programas de vídeo, dos conciertos, un largo y una mesa redonda acompañados de espacios para el encuentro.

PROGRAMA

VIE 15

Empiezó el fin de semana con un vino para despertar los sentidos. En el vestíbulo del CA2M a las 20:00 h.

20:30 h: presentación y Programa 1 de vídeo. Salón de actos.

SAB 16

Comenzamos el día a las 13:00 h., un buen momento para comenzar a calentar el ambiente en la terraza.

13:30 h. Concierto: The dead rat orchestra. Después del concierto un poco de picoteo y charla al sol de octubre.

16:00 h. Programa 2 de vídeo: Imágenes de la memoria I. Salón de actos. Con la presencia de Vincent Meessen.

Durante toda la tarde, tés y cafés en torno a los que poder encontrarse... para que no se enfriara el ambiente.

17:30 h. To shoot an elephant, Alberto Arce/Mohammad Rujailah. Salón de actos.

19:30 h. Encuentro con el director de To shoot an elephant, Alberto Arce y Miguel Salvatierra. Salón de actos.

20:30 h. Programa 3 de vídeo: Imágenes de la memoria II. Salón de actos. Con la presencia de Fernando Baños.

DOM 17

Despierta el domingo al sol de nuestra terraza desde las 13:00 h.

13:30 h. Anda Jaleo concierto: Josephine Foster & The Victor Herrero Band.

Después del concierto un poco de picoteo y charla al sol de octubre.

16:00 h. Programa 4 de vídeo: La hipótesis del ahora. Salón de actos.

Comenzamos el viernes con un programa comisariado por JULIO plataforma audiovisual para el arte contemporáneo, que tiene raíces en el cine, la música y la teoría. JULIO se publica online en www.thisisjulio.com. El programa que se presentó aquí está compuesto por una serie de trabajos que giran en torno al futuro, creando una tensión entre ficción y realidad.

El sábado por contra, todos los programas miraron al pasado, hacia imágenes de la memoria, (también constructoras de ficciones) y hacia imágenes del olvido. Como afirma Jerôme Laffont en Algèrie, images d’un combat: «El tiempo otorga a las imágenes un extraño destino. Una vez su uso inmediato se ha ido, se convierten inmediatamente en recuerdos. Recuerdos conocidos o recuerdos olvidados en los archivos. Después, un día, algunas de ellas son de nuevo sacadas a la luz, desempolvadas del lugar en el que estaban latentes y reaparecen para que entonces nosotros,recordemos.» A lo largo del día vimos un conjunto de producciones que nos hablaron de las imágenes ocultas a nuestros ojos y expresamente olvidadas o destruidas, pero latentes o bien en el archivo o bien en la memoria. Complementaron los dos programas de vídeo la proyección de la película To shoot an Elephant con la presencia del director Alberto Arce que dialogó con Miguel Salvatierra al término de la proyección.

Y cerraremos el fin de semana con un programa temático comisariado por Fionn Meade, conservador del Sculpture Center de Nueva York, quien seleccióno personales creaciones que arrojan de nuevo una particular mirada hacia las imágenes de la memoria.

La parte musical la completaron dos conciertos que exploraron también el archivo en búsqueda de sonidos del pasado: The Dead Rat Orchestra y las Canciones Populares Españolas recuperadas por Lorca interpretados por Josephine Foster y the Victor Herrero Band. Todo ello acompañado de picoteo, bebida y espacios para la charla y el encuentro.

ARTISTAS

Alberto Arce , Fernando Baños Fidalgo, Yael Bartana, Tatiana Blass,Javier Codesal, Andrés Duque, Josephine Foster & The Victor Herrero Band, Carlos Irijalba, JULIO, Zerek Kempf, Jérôme Laffont, Mia Makela,Augusto Marban, Fionn Meade, Vincent Meessen, Julia Meltzer, Rosalind Nashashibi, Mohammad Rujailah, Miguel Salvatierra, Marinella Senatore, Mary Simpson, Lucy Skaer, Javier Téllez, The Dead Rat Orchestra, David Thorne, Marc Thümmler. Liu Wei,Sarah Wood.

Colabora

CO-PRODUCCIÓN DE LABORAL CENTRO DE ARTE Y CREACIÓN INDUSTRIAL Y CA2M CENTRO DE ARTE DOS DE MAYO

La exposición AUTO. Sueño y materia se completó con este ciclo de road movies en el que se propuso una aproximación a algunos aspectos de la relación entre el cine y el automóvil. Las películas que compusieron el ciclo, más que pretender realizar un repaso general del género, conformaron una propuesta autónoma de análisis que encontró su complemento y su contexto global en la exposición. Si la muestra reflexionaba sobre la cultura del automóvil desde la perspectiva del arte de los últimos años, y lo hacía desde la consideración del coche como el exponente máximo de un periodo productivo y tecnológico que ya vislumbra otras realidades sociales e industriales; este ciclo permitió lanzar una mirada retrospectiva que ilustraba aspectos complementarios respecto a la propia muestra.

El ciclo estuvo compuesto de diversas producciones europeas y norteamericanas reflejo del modo diferenciado en que ambas regiones representan el automóvil. En Estados Unidos la absoluta y rápida adaptabilidad de la producción cinematográfica integra rápidamente el automóvil y despliega el rápido desarrollo de un subgénero como el de la road movie. La carretera, la búsqueda de libertad, la huida, la velocidad o las persecuciones se convierten en elementos y códigos habituales de muchas películas. Por el contrario, en Europa la mirada cinematográfica es considerablemente más crítica y escéptica con respecto al automóvil y su cultura. Si no es habitual en Estados Unidos una película que aborde de un modo crítico los problemas derivados del automóvil, en Europa, en cambio, este es preferentemente el síntoma y el signo de la inadecuada evolución de nuestra sociedad:  alienación, violencia, problemas urbanos o deshumanización. La crítica a la cultura del automóvil es aquí la manifestación de un desacuerdo que abarca al conjunto de la sociedad. Junto a las producciones cinematográficas propiamente dichas, presentamos también otras road movies de carácter más experimental o ensayístico, que muestran a su vez, entre otros aspectos, tanto la extensión y adaptabilidad del propio concepto de road movie como sus mecanismos de construcción. Se trata de obras como las de Sophie Calle o Chip Lord en las que los aspectos autobiográficos, identitarios o culturales cobran mayor relevancia.

Alberto Martín
Comisario de la exposición Auto. Sueño y materia

VIE 23 OCT 20:30 H.
Weekend. Jean-Luc Godard. 1967, V.O.S., francés. 105 min.
En esta película Godard contempla el conjunto social como un enfermo necesitado de soluciones radicales. Un matrimonio burgués planea un viaje desde París hasta la finca del enfermo padre de la esposa con la única intención de asegurarse la herencia. El viaje en coche por carretera estará repleto de imprevistos, atascos, accidentes y personajes excéntricos. Los acontecimientos hacen que el film acabe convirtiéndose en una serie de viñetas en las que surgen figuras extraídas de la literatura, la historia y la lucha social; no falto de sentido del humor, para Godard un accidente entre un Triumph y un tractor es una buena excusa para tratar la lucha de clases.

VIE 30 OCT 20:30 H.
Night on Earth. Jim Jarmusch. 1991, V.O.S., inglés. 129 min.
Cinco historias se desarrollan simultáneamente y de forma independiente durante una noche en diferentes ciudades del mundo: Los Ángeles, Nueva York, Paris, Roma y Helsinki. Cada historia trata sobre la relación que entabla un taxista local y sus pasajeros. Trayectos en los que suceden diversos acontecimientos que van de lo cómico en unas ocasiones a lo dramático otras veces.

VIE 6 NOV 20:30 H.
Trafic. Jacques Tati. 1971, V.O.S. francés. 96 min.
El señor Hulot es diseñador en Altra, una pequeña sociedad parisina dedicada a la fabricación de automóviles. Con motivo del Salón Internacional de Automóviles celebrado en Ámsterdam, el señor Hulot emprende su viaje en el nuevo Renault 4 dotado con numerosos artilugios de su invención. El viaje se encuentra jalonado de obstáculos, contratiempos y catástrofes: atascos, averías y accidentes no son más que ejemplos de todo lo que puede suceder en un viaje. Una película en la que Tati denuncia con claridad pero sin perder el sentido del humor, el obstáculo que la tecnología representa para el hombre, anulando su humanidad y convirtiéndolo en una máquina más.

VIE 13 NOV 20:30 H.
Paris, Texas. Wim Wenders. 1984, V.O.S. inglés. 147 min.
Cerca de la frontera mexicana en Texas un hombre que padece de amnesia aparece en el desierto. Después de varios días caminando bajo el sol se desploma y es llevado a un centro de salud donde se descubre su identidad y que lleva desaparecido cuatro años. Al conocer su aparición, su hermano lo recoge y lo lleva hacia su hogar en Los Ángeles. Ambos inician un viaje que les conducirá a descubrir sus raíces familiares y un entramado de relaciones personales.

VIE 27 NOV 20:30 H.
No Sex last night (Double-Blind). Sophie Calle. 1992, V.O.S. inglés. 75 min.
En esta road movie la artista Sophie Calle narra el viaje en que junto a su compañero Grez Shepard cruzó de costa a costa los EEUU. En este viaje cada uno lleva consigo una cámara con la que graba aquello que le llama la atención y deja constancia de sus pensamientos y frustraciones durante el viaje, reflexionando sobre la condición humana. Una road movie plagada de no lugares en la que poco a poco vemos cómo los protagonistas se distancian. Un tercer personaje, el coche, participa activamente durante toda la película importunando el viaje pese a ser el hábitat común de Sophie y Greg. Imágenes caseras con planos aparentemente descuidados, reflexiones sobre la condición humana y de pareja y un montaje exquisito hacen que esta película sea tan extraña como atractiva.

VIE 4 DIC 20:30 H.
Motorist. Chip Lord. 1989, V.O.S. inglés. 70 min.
El automóvil como icono norteamericano es un tema que siempre ha fascinado a Chip Lord. En este film rinde homenaje a la cultura del consumo de las décadas de los cincuenta y sesenta en Norteamérica, una road movie que sigue el viaje de un Ford Thunderbird de 1962 a Los Ángeles. El conductor nos narra en un monólogo intercalado de forma satírica con imágenes de anuncios y películas de la década de los 50 lo que para él significa el coche: una promesa de libertad y evasión. En realidad, el motorista viaja por una carretera a lo largo de poblaciones lamentables y parque temáticos imposibles que contrastan con la memoria nostálgica de su infancia.

VIE 11 DIC 20:30 H.
El diablo sobre ruedas. Duel. Steven Spielberg. 1971, V.O.S. inglés. 90 min.
El diablo sobre ruedas es una de las películas más representativas de aquellas en las que un vehículo se transforma en amenaza. Pero la amenaza efectivamente alcanza un carácter metafórico, una atmósfera de pesadilla que alude y afecta a la naturaleza y al instinto de supervivencia del propio protagonista, un agente comercial que conduce su vehículo y es acosado por un camión. Un camión que es tratado fílmicamente para acentuar su carácter agresivo y casi monstruoso, hasta el punto de que quien parece amenazar no es el conductor sino el propio vehículo. Esta “humanización” del camión provoca que lo lleguemos a ver dotado de instintos y voluntad.

VIE 18 DIC 20:30 H.
Pequeña Miss Sunshine. Little Miss Sunshine. Jonathan Dayton y Valerie Faris, 2006, V.O.S., inglés. 101 min.
Los Hoover son una familia conflictiva: el abuelo esnifa cocaína, el padre da cursos sobre el éxito con estrepitoso fracaso, la madre no da abasto, el tío se recupera de un suicidio frustrado, el hijo adolescente se niega a hablar, y la hija pequeña, Olive, gafotas y ligeramente gordinflona, quiere ser una belleza. Cuando un golpe de suerte lleva a Olive a participar en el concurso de ‘Pequeña Miss Sunshine’ en California, toda la familia se une para ir con ella. Se apilan en su oxidada furgoneta Volkswagen y se dirigen hacia el Oeste en un trágicómico periplo de tres días lleno de sorpresas que les lleva al gran debut de Olive, el cual cambiará a esta familia de inadaptados de una forma que nunca hubieran imaginado.

VIE 20 FEB "Om Shanti Om" Farah Khan
SAB 21 FEB "Parineeta" Pradeep Sarkar

El CA2M ofreció una visión de la India popular desde el cine. Dos producciones al más puro estilo Bollywood que nos habló de la industria cinematográfica india en sus tramas argumentales

Coincidiendo con la celebración de ARCO, con India como pais invitado, y la exposición Cultura popular India y Mas Allá. Los cismas (emergentes) jamas contados en la sala Alcalá 31 de la Comunidad de Madrid, el CA2M ofreció una visión de la India popular desde el cine. Dos producciones al mas puro estilo Bollywood que nos hablaron de la industria cinematográfica india en sus tramas argumentales.

PROGRAMA

VIE 20 FEB
Om Shanti Om, de Farah Khan
India - 2007 - 35 mm, 168 min.Director: Farah Khan

Guión: Farah Khan.

Música: Vishal Dadlani, Shekhar Ravjiani, Pyarelal Ramprasad, Sharma.

Producción: Red Chillies Entertainment.

Intérpretes: Shahrukh Khan, Deepika Padukone, Arjun Rampal, Shreyas

Talpade, Satish Shah, Kirron Kher.

Llega la magia y el colorido del Bollywood más auténtico de la mano de Farah Khan. La realizadora, bien conocida por su talento como coreógrafa, presentó su segunda película, protagonizada por la estrella indiscutible del firmamento Bollywood, Shah Rukh Khan, y por una nueva cara, Deepika Padukone, en los papeles protagonistas. Om Shanti Om es un homenaje a la exultante época dorada del cine de Bollywood, con una historia que comienza en los años 70.

Om Prakash, un actor de tres al cuarto, conoce a una estrella de cine de Bollywood de la que está enamorado. Por desgracia, no estarán destinados a vivir su amor en esa vida, pues Om fallece en el curso de una reyerta. La historia se transporta entonces al presente, donde Om Prakash se reencarna en la figura de Om Kappor, ¡la superestrella de Bollywood de 2007! La película hace un repaso a la historia del cine popular indio con un impagable torrente de recursos visuales, donde las mayores estrellas de Bollywood del momento hacen cameos en el cumpleaños del protagonista, lo que sin duda ha revertido en el éxito de la película, que ha conseguido la mayor recaudación en el primer fin de semana de la historia del cine de la India.

SAB 21 FEB
Parineeta, de Pradeep Sarkar.
Director Pradeep Sarkar. India, color, 35mm. 130 min.

Guión: Vidhu Vinod Chopra.

Producción: Vidhu Vinod Chopra.

Música: Shantanu Moitra. Letra: Swanand Kirkire.

Intérpretes: Raima Sen, Saif Ali Khan, Sanjay Dutt, Vidya Bala.

Cuando una película está basada en un clásico literario, al menos se parte de una buena base. El cineasta sabe que tiene entre manos un tema con legiones de espectadores. Pero al mismo tiempo tiene ante sí el reto de destilar en la pantalla emociones escritas con virtuosismo. Pradeep Sarkar lo consigue. ¡Y de qué manera! Se ha tomado la libertad de traspasar el escenario de su ópera prima Parineeta, del escritor Saratchandra Chatterjee (autor de Devdas), de la Calcuta de 1913 a la vibrante y sofocante Calcuta de 1962. Pero supera el reto de desplegar las páginas del clásico en vívidas imágenes en la pantalla, sin restar un ápice de sutileza emocional a la historia y sus personajes. Shekhar (el ídolo Saif Ali Khan), hijo de un adinerado empresario, y Lolita (radiante Vidya Balan), huérfana que vive con la familia de su tío, son vecinos y amigos desde la infancia que no reconocen el intenso amor que les une hasta que un empresario de Londres llega y crea un triángulo amoroso. Un retorno refrescante al romanticismo del pasado, Parineeta es un viaje desenfrenado e irresistible en el más puro estilo Bollywood.

Cine, vídeo, música y otros deleites... Durante todo el fin de semana, desde el viernes 20 al domingo 22 de noviembre el Museo CA2M Centro de Arte Dos de Mayo se convirtió en el espacio en que se dieron cita, en un ambiente distendido diferentes manifestaciones contemporáneas en torno a la imagen en movimiento y el sonido: cuatro programas de vídeo, tres conciertos y un largometraje acompañados de espacios para el encuentro.

PROGRAMA

VIE 20. Vestíbulo del Museo CA2M

• 20:00 h: un vino para despertar los sentidos al fin de semana 
• 20:30 h: presentación del OFFMÓSTOLES09

PROGRAMA 1. Salón de Actos

• 21:30 h: y para cerrar el primer día OFF, el estreno de La Zona, concierto de Tadeo

SAB 21

• 13:00 h: un buen momento para tomarse un aperitivo en nuestra terraza y comenzar el día.
• 13:30 h: concierto: Pierre Bastien. Terraza del CA2M
• 14:30 h: picoteo y charla al sol de noviembre en la terraza
• 16:00 h: PROGRAMA 2. Salón de Actos

Durante toda la tarde, tés, cafés y pastas en torno a los que poder hablar… para que no se enfríe el ambiente

• 17:30 h: PROGRAMA 3. Salón de Actos
• 19:00 h: Les plages d’Agnès, Agnès Varda. Salón de Actos

DOM 22

• 13:00 h: despiértate el domingo al sol de nuestra terraza.
• 13:30 h: concierto de Kammerflimmer Kollektief. Terraza del CA2M.
• 14:30 h: picoteo y charla al sol de noviembre
• 16:00 h: PROGRAMA 4. Salón de Actos

INFORMACIÓN COMPLEMENTARIA

Los cuatro programas de cortos presentaron un variado conjunto de la creación reciente en vídeo. Los programas 1 y 3 fueron comisariados por el CA2M y recogieron algunas creaciones exhibidas durante los últimos años en festivales y exposiciones internacionales. A pesar de que estos programas no respondían a un planteamiento temático, las piezas que se presentaron compartieron muchos puntos de conexión, tanto en los asuntos tratados como en los aspectos formales, quizás porque eran un reflejo de las preocupaciones que ocupan a la mayoría de artistas representados, todos ellos nacidos después de la década de los 70.

El fin de semana contó también con un programa comisariado por el colectivo madrileño Playtime audiovisuales (programa 2) que recogió algu nas de las últimas producciones nacionales en la periferia del cine comercial; producciones de autor con marcado carácter independiente que estaban a camino entre el documental, la ficción y la videocreación. Este programa recogió una selección de artistas españoles emergentes que con sus obras intentaban romper fronteras entre formatos, soportes y también espacios de exhibición. Se cerró el fin de semana con un programa temático de corte más experimental comisariado por Xavier García Baldón: El paisaje del hombre en el que se suceden paisajes reales y soñados, utópicos y apocalípticos, desiertos o habitados, primitivos, mediáticos, naturales o humanos. El arte del paisaje en nueve filmes y vídeos recientes, entre postales mandados des de la prehistoria, cuadros de otros mundos, escenas humanas y visiones de videojuegos.

Asimismo se presentó por primera vez en Madrid la última película de la gran dama del cine de autor francés Agnès Varda "Les Plages d'Agnès".

La parte musical del fin de semana la completaron tres conciertos que nos acercaron a la magia del directo desde posiciones muy diversas: la electrónica como acompañamiento sonoro del cine, la mecánica aplicada a la creación musical y una aproximación al jazz desde una óptica nada ortodoxa… de la mano de Tadeo, Pierre Bastien y Kammerflimmer Kollektief respectivamente. Todo ello acompañado de picoteo, bebida y espacios para la charla y el encuentro.

ARTISTAS: Peggy Ahwesh, Pierre Bastien, Alex Brendemühl, Carlos Casas, Luis Cerveró, Chris Chong Chan Fui, Anouk de Clercq, Aitor Equeverría, Félix Fernández, Fernando Franco, Beatrice Gibson, Stephen Gray, John Hey, Kammerflimmerkollektief, Pablo Lamar, Adam Leech, Vicent Meessen, Michael Morley, Jacco Olivier, Pedro Ortuño, Manuel Padding, Enrique Piñuel, Elodie Pong, Michael Robinson, Rogelio Sastre, Tadeo, Mike Tamney, Agnés Varda, César Velasco Broca.

Bajo el título Las películas de, nos reunimos para ver la obra de artistas que utilizan lo audiovisual para hablar del ahora. No existe una temática que hile las sesiones, más bien hay una urgencia de entender lo que nos rodea y nos atraviesa diariamente en calidad de habitantes del tecnocapitalismo. Existe también en esta propuesta una intención de romper con la idea de retrospectiva como máximo reconocimiento a una carrera artística de larga trayectoria. No importa la edad de la invitada, los años que lleve trabajando, ni el número de películas que haya realizado. Lo que nos interesa es que comparta con nosotras su proceso, sus primeras y últimas películas, sus dudas y formas de hacer.

3 FEBRERO 17:30

Las películas de Jorge Suárez-Quiñones y Guillermo Pozo
Con la presencia de Jorge Suárez-Quiñones y Guillermo Pozo

Yohei. 63’. 2015.
Amijima. 54’ 55’’. 2016.
Gimcheoul. 97’. 2018.

Desde 2014, año en el que comenzaron a ser pareja artística y sentimental, Jorge y Guillermo se buscan en imágenes y sonidos. Sus películas son viajes atravesados, diarios propios y ajenos repletos de párrafos repetidos y hojas en blanco. El cuerpo de Guillermo, siempre delante de la cámara, es más contenedor que personaje, a veces se convierte en gesto, otras lo posee Jorge y entonces no sabemos quién o qué nos habla. A ambos, y a eso que crean, les gusta acariciar plantas, mojarse las manos e invocar fantasmas. Los tres largometrajes que han realizado hasta el momento (y que podrán verse por primera vez juntos en la misma sesión), nos invitan a sentir la forma, a romper la causalidad propia del cine narrativo y a encontrarnos/les en la fisicidad de la luz y los fonemas.

10 FEBRERO 18:30

Las películas de Mar Reykjavik
Con la presencia de Mar Reykjavik

My body the rules. 13’. 2017.
El Verí. 35’. 2018.
WAAITT. 15’. 2018.

La imagen como posibilidad, el píxel hecho carne, piedra y tronco. Veneno. Las películas de Mar Reykjavik nos hablan de lo que no se ve, de los entremedias y la potencia de generar nuevos significados aniquilando la imagen. Dice que “el veneno no mata pero contempla la muerte en las cosas para otorgarles nuevas acepciones”. Así, los cuerpos devienen soportes metálicos y atriles, las piedras anclajes emocionales. Hay en su obra cierta obsesión por acuerpar lo digital, como un deseo de colapsar tiempos, lugares y materias en busca de la imagen total. Una representación imitable por todxs; personas, objetos, animales y aquello que respira entre lo uno y lo otro. A veces sus películas se proyectan, pero casi siempre se mueven y se performan. Esta vez convivirán en el mismo espacio tres de ellas y serán nuestros cuerpos los que se muevan para verlas en un recorrido a tiempos guiado, suspendido por momentos.

17 FEBRERO 18:30

Las películas de Laura Huertas-Millán
Con la presencia de Laura Huertas-Millán

Laberinto. 21’. 2018.
Jenny 303. 6’. 2018.
Aequador. 19’. 2012.
Journey to a land otherwise known.23’. 2011.

El Cine, con mayúsculas, ha hablado mucho de paisaje, sometiéndolo a lo largo de la Historia al sentir romántico y a la ideología de quien lo graba. Muchas veces, casi siempre, el sujeto que está tras la cámara es un hombre cis, blanco, heterosexual y de clase media. Es decir, la representación de nuestro entorno y del lugar-otro, de aquellos paisajes lejanos espacial y culturalmente a nuestra cotidianidad, pertenece al poder. Es en este marco donde las películas de Laura Huertas-Millán nos salvan. Encontramos en ellas multitud de fisuras a este sistema representacional hegemónico. Se trata de rupturas materiales y conceptuales, incluso temporales. Las ruinas y la arquitectura virtual son algunas de las herramientas que Huertas-Millán utiliza para agujerear la Historia, romperla y dejar espacio a otros relatos sistemáticamente borrados.

24 FEBRERO 17:00

Elisabeth Price dará una conferencia previa con motivo de su exposición The Woolworths Choir of 1979

Las películas de Mario Pfeifer
Con la presencia de Mario Pfeifer

Untitled [“Two Guys”]. 8’. 2008.
Again. 41’ 39’’. 2018.

A la primera y a la última película de Mario Pfeifer les separan 10 años. Ambas nos hablan de poder y representación en la Europa contemporánea, aunque las turbulencias sociales y políticas acaecidas durante la última década han bastado para que el lenguaje de Pfeifer se haya hecho necesariamente más explícito, para que sus imágenes pongan nombres y apellidos a la xenofobia y violencia ejercida por occidente de manera sistemática en sus fronteras, medios de comunicación y campos de refugiados. De la implicación política de los gestos, su agencia y reproducción, al reeanactment y la puesta en escena basada en hechos reales. La obra de Pfeifer analiza con precisión estética y narrativa los movimientos migratorios y la crisis de refugiados en Alemania, desvelando las tecnologías mediáticas y la necropolítica de los vencedores.