Actividad

En el marco de la exposición:  Adrian Schindler et collab. Tetuan, Tetuán, تطوان  en el Museo CA2M, Mamoun El Bied propone un paisaje sonoro inmersivo centrado en la composición electroacústica en torno a la voz. La intervención concibe lo sonoro no solo como vehículo narrativo, sino como materia escultórica y territorio político de memoria, fricción y desplazamiento.

A partir de una identidad plurilingüe (darija, castellano y francés) atravesada por el poso colonial en Marruecos —entendida no como elección, sino como un determinismo histórico y personal—, el artista despliega un paisaje sonoro multilingüe. Esta polifonía entabla un diálogo directo con el despliegue expositivo y la arquitectura de la exposición, así como con la investigación y el trabajo fílmico de Schindler en torno a las huellas, sombras y omisiones del pasado colonial español en Marruecos.

Mediante un set en directo que articula procesamiento vocal en tiempo real, bucles, síntesis y texturas, la voz —fragmentada, murmurada o multiplicada— se entrelaza con paisajes abstractos y grabaciones de campo. El espacio se convierte así en un organismo resonante donde el sonido y la palabra expanden, tensionan y habitan las capas del archivo, la instalación espacial y el territorio.

La performance será precedida de un recorrido guiado a tres voces entre el artista Adrian Schindler y los comisarios Jesús Alcaide y Nouha Ben Yebdri.

Mamoun El Bied (Rabat, 1995), conocido artísticamente como findPeaks, es un artista sonoro, DJ y performer marroquí. Su práctica artística transita entre la investigación electroacústica en directo y la exploración sonora a través de la mezcla híbrida DJ. Su obra se articula en torno a la modulación de la voz, la poesía hablada, la electrónica de vanguardia, los paisajes sonoros inmersivos y el uso de grabaciones de campo, integrando síntesis de hardware y elementos orgánicos. Desde 2021 mantiene una residencia radiofónica en Radio Relativa, donde ha producido y emitido más de 25 episodios dedicados a la investigación sonora y la música experimental.

Ha llevado sus directos y activaciones a espacios de referencia e instituciones como el Museo del Prado, Matadero Madrid, La Casa Encendida, el festival Non-Frequenze (Turín) o el Dantz Network Congress (San Sebastián), además de desarrollar residencias artísticas de investigación sonora en enclaves como Can Serrat.

Adrian Schindler (1989, Périgueux, Francia) vive y trabaja actualmente en Marsella, tras pasar una década en España. Su trabajo ha sido expuesto individualmente en instituciones y espacios independientes como Centre d’art Le Lait, Albi, Francia (2025), Mahal Art Space, Tánger (2025), La Casa Encendida, Madrid (2023) y The Green Parrot, Barcelona (2021), así como colectivamente en Late Idea Dice, Madrid (2024), Collection Lambert, Aviñón (2022), Fundación Sandretto Re Rebaudengo, Madrid (2022), MACBA, Barcelona (2021), La Grande Halle de La Villette, París (2018) y La Capella, Barcelona (2017), entre otros. Sus películas se proyectaron en festivales y instituciones como BIENALSUR, MACCO, Oaxaca (2025), Cinémathèque de Tanger (2025), Art Explora Festival, Tánger y Málaga (2024), The Institute for Endotic Research, Berlín (2024), Filmoteca de Andalucía, Córdoba (2023), Cineteca, Madrid (2022) y FID, Marseille (2021). También ha presentado performances, charlas y encuentros públicos en Empathy & Risk, Londres (2022), Fabra i Coats Centre d'Art Contemporani de Barcelona (2021), Espositivo, Madrid (2021), FRAC Champagne-Ardenne, Reims (2017) y Ludwig Forum, Aquisgrán, Alemania (2014).

Entre las residencias en las que ha participado destacan Bulegoa, Bilbao (2025), Darat al Funun, Amman (2024), SOMA, Ciudad de México (2024), UNIDEE Residency Programs at Cittadellarte, Biella, Italia (2023), Matadero Madrid (2022), Casa de Velázquez, Madrid (2020-2021), Château Nour, Bruselas (2020), Le Centquatre, París (2014-2015) y ZK/U, Berlín (2012-2013). Tiene un MA del Institute for Art in Context – UdK Berlin, un MFA de la École des Beaux-Arts de Paris y estudió performance en el Columbia College y la School of the Art Institute of Chicago.

Jesús Alcaide (Córdoba, 1977) es investigador, crítico de arte, editor y curador independiente. Desarrolla sus investigaciones y trabajos curatoriales en diferentes territorios de las prácticas artísticas contemporáneas.

Entre las exposiciones y proyectos que ha comisariado destacan Rock My Illusion (Fundación Botí, Córdoba, 2007), Dutch Play: Nuevos lenguajes audiovisuales en la colección del Netherlands Media Art Institute (I+CAS, 2010), Mario Montez. It’s Wonderful (El Palomar, 2014), Los nombres del Padre (Centro de arte Pepe Espaliú, 2013), Agustín Parejo School (CAAC, 2016), Disfonías (Centro Párraga, 2016), Teorema (Espai Tactel, 2017), In ictu oculi (Artnueve, 2017), Animal mirror (Scan, London, 2017), Itziar Okariz. Una construcción...(CA2M, 2017), Pepe Espaliú. Barcelona-Hospitalet. Tres temps (Tecla Sala, 2018), Pepe Espaliú. En estos veinticinco años (García Galería, 2018), Back to school (Fundación Botí, 2018), WB. Aquí están los no muertos (Sant Andreu Contemporani, 2018), Oh Monstruo¡ Edu Hurtado (Centre del Carmen, Valencia, 2019), Verde Chroma. Christian Lagata (Centro Párraga, Murcia, 2019), María Cañas (Tea Tenerife, 2019), Pepe Espaliú/Juan Muñoz-Correspondencias (Sala Verónicas, 2019), Mia anima nera (Blueproject Foundation, 2019), Vivir-Juntos. Una puesta en común de las distancias (C3A, 2020), Pepe Espaliú. Retrato(s) de un artista (Centro de arte Pepe Espaliú, 2021), Réplica. Al revés (Artnueve, 2021), Error de cálculo (Fundación Botí de artes plásticas, 2022), Olas-Ones-Waves (Casal Solleric, Palma, 2023) o Sida. Una historia silenciada en el contexto balear (Es Baluard, Palma, 2024).

También ha sido director artístico de proyectos como Hipertexto (2006-2009) y Textropías (2011), así como co-director del curso de verano Jaque a la institución. Nuevos modelos de producción contemporánea (UNIA, 2015), del ciclo (Un)titled. Experiencias curatoriales (La Térmica, Málaga, 2019) y de las XXVII Jornadas de estudio de la imagen (Dance this mess around) en 2022 en el CA2M.

Entre el 2010 y 2011 dirigió el I+CAS.Centro experimental y Tecnológico para la Cultura y las Artes de Sevilla y desde el 2014 trabaja en el equipo de La Fragua para proyectos como CoMbO (2014-2016) y Plata (2021-a la actualidad).

También ha trabajado en ferias de arte como ARCO, como comisario de proyectos para el IEB (Réplica. Tour de force. Joan Morey, 2022) o la galería Artnueve, así como en ESTAMPA, en cuya edición de 2025 ha sido comisario de la sección ENSAYO FUTURO dedicada a visualizar los cambios y transformaciones que en el mundo del arte están llevando a cabo galerías jóvenes y otros modelos de gestión de las manifestaciones artísticas contemporáneas.

En su labor como editor, publicó en 2018 una selección crítica de los textos del artista Pepe Espaliú, “La imposible verdad. Textos 1987-1993” (La Bella Varsovia, 2018) y en 2021 fue co-traductor del libro “Maricas y sus amigas entre revoluciones” de Larry Mitchell, un clásico de la literatura queer norteamericana publicado por Consonni.

Nouha Ben Yebdri es curadora independiente, gestora cultural, fundadora y directora de la asociación y espacio MAHAL. Su práctica curatorial se centra en la reflexión y creación de proyectos entorno a cuestiones relacionadas con el desarrollo de espacios artísticos, los procedimientos de institucionalización, los protocolos de mediación, el impacto que estos espacios tienen en su entorno; así como el estudio de los factores contextuales que influyen en la concepción de los términos y dinámicas que se despliegan a través de estos procesos y lugares. Estos esfuerzos se vehiculizan y ponen en práctica a través de la programación del espacio independiente Mahal y de Pedagogías silentes, un programa que cuestiona los currículos de formación artística en Marruecos y analiza la relación de los espacios de arte con los diferentes públicos que acoge y con los que trabaja.

De 2015 a 2020, Nouha Ben Yebdri ha sido miembro activa de MADRASSA, un colectivo de curadoras e investigadoras, cuya práctica concibe la organización de exposiciones como una actividad investigadora y crítica, experimentando prácticas colectivas y colaboraciones transfronterizas como método de resistencia y confrontación a las dificultades que entraña la creación artística en las regiones de procedencia de sus miembros (Líbano, Palestina, Camerún, Egipto y Marruecos).

¿Qué sueñan veinte personas que duermen dentro? Queremos sincronizar tres metabolismos: el del edificio, el del cielo y el de nuestros cuerpos, y saber qué ocurre cuando todo sucede a la vez en el museo.

El Museo CA2M funciona de día y de noche. De noche hay seguridad y videovigilancia, y de día se turnan limpieza y mantenimiento. El cielo de Móstoles sigue su recorrido: esa noche la luna sale a las 20:52, Júpiter y Marte salen a las 00:16 y el sol sale a las 8:19. Nuestros cuerpos tienen su ritmo de sueño y vigilia. Durante aproximadamente 24 horas intentaremos que los tres coincidan.

Entre las 19:00 del viernes 27 y las 17:00 del sábado 28 de noviembre dormiremos en el Museo para soñar lo mismo.

Un taller para aprender a escribir un cuento
La experiencia arranca con un taller del escritor y editor Juan Gallego Benot, que nos enseñará a escribir un cuento inspirado en un sueño sugestionado y compartido. Después conversaremos sobre cómo se induce un sueño colectivo y escribiremos por parejas: serán diez cuentos en total.

Dormir en el museo
Con los diez cuentos escritos, construiremos entre todas una lámpara para ambientar el lugar donde vamos a dormir. Cenaremos, haremos el skincare, tomaremos una infusión y veremos películas, mientras la luz baja poco a poco y concentramos los pensamientos en el sueño común. Dormiremos en las salas. Se requiere ropa cómoda y saco de dormir.

El sábado
Al despertar analizaremos los sueños a través de diferentes métodos artísticos y científicos en colaboración con grupos de investigación académicos. Después del desayuno, unos juegos y talleres nos servirán para fabular sobre los metabolismos hasta que de diez cuentos salga uno. Tras la comida, la siesta y la segunda merienda leeremos el cuento definitivo. Ese cuento tiene un destino: será el cuaderno educativo con el que el Museo CA2M cuenta su programa de educación. Soñar el museo es la manera de poder contarlo.

Quién induce este sueño
La cuarta piel es una comunidad de prácticas que vincula procesos participativos con el cuidado del entorno. La forman arquitectas, investigadoras, escritoras, ceramistas, productoras, joyeras y artistas. Crea situaciones que acercan a escala humana las relaciones ecológicas de los procesos que sostienen la vida en las ciudades y facilita la comunicación entre saberes, especies y territorios

Este otoño agarramos la mochila y nos vamos a caminar al campo. Despacio, buscamos especies, especies de espacios, estados, estadíos, maneras de estar.

Arrojaremos una mirada atenta al paisaje para diseccionar las capas que lo componen. Luego trabajaremos sobre la información cosechada, encontraremos patrones y germinaremos un plan de acción. ¿Cómo se cartografía lo sensible? ¿Cómo queremos vincularnos con nuestros paisajes?

En el Club de Paseo caminaremos por el placer de caminar. Prestaremos atención a aquello que suele pasar desapercibido y dejaremos que el paisaje dialogue con nuestras propias historias, nuestros recuerdos y nuestras formas de mirar.

Nos interesa el encuentro entre la naturaleza y la experiencia, entre lo que vemos y lo que imaginamos. Compartir el tiempo de la caminata, detenernos, conversar, observar o simplemente estar juntas.

El Laboratorio de abundancias es una exploración del eco-optimismo, el disfrute de los procesos y la emancipación del deseo en gerundio. Una reconciliación entre la abundancia y el futuro.

PROGRAMA

Recolectar un paseo. Domingo 13 de diciembre 10:00-14:00

Este paseo comienza en el Museo CA2M, donde subiremos a un autobús que nos llevará al Monte de Batres. Con una serie de mapas y pautas que orienten la mirada, registraremos paisajes atomizados por distintos caminos. Cuando volvamos al punto de encuentro, haremos una puesta en común en torno a un picnic. El paseo acaba de vuelta en el Museo CA2M, donde el autobús nos dejará a las 14:00.

Recuerda traer calzado cómodo, agua, auriculares y el móvil cargado con batería.

Germinar un paseo. Viernes 18 de diciembre 17:30-20:00

Encauzadas por unas breves lecturas durante la semana, nos volveremos a encontrar en el Museo CA2M para una sesión de trabajo sobre el paseo. Trabajando con los mapas y elementos recolectados en la primera sesión, leeremos entre líneas el carácter de nuestros paisajes y sembraremos un plan de acción, caminos y paisajes más allá del subjuntivo.

Este bello programa está pensado y acompañado con mucho amor por Xisela García y Marina Viñarás.

Xisela Garcia Moure es formadora en agroecología, permacultura y técnicas especializadas en huertos urbanos y alimentación sostenible. Miembro activo del Instituto de Transición Rompe el Círculo y coordinadora del Huerto en la Terraza del Museo CA2M desde 2013.

Marina Viñarás Germano orbita el paisaje, la agricultura, los jardines y un cuaderno. Actualmente aterriza en el colectivo donde continúan las cosas y el Laboratorio de abundancias, desde donde explora nuevas formas de relación con el territorio.

Los domingos visitaremos la exposición El listado, de Fátima Moreno y Nadia Barkate. Comenzaremos con un recorrido por sus salas, deteniéndonos en una selección de obras que, en cada sesión, nos servirán como punto de partida para abrir un espacio de exploración y creación.

A través de ellas nos acercaremos a algunas de las cuestiones presentes en el trabajo de las artistas para llevarlas después al papel, cruzándolas con nuestras propias experiencias. Experimentaremos con propuestas en las que el lápiz será una herramienta para pensar, imaginar, jugar y descubrir nuevas formas de relacionarnos con las imágenes, con el cuerpo y con aquello que aparece mientras creamos.

Un lugar para acercarnos a las imágenes con los ojos, pero también con las manos, la escucha, las ideas y las historias. Un espacio donde sembrar líneas, coleccionar borrones, seguir el ritmo de nuestro pulso, trazar constelaciones y cazar pensamientos para llevarlos al papel.

Este es un club abierto a todo el mundo, tenga o no experiencia dibujando. Se trata de disfrutar del placer de trazar, observar y dejarse llevar por lo que ocurre sobre el papel. Aquí caben todos los dibujos y todas las manos; los trazos firmes, los torcidos, los rápidos, los lentos y también los temblorosos.

Puedes incorporarte al club cuando quieras: cada encuentro, como cada trazo, será diferente.

Fechas y horario: domingos de 12:00 a 13:30

• 8, 15, 22 y 29 de noviembre
• 6, 13, 20 y 27 de diciembre 

No es necesario inscripción previa, basta llegar unos minutos antes del inicio de la actividad al mostrador de recepción del Museo.

Impartido por Eva Garrido del Saz. Por un lado, desarrolla proyectos colectivos entre el arte y la educación que buscan, desde la práctica artística, otras formas de hacer y vivenciar las cosas. Acercando el cuerpo y la acción a diferentes situaciones, lenguajes y materiales, se propone convocar las preguntas que puedan conducirnos hacia otras formas de ser y estar más amables. Por otro lado, como no puede seguir el ritmo de los tiempos, prefiere prestar atención a lo que sucede alrededor de su casa, dibujando, escribiendo y caminando con sus perras.

Durante los meses de noviembre y diciembre, las artistas y comisarias de la exposición El listado, Nadia Barkate y Fátima Moreno, te acompañarán en una charla-recorrido por la muestra, estableciendo un diálogo entre sus obras y las piezas seleccionadas de las colecciones del Museo Centro de Arte Dos de Mayo y la Fundación ARCO.

CÓMO CONTAR LO QUE YA SE MUESTRA, con Nadia Barkate. Jueves 12 de noviembre a las 18:30

En esta conversación a modo de visita a El Listado, nos tomaremos un tiempo para mirar multitud de dibujos. Tratar con ellos supondrá generar algún malentendido, aunque también servirá para dilatar la experiencia. Probablemente, nuestra percepción distorsione el sentido original de esas piezas. Será confuso, como intentar hacer coincidir una imagen y una palabra que están en lugares opuestos. Habrá que confiar en que un hemisferio del cerebro pueda proporcionarle al otro la información que no está a su alcance.

COGER UN PEZ CON LAS MANOS, con Fátima Moreno. Sábado 28 de noviembre a las 18:00

“Reconocer el dibujo fuera del papel. La búsqueda. Indagar en lo que sucede antes del trazo y en el origen mismo del gesto. «Coger un pez con las manos», frase tomada del título de uno de mis dibujos de cuaderno, da nombre a un paseo dialogado por la exposición”. Esta actividad busca articular y conectar las reflexiones sobre el dibujo que han acompañado el proyecto desde sus inicios, ofreciendo una mirada más cercana al proceso creativo.

Inscripción previa en el 91 276 02 21 o en el correo electrónico ca2m@madrid.org

El artista Antonio Ballester Moreno desvelará lo más destacado de su práctica artística en un recorrido por su muestra El cielo y la tierra.

A través de esta visita se podrá conocer más de cerca las ideas, formas de trabajo y el proceso participativo que ha llevado a cabo para establecer un diálogo entre su propia obra y las piezas de la colección del Museo CA2M presentes en esta exposición.

Una oportunidad para acercarse a la muestra desde la mirada y la voz de su propio autor.

Antonio Ballester Moreno

Entiende el arte como un gesto educativo, no como una expresión. Partiendo de esta idea, ha trabajado sobre el paisaje y el contexto como parte de nuestra propia identidad y formación. La Institución Libre de Enseñanza y los movimientos culturales de finales del siglo XIX y principios del XX son una referencia importante en su trabajo por el vínculo que tuvieron en relación a estas ideas.

Ha realizado exposiciones en Patio Herreriano de Valladolid, usando el archivo pedagógico del escultor Ángel Ferrán en conjunción con su propio trabajo. En Artium Museoa  de Vitoria trató el tema de la educación desde el juego y la motricidad. Y en la Fundación Cerezales Antonino y Cinia en León trazó un recorrido histórico a través de los artistas que participaron en los movimientos regeneracionistas hasta la Escuela de Vallecas. También es importante su participación en la 33 bienal de São Paulo como artista y comisario, donde puso de manifiesto todas estas ideas basadas en la continuidad entre la experiencia estética y los procesos naturales de la vida, rompiendo con conceptos dualistas como el arte culto frente al popular, lo estético en contraste con lo práctico, y el artista frente a la gente "ordinaria”.

Porque todos, sin excepción, somos creativos, y el fin de toda creación no es la pura verdad del conocimiento en sí, sino simplemente mejorar la experiencia.

FECHAS

• Sábados 17 de octubre 12:30- 13:30
• Sábado 14 de noviembre 12:30 - 13:30

Actividad gratuita con inscripción previa en el teléfono 91 276 02 21, en el correo electrónico: ca2m@madrid.org o en la recepción del Museo. Aforo: 20 personas.

¿Cómo se ven afectados los procesos artísticos cuando tienen lugar en colectividad? ¿Pueden las relaciones que los atraviesan, como hifas micelares, componer modos provisorios de lo común?

Este laboratorio es un espacio de encuentro, investigación y experimentación en torno a las prácticas artísticas colectivas. Un espacio en el que pensares y haceres se movilicen entre colectivos artísticos, personas vinculadas a la investigación, asociaciones y públicos. Pretende, así, articular relaciones entre agentes culturales, artísticos, sociales y comunitarios.

A través de conversaciones, encuentros y prácticas compartidas, se activarán memorias y se compartirán procesos para ensayar formas diversas de hacer juntos, imaginando materializaciones posibles que permitan acercarnos a los modos que tienen lugar en colectividad. Nos interesa atender a aquello que aparece en la relación, lo que se transforma, lo que se desplaza y lo que emerge cuando las prácticas artísticas parten de la composición de singularidades.

El laboratorio se desarrollará a través de 10 sesiones (algunas abiertas y otras cerradas), que combinarán conversaciones públicas y encuentros de experimentación colectiva. Las voces, imágenes, materiales y gestos que surjan de estos intercambios irán conformando un dispositivo abierto a los flujos y saberes que nos permitirá prolongar los encuentros más allá del propio laboratorio. Las sesiones públicas serán espacios para compartir estas experiencias, activar nuevas conexiones y hacer circular preguntas que vayan surgiendo en el laboratorio.

Los encuentros de experimentación colectiva se desarrollan en colaboración entre: [InPAS], Kit Canibal, La Liminal, La Burra Negra, Cangrejo Pro, Colectivo Ayllu y Tejiendo Móstoles. Contarán, asimismo, con la participación de La Abandonada, Adrián Vilar & Daniela C. Castanedo y Patio Colective.

Coordinación: Estrella Serrano Tovar (jefa de Educación y Actividades Públicas del Museo CA2M) y Rut Martín Hernández (IP FCT-24-21251 y Profesora Titular de la Facultad de Bellas Artes UCM). Equipo: Xirou Xiao (UAB), Pilar del Puerto Hernández González (UEM), Nuria Rey (URJC), Mar Castillejo Higueras (UNIR) y Daniela Ricciardi (USACH).

PROGRAMA

Jueves 22 de octubre. 18:30 - 20:30. Andrea Soto Calderón. Levantar imágenes, trabajar con lo que se resiste.

Existe un prejuicio muy extendido que considera que las imágenes son estados de cosas que pretenden mostrar la realidad, constatar lo que existe o denunciar una determinada situación, pero las imágenes tienen estatutos mucho más complejos cuya eficacia no depende únicamente de sus cualidades formales, sino también de las relaciones que establecen con los espacios, los objetos, los cuerpos y las prácticas sociales que las activan. Esta conferencia propone reflexionar en torno al dinamismo de las imágenes y sus prácticas performativas, pero también sobre cómo cuidamos nuestra imaginación para crear imágenes que nos permitan introducir en la vida una posibilidad y conectar con formas de experiencia con las que no tenemos relación. En este sentido, la inquietud que mueve esta intervención es interrogar nuestras prácticas imagéticas, compartir formas de ensayo que amplie sus formas de contagio. 

Miércoles 28 de octubre. 18:30 - 20:30. Alejandra López Gabrielidis. El cuerpo de datos. Adentro y afuera de nuestras vidas digitales.

La noción de "cuerpo de datos" es una herramienta conceptual que nos permite nombrar y abordar ciertas transformaciones generadas por las tecnologías digitales, al mismo tiempo que nos brinda una perspectiva más amplia e integral sobre la propia concepción de la "tecnología", en términos generales. Solemos entender esta última, como un proceso de exteriorización de funciones corporales hacia los objetos técnicos, pero este movimiento hacia fuera supone siempre un movimiento de interiorización de los objetos técnicos en los cuerpos. Si el cuerpo es el eje que estructura nuestra presencia, percepción, acción y cognición, ese eje hoy en día se halla profundamente afectado por las dinámicas que entrelazan datos y vidas. ¿Puede que la datificación esté transformando nuestra corporalidad, generando una nueva capa digital en ella? ¿Puede que los datos sean el barro de un nuevo cuerpo que aún no sabemos ni nombrar, ni gestionar? En esta sesión abordaremos el anverso y el reverso de nuestro cuerpo de datos, ahondando en cómo se sienten los datos en los cuerpos, qué dinámicas y ritmos psico-sociales introducen en nuestras vidas; y por otro lado, qué produce en el mundo nuestra vida exteriorizada en los datos, pasando por su contribución a la generación de sistemas de inteligencia artificial y profundizando en una perspectiva económica que reconozca en los datos, no solo un valor productivo relacionado con el capital, sino también un valor de reproducción social, arraigado en la vida en común. 

Miércoles 4 de noviembre. 18:30- 20:30. Patricia Mayayo. Feminismos y agencias colectivas en el campo artístico español.

El surgimiento de las prácticas colectivas comprometidas con los feminismos en el mundo del arte en España suele situarse en los años noventa del siglo XX. En ese momento, se produce una eclosión de intervenciones artísticas de sesgo activista que buscan incidir directamente en la vida social y superar la visión tradicional del artista que había imperado en los ochenta; en otras palabras, se promueven prácticas que, si bien se sirven de las herramientas y saberes del arte, se producen socialmente y se distribuyen también socialmente muchas veces en colaboración con otra serie de agentes que no pertenecen en sentido estricto al mundo artístico. Por otro lado, al mismo tiempo, el nacimiento de la década de los 90 también es un momento de reformulación y cambio para los movimientos sociales y en particular para los feminismos.

En esta conferencia, además de reflexionar sobre las características y objetivos de este tipo de prácticas, se propone releer el relato histórico construido sobre ellas, proponiendo un recorrido genealógico algo distinto al habitual. Veremos cómo este tipo de prácticas dialogan con una serie de precedentes impulsados por mujeres en el arte durante el franquismo, que, si bien no disponían de las herramientas teóricas que se manejarán a partir de finales del siglo XX, anticiparon algunas formas de lucha y agenciamiento colectivo que se explorarán en la contemporaneidad.

Andrea Soto Calderón es doctora en filosofía, profesora de Estética y Teorías del arte y coordinadora del programa de doctorado en filosofía en la Universidad Autónoma de Barcelona. Además de su actividad docente, durante casi una década realizó una investigación en torno a los funcionamientos de las imágenes en La Virreina Centre de la Imatge, en Barcelona. Sus líneas de investigación se centran en las transformaciones de la experiencia estética en la cultura contemporánea, la investigación artística, el estudio de la imagen y los medios. Su producción científica se refleja en diversos artículos publicados en revistas de carácter internacional, capítulos de libros y textos para catálogos de artistas. Ha presentado sus trabajos en diversos contextos como en España, Brasil, Chile, Argentina, Colombia, Portugal, Francia u Holanda. Entre sus publicaciones destaca su libro El trabajo de las imágenes (2022) junto a Jacques Rancière, Les presses du réel (2019), La performatividad de las imágenes, Metales Pesados (2020), Imaginación material, Metales Pesados (2022), Indisciplinas de la mirada, Kikuyo (2025), Imágenes que resisten. La genealogía como método crítico, Metales Pesados (2026), Pensar al borde del discurso (en prensa). 

Alejandra López Gabrielidis es filósofa e investigadora especializada en arte y tecnologías digitales. Su investigación se centra en la relación entre los datos digitales y el cuerpo desde un paradigma de agencialidad y cognición distribuidas. Actualmente trabaja como coordinadora del Centro de Estudios de Doctorado y profesora de Estética y Teoría de las Artes en los grados de Diseño y Bellas Artes de BAU, Centro Universitario de Artes y Diseño de Barcelona. Colabora también con la UNESCO en cuestiones vinculadas a las tecnologías digitales en el sector cultural. Ha sido investigadora postdoctoral en la Unidad de Tecnopolítica del grupo CNSC (Communication Network and Social Change) en el Internet Interdisciplinary Institute (IN3) de la Universitat Oberta de Catalunya (UOC), y co-Coordinadora del Vector de Conceptualización Sociotécnica. Además de su labor investigadora, ha traducido obras de autores como Franco “Bifo” Berardi y Katherine Hayles.

Patricia Mayayo es Catedrática de Historia del Arte en el Departamento de Historia y Teoría y Teoría del Arte de la Universidad Autónoma de Madrid. Sus líneas de investigación se centran en la historia de las mujeres artistas, la historiografía y las prácticas artísticas feministas y el arte contemporáneo español. Es autora, entre otras muchas publicaciones, de los libros Arte en España, 1939-2015. Ideas, prácticas, políticas (Cátedra, 2015), Frida Kahlo. Contra el mito (Cátedra, 2008) o Historias de mujeres, historias del arte (Cátedra, 2003). Ha co-editado las monografías Dossiê - Feminismos em campos expandidos (MODOS: Revista de História da Arte, Brasil, 2023) y Making Art History in Europe after 1945 (Routledge, 2020). Ha sido comisaria de las exposiciones 31 mujeres. Una exposición de Peggy Guggenheim (Fundación Mapfre, Madrid y  Museu de Arte Contemporânea-Centro Cultural de Belém, Lisboa, 2024-25), El poder con que saltamos juntas. Mujeres artistas en España y Portugal entre la dictadura y la democracia (Valencia, Instituto Valenciano de Arte Moderno, 2024), Territorios que importan. Género, arte y ecología (Huesca, Centro de Arte y Naturaleza, 2018-19) y Genealogías feministas en el arte español: 1960-2010 (León, MUSAC, 2012). En la actualidad es co-IP del proyecto de I+D “"Tres veces rebeldes. Redes, estrategias y agencias femeninas en el campo artístico durante el franquismo", (PID2023-148557NB-I00, MICN/AEI).

Esta actividad es parte del proyecto FCT-24-21251, que cuenta con la colaboración del Museo CA2M y de la Fundación Española para la Ciencia y la Tecnología - Ministerio de Ciencia, Innovación y Universidades, y se desarrolla en el marco de las líneas de investigación de PID2024-155474NB-I00, financiado por MICIU/AEI /10.13039/501100011033 y por FEDER, UE.