Actividad

Os invitamos a participar en el recorrido jugado “Desde el azar”, un recorrido comentado a través de las exposiciones Ría, Humores y espesores, y Flor Hispania. Durante este recorrido, visitaremos las tres exposiciones, guiándonos por un eje reflexivo seleccionado al azar. Podremos dialogar sobre temas como la huella, la repetición, los imaginarios, la periferia o la dualidad, desde distintos roles y utilizando diversas herramientas. ¿Puede el simple acto de jugar revelar las exposiciones desde nuestra subjetividad? En “Desde el azar: un recorrido jugado”, exploraremos esta posibilidad a través del universo artístico de Jorge Satorre, Rodríguez-Méndez y David Bestué, tratando de revelar las reflexiones, significados e historias presentes en sus piezas.

Las visitas están impartidas por Francisca Soto Martínez (Santiago de Chile,1989). Francisca es una artista, restauradora y educadora chilena establecida en España. Es miembro del colectivo El Hueco, donde desarrolla proyectos centrados en la memoria colectiva y la construcción comunitaria. Explora las fricciones entre arte, restauración y educación, con el objetivo de generar un impacto positivo en las comunidades y el patrimonio cultural no hegemónico.

La actividad es gratuita y se realiza todos los domingos a las 12:30 para el público general.

Con inscripción previa en el teléfono 91 276 02 21, en el correo electrónico ca2m@madrid.org o en la recepción del museo.

Aforo máximo de 12 personas.

Además, extendemos la invitación a todo tipo de grupos los miércoles por la mañana. Para coordinar una visita grupal, puedes contactarnos al teléfono 912 760 227 o al correo electrónico educacion.ca2m@madrid.org.

El miércoles 12 de febrero se presenta en el Museo CA2M Swiftly arose and spread around me. Intervenciones para un pensamiento pegajoso (segundo acto), la activación de la segunda parte de la investigación curatorial desarrollada por Sergi Álvarez Riosalido en el marco de la Residencia Encura VII. Esta apertura al proceso de investigación contará con la participación de La cuarta piel, Sandra Mar, Maya Pita-Romero, Laura Ramírez Ashbaugh y María Rojas.

Encura es un programa de residencias de investigación que pretende promover, expandir y complejizar los procesos de investigación curatorial entrelazando los contextos artísticos de Barcelona y Madrid, alentando y posibilitando investigaciones curatoriales que no tengan como resultado proyectos expositivos convencionales. Esta beca está liderada por HANGAR, el Museo CA2M, Casa de Velázquez y hablarenarte.

El segundo acto de esta investigación curatorial se concibe como un encuentro performativo y reflexivo inspirado en la investigación del pensamiento pegajoso y las potencialidades del slime como concepto político, ecológico y afectivo. El encuentro articulará una serie de intervenciones en las que se abordarán temáticas clave como la mediación de lo viscoso en las relaciones humanas y más que humanas así como la conexión radical entre cuerpos, fluidos y entornos.

Este pensamiento pegajoso se desarrolla como un marco conceptual y sensorial que desdibuja las fronteras entre cuerpos, objetos y entornos, explorando las dinámicas de conexión y transformación. Partiendo del contacto íntimo descrito por Walt Whitman en el poema que inspira el título del proyecto, este pensamiento pegajoso toma la saliva como un medio que, al fluir y extenderse, une lo humano con lo más que humano, la escala de nuestro cuerpo con lo infinitamente grande y con lo infinitamente pequeño.

Danez Smith amplifica a través de la poesía esta perspectiva desde una posición queer, racializada y como persona seropositiva, donde los fluidos, como el lubricante, activan tanto una práctica íntima como una metáfora política de intercambio y relación. Aquí, lo viscoso es una manera de resistir la normatividad y abrazar un entendimiento relacional de las identidades y los cuerpos, más allá de los límites impuestos.

También autoras como Karin Anna Pittman o Karen Barad abordan lo pegajoso a través de su elemento mediador: las conexiones “lubricadas” por lo viscoso y lo pegajoso no son simplemente nexos entre agentes preexistentes, sino generadoras de nuevas formas desbordantes de ser y conocer.

Sergi Álvarez Riosalido (Sabadell, 1992) investiga y trabaja entre el comisariado y la escritura. Graduado en Comunicación (UAB), máster en Estudios comparados en arte, literatura y pensamiento (UPF), posgrado en Pensamiento contemporáneo (UCM) y máster en Comisariado de arte contemporáneo (Sorbonne Université Paris IV) gracias a una beca de “La Caixa”. Formó parte del año cero del programa de estudios independientes “organismo – arte en ecologías críticas aplicadas”, impulsado por tba21. Con un especial interés en la práctica curatorial como proceso colectivo de co-creación, alguno de los temas que atraviesan su investigación incluyen la dimensión subversiva del amor, el deseo y la ternura o las formas de crear comunidad y de materialidades que subyacen en el presente.

Ha colaborado en proyectos expositivos y de investigación en instituciones como el CCCB (Barcelona), el Jeu de Paume (París), el Centre Pompidou (París) o La Casa Encendida (Madrid), entre otros. Es autor de la monografía sobre el cineasta experimental Jonas Mekas, No aceptaremos las ataduras (Brumaria, 2017). Ha escrito en publicaciones como Found Footage Magazine, Cinema Comparat/ive Cinema, Exit-express o A*Desk, entre otras.

La Cuarta Piel es una comunidad de prácticas que traduce los procesos extractivistas que sustentan la vida humana en las ciudades. Lo hace a través de situaciones hedonistas que materializan las relaciones ecológicas de estos complejos procesos y las acercan a una escala humana. Un ejercicio de intermediación que facilita la comunicación entre saberes, especies y territorios. Acompaña proyectos editoriales, así como iniciativas dedicadas a la transformación territorial y a la mediación cultural. En común o por separado, las personas vinculadas a la cuarta piel han participado en la Bienal de Viena (2017), Bienal de Venecia (2018), Bienal de Arquitectura de Quito (2020), Bienal de Cracovia (1r premio, 2017). También han expuesto en Negre (Las Cigarreras, 2021), han diseñado y producido instalaciones efímeras para A Cel Obert (2020), Insólit Festival (2019), la Galería de Arquitectura de Porto, HANGAR Lisboa y Medialab-Prado y escenografías para Productores de Sonrisas y Sorolla Producciones.Se han formado entre la UPM (Madrid), UA (Alicante), UCM (Madrid), ETSAB (Barcelona), PUC (Chile), UNAM (México), Tongji (Shangai), UWE (Bristol) y la Accademia di elle Arti de Venezia y han impartido docencia en la ETSAM, la Universidad Diego Portales y la UA.

Sandra Mar (Valencia, 1995) es artista y trabaja en el campo de la escultura. Su práctica se articula en torno a la escritura y al trazo como procesos expresivos inmediatos, mediante los cuales se aborda un proceso de construcción en el que el material dialoga con el cuerpo que lo toca. En su trabajo reflexiona sobre temáticas emocionales y afectivas contemporáneas, que vincula a la relación casi romántica que se establece con la materia. Ha realizado exposiciones individuales en Galería Rosa Santos (València) y ha expuesto colectivamente en Pluto (València), Galería Rosa Santos (València), Institut Français (Madrid), La Casona (Reinosa, Santander), IVAM (València), Galería Fran Reus (Palma de Mallorca), Taca (Palma de Mallorca), Zape (Alboraia, València), Centro 14 (Alicante) y Art Nit (Campos, Mallorca). Ha estado involucrada en las VI Residencias Artísticas Reinosa, la Beca Espacial 2024 y el Programa Confluències, IVAM (València). Ha recibido el Premio Adquisición Makma en Abierto València 2024 y el Premio Adquisición Casa de Indias en CerArtmic 2024.

Maya Pita-Romero (Madrid, 1999) es una artista visual que investiga, mediante la instalación y la escultura, las transformaciones de los ecosistemas y su vínculo con los procesos del cuerpo. Explora lo íntimo a través de la monstruosidad, lo abyecto, el miedo, la ternura y la delicadeza. Articula nuevos imaginarios y formas de cuidado desde la ficción donde se entrelazan nuestros cuerpos y la naturaleza con haceres tradicionales. Sus obras se construyen de elementos orgánicos y materiales que cambian, se alteran y evolucionan en el tiempo. Plantas y textiles que a través de componentes como el látex adquieren distintas flexibilidades y posibilidades formales, ahondando en las similitudes entre los cuerpos humanos y el mundo vegetal.

Soy Laura Ramírez Ashbaugh (Madrid, 1988) coreógrafa, bailarina, profesora y DJ afincada entre Madrid y Amsterdam. Me licencié en teatro físico en la RESAD y actualmente estoy cursando el máster DAS Choreography en Amsterdam. Estudié danza y coreografía  en escuelas como Martha Graham School (Nueva York), SNDO (Amsterdam) o PAF (Francia).

Forma(ba) parte del departamento de mediación y educación del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, pero actualmente mi investigación y práctica en torno al espacio del museo en relación con la danza se desarrolla en el IVAM o en Galería NF. Trabajo desde la danza, el sonido y la coreografía. Mi práctica se centra en los espacios liminales, el sonido y el feeling with the beat, las imágenes y la ficción para, a partir de ellos, pensar maneras de hacer coreografía e investigar sobre lenguajes del movimiento que se escapen de las formas que ya conocemos para poder así generar lugares intermedios donde puedan surgir nuevas lógicas que nos acerquen a lo perceptivo e intuitivo del cuerpo.Ahora mismo, estoy totalmente obsesionada con las hormonas como práctica y herramienta corográfica,  y con las imágenes del horror.

María Rojas (Zaragoza 1987), artista e investigadora cuyo trabajo parte de la imagen fotográfica, para desembocar en procesos instalativos que exploran diferentes tipos de materialidades, revirtiendo procesos digitales o fluidos en texturas y formas. Su trabajo se centra en explorar los límites del lenguaje y el espacio, trascendiendo las fronteras entre lo digital y natural. En esta sucesión de límites lo gestual adquiere gran presencia en su obra, con lo que se presentan espacios ficcionados mediante la observación y el cambio, a través de pequeñas acciones que nos ayudan a narrar nuevas realidades. Es técnico de escultura por la Escuela de Arte de Zaragoza, licenciada en Bellas Artes por la UCLM y el Instituto Superior de Arte de La Habana y máster en desarrollo de proyectos fotográficos en Blank Paper, Madrid. Ha trabajado en Berlín como gestora cultural y como fotógrafa para el ministerio de cultura de Praia en Cabo Verde. Como ponente, ha impartido charlas sobre procesos creativos en El círculo de Bellas Artes de Madrid, ha trabajado como comisaria para EXP20 Barcelona y ArtConnect y ha dirigido el festival de arte y música Cyclo ganador de una ayuda Injuve. Actualmente se encuentra desarrollando su próximo proyecto en la Casa Velázquez de Madrid.

En colaboración con:

Azogue, no te aciguaten los sonidos del silencio: invocamos el espíritu de Lolita Versache y Samuel Mariño.

Ven con tu voz, que no pasa nada, que no pasa nada, que pasa todo con tu voz, que pasa de todo con tu coro.

Voces, bocas voraces. Berreamos, bramamos, balamos, valemos. ¡Vente, valiente! ¡¡¡Vengaaaaa!!!

Fiera  de muchas bocas sin pies ni cabeza desde el ultramundo un cuerpo que brama sin ruido con chillidos y espasmos. La casa se moja, mis labios se cierran y venís vosotros.

Descontextualización del sonido y del silencio. ¿El silencio después del jaleo o el jadeo después del jaleo?. El jadeo del silencio, el jaleo por hacer.

Y acaso todo esto más allá del final.

Un coro amateur es un proyecto de creación en el que cualquier tipo de voz es bienvenida a participar. Cada dos jueves hacemos sesiones de investigación propia y también sesiones con artistas que trabajan con la voz y la escucha. 

Por el Coro Amateur han pasado Sonia Megías, Itziar Okáriz, Jaume Ferrete, María Salgado y Fran MM Cabeza de Vaca, Rocío Márquez, Alma Söderberg, Ainara Lagardon, Jhana Beat, Lolita Versache, Bea Narcoléptica, Luz Prado, Los Torreznos, Makiko Kitago, Julián Mayorga, Agnès Pe, Paloma Carrasco, Anto Rodríguez, Elisa C. Martín, Elena Murcia Pinto con Marina Peralta Murcia, Inma Marín con Jon Cañal y Tania Arias Winogradow con Milo-Andrey Ulises, Rolando San Martín, Amalia Fernández, Elena Córdoba, Raquel G. Ibáñez, Alex Reynolds, Black Tulip, tacoderaya, Mónica Valenciano, Ruth Abellán y Arturo Moya, Ojo Último, Monserrat Palacios y Fátima Miranda, Sole Parody, Enrico Dau Yang Wey, Coco Moya, Veza Fernández, Patricia Leguina, Jesús Burrola y Noela Covelo.     

El Ha-ha, es un mecanismo deceptivo que interviene en la construcción del paisaje. Genera una ilusión de amplitud y camufla su verdadera función: el control de tránsito de determinados individuos o especies. El nombre ha-ha se utilizó por primera vez en el libro de Dezallier d'Argenville  de 1709  “La teoría y la práctica de la jardinería”, en el que explica que el nombre deriva de la exclamación de sorpresa de los  espectadores al reconocer la ilusión óptica.

Cuando me propusieron realizar esta visita lo primero que me vino a la cabeza fue el título: Ha-ha wall. Fue una asociación casi inmediata, quizá inducida por el tremendo contraste que produce ese término con la descomunal obra que preside esta muestra: 1502 personas de cara a la pared. Una pared que da risa y una pared que no hace ninguna gracia. Es un punto de partida, ya que mi trabajo y el de Santiago guardan poca relación a simple vista. He utilizado esta palabra, que es un chiste en sí misma, como una manera de romper el hielo y empezar un diálogo improbable entre dos generaciones, entre dos maneras muy diferentes de abordar la producción artística. De nuevo el contraste. Y es que es el contraste entre la luz y la sombra lo que permite la visión… Aunque no siempre. Las sombras ocultan o revelan y mirar hacia la luz puede dejarnos ciegos. Quiero abordar esta visita posicionada desde las paradojas de la mirada, desde los dispositivos de visibilidad y ocultación con que se nos presentan los hechos, desde la sospecha continua de que en todo lo que nos es dado a ver hay algo que se nos escamotea.

El Museo CA2M desarrolla una línea de trabajo encaminada a desarrollar visitas temáticas en las que invitar a artistas y creadores a acercar las exposiciones a los espectadores a través de sus prácticas. De esta manera huimos de la presunción de objetividad de las narrativas que plantean las exposiciones proponiendo romper con los discursos hegemónicos. Un espacio de investigación dónde propiciar lecturas propias de la imagen, la historia y generar con esto nuevos imaginarios.

Fechas:

• Sábado 14 de diciembre 12:00h
• Domingo 15 de diciembre 18:00h

Ángela Cuadra investiga imágenes que versan sobre técnicas de ocultamiento usadas a lo largo de la historia reciente, en un amplio estudio fenomenológico de la invisibilidad. A partir diversas fuentes con cargas históricas y semánticas preexistentes busca encontrar nuevas capas de sentido en la expresión artística. Fundamentadas en el collage y abordadas desde la intuición, sus obras se desarrollan en múltiples medios que van desde la instalación al vídeo, pasando por el dibujo y la pintura expandida.

Ha realizado exposiciones en el Museo Centro de Arte Dos de Mayo, Today Museum, en Pekin; Centro del Carmen, Valencia; Sant Andreu Contemporani, Barcelona; Fundación Cultural de Providencia, Providencia (Chile); Centro Galego de Arte Con- temporánea (CGAC), Santiago de Compostela, entre otros. Desde 2013 trabaja en el espacio de proyectos Salón, que dirige junto a su marido, Dai K S. Así mismo, es una de las fundadoras de la primera feria internacional de espacios non-profit en Madrid, Supersimétrica,

En nuestras maletas de migrantes van 23 kilos de vida por cada cruce. ¿Otra vez con sobrepeso? ¿Qué llevas cuando te vas, cuando vuelves? ¿La yerba mate para matar las horas? ¿La hojita de coca para soplarle a Dios? ¿Cuánto pesa una casa? ¿Te alcanzó la plata para traer a tu perrita? ¿Seguía erizada la piel de la guanábana cuando desempacaste? ¿A qué huele tu equipaje? En estas cuatro sesiones seremos pulpa y semilla, verde y viaje, ternura y ladrido para narrar los vientos de sur a sur que se desplazan en el territorio inventado de la diáspora. Cuatro encuentros para abrir la guanábana (que no el melón) y explorar a través del relato los intersticios de todas nuestras criaturas.

Os invitamos a transitar por este laboratorio de escritura formado por un taller de cuatro sesiones interconectados impartidos por Sudakasa: Lucrecia Masson, Andrea Aldana, Chinî y Hildy Quintanilla Ocampo (Q´inti- Colibrí).

Las fechas del taller son:

• Viernes 29 de noviembre 18:30h-20:30h
• Sábado 30 de noviembre 12:00h-14:00h
• Viernes 13 de diciembre 18:30h-20:30h
• Sábado 14 de diciembre 12:00h-14:00h

Para obtener certificado de asistencia se tendrá que asistir al menos a 3 de las 4 sesiones.

Sudakasa, es un espacio de escritura comunitaria y creación desde las experiencias migrantes, es una casa-refugio y residencia artística que llega para cubrir nuestra falta de "pueblo", porque el nuestro se encuentra allende los mares. En esta parcela de olivos, almendros y parras, nos hemos reapropiado del insulto y lo hemos convertido en cuerpo, identidad y memoria de las diásporas para tejer juntas otros relatos de resistencia que enfrenten las violencias contra los de abajo.

Lucrecia Masson Córdoba. Con la impureza como principio, es escritora, artista e investigadora y sus principales temas de indagación son cuerpos, animalidades y otros que humano. Desde una apuesta anticolonial, trabaja con distintos registros artísticos experimentando sobre todo con escrituras. De la teoría le interesa la imaginación y cree porfiadamente en que no se puede pensar sin el cuerpo. Publicó epistemología rumiante (2017), Escrituras rumiantes. Cuerpo, exceso, animalidad (2022) y ha participado en numerosas antologías. Forma parte del Colectivo Ayllu con quienes ha publicado Devuélvannos el oro (2018) y participado, entre otros espacios, de la Bienal de Sydney (2020) y la 35ª Bienal de Sao Paulo (2023).

Mientras Andrea Aldana se hacía escritora y periodista, fue vejada por los paramilitares en los años en que Colombia se desangraba, estuvo infiltrada en la guerrilla y fue perseguida política. Hoy vive asilada en Madrid. Su historia no es solo el periplo de una mujer entre varios fuegos y su búsqueda de redención en el presente de la migración forzada, es la historia de resistencia de nuestros territorios asolados por la violencia patriarcal, racista y militar. Ha publicado historias que no le gustan ni a la policía, ni al gobierno, ni a las mafias, y para hacerlo tuvo que aprender a sumergirse y escribir desde el infierno, fue así como descubrió la escritura encubierta para escribir contra el poder, cualquier poder. Fue finalista del Premio Nuevas Plumas (México 2015), recibió el Premio Nacional de Periodismo de su país (2020). Y tiene crónicas traducidas a italiano por Internazionale y a francés por la revista 6 Mois y el medio Blast. En 2021, Reporteros Sin Fronteras la sacó no una, sino dos veces de Colombia por amenazas contra su vida, desde entonces lleva la herida migrante y sigue escribiendo ahora desde España.

Chinî. Nace en Ka’a guasu, Paraguay en 1987 durante la dictadura de Alfredo Stroessner. Es poeta y marica 108, estudia biología e investiga sobre ranas y sapos de Piri vevui. Migra a Madrid en 2019 siguiendo a su madre y hermana. Es guaraní jopara parlante desde pequeño y amante del tereré y el mbeju. Actualmente de profesión arborista y encargada de vigilar los bosques de El Pardo en Tres Cantos. Trabaja en su poemario Corpus infecciosa/ 30 comprimidos/ suspensión oral, que hurga la herida del VIH-sida, el duelo migratorio y los traumas de un cuerpo enfermo-sano. Piensa que el virus ha llegado a su cuerpo para escarbar su pasado y sanar con el remedio que le dan las plantas. Sueña en guaraní desde un Ka’a guasu recortado por la soja y la ausencia de su madre.

Hildy Quintanilla Ocampo (Q´inti- Colibrí). Es creadora escénica, poeta, willakuq [narradora], investigadora de teatralidades y oralidades andinas, y peregrina de Qoyllirit´i como parte de la nación Quispicanchi. En Madrid desarrolla el proyecto autogestionado Arguedas, oraliteca migrante, que acerca la oralidad y literaturas andinas y latinoamericanas y la enseñanza del idioma quechua a través de la Escuelachallay, mi escuelita de quechua en Madrid, como prácticas  que apuntan al fortalecimiento de las identidades migrantes y el diálogo intercultural en España.

Sumérgete en esta experiencia sensorial que despliega un mapa de memorias en diálogo con la exposición de Sol Calero. A través de la relación con las frutas, sus aromas, sus texturas, sus sabores, la memoria nos va guiando: un territorio frágil y expansivo donde reverberan las huellas de nuestros recuerdos, catalizadas por estímulos sensoriales que convocan lo latente y sus resonancias. En este taller, el olfato y el gusto se tornan umbrales que nos transportan a instantes encapsulados, trayendo al presente emociones y vivencias suspendidas en el tiempo.

Recrearemos una merienda colectiva que se propone como una inmersión en el imaginario personal y colectivo, un tejido vivo en el que la memoria se reescribe a partir de la relación directa con la fruta. Es una experiencia que se conecta con la instalación Pica-pica de la artista Sol Calero, donde transformaremos las memorias en deseos, pedidos y ofrendas para juntos imaginar futuros posibles.

Taller dirigido todos los públicos a partir de 6 años.

Xisela García Moure lleva más de 10 años poniendo en práctica técnicas de agricultura y sostenibilidad en la ciudad. Miembro del Instituto de Transición Rompe el Círculo y vecina de Móstoles, conoce la posibilidades e intereses de nuestra ciudad. Experta en agricultura ecológica y permacultura ha trabajado en diferentes fincas y proyectos de agricultura urbana y este año pretende poner en práctica sus conocimientos apostando por un Móstoles más verde y más consciente de las necesidades de esta gran villa.

Fechas:

• Miércoles 27 de noviembre 18:30-20:30h
• Miércoles 4 de diciembre 18:30-20:30h
• Miércoles 11 de diciembre 18:30-20:30h