Performance

En el marco de la exposición:  Adrian Schindler et collab. Tetuan, Tetuán, تطوان  en el Museo CA2M, Mamoun El Bied propone un paisaje sonoro inmersivo centrado en la composición electroacústica en torno a la voz. La intervención concibe lo sonoro no solo como vehículo narrativo, sino como materia escultórica y territorio político de memoria, fricción y desplazamiento.

A partir de una identidad plurilingüe (darija, castellano y francés) atravesada por el poso colonial en Marruecos —entendida no como elección, sino como un determinismo histórico y personal—, el artista despliega un paisaje sonoro multilingüe. Esta polifonía entabla un diálogo directo con el despliegue expositivo y la arquitectura de la exposición, así como con la investigación y el trabajo fílmico de Schindler en torno a las huellas, sombras y omisiones del pasado colonial español en Marruecos.

Mediante un set en directo que articula procesamiento vocal en tiempo real, bucles, síntesis y texturas, la voz —fragmentada, murmurada o multiplicada— se entrelaza con paisajes abstractos y grabaciones de campo. El espacio se convierte así en un organismo resonante donde el sonido y la palabra expanden, tensionan y habitan las capas del archivo, la instalación espacial y el territorio.

La performance será precedida de un recorrido guiado a tres voces entre el artista Adrian Schindler y los comisarios Jesús Alcaide y Nouha Ben Yebdri.

Mamoun El Bied (Rabat, 1995), conocido artísticamente como findPeaks, es un artista sonoro, DJ y performer marroquí. Su práctica artística transita entre la investigación electroacústica en directo y la exploración sonora a través de la mezcla híbrida DJ. Su obra se articula en torno a la modulación de la voz, la poesía hablada, la electrónica de vanguardia, los paisajes sonoros inmersivos y el uso de grabaciones de campo, integrando síntesis de hardware y elementos orgánicos. Desde 2021 mantiene una residencia radiofónica en Radio Relativa, donde ha producido y emitido más de 25 episodios dedicados a la investigación sonora y la música experimental.

Ha llevado sus directos y activaciones a espacios de referencia e instituciones como el Museo del Prado, Matadero Madrid, La Casa Encendida, el festival Non-Frequenze (Turín) o el Dantz Network Congress (San Sebastián), además de desarrollar residencias artísticas de investigación sonora en enclaves como Can Serrat.

Adrian Schindler (1989, Périgueux, Francia) vive y trabaja actualmente en Marsella, tras pasar una década en España. Su trabajo ha sido expuesto individualmente en instituciones y espacios independientes como Centre d’art Le Lait, Albi, Francia (2025), Mahal Art Space, Tánger (2025), La Casa Encendida, Madrid (2023) y The Green Parrot, Barcelona (2021), así como colectivamente en Late Idea Dice, Madrid (2024), Collection Lambert, Aviñón (2022), Fundación Sandretto Re Rebaudengo, Madrid (2022), MACBA, Barcelona (2021), La Grande Halle de La Villette, París (2018) y La Capella, Barcelona (2017), entre otros. Sus películas se proyectaron en festivales y instituciones como BIENALSUR, MACCO, Oaxaca (2025), Cinémathèque de Tanger (2025), Art Explora Festival, Tánger y Málaga (2024), The Institute for Endotic Research, Berlín (2024), Filmoteca de Andalucía, Córdoba (2023), Cineteca, Madrid (2022) y FID, Marseille (2021). También ha presentado performances, charlas y encuentros públicos en Empathy & Risk, Londres (2022), Fabra i Coats Centre d'Art Contemporani de Barcelona (2021), Espositivo, Madrid (2021), FRAC Champagne-Ardenne, Reims (2017) y Ludwig Forum, Aquisgrán, Alemania (2014).

Entre las residencias en las que ha participado destacan Bulegoa, Bilbao (2025), Darat al Funun, Amman (2024), SOMA, Ciudad de México (2024), UNIDEE Residency Programs at Cittadellarte, Biella, Italia (2023), Matadero Madrid (2022), Casa de Velázquez, Madrid (2020-2021), Château Nour, Bruselas (2020), Le Centquatre, París (2014-2015) y ZK/U, Berlín (2012-2013). Tiene un MA del Institute for Art in Context – UdK Berlin, un MFA de la École des Beaux-Arts de Paris y estudió performance en el Columbia College y la School of the Art Institute of Chicago.

Jesús Alcaide (Córdoba, 1977) es investigador, crítico de arte, editor y curador independiente. Desarrolla sus investigaciones y trabajos curatoriales en diferentes territorios de las prácticas artísticas contemporáneas.

Entre las exposiciones y proyectos que ha comisariado destacan Rock My Illusion (Fundación Botí, Córdoba, 2007), Dutch Play: Nuevos lenguajes audiovisuales en la colección del Netherlands Media Art Institute (I+CAS, 2010), Mario Montez. It’s Wonderful (El Palomar, 2014), Los nombres del Padre (Centro de arte Pepe Espaliú, 2013), Agustín Parejo School (CAAC, 2016), Disfonías (Centro Párraga, 2016), Teorema (Espai Tactel, 2017), In ictu oculi (Artnueve, 2017), Animal mirror (Scan, London, 2017), Itziar Okariz. Una construcción...(CA2M, 2017), Pepe Espaliú. Barcelona-Hospitalet. Tres temps (Tecla Sala, 2018), Pepe Espaliú. En estos veinticinco años (García Galería, 2018), Back to school (Fundación Botí, 2018), WB. Aquí están los no muertos (Sant Andreu Contemporani, 2018), Oh Monstruo¡ Edu Hurtado (Centre del Carmen, Valencia, 2019), Verde Chroma. Christian Lagata (Centro Párraga, Murcia, 2019), María Cañas (Tea Tenerife, 2019), Pepe Espaliú/Juan Muñoz-Correspondencias (Sala Verónicas, 2019), Mia anima nera (Blueproject Foundation, 2019), Vivir-Juntos. Una puesta en común de las distancias (C3A, 2020), Pepe Espaliú. Retrato(s) de un artista (Centro de arte Pepe Espaliú, 2021), Réplica. Al revés (Artnueve, 2021), Error de cálculo (Fundación Botí de artes plásticas, 2022), Olas-Ones-Waves (Casal Solleric, Palma, 2023) o Sida. Una historia silenciada en el contexto balear (Es Baluard, Palma, 2024).

También ha sido director artístico de proyectos como Hipertexto (2006-2009) y Textropías (2011), así como co-director del curso de verano Jaque a la institución. Nuevos modelos de producción contemporánea (UNIA, 2015), del ciclo (Un)titled. Experiencias curatoriales (La Térmica, Málaga, 2019) y de las XXVII Jornadas de estudio de la imagen (Dance this mess around) en 2022 en el CA2M.

Entre el 2010 y 2011 dirigió el I+CAS.Centro experimental y Tecnológico para la Cultura y las Artes de Sevilla y desde el 2014 trabaja en el equipo de La Fragua para proyectos como CoMbO (2014-2016) y Plata (2021-a la actualidad).

También ha trabajado en ferias de arte como ARCO, como comisario de proyectos para el IEB (Réplica. Tour de force. Joan Morey, 2022) o la galería Artnueve, así como en ESTAMPA, en cuya edición de 2025 ha sido comisario de la sección ENSAYO FUTURO dedicada a visualizar los cambios y transformaciones que en el mundo del arte están llevando a cabo galerías jóvenes y otros modelos de gestión de las manifestaciones artísticas contemporáneas.

En su labor como editor, publicó en 2018 una selección crítica de los textos del artista Pepe Espaliú, “La imposible verdad. Textos 1987-1993” (La Bella Varsovia, 2018) y en 2021 fue co-traductor del libro “Maricas y sus amigas entre revoluciones” de Larry Mitchell, un clásico de la literatura queer norteamericana publicado por Consonni.

Nouha Ben Yebdri es curadora independiente, gestora cultural, fundadora y directora de la asociación y espacio MAHAL. Su práctica curatorial se centra en la reflexión y creación de proyectos entorno a cuestiones relacionadas con el desarrollo de espacios artísticos, los procedimientos de institucionalización, los protocolos de mediación, el impacto que estos espacios tienen en su entorno; así como el estudio de los factores contextuales que influyen en la concepción de los términos y dinámicas que se despliegan a través de estos procesos y lugares. Estos esfuerzos se vehiculizan y ponen en práctica a través de la programación del espacio independiente Mahal y de Pedagogías silentes, un programa que cuestiona los currículos de formación artística en Marruecos y analiza la relación de los espacios de arte con los diferentes públicos que acoge y con los que trabaja.

De 2015 a 2020, Nouha Ben Yebdri ha sido miembro activa de MADRASSA, un colectivo de curadoras e investigadoras, cuya práctica concibe la organización de exposiciones como una actividad investigadora y crítica, experimentando prácticas colectivas y colaboraciones transfronterizas como método de resistencia y confrontación a las dificultades que entraña la creación artística en las regiones de procedencia de sus miembros (Líbano, Palestina, Camerún, Egipto y Marruecos).

El Museo CA2M colabora en la quinta y última edición de Domingo, el festival de artes performativas de La Casa Encendida comisariado por Fernando Gandasegui que durante el último lustro ha reunido a la escena nacional e internacional, alentando los lenguajes experimentales.

Domingo 2025 se articula, como en ediciones anteriores, a través de la escucha de lo que está ocurriendo en la escena actual, ahondando en los principales ejes de su programa estos años: la confluencia y apertura de disciplinas, generaciones y geografías, el protagonismo de la voz y la performatividad del sonido, la potencia del agenciamiento político y sensible de las imágenes y la imaginación, el ejercicio de la alegría crítica en la práctica artística, la propuesta de alternativas para el encuentro y transmisión entre públicos y artistas, la atención a somatopolíticas del sur europeo y, sobre todo, la puesta en valor y circulación de lenguajes radicalmente experimentales frente al aplanamiento de las tendencias neoliberales.

Jueves 13 de marzo SUI. Entrada libre hasta completar aforo

• 19:00h ORELLES VOLADORES Nilo Gallego
• 20:15 CLARALINDA, CLARALINDA, CLARALINDA Luísa Saraiva

ORELLES VOLADORES. Nilo Gallego 19:00h Duración aproximada: 1 hora.

En Orelles voladores, Nilo Gallego se deja atravesar por su experiencia como percusionista y sonidista, a la vez que propone al público la búsqueda de un nuevo solfeo y un nuevo sentido de la afinación, desde la sencillez y la honestidad. Porque cada sonido que llega a nuestros oídos, rebotado y filtrado por todos los materiales que ha ido encontrando, nos cuenta una historia; una historia que vamos aprendiendo a ignorar a lo largo de los años y que esta pieza invita a recuperar.

Orelles voladores es un concierto de percusión en el que el artista nos propone que formemos una orquesta de percusión con nuestros tímpanos, con la escucha como baqueta. Este concierto cambia cada vez que se ejecuta adaptándose a cada espacio y situación. Para esta ocasión la performance tendrá la colaboración del percusionista Frankuu Carrascosa y de Un Coro Amateur, un proyecto abierto con base en el Museo CA2M que lleva ya 8 años de funcionamiento y del que Nilo también forma parte.

Nilo Gallego (Ponferrada, León) es músico y artista que realiza performances en las que la experimentación con el sonido es el punto de partida. En sus trabajos, que siempre tienen un componente lúdico, busca la interacción con el entorno y lo cotidiano. Forma parte del colectivo experimental de acción Orquestina de pigmeos (junto a Chus Domínguez) y colabora habitualmente con creadores como Silvia Zayas, Alex Reynolds o la compañía Societat Doctor Alonso. Toca la batería, percusión y electrónica. Realiza la creación musical y diseño de espacios sonoros para compañías de teatro y danza contemporánea. Sus trabajos se han podido presenciar en festivales de artes en vivo nacionales e internacionales. Diseña herramientas e imparte talleres educativos basados en la escucha y la creación sonora.

Créditos: Creación e interpretación: Nilo Gallego. Colaboraciones: Frankuu Carrascosa y Un Coro Amateur. Coordinación audiovisual y acompañamiento: Chus Domínguez. Apoyo en la escritura: Álex Reynolds.  Coproducción: Festival TNT (Terrassa Noves Tendencies). Residencias y apoyo: Espai nyamnyam, El Consulado Fonteta, Espacio Los Barros, La Poderosa y L’Estruch.

CLARALINDA, CLARALINDA, CLARALINDA Luísa Saraiva 20:15h Duración aproximada: 40 minutos.

Claralinda, Claralinda, Claralinda es un libro de canciones coreográficas en el que Luísa Saraiva comparte su práctica y extensa investigación sobre la fisicalidad del canto, los límites de la voz femenina y la naturaleza háptica del sonido. Al recorrer diferentes tipos de canciones e instrumentos, y viajar a través de extractos de sus obras, explora las posibilidades sonoras entre respiración, sonido y canto a través de una práctica del movimiento que expone visualmente el trabajo físico involucrado en el control de la respiración. Las canciones se añaden, transforman e improvisan según la investigación y el proceso en que Luísa esté involucrada. El universo musical se inspira en las canciones populares tradicionales del centro y norte de Portugal.

Luisa Saravia es una coreógrafa que vive entre Oporto y Berlín. Su práctica artística investiga el lenguaje del cuerpo y la voz y se sitúa en la intersección del movimiento y la composición musical. Su trabajo está fuertemente influenciado por la investigación sobre la fisicalidad de la voz y una perspectiva contemporánea y no esencialista del folclore y la tradición. Estudió Psicología en la Universidad de Oporto y Danza en la Universidad de Folkwang Arts de Essen en Alemania. Ha desarrollado diversas colaboraciones con artistas de distintas disciplinas, como Lea Letzel, Carlos Azeredo Mesquita y Senem Gökce Ogultekin. Ha recibido becas para diversos programas de investigación artística y en 2019 formó parte del programa danceWEB y fue coreógrafa residente en K3 | Tanzplan Hamburg. En 2022/2023 recibió la beca Tanzpraxis de la ciudad de Berlín. Desde 2020 trabaja como activista en el campo de la salud mental en las artes escénicas promoviendo talleres y charlas.

Créditos Coreografia y performance: Luísa Saraiva. Instrumento: Inês Tartaruga Água. Agradecimientos: João dos Santos Martins y Associação Parasita.

En colaboración con: 

Chachachá al alba al alba chachachá
Chachachá las nalgas las nalgas chachachá
Chachachá playa hamaca haragán
Haragán hamaca playa chachachá
Chachachá manzana naranja ananás
Ananás naranja manzana chachachá
Chachachá plaza palmas tralalá
Tralalá palmas plaza chachachá
Chachachá barca alambrada catacrac
Catacrac alambrada barca chachachá
Chachachá al habla al habla chachachá
Chacha-chachá palabra
Palabra chachachá

En poco más de una década, el cuerpo ha pasado de los márgenes a una posición central en la cultura contemporánea. Para que este desplazamiento despliegue su potencial por completo, es necesario prestar atención a las articulaciones de nuestra materialidad con lo que nos rodea. “Palabra chachachá” se aproxima a esas inflexiones donde el mundo conforma los cuerpos y viceversa a través del paradigma del lenguaje expandido. De manera ambivalente, ese lenguaje de límites difusos es tanto generador como resultado de movimiento, sonido, imágenes, automatismos, afectos, economía y modos de organización social. Este programa propone una serie de presentaciones que atestiguan de manera parcial la complejidad con la que estos elementos se imbrican y se afectan entre sí.

El lenguaje ya no pertenece tan sólo a los humanos sino que, en una especie de regreso a la fábula, animales, objetos y elementos naturales nos murmuran al oído. Por otro lado, la certeza de los significantes se desvanece al confrontarse a la infinita variabilidad de los referentes y la multiplicidad de interpretaciones posibles. En este ámbito donde reina la indeterminación, cada frase que pronunciamos es un hechizo, una puerta que abrimos sin saber adónde conduce. Al cuestionar los modos de nombrar y su relación con las cosas, se interfiere también con dinámicas establecidas y emergen posibilidades que van más allá de lo que podemos imaginar.

Transitando por coreografías, poemas, canciones, susurros, gritos, rumores, sortilegios, películas sin imágenes, el repiquetear de las castañuelas, idiomas próximos, lenguas distantes, traducciones insólitas, libros y periódicos encarnados, el lenguaje de los pájaros y el de los ordenadores, quizás perdamos el habla de forma pasajera y nos veamos forzadas a buscar las palabras. Quién sabe si encontraremos modos distintos de articular el pensamiento a, ante, antes, bajo, cabe, con, contra, de, desde, después, durante, en, entre, hacia, hasta, mediante, para, por, según, sin, so, sobre, tras, versus, vía la silueta de las nubes, el fondo de los bolsillos o los posos del café.

Comisariado por Quim Pujol

A comienzos del siglo XIX nació en Londres The Picnic Society, una asociación que se reunía con asiduidad al aire libre y en cuyos encuentros se esperaba que cada miembro aportara parte del entretenimiento y los refrescos sin que hubiera un anfitrión en concreto. Partiendo de este concepto, y a modo de Picnic Society, el Museo Centro de Arte Dos de Mayo invita cada año a varios comisarios a diseñar una programación para la terraza del Museo.

Todos los jueves desde finales de mayo y hasta finales de junio nuestra terraza se convierte en un espacio en el que desarrollamos un programa de actividades en las que se mezclan lo corporal y lo sonoro con lo educativo y participativo. 

PROGRAMA

• J 25/05 I Llorenç Barber. ACTUM REENACTMENT. | Javi Álvarez.SECUENCIA, CAUSÉ CINE, SU CINE CAE 2.
• J 01/06 I Juf (Leticia Ybarra + Bea Ortega Botas).103 FOCOS DE SOL. | Pol Jiménez. LO FAUNAL. | Matthieu Blond. MERCURIO RETRÓGADO.
• J 08/06 I Park Keito (Kotomi Nishiwaki + Miquel Casaponsa). NEW(A) DAYS. | Joris Lacoste. EN TU NOMBRE. | Noela Covelo. QSIPTI. 
• J 15/06 I Paula Miralles. MI VOZ ES UN JARRÓN. | Josep Xortó & The Congosound. NOVA ESPLENDOR.
• J 22/06 I Alix Eynaudi. DE BOCA EN BOCA. | Clara Amaral. ¿RECUERDAS AQUELLA VEZ QUE ESTUVIMOS JUNTOS Y BAILAMOS ESTA O AQUELLA DANZA? | Simon Asencio. EL LIBRO DE LOS RUMORES.
• J 29/06 I María Jerez + Élan d’Orphium. RECLAMO EN LA TERRAZA. | Laura Llaneli. LOVELACE. | Venecia Flúor. DONDE VAN ELLAS.

HORARIO: 21:00 A 23:00H EXCEPTO LA SESIÓN DEL DÍA 29/06 QUE EMPEZARÁ A LAS 20:30H

APERTURA PUERTAS: 20:30H. SE RUEGA PUNTUALIDAD.

MESAS AUTOEDICIÓN

• J 25/05 I CAJA NEGRA
• J 01/06 I CANICHE
• J 08/06 I LA UÑA ROTA
• J 15/06 I CONTINTA ME TIENES
• J 22/06 I LIBROS DE ARTISTAS
• J 29/06 I VARAMO PRESS

SOBRE EL COMISARIO

A caballo entre la poesía, las artes escénicas y el arte contemporáneo, la práctica de Quim Pujol desnaturaliza el lenguaje para revelar la ideología que se inscribe en los modos de expresión ordinarios y abrir otras posibilidades de relación. Las últimas piezas de este escritor y performer heterodoxo son “El mensaje de otros mundos” (2021) y “Variedad de variedades” (2022). Ha participado en exposiciones en centros de arte como la Fundació Antoni Tàpies, La Capella o el EACC . Ha editado junto con Ixiar Rozas el volumen sobre teoría afectiva “Ejercicios de ocupación” (Ediciones Polígrafa, 2015), fue comisario del programa experimental del Mercat de les Flors (2011-2015) y colabora con el Observatorio del placer.

Agradecimientos: Berta Gutiérrez Casaos.

Como parte de la exposición Reflector de Miríadas, que será activada a través de una programación de destellos de nocturnidad, de diferentes ritmos e intensidades, el artista Matt Copson realizará una performance titulada Obituario. 

En Obituario, el artista interpreta en vivo un monólogo que se desmorona y devora a sí mismo.

La performance, que combina personajes y motivos de trabajos anteriores, parodia el mito de la Caverna de Platón y desarrolla el lenguaje presente en la obra de animación e instalación de Matt Copson. Estamos ante la primera performance propiamente dicha de este artista, que se acompaña de una banda sonora en vivo de felicita, con quien colabora desde hace tiempo.

MATT COPSON

Matt Copson nació en 1992 en Oxford, Inglaterra. En su trabajo recurre a dispositivos escénicos y tropos artísticos para crear unas piezas existenciales con las que explora lo contemporáneo, la abstracción, el eterno retorno y lo siniestro. Ha expuesto su trabajo en CLEARING (Bruselas), Swiss Institute (Nueva York), Louis Vuitton Foundation (París), Mönchehaus Museum (Goslar) y Serpentine Sackler Gallery (Londres). En 2022 estrenará en la Royal Opera House de Londres Last Days, su primera ópera como libretista y director.