Cualquier persona interesada

El curso pasado, con ayuda de Costa Badía y Julia Ayerbe, pensamos mucho tiempo sobre la puerta de entrada del Museo CA2M.  En cómo se podía y no se podía abrir, en la ley que hay detrás, en esa aparente neutralidad arquitectónica y en cómo los discursos en la educación inclusiva son casi siempre capacitistas y celebratorios. Esa puerta ahora es accessible y queremos así, despacio, pensar sin dar nada por hecho en qué es realmente la inclusión en un museo, en la historia de estas prácticas y en si aún se puede ampliar su imaginario.  

Este curso nos centraremos en el concepto de lectura fácil, esto es, el método que recoge un conjunto de pautas y recomendaciones relativas a la redacción de textos, al diseño y maquetación de documentos y a la validación de la comprensibilidad de los mismos, destinado a hacer accesible la información a las personas con dificultades de comprensión lectora. 

Lejos de dar por buena esta intención traductora de significados, por ejemplo de las obras de arte, queremos complejizar la información que damos y el papel mismo del mediador. Pensar en esas normas y evidenciar qué hay detrás de los discursos elocuentes y cerrados de unos cuerpos sobre otros. Abrir juntas y juntos nuevos caminos de comprensión y defender, al mismo tiempo, lo que no se entiende. 

Este curso queremos centrarnos en los ejemplares que habitan nuestras estanterías. Al ser la nuestra una biblioteca dentro de un museo de arte contemporáneo, está llena de libros raros, de artista, fanzines e inumerables publicaciones que exploran otras formas posibles de leer y de entender el objeto. Publicaciones que además nos hablan de exposiciones y actividades que han nutrido a la biblioteca de una vida inédita y extraordinaria. De la mano de la encargada de la biblioteca, Sonia Seco, sacaremos a la luz las extrañezas bibliográficas y éstas, a su vez, nos llevarán a un sinfín de textos y lecturas posibles.  

Baile impar es un taller donde practicar en trío bailes clásicos de pareja. Está dirigido a todo tipo de cuerpos que hayan tenido a su vez todo tipo de experiencias en pistas, verbenas y salones. Al bailar a tres nos tendremos que organizar de otra manera, y los movimientos y bailes que salgan serán radicalmente nuevos.  

A lo largo de este taller, muchas de las presunciones binarias que han acompañado a la historia de la danza y el bailar van a ser puestas en cuestión, con el objetivo principal de generar otras formas vinculares con la danza y su historia, para poder disfrutar de los aspectos más bellos y vitales que nos ofrece el bailar en comunidad: el placer de sentirse parte de algo compartido, la alegría de los cuerpos sintiéndose movidos, la sorpresa que se siente cuando se muestra lo invisible y lo desconocido, la magia de la sintonización entre los cuerpos y el mundo, la sensación de crear sentido juntas con nuestro bailar.  

Oihana Altube es bailarina y coreógrafa, formada a su vez en Danza Movimiento Terapia. Trabaja en los márgenes de la Danza y las Artes Vivas.

Ciudad Sur es un espacio de experimentación compartida iniciado en 2021 y que, tomando Móstoles como punto de partida, quiere indagar en las muchas caras y las muchas riquezas que generan sentimiento de pertenencia en las ciudades de la corona metropolitana de Madrid.   

En esta tercera edición nos aproximaremos a Móstoles a modo de guías posturísticas para recorrer juntas una serie de arquitecturas compuestas por capas de tiempo, vivencias y experiencias en torno a eso que llamamos tiempo libre, a partir de una propuesta de experimentación compartida en la que la ciudad dormitorio se convertirá en la ciudad de vacaciones. 

El ocio, ese tiempo que llamamos libre, es uno de nuestros mayores objetos de deseo, un lugar donde nos entregamos a experiencias -vividas o proyectadas- asociadas con el disfrute.  

Hay un ocio con el que convivimos día a día, aquel que marca los tiempos de pausa en el flujo de la actividad cotidiana, como el que dedicamos al deporte y a su promesa de una vida equilibrada, saludable, deseable. Pero también hay un ocio que funciona como una vía de escape, un tiempo y un lugar donde los límites se ensanchan: las fiestas populares, las salidas nocturnas… y por supuesto, la idea de ocio con mayúsculas, de la búsqueda de la desconexión total: las vacaciones. Una larga pausa que nos permite, al menos por un tiempo, jugar a vivir bajo otras lógicas, probar a ser otras personas.                                                                                                                

Mientras las ciudades dormitorio crecían, los vuelos a bajo coste con los que poder “escaparse” se multiplicaban, vinculando definitivamente las vacaciones con la idea de desplazamiento. Para ello, la industria turística nos propone un sinfín de destinos de acuerdo a nuestros sueños y también bolsillos, desplegando todo un imaginario del viaje desde el que esos deseos de “libertad” pudieran tomar forma. Un catálogo de bonitos escenarios que suelen construirse por contraste con los espacios cotidianos, a partir de un juego de opuestos. Del gris urbano, al azul de cielos y mares infinitos; del ladrillo de la ciudad, al blanco de la costa brava, o el dorado y cálido del sol… Pero no la Costa marrón. Esta última es la que hace referencia a la corona metropolitana de Madrid y será el escenario de las actividades que proponemos en este programa donde reflexionaremos sobre la evolución de los criterios urbanísticos, políticos y sociales que han ido construyendo este paisaje de infraestructuras del ocio en esta ciudad. 

Las sesiones se llevarán a cabo entre octubre de 2023 y mayo de 2024: 3 de octubre, 7 de noviembre, 12 de diciembre, 16 de enero, 20 de febrero, 12 de marzo, 16 de abril y 7 de mayo de 2024. 

Coordinado por: Irene de Andrés, La Liminal y Estrella Serrano. Relatoría de Blanca Sotos.

Irene de Andrés nació en uno de los destinos más deseados, la isla de Ibiza, lo que inevitablemente le ha llevado a investigar la evolución del concepto de ocio y del propio significado del viaje a lo largo de la historia, desde los primeros colonos a los tour operators. Balnearios, cruceros y discotecas, son los escenarios clave para la artista que, a través de piezas fílmicas, escultóricas u obra gráfica, conforma viajes a través del tiempo y por distintas aguas, conectando diversos hechos históricos que nos hacen reflexionar sobre el modelo de consumo turístico, especialmente diseñado para la clase obrera. 

 
La Liminal es un colectivo de mediación cultural que investiga sobre la ciudad y utiliza el recorrido urbano como herramienta para analizar el espacio público de forma colectiva. Nuestro objetivo es experimentar con el paisaje urbano para plantear nuevas lecturas que ponen el foco en aquellas historias que se han invisibilizado a lo largo del tiempo, aquellas a las que no hemos dado valor, para así poder construir discursos alternativos que parten del aprendizaje colectivo y que permiten que se produzca una reapropiación de la idea de espacio público como bien común.

Blanca Sotos (Madrid, 1978) piensa, lee, escribe, traduce, corrige, edita y publica distintas textualidades. Ha trabajado como editora en ministerios, editoriales y museos, y ha dirigido ferias de libro de arte. Además ha impartido cursos y conferencias en Casa del Lector-Matadero, Museo CA2M, Casa Encendida, Sala Mendoza de Caracas, Centro Nacional de las Artes de México, Centro Cultural de España en México, Tenerife Espacio de Artes, Universidad Nacional Autónoma de México o Comunidad de Madrid. Dirige marcablanca desde 2018 y es la responsable junto con Ramón Mateos de la primera edición de MiraLookBooks, el Encuentro Internacional de Publicaciones Especializadas en Cultura Contemporánea. Actualmente es profesora en la American University y cursa estudios de doctorado en la Facultad de Filosofía de Universidad Complutense de Madrid.

Este programa audiovisual parte de la hipótesis de que la crisis ecológica se manifiesta también en la imagen, como una crisis de la representación. Como una brecha en la herencia cultural moderna, esa que nos convenció de la diferencia entre cultura y naturaleza y nos acostumbró a mirar a esta última desde la distancia: bien como objeto de estudio y explotación, bien como paisaje-espectáculo sobre el que proyectar emociones y aventuras humanas, las únicas dignas de relato.  

Hoy algunas artes se rebelan contra a esta historia de “desencantamiento” y su impacto en la cultura visual. Deseando reparar el vínculo terrestre, buscan otras prácticas de la imagen que lleven consigo otras maneras de estar en el mundo. No hay patrón común a esas formas emergentes. Algunas cuestionan la palabra “naturaleza” y afirman que hay una continuidad entre organismos y tecnologías, infraestructuras y ecosistemas. Otras estudian la agencia o la cognición de los no-humanos o evocan futuros de habitabilidad multi-especie. Algunas se llaman a sí mismas películas, otras instalaciones audiovisuales, otras experiencias fílmicas o de la percepción sensorial. Estas prácticas son diversas en estéticas y formalizaciones pero se nutren de una vocación similar: crear vocabularios visuales que rompan con el imaginario naturalista de la modernidad y devuelvan al mundo su encantamiento. Nuevas imágenes-mito que nos acompañen, como diría Bruno Latour, en nuestro necesario viaje de regreso a Tierra. 

El ciclo lo forman cuatro obras audiovisuales enmarcadas, cada una de ellas, por una actividad introductoria donde expandiremos, a través de la práctica artística de agentes locales (Coco Moya, Carlos Monleón y Claudia Rodríguez) las temáticas centrales que abordan en relación a la crisis climática y la problemática de su representación también en imagen. Con un programa de charlas, talleres y ejercicios colectivos, se trabajará en un espacio de intercambio donde repensar juntas el momento ecológico actual. Cada jornada concluirá con un debate entre artistas invitados, público y comisarios del ciclo.

Nota: Para poder asistir al programa completo de actividades se requiere inscripción previa.

Las proyecciones son de entrada libre hasta completar aforo.

Martes 10 de octubre

• 18:30-19:30h “En zona crítica. Paisajes postnaturales, centros de datos y alquimias transescalares” charla inaugural por el Institute for Postnatural Studies.
• 19:30-20:30h Proyección: Armin Linke, “Alpi” (2011, 62min).
• 20:30-21:00h Debate abierto al público con María Ptqk e Institute for Postnatural Studies.

Miércoles 11 de octubre

• 18:30-19:30h “Club de piedras”, taller especulativo con Coco Moya.
• 19:40-20:15h Proyección: Cao Minghao y Chen Jianjun, "Observing Point" (2019, 17 min) y "Habitat, Geology and Energy Basis" (2021, 15 min).
• 20:15-21:00h Debate abierto al público con Coco Moya, María Ptqk e Institute for Postnatural Studies.

Martes 17 de octubre

• 18:30-19:30h “Un canto de nácar”, taller con Carlos Monleón.
• 19:40-20:25h Proyección: Sonia Levy, “For the Love of Corals” (2018, 23 min) y “Creatures of the Lines” (2021, 19 min).
• 20:25-21:00h Debate abierto al público con Carlos Monleón, María Ptqk e Institute for Postnatural Studies.

Miércoles 18 de octubre

• 18:30-19:30h “Volver a la naturaleza”, taller de escritura “natural” con Claudia Rodríguez-Ponga.
• 19:40-20:30h Proyección: Ana Vaz, “É Noite na América” (2021, 50 min).
• 20:30-21:00h Debate abierto al público con Claudia Rodríguez Ponga, María Ptqk e Institute for Postnatural Studies.

Comisariado audiovisual: Maria Ptqk.

Comisariado y coordinación de las actividades: Institute for Postnatural Studies.

Maria Ptqk es curadora, investigadora y gestora cultural. Nacida en Bilbao en 1976.Trabaja en el sector cultural desde el año 2000. Desarrolla tareas de comisariado, dirección de proyectos y asesoramiento. Ha trabajado, entre otros, con Medialab Prado (Madrid), Azkuna Zentroa – Alhóndiga Bilbao, CCCB de Barcelona, Centro de Artes Visuales Jeu de Paume (París), La Gaité Lyrique (París), GenderArtNet (European Cultural Foundation), Donostia-San Sebastián 2016. Capital Europea de la Cultura, LABoral Centro de Arte y Creación Industrial (Gijón). Ha sido integrante del Consejo Vasco de la Cultura (2009-2012) y del comité científico del VI Encuentro Cultura y Ciudadanía (Ministerio de Cultura y Deporte). Ha comisariado las exposiciones «Soft Power» con Proyecto Amarika Proiektua (Vitoria-Gasteiz, 2009), «A propósito del Chthuluceno y sus especies compañeras» (Espace virtuel du Jeu de Paume, París, 2017), «Reset Mar Menor. Laboratorio de imaginarios para un paisaje en crisis» (CCC Valencia, 2020), «Ciencia fricción. Vida entre especies compañeras» (CCCB Barcelona, 2021). Actualmente es comisaria del festival Getxophoto 2023, asesora de la editorial y productora de arte consonni y de la Chaire Arts & Sciences (École polytechnique, l’École des Arts Décoratifs – PSL, Fondation Daniel et Nina Carasso) e integrante del comité de programación de ISEA Paris 2023 (International Symposium on Electronic Art).

El Institute for Postnatural Studies (IPS) es un centro de experimentación artística desde el que explorar y problematizar la posnaturaleza como marco para la creación contemporánea. Fundado en 2020, se concibe como una plataforma de pensamiento crítico, una red que reúne a artistas e investigadores preocupados por los problemas de la crisis ecológica global a través de formatos experimentales de intercambio y producción de conocimiento abierto. Desde un enfoque multidisciplinario, el IPS desarrolla investigaciones de largo plazo enfocadas en temas como ecología, coexistencia, política y territorios. Estas líneas de investigación toman diferentes formas y formatos, incluyendo seminarios, exposiciones y residencias como espacios de experimentación académica y artística.

"No esperaba que saliera un sonido así de un cuerpo tan pequeño, ha sido muy impresionante, ella quería hacer lo mismo con su voz: no disfrazarla, sino vestirla de otras voces a su voz, a su garganta, queremos decir, como si de su garganta naciera otra voz, como si hablara, no con otra, con ella misma, teniendo una conversación por ejemplo sobre lo que desaparece, del balbuceo al último aliento sin pasar por el medio, con una voz nueva de todxs ¿cómo sería? una boca con muchas lenguas, una ventrílocua que nos venga a multiplicar las gargantas, transcribir el sonido como cuando esa hoja sonaba a revolera, como si nos dijera venga, vamos a, sonaba, esa experiencia amplificada había que sacar el sonido del suelo ¿qué significa eso? no sé, era como un juego de la respiración, yo estuve obsesionada con sentir ese sonido, centrar la atención en lo que se escucha después de cantar, el carraspeo, el canto del cisne con muchas lenguas, el canto que acompaña el momento justo antes de dormir, hacerlo hasta quedarnos juntas sin voz". 

Un coro amateur es un proyecto de creación en el que cualquier tipo de voz es bienvenida a participar. Cada dos jueves hace sesiones de investigación propia y también sesiones con artistas que trabajan con la voz y la escucha.  

Por el Coro Amateur han pasado Sonia Megías, Itziar Okáriz, Jaume Ferrete, María Salgado y Fran MM Cabeza de Vaca, Rocío Márquez, Alma Söderberg, Ainara Lagardon, Jhana Beat, Lolita Versache, Bea Narcoléptica, Luz Prado, Los Torreznos, Makiko Kitago, Julián Mayorga, Agnès Pe, Paloma Carrasco, Anto Rodríguez, Elisa C. Martín, Elena Murcia Pinto con Marina Peralta Murcia, Inma Marín con Jon Cañal y Tania Arias Winogradow con Milo-Andrey Ulises, Rolando San Martín, Amalia Fernández, Elena Córdoba, Raquel G. Ibáñez, Alex Reynolds, Black Tulip, tacoderaya, Mónica Valenciano, Ruth Abellán y Arturo Moya, Ojo Último, Monserrat Palacios y Fátima Miranda, Sole Parody, Enrico Dau Yang Wey, Coco Moya, Veza Fernández, Patricia Leguina, Jesús Burrola y Noela Covelo.      

Todos los trabayos son

para las pobres muyeres,

aguardando por las noches

que los maridos vinieren.

Unos veníen borrachos,

otros veníen alegres;

otros decíen: «Muchachos,

vamos matar las muyeres».

Ellos piden de cenar,

ellas que darles no tienen.

"¿Qué ficiste los dos riales?

Muyer, ¡qué gobierno tienes!!»

Nana popular recogida por Federico García Lorca en su Conferencia sobre nanas, 1928. 

Las canciones de cuna conforman un espacio de expresión para las madres, una práctica creativa y un lugar donde caben los miedos, la tristeza o los deseos más ocultos. Éstos están lejos del ideal dulcificado de maternidad a pesar de formar parte de ella.

Queremos compartir durante cuatro mañanas ese momento creativo tan especial que es cantar para conciliar el sueño. Hacer entre mucha gente lo que normalmente se hace a solas y no solo dormir al niño sino a todas las participantes.

En este taller, junto a la poeta Ángela Segovia y el violín de Luz Prado, crearemos la letra, la melodía y el ritmo de canciones que nos hagan descansar, estar a gusto, y practicar la ternura con la que gobernar el mundo.

Luz Prado (Málaga, 1985) Música, violinista y performer. Vive en itinerancia y trabaja en lo escénico desde el sonido. Su práctica parte de un diálogo constante con el violín y el encuentro con otras artistas a través del diy, la danza y el ruido.

Ángela Segovia (Las Navas del Marqués, 1987) Todo lo que puedo me dedico a escribir. Publico en la editorial La uña rota desde hace años. Concibo la escritura como un espacio abierto, o bien, me esfuerzo por no cerrarlo, quizás por eso tiendo a mezclar géneros y disciplinas, aunque en realidad para mí todo es lo mismo, escritura. Siempre escritura.