Cualquier persona interesada

Se llama Ostro al viento que sopla del sur, un viento cálido y húmedo que en la mayoría de los casos no sopla durante mucho tiempo.

Como una brisa caliente, arranca en marzo este ciclo de artes vivas que implementarán el sentido del cuerpo dentro de las salas del museo.

Se invitará a diferentes creadores de las artes escénicas a desarrollar, una vez al mes, una propuesta en el espacio del museo que ellos deseen para hacer partícipe a la arquitectura del centro al unir movimiento, cuerpo y públicos.

Queremos entrelazar vínculos entre la danza, la performance y el espacio museístico, conectar los procesos creativos de la performatividad, disfrutar de una diversidad de fórmulas que ahonden en el cuerpo y sus posibilidades en el museo para generar un espacio permanente donde el movimiento sea el protagonista.

- 26 de marzo. Javiera de la Fuente
- 7 de mayo. Poliana Lima 
- 11 de junio. Candela Capitán
- 24 de septiembre. Pies de Gallina (Luna Sánchez y Ana F. Melero)

El Museo CA2M colabora en la quinta y última edición de Domingo, el festival de artes performativas de La Casa Encendida comisariado por Fernando Gandasegui que durante el último lustro ha reunido a la escena nacional e internacional, alentando los lenguajes experimentales.

Domingo 2025 se articula, como en ediciones anteriores, a través de la escucha de lo que está ocurriendo en la escena actual, ahondando en los principales ejes de su programa estos años: la confluencia y apertura de disciplinas, generaciones y geografías, el protagonismo de la voz y la performatividad del sonido, la potencia del agenciamiento político y sensible de las imágenes y la imaginación, el ejercicio de la alegría crítica en la práctica artística, la propuesta de alternativas para el encuentro y transmisión entre públicos y artistas, la atención a somatopolíticas del sur europeo y, sobre todo, la puesta en valor y circulación de lenguajes radicalmente experimentales frente al aplanamiento de las tendencias neoliberales.

Jueves 13 de marzo SUI. Entrada libre hasta completar aforo

• 19:00h ORELLES VOLADORES Nilo Gallego
• 20:15 CLARALINDA, CLARALINDA, CLARALINDA Luísa Saraiva

ORELLES VOLADORES. Nilo Gallego 19:00h Duración aproximada: 1 hora.

En Orelles voladores, Nilo Gallego se deja atravesar por su experiencia como percusionista y sonidista, a la vez que propone al público la búsqueda de un nuevo solfeo y un nuevo sentido de la afinación, desde la sencillez y la honestidad. Porque cada sonido que llega a nuestros oídos, rebotado y filtrado por todos los materiales que ha ido encontrando, nos cuenta una historia; una historia que vamos aprendiendo a ignorar a lo largo de los años y que esta pieza invita a recuperar.

Orelles voladores es un concierto de percusión en el que el artista nos propone que formemos una orquesta de percusión con nuestros tímpanos, con la escucha como baqueta. Este concierto cambia cada vez que se ejecuta adaptándose a cada espacio y situación. Para esta ocasión la performance tendrá la colaboración del percusionista Frankuu Carrascosa y de Un Coro Amateur, un proyecto abierto con base en el Museo CA2M que lleva ya 8 años de funcionamiento y del que Nilo también forma parte.

Nilo Gallego (Ponferrada, León) es músico y artista que realiza performances en las que la experimentación con el sonido es el punto de partida. En sus trabajos, que siempre tienen un componente lúdico, busca la interacción con el entorno y lo cotidiano. Forma parte del colectivo experimental de acción Orquestina de pigmeos (junto a Chus Domínguez) y colabora habitualmente con creadores como Silvia Zayas, Alex Reynolds o la compañía Societat Doctor Alonso. Toca la batería, percusión y electrónica. Realiza la creación musical y diseño de espacios sonoros para compañías de teatro y danza contemporánea. Sus trabajos se han podido presenciar en festivales de artes en vivo nacionales e internacionales. Diseña herramientas e imparte talleres educativos basados en la escucha y la creación sonora.

Créditos: Creación e interpretación: Nilo Gallego. Colaboraciones: Frankuu Carrascosa y Un Coro Amateur. Coordinación audiovisual y acompañamiento: Chus Domínguez. Apoyo en la escritura: Álex Reynolds.  Coproducción: Festival TNT (Terrassa Noves Tendencies). Residencias y apoyo: Espai nyamnyam, El Consulado Fonteta, Espacio Los Barros, La Poderosa y L’Estruch.

CLARALINDA, CLARALINDA, CLARALINDA Luísa Saraiva 20:15h Duración aproximada: 40 minutos.

Claralinda, Claralinda, Claralinda es un libro de canciones coreográficas en el que Luísa Saraiva comparte su práctica y extensa investigación sobre la fisicalidad del canto, los límites de la voz femenina y la naturaleza háptica del sonido. Al recorrer diferentes tipos de canciones e instrumentos, y viajar a través de extractos de sus obras, explora las posibilidades sonoras entre respiración, sonido y canto a través de una práctica del movimiento que expone visualmente el trabajo físico involucrado en el control de la respiración. Las canciones se añaden, transforman e improvisan según la investigación y el proceso en que Luísa esté involucrada. El universo musical se inspira en las canciones populares tradicionales del centro y norte de Portugal.

Luisa Saravia es una coreógrafa que vive entre Oporto y Berlín. Su práctica artística investiga el lenguaje del cuerpo y la voz y se sitúa en la intersección del movimiento y la composición musical. Su trabajo está fuertemente influenciado por la investigación sobre la fisicalidad de la voz y una perspectiva contemporánea y no esencialista del folclore y la tradición. Estudió Psicología en la Universidad de Oporto y Danza en la Universidad de Folkwang Arts de Essen en Alemania. Ha desarrollado diversas colaboraciones con artistas de distintas disciplinas, como Lea Letzel, Carlos Azeredo Mesquita y Senem Gökce Ogultekin. Ha recibido becas para diversos programas de investigación artística y en 2019 formó parte del programa danceWEB y fue coreógrafa residente en K3 | Tanzplan Hamburg. En 2022/2023 recibió la beca Tanzpraxis de la ciudad de Berlín. Desde 2020 trabaja como activista en el campo de la salud mental en las artes escénicas promoviendo talleres y charlas.

Créditos Coreografia y performance: Luísa Saraiva. Instrumento: Inês Tartaruga Água. Agradecimientos: João dos Santos Martins y Associação Parasita.

En colaboración con: 

Os invitamos a participar en el recorrido jugado “Desde el azar”, un recorrido comentado a través de las exposiciones Ría, Humores y espesores, y Flor Hispania. Durante este recorrido, visitaremos las tres exposiciones, guiándonos por un eje reflexivo seleccionado al azar. Podremos dialogar sobre temas como la huella, la repetición, los imaginarios, la periferia o la dualidad, desde distintos roles y utilizando diversas herramientas. ¿Puede el simple acto de jugar revelar las exposiciones desde nuestra subjetividad? En “Desde el azar: un recorrido jugado”, exploraremos esta posibilidad a través del universo artístico de Jorge Satorre, Rodríguez-Méndez y David Bestué, tratando de revelar las reflexiones, significados e historias presentes en sus piezas.

Las visitas están impartidas por Francisca Soto Martínez (Santiago de Chile,1989). Francisca es una artista, restauradora y educadora chilena establecida en España. Es miembro del colectivo El Hueco, donde desarrolla proyectos centrados en la memoria colectiva y la construcción comunitaria. Explora las fricciones entre arte, restauración y educación, con el objetivo de generar un impacto positivo en las comunidades y el patrimonio cultural no hegemónico.

La actividad es gratuita y se realiza todos los domingos a las 12:30 para el público general.

Con inscripción previa en el teléfono 91 276 02 21, en el correo electrónico ca2m@madrid.org o en la recepción del museo.

Aforo máximo de 12 personas.

Además, extendemos la invitación a todo tipo de grupos los miércoles por la mañana. Para coordinar una visita grupal, puedes contactarnos al teléfono 912 760 227 o al correo electrónico educacion.ca2m@madrid.org.

Azogue, no te aciguaten los sonidos del silencio: invocamos el espíritu de Lolita Versache y Samuel Mariño.

Ven con tu voz, que no pasa nada, que no pasa nada, que pasa todo con tu voz, que pasa de todo con tu coro.

Voces, bocas voraces. Berreamos, bramamos, balamos, valemos. ¡Vente, valiente! ¡¡¡Vengaaaaa!!!

Fiera  de muchas bocas sin pies ni cabeza desde el ultramundo un cuerpo que brama sin ruido con chillidos y espasmos. La casa se moja, mis labios se cierran y venís vosotros.

Descontextualización del sonido y del silencio. ¿El silencio después del jaleo o el jadeo después del jaleo?. El jadeo del silencio, el jaleo por hacer.

Y acaso todo esto más allá del final.

Un coro amateur es un proyecto de creación en el que cualquier tipo de voz es bienvenida a participar. Cada dos jueves hacemos sesiones de investigación propia y también sesiones con artistas que trabajan con la voz y la escucha. 

Por el Coro Amateur han pasado Sonia Megías, Itziar Okáriz, Jaume Ferrete, María Salgado y Fran MM Cabeza de Vaca, Rocío Márquez, Alma Söderberg, Ainara Lagardon, Jhana Beat, Lolita Versache, Bea Narcoléptica, Luz Prado, Los Torreznos, Makiko Kitago, Julián Mayorga, Agnès Pe, Paloma Carrasco, Anto Rodríguez, Elisa C. Martín, Elena Murcia Pinto con Marina Peralta Murcia, Inma Marín con Jon Cañal y Tania Arias Winogradow con Milo-Andrey Ulises, Rolando San Martín, Amalia Fernández, Elena Córdoba, Raquel G. Ibáñez, Alex Reynolds, Black Tulip, tacoderaya, Mónica Valenciano, Ruth Abellán y Arturo Moya, Ojo Último, Monserrat Palacios y Fátima Miranda, Sole Parody, Enrico Dau Yang Wey, Coco Moya, Veza Fernández, Patricia Leguina, Jesús Burrola y Noela Covelo.     

El Ha-ha, es un mecanismo deceptivo que interviene en la construcción del paisaje. Genera una ilusión de amplitud y camufla su verdadera función: el control de tránsito de determinados individuos o especies. El nombre ha-ha se utilizó por primera vez en el libro de Dezallier d'Argenville  de 1709  “La teoría y la práctica de la jardinería”, en el que explica que el nombre deriva de la exclamación de sorpresa de los  espectadores al reconocer la ilusión óptica.

Cuando me propusieron realizar esta visita lo primero que me vino a la cabeza fue el título: Ha-ha wall. Fue una asociación casi inmediata, quizá inducida por el tremendo contraste que produce ese término con la descomunal obra que preside esta muestra: 1502 personas de cara a la pared. Una pared que da risa y una pared que no hace ninguna gracia. Es un punto de partida, ya que mi trabajo y el de Santiago guardan poca relación a simple vista. He utilizado esta palabra, que es un chiste en sí misma, como una manera de romper el hielo y empezar un diálogo improbable entre dos generaciones, entre dos maneras muy diferentes de abordar la producción artística. De nuevo el contraste. Y es que es el contraste entre la luz y la sombra lo que permite la visión… Aunque no siempre. Las sombras ocultan o revelan y mirar hacia la luz puede dejarnos ciegos. Quiero abordar esta visita posicionada desde las paradojas de la mirada, desde los dispositivos de visibilidad y ocultación con que se nos presentan los hechos, desde la sospecha continua de que en todo lo que nos es dado a ver hay algo que se nos escamotea.

El Museo CA2M desarrolla una línea de trabajo encaminada a desarrollar visitas temáticas en las que invitar a artistas y creadores a acercar las exposiciones a los espectadores a través de sus prácticas. De esta manera huimos de la presunción de objetividad de las narrativas que plantean las exposiciones proponiendo romper con los discursos hegemónicos. Un espacio de investigación dónde propiciar lecturas propias de la imagen, la historia y generar con esto nuevos imaginarios.

Fechas:

• Sábado 14 de diciembre 12:00h
• Domingo 15 de diciembre 18:00h

Ángela Cuadra investiga imágenes que versan sobre técnicas de ocultamiento usadas a lo largo de la historia reciente, en un amplio estudio fenomenológico de la invisibilidad. A partir diversas fuentes con cargas históricas y semánticas preexistentes busca encontrar nuevas capas de sentido en la expresión artística. Fundamentadas en el collage y abordadas desde la intuición, sus obras se desarrollan en múltiples medios que van desde la instalación al vídeo, pasando por el dibujo y la pintura expandida.

Ha realizado exposiciones en el Museo Centro de Arte Dos de Mayo, Today Museum, en Pekin; Centro del Carmen, Valencia; Sant Andreu Contemporani, Barcelona; Fundación Cultural de Providencia, Providencia (Chile); Centro Galego de Arte Con- temporánea (CGAC), Santiago de Compostela, entre otros. Desde 2013 trabaja en el espacio de proyectos Salón, que dirige junto a su marido, Dai K S. Así mismo, es una de las fundadoras de la primera feria internacional de espacios non-profit en Madrid, Supersimétrica,

En nuestras maletas de migrantes van 23 kilos de vida por cada cruce. ¿Otra vez con sobrepeso? ¿Qué llevas cuando te vas, cuando vuelves? ¿La yerba mate para matar las horas? ¿La hojita de coca para soplarle a Dios? ¿Cuánto pesa una casa? ¿Te alcanzó la plata para traer a tu perrita? ¿Seguía erizada la piel de la guanábana cuando desempacaste? ¿A qué huele tu equipaje? En estas cuatro sesiones seremos pulpa y semilla, verde y viaje, ternura y ladrido para narrar los vientos de sur a sur que se desplazan en el territorio inventado de la diáspora. Cuatro encuentros para abrir la guanábana (que no el melón) y explorar a través del relato los intersticios de todas nuestras criaturas.

Os invitamos a transitar por este laboratorio de escritura formado por un taller de cuatro sesiones interconectados impartidos por Sudakasa: Lucrecia Masson, Andrea Aldana, Chinî y Hildy Quintanilla Ocampo (Q´inti- Colibrí).

Las fechas del taller son:

• Viernes 29 de noviembre 18:30h-20:30h
• Sábado 30 de noviembre 12:00h-14:00h
• Viernes 13 de diciembre 18:30h-20:30h
• Sábado 14 de diciembre 12:00h-14:00h

Para obtener certificado de asistencia se tendrá que asistir al menos a 3 de las 4 sesiones.

Sudakasa, es un espacio de escritura comunitaria y creación desde las experiencias migrantes, es una casa-refugio y residencia artística que llega para cubrir nuestra falta de "pueblo", porque el nuestro se encuentra allende los mares. En esta parcela de olivos, almendros y parras, nos hemos reapropiado del insulto y lo hemos convertido en cuerpo, identidad y memoria de las diásporas para tejer juntas otros relatos de resistencia que enfrenten las violencias contra los de abajo.

Lucrecia Masson Córdoba. Con la impureza como principio, es escritora, artista e investigadora y sus principales temas de indagación son cuerpos, animalidades y otros que humano. Desde una apuesta anticolonial, trabaja con distintos registros artísticos experimentando sobre todo con escrituras. De la teoría le interesa la imaginación y cree porfiadamente en que no se puede pensar sin el cuerpo. Publicó epistemología rumiante (2017), Escrituras rumiantes. Cuerpo, exceso, animalidad (2022) y ha participado en numerosas antologías. Forma parte del Colectivo Ayllu con quienes ha publicado Devuélvannos el oro (2018) y participado, entre otros espacios, de la Bienal de Sydney (2020) y la 35ª Bienal de Sao Paulo (2023).

Mientras Andrea Aldana se hacía escritora y periodista, fue vejada por los paramilitares en los años en que Colombia se desangraba, estuvo infiltrada en la guerrilla y fue perseguida política. Hoy vive asilada en Madrid. Su historia no es solo el periplo de una mujer entre varios fuegos y su búsqueda de redención en el presente de la migración forzada, es la historia de resistencia de nuestros territorios asolados por la violencia patriarcal, racista y militar. Ha publicado historias que no le gustan ni a la policía, ni al gobierno, ni a las mafias, y para hacerlo tuvo que aprender a sumergirse y escribir desde el infierno, fue así como descubrió la escritura encubierta para escribir contra el poder, cualquier poder. Fue finalista del Premio Nuevas Plumas (México 2015), recibió el Premio Nacional de Periodismo de su país (2020). Y tiene crónicas traducidas a italiano por Internazionale y a francés por la revista 6 Mois y el medio Blast. En 2021, Reporteros Sin Fronteras la sacó no una, sino dos veces de Colombia por amenazas contra su vida, desde entonces lleva la herida migrante y sigue escribiendo ahora desde España.

Chinî. Nace en Ka’a guasu, Paraguay en 1987 durante la dictadura de Alfredo Stroessner. Es poeta y marica 108, estudia biología e investiga sobre ranas y sapos de Piri vevui. Migra a Madrid en 2019 siguiendo a su madre y hermana. Es guaraní jopara parlante desde pequeño y amante del tereré y el mbeju. Actualmente de profesión arborista y encargada de vigilar los bosques de El Pardo en Tres Cantos. Trabaja en su poemario Corpus infecciosa/ 30 comprimidos/ suspensión oral, que hurga la herida del VIH-sida, el duelo migratorio y los traumas de un cuerpo enfermo-sano. Piensa que el virus ha llegado a su cuerpo para escarbar su pasado y sanar con el remedio que le dan las plantas. Sueña en guaraní desde un Ka’a guasu recortado por la soja y la ausencia de su madre.

Hildy Quintanilla Ocampo (Q´inti- Colibrí). Es creadora escénica, poeta, willakuq [narradora], investigadora de teatralidades y oralidades andinas, y peregrina de Qoyllirit´i como parte de la nación Quispicanchi. En Madrid desarrolla el proyecto autogestionado Arguedas, oraliteca migrante, que acerca la oralidad y literaturas andinas y latinoamericanas y la enseñanza del idioma quechua a través de la Escuelachallay, mi escuelita de quechua en Madrid, como prácticas  que apuntan al fortalecimiento de las identidades migrantes y el diálogo intercultural en España.